“Las multitudes siempre se alimentan de epidemias psíquicas.”
“Uno es lo que ve y lo que escucha”
“Netflix, de los más sublime hasta lo mas basuroso”
60 excelentes películas en Netflix para burlar la brutal mercadotecnia de la Plataforma de Streaming y ganarle al Algoritmo que se aprovecha de tu Cultura Cinematográfica
La #Cuarentena nos obliga a refugiarnos en las Plataformas de Streamimg, como uno de los recursos más socorridos para ver películas. Las recurrentes visitas a Netflix, la que sin duda es la más visitada en todo el planeta, también nos lleva a descifrar y cuestionar sus métodos de exhibición de películas y series. En el encierro casero, es vital como nunca antes, vigilar las obras cinematográficas que se consumen en la incertidumbre causada por el Coronavirus. La lucha no es solo preservar la salud física, sino también la mental.
Para los que aseguran que no hay que ver en Netflix, que todo es “un mugrero”, más bien hay que brincar, evadir las trampas, las trabas que impone la plataforma. Aquí hay, les proponemos, al menos durante el mes de abril, 60 Obras Cinematográficas dignas de ser vistas, con altísimos valores cinematográficos y con la atenuante de que la lista incluye, más allá de la galardonada Roma de Alfonso Cuarón, destacadas representantes del Cine Latinoamericano.
La más poderosa Plataforma de Streaming está satanizada. Los espectadores que tienen una mínima Cultura Cinematográfica, se quejan de que Netflix solo les ofrece películas de muy baja calidad y obras comercialoides y sin ningún valor cinematográfico. En realidad ninguna plataforma es buena o mala. Todo depende del uso que se le dé y la actitud, y el conocimiento de causa, con la que se aborde.
Esta circunstancia, que prevalece en Netflix, tiene varias explicaciones muy sencillas:
– La Plataforma de Streaming privilegia sus películas originales, que en realidad son coproducciones, por encima de las cintas que ya se estrenaron en las pantallas tradicionales de los cines de todo el mundo, independientemente de su calidad. Insistentemente aparecen pantallas donde automáticamente corren los trailers, o avances, de las películas que están imperativamente obligados a promocionar. De ahí nace el más reciente, y tramposo, recurso mercadológico de Netflix: el Top Ten o la clasificación, del 1 al 10, de lo que llaman las películas y series más populares o más vistas.
-Netflix también ofrece los títulos, basándose en las preferencias de los usuarios. El poderoso algoritmo de la plataforma “detecta”, “percibe”, “intuye cibernéticamente” los gustos cinematográficos de los espectadores, y con base a las películas y series seleccionadas, propone los siguientes títulos, las tramas y el nivel de calidad de las películas y series. Podría pensarse de buena voluntad que el algoritmo opera como un robot semántico. El asunto se reduce a que el grado de disfrute, o de rechazo, que usted experimenta en la plataforma depende de su exigencia, inteligencia, cultura cinematográfica y resistencia ante lo que machaconamente le propone el gigante del streaming.
Para no ofender la inteligencia de los espectadores cinéfilos, mucho se agradecería que Netflix conservara permanentemente, y defendiera a ultranza, una sección dedicada a los Clásicos de la Cinematografía Mundial.
La lista que a continuación le ofrecemos surgió de una intensa encuesta llevada a cabo por Homocinefilus en todas sus Redes Sociales.
Hemos dividido la selección de películas, y algunas series, en cuatro grandes apartados, jerarquizados por orden de importancia temática:
LAS PELÍCULAS IMPRESCINDIBLES DE VER. LAS QUE NO PUEDES DEJAR DE REVISAR CUANTO ANTES:
Un asunto de familia / Manbiki kazoku / Shoplifters / Hirokazu Koreeda / Japón 2018
Burning / Beoning … Dir. Lee Chang-Dong / Corea del Sur – Japón 2018
Un ciudadano ilustre / Dires. Gastón Duprat y Mariano Cohn / Argentina – España 2016
Uncut Gems / Diamantes en bruto / Dires. Benny Safdie y Josh Safdie / EUA 2019
El libro de Imágenes … Le livre D’image … Dir. Jean-Luc Godard … Suiza – Francia 2018
Largo viaje hacia la noche … Di Qiu Zui Hou De Ye Wan … Dir. Bi Gan … China / Francia 2018
Perdí mi cuerpo … I lost my body … J’ai perdu mon corps … Dir. Jérémy Clapin … Francia 2019
Hunt for the wilder people / A la caza de los ñumanos … Dir. Taika Waititi … Nueva Zelanda 2016
La casa de la esperanza / The Zookeeper’s Wife / Un refugio inesperado / Dira. Niki Caro … República Checa 2017
Hou lai de wo men / Nosotros y ellos / Dira Rene Liu … China 2018
Atlantique … Atlantics … Dira. Mati Diop … Francia / Senegal 2019
The Laundromat Dinero Sucio … Dir. Steven Soderbergh … EUA 2019
Okja … Dir. Bong Joon Ho … Corea del Sur / EUA 2017
LAS CINTAS QUE ES MUY RAZONABLE Y SANO QUE REVISES DE NUEVO:
Manchester frente al mar … Manchester by the sea … Dir. Kenneth Lonergan … EUA 2016
Lost in translation … Perdidos en Tokio … Dira. Sofia Coppola … EUA / Japón 2003
American Beauty … Belleza Americana … Dir. Sam Mendes … EUA 1999
Lion Un Camino a Casa … Dir. Garth Davis … GB / Australia 2016
Sin nada que perder … Hell or High Water … Comanchería … Dir. David Mackenzie … EUA 2016
Lazzaro Feliz … Lazzaro Felice … Dira. Alice Rohrwacher … Italia / Suiza 2018
Ojos bien cerrados … Eyes Wide Shut … Dir. Stanley Kubrick …
Twin Peaks Anniversary Mashup … Dires. Mark Frost y David Lynch … EUA 1990 – 1991
Arrival … La Llegada … Dir. Dennis Villeneuve … EUA / Canadá 2016
Carol … Dir. Todd Haynes … GB / EUA 2015
Whisky … Dires. Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll … Uruguay 2004
Niños del Hombre … Children of Men … Dir. Alfonso Cuarón … GB / EUA 2004
Elizabeth la reina virgen … Elizabeth … Dir. Shekhar Kapur … GB 1998
Get Out … Déjame Salir … ¡Huye! … Dir. Jordan Peele … EUA 2017
El Submarino … Das Boot … Dir. Wolfgang Petersen … RFA 1981
Gone Girl … Perdida … Dir. David Fincher … EUA 2014
Inception … El origen .. Dir. Christopher Nolan … GB / EUA 2010
La Ciudad de las Estrellas: La La Land: Una Historia de Amor … Dir. Damien Chazalle … EUA 2016
Loving Vicent … Cartas de Van Gogh … Dires. Dorota Kobiela y Hugh Welchman … Polonia / GB / EUA 2017
Al mejor postor … La mejor oferta … La migliore offerta … The Best Offer … Dir. Giuseppe Tornatore … Italia 2013
El viento se levanta … Kaze tachinu … Dir. Hayao Miyazakji … Japón 2013
LAS YA MUY VISTAS PERO INOLVIDABLES:
Zero Dark Thirthy … La noche más obscura … Dira. Kathryn Bigelow … EUA 2012
Uno de los nuestros … Goodfellas … Buenos Muchachos … Dir. Martin Scorsese
La Trilogía de El Padrino … The Godfather … Dir. Francis Ford Coppola … EUA 1972, 1974, 1990
Los intocables de Elliot Ness … The Untouchables … Dir. Brian De Palma … EUA 1987
Cadena perpetua … The Shawshank Redemption … Sueño de Libertad … Dir. Frank Darabont … EUA 1994
El profesional (Léon) … El Perfecto Asesino … Dir. Luc Besson … Francia / EUA 1994
Taxi Driver … Dir. Martin Scorsese … EUA 1976
Scarface … Caracortada … El Precio del Poder … Dir. Brian De Palma … EUA 1983
La princesa Mononoke … Mononoke-hime … Dir. Hayao Miyazaki … Japón 1997
Desayuno con diamantes … Desayuno en Tiffany´s …Dir. Blake Edwards … EUA 1961
Malas calles … Mean streets …. Calles peligrosas … Dir. Martin Scorsese … EUA 1973
Mujeres al borde de un ataque de nervios … Dir. Pedro Almodóvar … España 1988
Mad Max … Mad Max El Guerrero de la Carretera .. Mad Max Salvajes de autopista … Dir. George Miller … Australia 1979
Blade Runner … Dir. Ridley Scott… EUA 1982
Big Fish … El Gran Pez … Dir. Tim Burton … EUA 2003
África mía … Out of Africa … Memorias de África … Dir. Sydney Pollack … GB / EUA 1985
El club de los cinco … The Breakfast Club … Dir. John Hughes … EUA 1985
Atrápame si puedes … Catch Me If You Can … Dir. Steven Spierlberg … EUA / Canadá 2002
High Noon … A la Hora Señalada … Solo ante el peligro … Dir. Fred Zinnemann … EUA 1952
Seven … Los siete pecados capitales …Dir. David Fincher … EUA 1995
LOS DOCUMENTALES:
Cheerleaders en acción … Cheer … Dir. Greg Whiteley … Original de Netflix …. Docuserie … EUA 2020
Trump: An American Dream … Dires. Barnaby Peel, Daniel Bogado y Natasha Zinni … GB 2017
The Birth of Cool: La historia de Miles Davis y su música … Miles Davis: Birth of Cool … Dir. Stanley Nelson … EUA 2019
Winter on Fire: Ukraine’s Fight for Freedom … Dir. Evgeny Afineevsky … GB / Ucrania / EUA 2019
Cascos Blancos … The White Helmets … Dir. Orlando von Einsiedel … GB 2016
What Happened Miss Simone? … Dira. Liz Garbus … EUA 2015
El Festival de Cine Virtual de Homocinefilus. 40 Películas Clásicas En Línea para Sobrevivir la Cuarentena y Convertirse en un Máster del Análisis Cinematográfico
Las Plataformas de Streaming representan una nueva forma de ver cine que no acaba de nacer y se contraponen dialécticamente con la forma tradicional de ver películas, que no acaba de morir
El Internet y las Redes Sociales aportando lo mejor de la Cultura Cinematográfica
Distancia Social es el nombre del juego, que nos aísla y a la vez nos lleva a los indómitos terrenos de la reflexión
La página de Crítica de Cine Homocinefilus presenta su Primer Festival de Cine Digital.
Con este Festival Cinematográfico respondemos a la incesante pregunta de nuestros amables seguidores: ¿Qué películas ver En Línea, durante esta feroz y angustiante cuarentena que nos impone un letal y contagioso virus, el COVID-19, que ha postrado a la humanidad en una era, en la que, soberbios que somos, pensamos que ya habíamos dejado atrás a todas las pandemias que podían arrasar con la raza humana y nos hace recordar nuestra frágil condición frente a la poderosa naturaleza.
Pero no estamos aquí, ofreciéndoles y presentándoles este fáustico y orgiástico festín cinematográfico para repetir las trágicas noticias que se ciernen por todo el mundo informativo. Por demás está decir que el Coronavirus, hasta el momento de anunciarles este Festival de Cine Virtual, ha causado la muerte de 16,400 personas y tiene infectadas a 374.000 en 183 países. En realidad debemos ser congruentes con la idea de que el cine se liga indisolublemente, con el entretenimiento y la cultura. También, y por añadidura, con la concientización social, la denuncia y la exposición de la tragedia humana, enmarcadas en la belleza de las imágenes en movimiento y los altísimos valores cinematográficos. De hecho esos son los criterios que determinaran las cintas Online, subtituladas la mayoría, para respetar la esencia creativa de la cintas, que además sean asequibles, gratuitas y legales, que les proponemos en este Festival de Cine de Streaming de Homocinefilus.
Con esta Muestra de Cine Virtual, también cumplimos un sueño, el de organizar un Festival de Cine, aunque en este caso, la Alfombra Roja y el Glamour inherentes, los tendrán que imaginar, recrear, obviar, cada uno de los espectadores, frente a su pantalla de televisión y acompañados con el grupo social que el virus les impone.
También damos cuenta de dos objetivos largamente anhelados: El de compartir el gusto y la recomendación de Obras Maestras que no solo divierten sino que además nos hacen reflexionar sobre las poderosas historias de los seres humanos que se sobreponen a las adversidades y el inmenso placer de rescatar y visibilizar las cintas geniales que solo los entendidos del cine conocen, que pululan en el cerebro del Crítico de Cine y que ahora, forzados por la circunstancias del encierro, tienen la oportunidad de ser revaloradas, más allá de la dictadura que impone la Cartelera Semanal de los Estrenos y los intereses puramente comerciales.
Finalmente, Cuando el destino nos alcance ( Soylent Green – Dir. Richard Fleischer – EUA 1973 ), en realidad ya nos alcanzó, y estamos obligados a estar en casa, en una cuarentena forzosa para salvar nuestra salud, nos enfrentamos a la oportunidad ideal de adquirir una Cultura Cinematográfica, como quien no quiere la cosa. Si es que ustedes así lo deciden.
No hay de otra: Los cines están cerrados y las pérdidas para la Industria Cinematográfica son multimillonarias. Por lo tanto el estadounidense Box Office está inhabilitado, algo insólito e histórico. El mexicanísimo Taquillómetro, obvio también dejo de registrar las entradas a las salas de cine y las ganancias. Las pérdidas son de miles de millones de dólares en los tres niveles de la Industria de Cine: la producción, distribución y exhibición, pero paradójicamente las hasta ahora repudiadas Plataformas de Streaming saltan a la palestra y adquieren una decisiva carta de naturalización en el gusto y la preferencia de millones de espectadores.
Una última consideración; ¿Será el cine en casa esa herramienta sanadora del espíritu de la humanidad en esta terrible contingencia. Se convertirá el Séptimo Arte en el Streaming en la fuerza catártica para que la raza humana alcance una nueva y poderosa consciencia social y ecológica?
La aventura fílmica En los bosques de Siberia, cuyo título original es Dans les forêts de Sibérie, está basada en la experiencia frugal que vivió durante seis meses el escritor parisino Sylvain Tesson, en una pequeña cabaña de nueve metros cuadrados a la orilla del lago Baikal, en Siberia; y que durante el duro invierno recogió en su bitácora, al lado de sus libros y mucho vodka. Asqueado del agitado mundo sin sentido en el que vive, Teddy, el actor Raphaël Personnaz, un ejecutivo parisino, se arriesga a pasar una temporada solo, alejado del bullicio y la falsa sociedad. Un viaje a Siberia lo lleva a un viaje introspectivo, donde la magia de la naturaleza brillará en todo su esplendor, y pronto lo llevará de la euforia de la libertad, al extremo de todo lo que hasta ese entonces había conocido. El director Safy Nebbou logra transmitir, a través de increíbles panorámicas, la vulnerabilidad del ser humano en un majestuoso planeta. Aderezada con exquisitos acordes de jazz, sin falsas lecciones, la cinta nos presenta la vida como un viaje acelerado, apenas un respiro. La planeada soledad con el frío intempestivo sacuden el alma y el cuerpo; los devaluados bríos con que se suele llegar a los treintas parecieran verse renovados con la experiencia de Teddy. Su capacidad de asombro, antes perdida, retorna con cargada intensidad; y la felicidad antes guardada en un cajón palpita desesperada porque no quiere volverse añeja.
Adios al lenguaje es una película del genial director franco-suizo Jean-Luc Godard . Siempre controversial, vanguardista, experimental e iconoclasta, aún a sus noventa años años sigue dividiendo a quienes ven sus películas en extremos radicales: quienes lo veneran, y quienes lo odian. Y es que la película Adios al lenguaje, un genial y masivo ensayo filmado, es una especie de collage auditivo y visual. Extractos literarios, trozos de piezas musicales, silencios abruptos y elevaciones intempestivas del volumen. Imágenes con colores distorsionados, sobresaturadas, superpuestas en 3D, encuadres fuera de lo convencional, personajes cuyo rostro solo aparece esporádicamente, segmentos que por momentos parecen vídeos casuales de los que cualquiera toma y sube a Youtube. Adiós al lenguaje es, sin duda, una de las mejores obras de Jean-Luc Godard, uno de los cenits de su carrera cinematográfica.
Después de una sucesión de películas memorables, Wong Kar-wai destapó la olla de la esencias para regalarnos esta obra imperecedera del cine romántico, plagada de secuencias mágicas y momentos inolvidables. In the Mood For Love es una película que hipnotiza al espectador desde su primer plano y le deja secuelas para siempre. Tony Leung y Maggie Cheung bordan unas interpretaciones repletas de matices y gestos, que el maestro de Hong-Kong rueda con una sensibilidad fuera de lo normal. Deseando Amar es una película de otro mundo, un mundo en que los amores imposibles superan la barrera de la eternidad.
El viaje de Chihiro es una de esas experiencias que mantienen al espectador fascinado y atento a la pantalla, a sabiendas que cada cinco segundos va a encontrar un hallazgo, una sugerencia, un verso y un fragmento de la mitologia y las deidades inventadas por Hayao Miyazaki para crear un alucinante y atractivo universo en el que se perciben decenas de influencias históricas ancestrales. Desde ese principio que aterra sin que pase nada, desde los trazos limpios y sencillos de la protagonista, desde el punto de inflexión que abre la puerta de un mundo paralelo, que es tan paralelo que rezuma un abierta crítica al capitalismo salvaje de Japón, mostrando la miseria, y los excesos de los habitantes de esa especie de balneario donde los monstruos más adinerados vienen a pasar unas horas de relajación y diversión, y otros como un río muy contaminado, llegan a depurarse en una típica Casa de Baños y Vapores japonesa, ,anifestando un poderoso mensaje ecológico. Poco se esfuerza Miyazaki en dejarnos ver que se trata de un lugar de esos oscuros donde las mujeres fuman. Y qué bien que las verdades no sean absolutas, que la visión no sea maniquea, que los personajes tengan aristas, fondo y trasfondo.
El documental es un género cinematográfico que inmortaliza el presente y nos deja muy frecuentemente pequeñas joyas, sublimes aportaciones que nos posibilitan reconocer el mundo que habitamos, reflexionando sobre él y tratando de dar respuestas a las inquietudes que nos abordan e incomodan. Suponemos que con esta filosofía nació en el año 2000 de la cabeza de la veterana realizadora francesa Agnès Varda el documental titulado Los espigadores y la espigadora (Les glaneurs et la glaneuse). La marca autoral de la directora francesa está presente en cada imagen. La voz de Varda funciona como guía, generando a su vez nuevos interrogantes en el espectador. En este recorrido personal e histórico, que incluye desde reflexiones personales sobre la vejez y el paso del tiempo hasta música rap cuyas letras refieren a la contradictoria situación de la abundancia y escasez de alimentos, Varda reflexiona sobre temas sociales que conservan su completa vigencia en el cambio de milenio.
La película belga Rosetta, de los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne ganó la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1999. Fue proyectada en el último día de competencia del Festival y, literalmente, le arrebató de las manos el prestigiado trofeo a Todo sobre mi madre, del español Pedro Almodóvar. La cinta de los Dardenne hunde sus raíces formales, de manejo de imagen y tratamiento de los personajes en la corriente del cinema verité francés de los años 60. La preocupación social, ciertos rasgos formales y la intensidad del personaje de los Dardenne se emparenta con este cinema verité. La anécdota de Rosetta es sencilla pero su fondo social es grave. La cinta de los hermanos Dardenne se asoma a una situación sórdida y la explora hasta sus últimas consecuencias., Rosetta funciona porque compara el ambiente y la psicología del personaje marginado con atisbos de la “normalidad” a la cual desea acceder por medio del trabajo.
República Fedral de Yugoslavia / Francia / Alemania / República Checa 1995
Underground es una película absolutamente imprescindible para entender la narrativa cinematográfica del genio del panorama europeo que es Emir Kusturica. La cinta relata, mientras hace un repaso por la historia de Yugoslavia en los cincuenta años que van del final de la Segunda Guerra Mundial al estallido del conflicto de los Balcanes en los noventa, la historia de Marko y Petar, inspirados en personajes reales de la historia yugoslava de la era del dictador Josip Broz Tito, ladrones y guerrilleros durante la ocupación nazi del país iniciada en 1941, y Natalija, actriz en ciernes en esa misma época y amante de Petar, y el devenir de esta relación a tres bandas a lo largo del tiempo, todo ello pasado por continuas y deliciosas escenas de bailes y música estridente de vientos propios del cine de Kusturica (Mesecina, pedazo de canción), de bodas celebradas con música, alcohol y comida sin límites, abundantes toques de humor, surrealismo y absurdo, y los habituales guiños cinéfilos del director. La cinta ganó la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes en 1995.
Cinema Paradiso
( Nuovo Cinema Paradiso )
Dir. Giuseppe Tornatore
Italia / Francia 1988
Extraordinario elogio a la nostalgia. Curiosamente, Cinema Paradiso comenzó siendo un fracaso. Cuando se estrenó en Italia a finales de 1988, en una versión de 155 minutos, fracasó en taquilla. Entonces le quitaron media hora, ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes, y volvió a los cines italianos. Esa versión fue un éxito en el mercado internacional, y acabó ganando el Oscar, el Bafta y el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera. En un pueblecito italiano durante la posguerra, al niño Totó (Salvatore Cascio) le encantan las películas, y siempre que puede se cuela en la cabina de proyección del cine de su pueblo, el Cinema Paradiso del título. Tras unos agarrones con su madre y el proyeccionista Alfredo (Philippe Noriet), Totó logra hacerse amigo de éste y ser su ayudante, aunque Alfredo no quiere que Totó sea un fracasado como él, y acabe siendo un simple proyeccionista.
Momo
Dir. Johannes Schaaf
RFA / Italia 1986
En Momo, la película de Johannes Schaaf, “los hombres grises” se encargan de “capitalizar” el tiempo de los despreocupados habitantes de una ciudad europea, como tantas otras ciudades a las cuales la modernidad todavía no domina por completo. Su antiguo anfiteatro, escenario y productor de mundos imaginarios, en el cual vive Momo, la joven protagonista, artista del tiempo lento, actúa como filtro contenedor de la inmediatez que demanda “el reino de la cantidad”. El concepto de la existencia encuentra el espacio ideal donde edificar una realidad alternativa. El arte de Johannes Schaaf consiste en adaptar la novela de Michael Ende, genial escritor de La Historia Interminable, de modo tal que no pierda su autonomía como director, ni la novela vea minimizado su sentido original. Schaaf se preocupa por trasladar roles, personajes y contenidos sin eludir los significados fundamentales del texto. Esto hace que tanto la película estrenada en 1986 como la narración de Ende perduren sin que el paso de los años reduzca o atenúe el efecto estético ni tampoco su mensaje. No corren riesgos de que las termitas grises del tiempo los consuman.
Mi hermosa lavandería
( My Beautiful Laundrette )
Dir. Stephen Frears
GB 1985
Omar, un joven inglés de origen paquistaní, empieza a dirigir la lavandería de su tío con la ayuda de Johnny, un antiguo compañero de clase, el típico hooligan inglés que no quiere trabajar y se dedica a amenazar a los inmigrantes. Además de dirigir la lavandería, Omar y Johnny reanudan la amistad que los unía cuando eran estudiantes. Su relación de amantes profundamente enamorados escandaliza a sus respectivas familias. Mi Bella Lavandería es uno de los filmes más brillantes de Stephen Frears. Una historia llena de ingenio, sutileza y sentido del humor. Muy buena desde el primer hasta el último minuto. El obsoleto concepto de lo británico, ya licuado y resbaladizo una vez finiquitadas las certidumbres del glorioso y extinto Imperio británico, queda aquí retratado en su irreparable decadencia, gracias a esta simbólica subversión del tradicional escalafón étnico supremacista. En el filme, el hombre blanco aparecerá en el rol de empleado de rango inferior, de parásito interesado, de pura rémora dejada de la mano de Dios, y de la Dama de Hierro. En contraposición con el vetusto maremágnum de orgullo racial, disparidad religiosa, inamovibles clases sociales y sensibilidades políticas.
París, Texas comienza en Terlingua, un pueblo del sur de Texas en el que viven tan solo unas 58 personas. Terlingua es un espacio liminal. “Liminal”, del latín limen significa umbral y hace referencia a un espacio de entrada o principio. Terlingua es un pueblo de entrada, fronterizo, a solo 15 minutos de México. Pero lo liminal no es solo un espacio, es también un estado, el estado de desorientación que surge en medio de un ritual, ese lapso de tiempo durante el que el participante ya no está en lo anterior, pero tampoco en lo siguiente. Travis Henderson (Harry Dean Stanton), el protagonista de París, Texas, está precisamente en ese espacio/estado, perdido, aturdido en el umbral.
Elogio de la desmesura. “Con la desquiciada furia de un perro que ha hincado los dientes en la pierna de un ciervo ya muerto y tira del animal caído hasta el extremo de que el cazador abandona todo intento de calmarlo, se apoderó de mí una visión: la imagen de un enorme barco de vapor en una montaña. El barco que, gracias al vapor y por su propia fuerza, remonta serpenteando una pendiente empinada en la jungla, y por encima de una naturaleza que aniquila a los quejumbrosos y a los fuertes con igual ferocidad, suena la voz del tenor italiano Enrique Caruso, que acalla todo dolor y todo chillido de los animales de la selva y extingue el canto de los pájaros”. Así se refiere Werner Herzog al proceso de gestación de Fitzcarraldo, en su libro Conquista de lo Inútil.
Monty Pyton: El Sentido de la Vida
( Monty Python: The Meaning of Live )
Dires. Roger Graef, James Rogan
GB 1979
El Sentido de la Vida es un conjunto de episodios que muestran de forma disparatada los momentos más importantes del ciclo de la vida. Desde el nacimiento a la muerte, pasando por asuntos como la filosofía, la historia o la medicina, todo tratado con el inconfundible humor de los populares comediantes ingleses. El prólogo es un cortometraje independiente rodado por Terry Gilliam llamado «Seguros permanentes Crimson». El Sentido de la Vida es una obra crepuscular de los Pyhton equiparable en madurez y efectismo a La vida de Brian. En el Festival de Cine de Cannes se formó bastante revuelo cuando sin estar previsto se anunció su proyección en el Festival. El público la adoró de inmediato. En la cinta, los Monty Python intentan contarnos las vicisitudes del ser humano desde su nacimiento hasta su muerte y como era de esperarse lo consiguen a su manera, divirtiendo y dejando para la posteridad varios de sus histriónicos gags. Los variados números musicales no interfieren en la metafísica del filme y más que trabarlo lo impulsan hacia un desconcertante final, por cierto, la famosa Canción del Esperma es de lo mejor que han realizado los Python en su carrera.
La interpretación de Gena Rowlands en Una mujer bajo la influencia, auténtico vademécum de la independencia fílmica y autoral, incluida una sufrida autodistribución para poder sacarla adelante, va mucho más allá del denominado método del Actor’s Studio de Lee Strasberg, en cuanto a que dicha concepción implicaba una cierta construcción mental. Hay, en cierta manera, un trabajo sistemático y concienzudo que tiene algo de maquinal, para llegar a un naturalismo por una vía, digamos, artificial. El trabajo de Rowlands si deslumbra no parece provenir de cierto sistema compositivo, sino de entregarse hasta tal punto que se borran brutalmente todas las barreras entre personaje y persona. El resultado es mayestático, impactante y lleno de vida.
Todos nos llamamos Alí
La Angustia Corroe el Alma
( Angst essen Seele auf )
Dir. Rainer Werner Fassbinder
RFA 1974
Bellísima y trágica historia de amor, de un Rainer Werner Fassbinder militante en su personal actitud romántica, quedan sin embargo para el recuerdo los momentos en los que afloran de manera más sincera los sentimientos entre la pareja protagonista: Emmi abrazándose a Alí tras la primera noche en su apartamento, observando admirada la belleza del cuerpo de su amado (“eres muy hermoso, Alí”), o sosteniendo entre sollozos su mano en el hospital, en el plano final de este arrebatado y duro drama romántico.
Vaquero de Medianoche
Cowboy de Medianoche
( Midnight Cowboy )
Dir. John Schlesinger
EUA 1969
La película está basada en una novela de James Leo Herlihy. Joe Buck (Jon Voight), joven texano marcado por las experiencias sufridas con su abuela y su novia, abandona su puesto de trabajo en su cálida ciudad natal para probar fortuna como gigoló en las lejanas y frías tierras de Nueva York. “Un vividor”, como él mismo se califica que, con su chamarra de flecos, su sombrero de cowboy, su inseparable radio y su maleta de piel de vaca, intentará vivir de sus artes amatorias con adineradas mujeres sedientas del sexo proveniente del salvaje oeste. Los sueños que se había hecho toparán raudamente con la cruel realidad, una destemplada realidad que terminará compartiendo con un enfermizo ladronzuelo de poca monta llamado Ratso (Dustin Hoffman). John Schlesinger, amamantado por el Free Cinema Imglés, consiguió con este filme estadounidense un enorme éxito que le llevó a obtener un Oscar de Hollywood por su trabajo de dirección, galardón que también obtuvo el conjunto de esta meritoria película levemente perjudicada por un excesivo empleo de los flashbacks y ensoñaciones procedentes de los recuerdos de Joe Buck (Jon Voight) y de los soleados deseos de Ratso Rizzo (Dustin Hoffman). Por lo demás, es un título a tener en cuenta, principalmente por esa estremecedora descripción de los ambientes más lúgubres de la gran ciudad de Nueva York, en donde conviven personajes marginales en habitaciones cochambrosas adornadas por carteles de paraísos o sectarios que histéricamente rezan a la puerta del retrete, con caracteres singulares y ambiguos que bailan en fiestas warholianas al ritmo de músicas y luces psicodélicas mientras engullen sustancias psicotrópicas.
La noche de los muertos vivientes me parece una película brillante por muchos motivos. El primero, y tal vez el más importante, es que George A. Romero no tenía demasiado dinero para hacerla, nunca llegó a hacer películas de gran presupuesto, y eso obliga a hacer uso de la imaginación y recursos porque no puedes hacer todo lo que quieres. Así, salvo el principio y el final, toda la trama tiene lugar en el interior de una casa rural, con lo que se libra de tener que rodar grandes escenas de acción. Memorable resulta el discurso de Ben, único actor afroamericano que tendrá el papel más relevante, explicando cómo ha llegado a la casa. Ver en imágenes sus aventuras hubiera resultado impresionante pero a la vez costoso, con lo que el espectador tendrá que imaginar el horror. Y en este género, la imaginación es mucho más terrible que la realidad.
Julieta de los espíritus
Giulietta de los espíritus
( Giulietta degli spiriti )
Dir. Federico Fellini
Italia / Francia 1965
El maestro Federico Fellini elabora una barroca aproximación al universo femenino, personificado en una joven pequeñoburguesa, excepción de fealdad y honradez en una familia de mujeres bellas y corruptas. Todo ello gracias a unas imágenes en las que vive un revolucionario tratamiento del color, que alejan definitivamente a Federico Fellini de sus primeras obras, deudoras del neorrealismo. A partir de este filme, Fellini abrazaría las imágenes oníricas y fantásticas con la única excepción de Amarcord. Película para fellinianos curtidos.
Repulsión
( Repulsion )
Dir. Roman Polanski
GB 1965
Carol ( Catherine Deneuve ) trabaja de día en un salón de belleza donde se dedica pacientemente a emperifollar las cutículas de las clientas. En su camino callejero, de su casa al trabajo y viceversa, evita cualquier posible cercanía con hombres con especial cuidado. Uno de ellos, el joven que la corteja (John Fraser), la invita a almorzar y a salir por la noche, ofertas que ella evade o pospone, dando a entender un falso juego de seducción. Pero, luego de observar un día en la vida de Carol, nos queda en claro que tiene cierto grado de enajenación mental. Su hermana (Yvonne Furneaux), lejos de rehuir citas, sale con un hombre maduro y casado (Ian Hendry), que se queda a dormir por las noches. Carol escucha en silencio los gemidos de placer de su hermana y, lejos de evadirlos, comienza a alucinar que es violada por un hombre. Esto acentúa su rechazo por los varones. El conflicto surge cuando la hermana y el amante se marchan de vacaciones a Italia. Carol afronta esa pasajera soledad sin una contención que le provocará una paulatina y trágica pérdida de razón. El ojo de Roman Polanski nos muestra este trágico drama urbano con una imparcial frialdad que bordea lo documental, logrando un tenso drama de alienación y degradación. A ello contribuyen los barrios utilizados como locaciones, la interpretación de Catherine Deneuve, las memorables escenas de alucinaciones e, indirectamente, el paupérrimo presupuesto de producción.
Charada
( Charade )
Dir. Stanley Donen
EUA 1963
Charada es la mezcla perfecta de comedia, romance y acción que numerosos directores llevan 57 años intentando replicar sin éxito. Para comprobarlo, no hay mas que mirar la cartelera. Regina (Audrey Hepburn) se ha casado recientemente con Charles, un hombre al que conoce apenas. Repentinamente Charles muere en circunstancias extrañas y Regina es reclamada por el gobierno francés a causa de ciertas irregularidades en la identidad del mismo. De repente, se ve inmersa en una serie de desagradables situaciones, provocadas por un botín que supuestamente ha heredado de Charles, pero que ella desconoce por completo. Devlin (Cary Grant), ciudadano americano, entra en su vida como por arte de magia para ayudarla a escapar de todos aquellos que le persiguen en busca de ese dinero que supuestamente está en sus manos. El culpable de este milagro fue Stanley Donen, director hasta ese momento de exitosos musicales ( Cantando bajo la Lluvia, Una Cara con Angel), que en 1962 decidió dar el salto a otro tipo de géneros, cansado de su encasillamiento. Su decisión no pudo ser más acertada, ya que en su primera tentativa construyó una de las películas más divertidas y trepidantes de los 60. Para ello, se aseguró la participación de algunas de las más importantes vacas sagradas de Hollywood, tanto en el aspecto técnico como en el artístico.
Dr. Insólito Dr. Insólito o como aprendí a no preocuparme y amar la bomba
¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú
( Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb )
Dir. Stanley Kubrick
GB / EUA 1964
El general Ripper (Sterling Hayden) se ha pirado. Por eso ordena el ataque nuclear a la URSS atrincherándose en su base junto al general Mandrake (Peter Sellers). En tanto el presidente (Sellers, de nuevo) exige al Pentágono una solución que no desate la Tercera Guerra Mundial. Nadie parece dársela, ni el general Turgidson (George C. Scott), ni el embajador soviético (Peter Bull), ni el Dr. Strangelove (Sellers, completando su tour de force) que tiene el mérito de proponer las ideas más derechistas de todas, acerca de la conservación de la raza elegida. Genial comedia que fue la faz tragicómica de la película Fail-Safe ( Sistema de Falla – Punto Límite – Dir. Sidney Lumet 1964), a pesar que esta se estrenó más tarde. Pocos directores han tenido la independencia y la brillantez de Stanley Kubrick, el mismo que después de levantar una polvareda social, religiosa y moral con Lolita (1962), se propuso para su siguiente filme desmitificar la Guerra Fría y burlarse de todos aquellos que detentaban el poder, fuera este político, militar, cultural o intelectual. La situación mundial era muy distinta en los años sesenta, con dos extremos políticos claros y antagónicos representados por Washington y Moscú, mientras en los Estados Unidos, en plena era de la crisis cubana, se padecían los estertores de una rabiosa fiebre anticomunista, avivada por grupos de derecha, racistas y de doble moral.
“Pero el problema no está ahí: venga de donde venga, el mal, cuando atraviesa el bien con sus innumerables alfilerazos, revela la trágica verdad del hombre y del progreso histórico. ¿Y dónde podría decirse eso mejor que en la URSS, el único gran país donde la palabra progreso tiene un sentido? Y naturalmente no hay lugar para sacar de ello no sé qué pesimismo. Igual que un optimismo fácil. Sino sólo la voluntad de combatir sin perder jamás de vista el precio que hay que pagar. Sé que conocen mejor que yo el dolor, el sudor y con frecuencia la sangre que cuesta el menor cambio que quiere introducirse en la sociedad; estoy seguro de que apreciarán igual que yo esa película acerca de las pérdidas áridas de la historia. Y la estima que siento por los críticos de L’Unitá (periódico italianoligado históricamente al Partido Comunista Italiano) me persuade para que le pida que les muestre esta carta. Me sentiría dichoso si estas pocas observaciones pudieran darles la ocasión de responderme y de abrir de nuevo la discusión acerca de La Infancia de Iván. No es el León de Oro del Festival de Cine de Venecia lo que debería ser la verdadera recompensa de Andrei Tarkovski, sino el interés, aunque fuese polémico, suscitado por su película entre los que luchan juntos por la liberación del hombre y contra la guerra”
Carta del gran filósofo francés Jean-Paul Sartre defendiendo la película por la polémica causada por su estreno en el Festival de Cine de Venecia por los medios de comunicación comunistas en Italia.
La criada
( Hanyo )
Dir. Kim Ki-young
Corea del Sur 1960
Una de las historias más extrañas y fascinantes del cine de Corea del Sur. que vas a ver jamás. Este cóctel de melodrama, thriller, horror y retrato social realizado por Kim Ki-young se encuentra entre los títulos favoritos del último triunfador de los Óscar, Bong Joon-ho, director de la celebrada Parásitos. La criada es un melodrama surcoreano donde la maldad y la locura tienen cara de mujer. Con un comienzo que sufre tropiezos, tres cambios de mujer protagónica, que a la vez sirven para aumentar los niveles de insanidad, el filme paulatinamente sufre una transformación morbosa, tóxica y atrapante que no se detiene hasta el final, el cual desconcierta con un poco de humor y una moraleja al mejor estilo de He-Man y los Amos del Universo. La historia se nutre de la violencia psicológica que atosiga al espectador como si estuviera ante un filme gore sin la necesidad de recaer en la violencia externa. El horror está presente dentro del recuadro de la cámara y dentro de la mente de los atormentados personajes. Un sinfín de actos tortuosos que abarcan desde la confesión de una infidelidad hasta el envenenamiento. Casi toda la acción del filme transcurre en el hogar de una familia trabajadora a la espera de un tercer hijo. Cuando los problemas no tardan en aparecer, las paredes de la casa parecen cernirse sobre los personajes y el espectador incrementando, desde una puesta en escena muy teatral, la atmósfera claustrofóbica que los hunde cada vez más en la desesperación.
Vértigo (De entre los muertos)
( Vertigo )
Dir. Alfred Hitchcock
EUA 1958
Vértigo, una de las películas más criticadas en el pasado y ahora considerada como una de las obras maestras del siglo XX. Dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por James Stewart y Kim Novak. Una cinta que rompe todos los esquemas del policial de la época para contarnos al final una historia de amor sin parangón. ¿Por qué una película que fue menospreciada en el momento de su estreno ha llegado a su máxima consideración en la actualidad, llegando a desbancar a Ciudadano Kane (Citizen Kane, Orson Welles, 1941) como la mejor película de la historia en la encuesta de Sight & Sound (y en otras) publicada en 2012? La respuesta podría estar en que Vértigo entronca con algunas de las reflexiones de los cineastas y la crítica de este primer tercio del siglo XXI: el estatuto de la imagen, las relaciones entre realidad y su representación, lo real y lo aparente, la (re)construcción de una imagen que explique el mundo y a nosotros mismos, la posición del espectador ante la multiplicación de pantallas y de las imágenes que generan.
El séptimo sello es una obra profundamente moral y psicológica, que intenta tras una estética y un discurso muy cuidados, responder, o al menos preguntarse, sobre algunas de las cuestiones que engloban el misterio de la vida y la muerte. Este es el primer pilar fundamental sobre el que se construye este filme de autor, porque sin las preguntas existenciales bergmanianas el filme no se podría articular, sería una historia sin un por qué, sin una cabeza que piensa detrás de todo ello y nos plantea una situación. Y es que como alegaba Alexander Astruc, uno de los primeros teóricos del cine, mucho después del nacimiento de éste filme, es el “yo” de detrás de la cámara quien construye el relato, y nosotros como espectadores miramos a través de ésa mirada.
Lo que el cielo nos da
Sólo el cielo lo sabe
( All That Heaven Allows )
Dir. Douglas Sirk
EUA 1955
DescripciónUna viuda de buena familia inicia un romance con su apuesto jardinero. A pesar de pertenecer a dos mundos completamente diferentes deciden casarse, pero su amor tropieza con el rechazo de los hijos de la mujer y de su círculo social. Fresco de época. En apariencia un melodrama típico pero en perspectiva un estudio sobre la sociedad norteamericana de los años 50, en particular de la clase alta suburbana, en toda su complejidad y contradicciones. Los personajes parecen atrapados en un laberinto de conformismo y buenas costumbres, que los termina acorralando. En paralelo, podría pensarse que la película también nos habla del mismo director, quien huyo del nazismo en 1937, desarrollando luego una carrera muy prolífica en Estados Unidos. La película cuestiona las bases del sentido común predominante en Estados Unidos durante los años 50, a la vez que narra una historia de amor entre una típica ama de casa que acaba de enviudar y su jardinero. La actuación de Rock Hudson es perfecta por su naturalismo, mientras que la actuación de Jane Wyman destaca por su aspecto naive.
Te querré siempre
En viaje a Italia
( Viaggio in Italia )
Dir. Roberto Rossellini
Italia / Francia 1954
“Con la aparición de Viaggio in Italia, de pronto todas las películas han envejecido diez años”
-Jacques Rivette, Director de Cine francés 1955
Estamos ante un gran filme que refleja como pocos una crisis matrimonial y que tiene elementos diáfanos de un road movie. Nos presenta a una pareja inglesa que debe viajar a Italia para vender una villa que ha heredado cerca de Nápoles. Al alejarse del ambiente londinense y encontrarse en un paisaje y en un mundo ajenos, la pareja experimenta sentimientos olvidados, como los celos y el resentimiento. En el momento de su estreno, En Viaje a Italia, décimocuarto largometraje de Roberto Rossellini (1906-1977), no complació a casi nadie. La crítica italiana e internacional crucificó al filme, el público le dio la espalda y ni siquiera sus actores protagónicos, Georges Sanders e Ingrid Bergman, esposa de Rossellini en ese momento, estaban convencidos de la calidad de la película. Pero también hubo sus excepciones. Y qué excepciones. Prácticamente toda la plantilla de críticos de cine de la revista Cahiers du Cinéma defendió a capa y espada la cinta. En una encuesta que la propia revista francesa organizó en 1958 para elegir el top-ten de la historia del cine, En Viaje a Italia quedó en tercer lugar, sólo atrás de Sunrise de F. W. Murnau y Las Reglas del Juego de Jane Renoir. Más aún: pocos años después, un actor de Antes de la Revolución (Prima della rivoluzione – Dir. Bernardo Bertolucci, Italia 1964) presumió haber visto 15 veces En Viaje a Italia para después afirmar, exaltado: «No se puede vivir sin Rossellini». Más de medio siglo después de este debate, no queda más remedio que constatar, otra vez, que si bien los cahieristas pudieron haber perdido la batalla crítica en esos años, con el paso del tiempo es obvio que terminaron ganando la guerra del canon fílmico. Aunque es cierto que ahora resultan francamente desproporcionados los elogios a este discutido filme de Roberto Rossellini, no se puede negar tampoco la influencia que esta cinta tuvo en la obra «modernista» de los años siguientes, especialmente en las películas de Michelangelo Antonioni y Jean-Luc Godard.
Noche en la ciudad
( Night and the City )
Dir. Jules Dassin
EUA / GB 1950
Bajo su envoltorio de cine de género, Noche en la ciudad esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Jules Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El filme le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes. No es extraño que Dassin pudiese sentirse identificado con el personaje principal, Richard Widmark como Henry Fabian, que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, pero sobre el que despliega una gran comprensión. Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desasosiego, estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un filme de Cine Negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato.
Los Olvidados
Dir. Luis Buñuel
México 1950
Ricos y pobres, barrios altos y barrios bajos, familias que viven en la opulencia y familias que sobreviven en la máxima pobreza. Así están configuradas la mayoría de grandes urbes del planeta. Dos mundos opuestos en uno. Una vez estrenada su segunda película mexicana (El gran Calavera), Luis Buñuel recibió una oferta del productor Óscar Dancigers para realizar un filme que se centrara en la pobreza de los barrios bajos de México. El cineasta rodó Los olvidados, un retrato de las jóvenes víctimas de la miseria de la sociedad, unas víctimas que acaban por convertirse en instintivos y violentos animales hambrientos. El personaje de Jaibo, interpretado espléndidamente por Roberto Cobo, lo ve claro al final del filme en esa extraña visión que tiene mientras agoniza en el suelo: el joven observa la imagen de un perro callejero que refleja perfectamente en qué se ha convertido su existencia.
El río
( The River )
Dir. Jean Renoir
Francia / GB / India | EUA 1951
El río no es una película neorrealista, aunque sí un filme que atiende en primer lugar el decorado real en que habitan los personajes. Podría decirse que El río es un documental ataviado con una historia de amor., con tres historias de sobre ese sentimiento. Cuando Jean Renoir decidió rodar en la India ya sabía que la fuerte impresión de aquel país debía plasmarse en imágenes que respondieran a la realidad antes que al tópico. Los productores querían filmar una aventura con cacería de elefantes porque, decían, «la India, sin elefantes y sin cacerías, no es la India». El director se negó tanto a esta posibilidad como a la del inevitable y feroz reportaje sobre la miseria y el hambre.
El realizador Martin Scorsese habla de la trascendental influencia de la película El Rio en su formación como cineasta
¡Qué bello es vivir!
( It’s a Wonderful Life )
Dir. Frank Capra
EUA 1946
Un hombre sencillo y honesto, acorralado por depredadores sofisticados, puede, si lo desea, llegar hasta lo más profundo de sus recursos dados por Dios y surgir con todo el valor, ingenio y amor necesarios para triunfar sobre su entorno. Ese tema prevalecería en todos, excepto en dos de mis filmes posteriores. ¡Que bello es vivir! es el grito de rebeldía del individuo contra ser pisoteado hasta verse reducido a pulpa por la masa: la producción en masa, el pensamiento en masa, la educación en masa, la riqueza en masa, la conformidad en masa» Esto declaraba Frank Capra sobre Que bello es vivir. Resulta difícil no rendirse ante el torbellino de emociones que provoca cada vez que uno ve la cinta, probablemente una de las obras cinematográficas que han logrado trascender cualquier análisis fílmico para devenir en auténticos iconos de la cultura popular. Lo cierto es que estamos ante una película con una construcción de guión y puesta en escena absolutamente ejemplares, hasta el punto de erigirse como una de las cumbres del cine clásico norteamericano, tanto en su aspecto formal como temático. No es extraño que el artífice de ello sea uno de los directores más sinceramente comprometidos con algunas de las bases sociales y artísticas sobre las que se cimentan la sociedad norteamericana de mediados del siglo XX, tanto en el aspecto formal (la tendencia a una puesta en escena transparente) como temático (su exaltación del “individuo frente a la masa”)
El Desvío
Peligros del destino
( Detour )
Dir. Edgar G. Ulmer
EUA 1945
Poco más de una hora dura esta cinta de serie B basada en la novela pulp, Detour, escrita por Martin M. Goldsmith. La película está narrada, con el uso poco habitual de la segunda persona y con una descripción subjetiva, quizá engañosa, desde el punto de vista de su protagonista masculino, Tom Neal, quien en un flashback y con voz en off nos transfiere con intensidad y lírica sus avatares de carretera. El director Edgar G. Ulmer mantiene la historia con admirable equilibrio y talento visual en una mezcla tensa de thriller psicológico, cine negro y road movie con constantes giros que introducen aspectos de falsa identidad, femme fatale, chantaje, fatalismo… La aparición de una magnífica Ann Savage en el papel de Vera acrecienta la tensión en una pugna memorable de personajes atrapados por el destino, tema principal de este film noir de culto.
La Adorable Revoltosa
La fiera de mi niña
( Bringing Up Baby )
Dir. Howard Hawks
EUA 1938
Antes de la Segunda Guerra Mundial, Howard Hawks entregó esta comedia que le valdría un gran fracaso comercial pero que hoy consideramos parte ineludible de la Historia del Cine. Divertida y delirante, un clásico para levantar el ánimo de cuarentena. Mos remontamos al Nueva York de finales de los treinta. El paleontólogo David Huxley (Cary Grant), a punto de casarse con Alice (Virginia Walker), su compañera de trabajo, recibe una gran noticia: el envío de la clavícula intercostal que le falta para completar el esqueleto de un brontosaurus. Cuando está jugando al golf con el abogado (George Irving) de una millonaria (May Robson) que pretende donar un millón de dólares al Museo de Historia Natural, David conoce de forma casual a Susan Vance (Katharine Hepburn), quien, enamorada del paleontólogo, intentará impedir su próxima boda. Una de las mejores “screwball comedies” de la historia del cine. Basada en un cuento de Hagar Wilde, la película es una comedia redonda, con caracterizaciones inolvidables (Cary Grant en un estilo s lo Harold Lloyd), una trama muy divertida, en donde tanto cabe la batalla de sexos como la falsa identidad, el equívoco, la farsa, el slapstick, el humor gestual, el contrapunto psicológico, la ironía, la parodia romántica o el absurdo.
39 escalones
( The 39 Steps )
Dir. Alfred Hitchcock
GB 1935
Para la mayor parte de los críticos es el mejor Hitchcock de su etapa inglesa, e incluso el lugar donde pone ya de manifiesto lo que van a ser los temas recurrentes de sus obras, como el inocente falsamente acusado, el temor a la policía, el romanticismo, el sentido del humor, aunque personalmente creo que estos detalles ya estaban apuntados en The lodger, ( El enemigo de las rubias o El Inquilino 1925). Esta película de 1935 supone, tras varios intentos fallidos y un avance lento pero seguro, la primera obra maestra del genio tras dieciocho películas ya rodadas. Es además, el punto de arranque de un éxito que se prolongó durante tres decenios y cuyas cimas resultan todavía inalcanzables, la base de todo el cine que irá desarrollando posteriormente.
La legión de los hombres sin alma
( White Zombie )
Dir. Victor Halperin
EUA 1932
Éste pequeño clásico, injustamente olvidado es una de las primeras películas de zombis de la historia del cine, mucho antes de La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1968). En el papel de malvado tenemos nada menos que a un sombrío e imponente Bela Lugosi, el famoso Drácula ( Tod Browning, 1931 ), quien en ésta ocasión es un maligno hechicero capaz de controlar a los zombis en Haití. Además de ser una de las pioneras en su temática, White Zombie también es una de las primeras películas independientes; fue financiada por el propio director y por su hermano Edward. Sin duda, todo un clásico que merece ser reivindicado.
Además de reunir algunos de los mejores gags la filmografía de Chaplin, El Circo tiene la particularidad de situar por primera y única vez al protagonista por antonomasia de su cine, el vagabundo, en el escenario natural del payaso: la pista circense. Y lo hace elaborando una lúcida reflexión sobre la esencia cómica de su personaje y, en definitiva, de toda su obra: el vagabundo de las películas de Chaplin es un personaje cómico a su pesar, un clown involuntario cuya comicidad surge de sus desdichas, nunca de una autoconsciencia como payaso. El circo es una extraordinaria película (aunque raramente figure en ninguna de las listas de las mejores películas de su director) no es por su reflexión teórica sobre la comicidad del protagonista chapliniano sino por contener alguno de los más memorables gags de la filmografía de su director, aun cuando para ello el autor recurra a una trama bastante más simple de las que encontramos en sus obras posteriores (no es casual que El Circo sea justamente el último título de la etapa estrictamente muda del autor).
Todos sabemos que la película figura en cualquier lista de cine clásico y de imprescindible revisión, pero ello no es gracias a su ingenua parábola de la lucha entre capital y trabajo. Metrópolis utiliza temas propios de la ciencia–ficción, como la distopia, el científico demente o el robot con apariencia humana, para contar una historia sobre nosotros mismos como especie, nuestros deseos, instintos y reacciones. Y aunque en este sentido resulta destacable, incluso brillante, el desarrollo de la narración sí deja bastante que desear. Es cierto que durante muchos años, la historia que todos pudimos ver era el resultado de una severa mutilación efectuada por el distribuidor norteamericano y que esa versión recortada resultaba todavía más incoherente que la original estrenada en Berlín. Pero incluso la Metrópolis recientemente restaurada con casi todo su metraje es esquemática, simplista e inconexa. Metrópolis, con todos sus defectos, dio en el clavo al mostrar claramente y sin concesiones el lado oscuro de la tecnología y continuará proyectando su sombra en la ciencia ficción aún durante muchos años.
El acorazado Potemkin
( Bronenosets Potemkin )
Dir. Sergei M. Eisenstein
URSS 1925
Una Obra Maestra de encargo realizada por Sergei M. Eisenstein, director soviético, uno de los cineastas que contribuyeron a la creación de las bases del lenguaje cinematográfico, principalmente por su uso innovador del proceso de edición. En 1923 publicó El montaje de atracciones, su primer ensayo específico sobre dicha técnica, teoría que sigue vigente hoy en día. En ella, Eisenstein establece de modo consistente la forma en la cual el espectador tiene que ser sometido a estímulos de acción psicológica y sensorial, con el fin de provocarle un choque emocional. ‘El acorazado Potemkin’ es la película donde el cineasta alcanza una conexión perfecta entre sus teorías y la materialización de éstas en el cine. Para ello, Eisenstein innovó empleando tomas de tres segundos para acentuar el dramatismo de la acción. En el cine estadounidense de los años 20, duraban unos cinco segundos. Además, usó un proceso de edición que no tuvo en cuenta factores como la continuidad, el eje de relación o el salto progresivo entre planos. Llena de desenfoques, claroscuros y sombras, el filme sirvió para conmemorar el vigésimo aniversario de la revuelta social de 1905 de Odesa y para exaltar los ideales de la Revolución de Octubre, pretendiendo así la legitimación ideológica del régimen comunista. Sin lugar a dudas, una de las películas más influyentes en la historia del Séptimo Arte. Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se hartan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza la revolucionario por Odesa y toda Rusia.
El moderno Sherlock Holmes
( Sherlock Jr. )
Dir. Buster Keaton
EUA 1924
El filme se divide claramente en tres partes: un largo prólogo, en el que se nos presenta el conflicto principal de la trama, el protagonista, un joven proyeccionista aspirante a detective, Buster Keaton, es acusado injustamente del robo del reloj del padre de ‘la chica’, Kathryn McGuire, por su maquiavélico contrincante, George David, en realidad, el auténtico ladrón; la parte central, en la que el joven detective se convierte en sueños en el héroe de la película que está proyectando; y el desenlace, de nuevo en el mundo real, en el que la chica finalmente descubre la verdad y vuelve al encuentro con el protagonista. Si bien el prólogo contiene un puñado de gags memorables, destacando por encima del resto los que se suceden durante el seguimiento del contrincante por parte del detective, es sin lugar a dudas la parte central la que hace del filme una obra maestra en su género, no solo por sus abundantes y brillantes gags, sino, sobre todo, por la sorprendente pirueta argumental con la que Keaton consigue establecer un magistral juego entre los dos niveles de la narración: el de la ficción principal y el de la ficción dentro de la ficción.
Nosferatu
Nosferatu, una Sinfonía de Horror
( Nosferatu, eine Symphonie des Grauens )
Dir. F.W. Murnau
Alemania 1922
Esta grandiosa película muda alemana está basada en la novela escrita por Bram Stoker en 1897, Dracula. La misma en la que se basó Francis Ford Coppola para su versión de 1992. ¿Porqué llamarlo Nosferatu y no Drácula? Murnau quiso adaptar la novela de Stoker pero el estudio para el que trabajaba no consiguió los derechos de la obra con lo que el realizador alemán decidió rodar su propia versión. La muerte le llegó a Stoker 10 años antes de que Murnau dirigiera su Nosferatu y fue la viuda del escritor quien denunció la película por infracción de los derechos de autor. Florence Balcombe (ex-mujer de Oscar Wilde) ganó el juicio y se empezaron a destruir todas las copias existentes de la película pero esta había llegado ya a tantas partes del mundo que fue imposible acabar con todas. Con el tiempo y la muerte de Florence, la gran mayoría de copias que permanecieron escondidas salieron a la luz. Esa es la razón de que hoy podamos disfrutar de esta versión del personaje de Drácula que Murnau trasladó a esa nueva creciente corriente artística llamada, cine. También es la razón por la que existen diferentes montajes o ediciones de la misma, las encontradas en Inglaterra, Francia o Alemania. La más completa fue la emitida en el festival de cine de Berlin en 1984. Noventa minutos de puro arte alemán, de puro Murnau. Décima película del realizador bávaro que no solo adapto maravillosa y libremente la novela de Stoker sino que supo insuflar a su nueva versión un aire tan o más aterrador que el que el novelista imprimió a su Drácula. De hecho y a lo largo de la historia el personaje de Drácula ha sufrido, y digo bien lo de sufrido, todo tipo de versiones y variaciones mientras que Nosferatu ha sido tratado con mucha delicadeza por todos aquellos directores que se han atrevido a inmiscuirse en su camino. Este filme es ya un documento histórico, un clásico que todos, absolutamente todos, deberíamos ver una vez cada cierto tiempo para que no olvidemos como fueron los inicios del cine. La interpretación de Max Schreck como Nosferatu es brilante y parece un maldito vampiro. Han pasado más de 90 años desde esta película y su pose tétrica, su cara decrépita, sus uñas y su mirada perversa siguen siendo tan potentes como el primer día.
Curso – Taller Análisis y Disfrute de las Grandes Obras Maestras del Cine Internacional a Través de Todos los Tiempos
CURSO – TALLER ANÁLISIS Y DISFRUTE DE LAS GRANDES OBRAS MAESTRAS DEL CINE INTERNACIONAL A TRAVÉS DE TODOS LOS TIEMPOS
CURSO – TALLER: LAS GRANDES OBRAS MAESTRAS EN LA HISTORIA DEL CINE
Homocinefilus y la Escuela de Cine, Medios y Animación organizan el curso y te invitan a que participes en él … No te pierdas esta oportunidad
El Curso / Taller se impartirá de EN LÍNEA Y de manera PRESENCIAL. Como tu prefieras tomarlo
¿Es válido, coherente, abordar en un Curso cuáles son las Obras Maestras de la Historia del Cine? ¿Es posible delimitar o seleccionar cuales son las Obras Fundacionales que merecen el título de Grandes y Geniales Películas?
“Los pueblos que no conocen la Fascinante y Compleja Historia del Cine están condenados a repetirse viendo películas basurosas y comercialoides” . Conseja Popular
“Nadie puede amar lo que no conoce”
¿Crees saber mucho de cine, te sientes un cinéfilo destacado? Te invitamos a asistir a éste Curso / Taller de Las Grandes Obras Maestras en la Historia del Cine y descubrir cientos de películas que merecen la pena disfrutar, analizar e integrar a tu Cultura Cinematográfica
El CURSO – TALLER: LAS GRANDES OBRAS MAESTRAS EN LA HISTORIA DEL CINE te brinda un absoluto e integral conocimiento de la Historia del Cine a partir de las Mejores Películas
Más de 300 títulos a revisar
Recorremos todos los caminos posibles en el contexto de las Obras Maestras:
– El de las Obras Cinematográficas clásicas
–El de las Cintas de Culto, con altísimos valores cinematográficos, revisitadas, cada día mas valoradas y reverenciadas por las nuevas generaciones
–El de las Joyas Cinematográficas, olvidadas, pero recuperadas y revaloradas en ésta lista de más de 300 películas
–El de las cintas marginales e independientes que también son poderosas Obras Maestras
Este es un Curso – Taller dedicado al público en general, cualquiera que sea su nivel de conocimiento en torno al Séptimo Arte, que tiene como objetivo principal despertar o aumentar la cinefilia de los interesados a través del análisis de las Grandes Obras Maestras de la Historia del Cine y tener el inmenso placer de descubrirlas o re revisarlas. Durante las 12 Semanas, 12 sesiones que durará el Curso – Taller, se responderá a varias preguntas fundamentales:
¿Cómo se origina el concepto de Obra Maestra en el Cine?
¿Cuáles son los elementos ideológicos, sociales y cinematográficos que hacen que una película se considere Obra Maestra?
¿Qué atributos tiene una película de culto?
¿Cuál es la Metodología del Curso?:
Éste Taller de Cine funciona de una manera participativa de ambas partes: El asistente al Taller de Cine, revisará las películas propuestas en el Curso e investigará sobre ellas, también deberá, durante las sesiones, aportar sus juicios de valor en torno a las cintas.
El Coordinador del Taller, el Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, con más de 30 años dedicado al Análisis del Fenómeno Cinematográfico, profundizará en cada Obra Cinematográfica desde el punto de vista Histórico, Estético e Ideológico.
No solo los títulos propuestos son muy interesantes, sino también el talento, la genialidad y las filmografías, que obviamente serán revisadas, de los realizadores de las películas sugeridas.
Más de 300 títulos de Obras Maestras de todos los tiempos a revisar.
El Curso – Taller también es útil para aquellos estudiosos del Séptimo Arte que desean sentarse en la silla de Director de Cine y conocer las excelsas Obras Cinematográficas y su eterno lugar en el gusto del público de todo el planeta y de manera inherente, descubrir cómo se logra crear una película fundacional.
El Curso iniciará el Viernes 6 de Septiembre y se prolongará hasta el Viernes 22 de Noviembre del 2019, de las 18 a las 20 Horas en ECMA, Escuela de Cine, Medios y Animación, localizada en la Cerrada del Recreo # 14, Edificio Las Huertas. Colonia Actipan, Delegación Benito Juárez, C.P. 03230, CDMX
Costo del Curso : $5000.00
40% de Descuento a los primeros cinco (5) personas en inscribirse, solo pagarán $3000.00 pesos
Al final, se te otorgará una Constancia de Asistencia al Curso – Taller, con Valor Curricular.
Teléfonos para informes: 55-100-600-57 y 55 3429 4082
Facebook.- ECMA.EscuelaDeCineMediosAnimacion
Youtube.- ECMA Escuela de Cine, Medios y Animación
VIDEOCRÍTICA: Recomendaciones Eficientes y Acertadas del Homocinefilus que van de películas muy cultas y geniales como Isla de Perros y Revenge, la Mejor Cinta de Terror Francesa del 2018, hasta importantes documentales como Caravaggio: El Alma y La Sangre
Aquí les dejamos la VIDEOCRÍTICA de la semana con las mejores películas en la Cartelera de la Ciudad de México y las Noticias más importantes del Mundo Cinematográfico, todo al Estilo del Homocinefilus que consiste en la Pirotecnia Verbal del Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus.
Recuerden que la Verdad es Relativa, la Neta es Absoluta y en la Sección del Cine del Homocinefilus les dice la Neta.
A continuación la Lista Completa del Contenido de la VIDEOCRÍTICA de la Semana:
–Recomendación del Curso: Las 24 Mejores Películas Del Cine Mexicano Contemporáneo … 12 Documentales y 12 Cintas de Ficción … Análisis Profundo del Cine Mexicano Contemporáneo … Imparte El Crítico De Cine Fernando Bañuelos, El Homocinefilus
–May The 4th Be With You … Dia de La Guerra de la Galaxias en el Mundo … Star Wars
–Isla de Perros … Isle Of Dogs … Dir. Wes Anderson … Alemania / Eua 2018
–Venganza del más allá … Revenge … Dira. Coralie Fargeat … Francia 2017
–Crimen en El Cairo … The Nile Hilton Incident … Dir. Tarik Saleh … Marruecos / Suecia 2017
–Caravaggio: El Alma y La Sangre … Caravaggio L’anima e Il Sangue … Dir. Jesús Garcés Lambert … Italia 2018
–Ambulante Gira de Documentales 2018 Del 3 Al 17 De Mayo
–Murió el Director de Cine Británico Michael Anderson
–James Cameron dice que a 2001 Odisea del Espacio Cumple 50 Años, le faltan “Huevos Emocionales” … 2001: A Space Odyssey … Dir. Stanley Kubrick … GB / EUA 1968
–El Hombre que Mató a Don Quijote … The Man Who Killed Don Quixote … Dir. Terry Gilliam … España / GB 2018
–Casandro El Exótico … Documental … Dira. Marie Losier … Francia 2018
Director de Cine … Estilo Homocinefilus … Estrenos de la Semana
El Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa en la Sección de Crítica a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido todos los VIERNES a las 12:30 p.m., hora del centro de México. La emisión televisiva es dirigida y conducida por Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes EN VIVO de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa de @NuestroEspacioConsentido, y la Sección de Cine, se transmiten también EN VIVO a través del Streaming del Canal del Congreso de la Ciudad de México Livestream en el siguiente enlace:
Homocinefilus y El Péndulo de la Roma te invitan al Curso Revisión y Análisis de 24 de las Mejores Películas Contemporáneas del Cine Mexicano: 12 Cintas de Ficción y 12 trascendentales documentales. No te lo pierdas por ningún motivo!!!!!
VIDEO con la Crítica de Cine de los Estrenos de la Semana. Tres vitales mujeres protagonistas, en tres poderosas películas. Incluye la aparición de los extraños Globos Rojos de Eso – It
Aquí les dejamos la VIDEOCRÍTICA con los Estrenos de la Semana comentados por Fernando Bañuelos, el Homocinefilus y los invitamos a revisar el VIDEO con la Crítica de Cine a las películas de riguroso estreno en las carteleras de la Ciudad de México y la República Mexicana.
Estos son los temas y las películas que el Crítico de Cine aborda en el VIDEO de la semana. Llama la atención que varias de las cintas son óperas primas y tres cintas abordan la realidad desde la perspectiva feminista:
Invitación al Curso De la Literatura al Cine en la Librería El Péndulo de la Colonia Roma, impartido por Fernando Bañuelos
Aparecen extraños y escalofriantes Globos Rojos en las alcantarillas del Municipio de Lititz en Pennsylvania. Una broma de los fanáticos de la remake de la película Eso / It / Dir. Andy Muschietti / EUA 2017
2001 Odisea Del Espacio / 2001: A Space Odyssey / Dir. Stanley Kubrick / GB / EUA 1968
¿Me Amarás Cuando Despiertes? / Las Sillas Musicales / Les Chaises Musicales / Dira. Marie Belhomme / Francia 2015
21 Tour De Cine Francés en la República Mexicana / El Viñedo Que Nos Une / Ce Qui Nous Lie / Dir. Cédric Klapisch / Francia 2017
El Seductor / The Beguiled / Dira. Sofia Coppola / EUA 2017
Mi Nueva Yo / Home Again / Dira. Hallie Meyers-Shyer / EUA 2017
La Familia Monster / Happy Family / Dir. Holger Tappe / Alemania / GB 2017
Estilo Homocinefilus.
El Crítico Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa en la Sección de Crítica de Cine a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido todos los VIERNES a las 12:30 p.m., hora del centro de México. La emisión televisiva es dirigida y conducida por Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa, y la Sección de cine, se transmiten EN VIVO a través del Streaming del Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF y de Livestream en los siguientes enlaces:
También pueden ver la transmisión EN VIVO del programa Nuestro Espacio ConSentido a través del Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF a través de YouTube:
Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF a través de YouTube
VIDEO Homocinefilus Crítica de Cine de 8 Estremecedores Estrenos de la Semana
El Crítico Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participó en la Sección de Crítica de Cine a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido.
Aquí les dejamos el VIDEO con la Sección de Cine y lo ponemos a su consideración:
Recuerden que la mística del Homocinefilus radica en que “La verdad es relativa, la neta es absoluta” y Fernando Bañuelos les dice la neta en torno al Fenómeno Cinematográfico.
Aquí les dejamos la lista de las películas comentadas al Estilo Homocinefilus:
Ciclo de Stanley Kubrick en Cinépolis
El Cielo Esperará / Le Ciel Attendra / Dira. Marie-Castille Mention-Schaar / Francia 2016
Bang Gang: Una Historia de Amor / Bang Gang: Une Histoire D’amour Moderne / Dira. Eva Husson / Francia 2015
Sieranevada Dir. Cristi Puiu / Rumania / Francia / Bosnia Herzegovina / Croacia / Macedonia 2016
Baby: El Aprendíz Del Crimen / Baby Driver / Dir. Edgar Wright / GB/ EUA 2017
Aquí Sigo / Dir. Lorenzo Hagerman / México / Eua 2016
El Círculo / The Circle / Dir. James Ponsoldt / Emiratos Árabes Unidos / EUA 2017
Annabelle 2: La Creación / Annabelle: Creation / Dir. David F. Sandberg / EUA 2017
El Crítico de Cine, Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa todos los VIERNES a las 12:30 p.m. en el Programa de Televisión, Nuestro Espacio ConSentido que dirige y conduce Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa, y la Sección de cine, se transmiten EN VIVO a través del Streaming del Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF y de Livestream en los siguientes enlaces:
También pueden ver la transmisión EN VIVO del programa Nuestro Espacio ConSentido a través del Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF a través de YouTube:
Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF a través de YouTube:
VIDEO del Crítico de Cine Fernando Bañuelos reseñando (9 ) trascendentales y perturbadoras películas que se estrenan en la Cartelera de Cine de la República Mexicana. De las más dilectas a las más demenciales, pasando por los indispensables documentales
El Homocinefilus hace la Crítica de Cine de, la circunstancia política lo impone, Un día sin mexicanos, del interesante y revelador documental Los Caprichos Secretos de Diego, de la obra maestra creada por Stanley Kubrick, Barry Lyndon, de la épica emocional Un Camino a Casa, de la sensible y trágica Manchester frente al mar, de la esquizofrénica Fragmentado, de la fallida El Plan Maestro, de la reveladora, por retratar la Revolución de los Jazmines, Hedi: Amor y Libertad y de la muy menor, pero pegadora cinta de ficción mexicana Como me ves te vi.
Con su irreverente e interesante estilo de ejercer la Crítica de Cine para la televisión, forjado a lo largo de más de 30 años de práctica profesional, Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participó, como todos los viernes en el programa Nuestro Espacio ConSentido.
En esta ocasión viernes 17 de Febrero del 2017, Fernando Bañuelos comenta nueve (9) importantes películas de la vibrante Cartelera de Cine de la Ciudad de México y de la República Mexicana. Y no podía ser de otra manera ya que estamos en la temporada de premios y pueden ser vistas, por los espectadores mexicanos, películas muy importantes y trascendentales
Aquí les dejamos el VIDEO, de más de casi 11 minutos de duración. Por favor disfrútenlo y compártanos sus comentarios:
Recuerden que la verdad es relativa y la neta es absoluta y Fernando Bañuelos les dice la neta en torno al Fenómeno Cinematográfico:
Un Día Sin Mexicanos / ( A Day Without A Mexican ) / Dir. Sergio Arau
Los Caprichos Secretos de Diego / Dires. Fernando Montaño y María De Las Mercedes Sierra
Barry Lyndon / Dir. Stanley Kubrick
Un Camino a Casa / ( Lion ) / Dir. Garth Davis
Manchester Frente Al Mar / ( Manchester By The Sea ) / Dir. Kenneth Lonergan
Fragmentado / ( Split ) / Dir. M. Night Shyamalan
El Plan Maestro / ( Marauders ) / Dir. Steven C. Miller
Hedi: Amor Y Libertad / ( Inhebek Hedi ) / Dir. Mohamed Ben Attia
Como Te Ves, Me Vi / Dir. Germán Quintero
El Crítico de Cine, Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa todos los VIERNES a las 12:30 p.m. en el Programa de Televisión Nuestro Espacio ConSentido.
El programa ConSentido se transmite de lunes a viernes de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el Canal 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión se transmite EN VIVO a través del Streaming del Canal del Congreso de la Ciudad de México y de Livestream en los siguientes enlaces:
Una Eva y Dos Adanes, Psicosis, Cantando bajo la lluvia, La ventana indiscreta, Psicosis y El Resplandor, entre otras, no fueron consideradas en las nominaciones para el Óscar a Mejor Película
Las aberrantes equivocaciones de la Academia de Hollywood. Aquí las grandes películas que despreciaron y no fueron nominadas y que también fueron rechazadas por la Crítica de Cine
Como suele ocurrir en cualquier historia, la de los Premios Óscar no está libre de injusticias. Desde que tuviera lugar la primera entrega, en 1929, han habido muchas películas, actores y directores que se han quedado sin la merecida estatuilla dorada. Otras, de las que ahora nos ocupamos, ni siquiera entraron en las nominaciones.
En la víspera del anuncio de las nomiaciones al Óscar 2017, el próximo martes 24 de Enero, les presentamos esta lista de 10 películas que fueron relegadas al cajón del olvido y del desprecio y en justicia, el público las convirtió en clásicos del Séptimo Arte.
— Blancanieves y los siete enanos ( Snow White and the Seven Dwarfs / Dir. William Cottrell / EUA 1937 ). La obra maestra de Walt Disney no fue bien valorada por la crítica estadounidense, que ese año premió a La vida de Émile Zola ( The Life of Emile Zola / EUA 1937 ). Dirigida por William Dieterle, dejó al creador de Mickey Mouse sin estatuilla. Probablemente el filme habría sido nominado de existir en aquel momento la categoría de Mejor Película Animada, algo para lo que la comunidad cinematográfica tuvo que esperar hasta el 2001.
Blancanieves y los siete enanos
— Cantando bajo la lluvia (Singin’ in the Rain / Dires. Stanley Donen y Gene Kelly / EUA 1952 ). Parece sorprendente que uno de los mejores musicales de la historia ni siquiera entrara en la lista de nominaciones de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, pero así fue. El filme protagonizado por Gene Kelly, Debbie Reynolds y Donald O’Connor cuenta con las escenas más icónicas de la historia del cine y hasta el día de hoy es considerada como una obra maestra del celuloide. Aquel año fue John Ford quien se llevó la estatuilla por Mejor Película por El Hombre Tranquilo ( The Quiet Man / Dir. John Ford / EUA 1952 ). Como dato curioso cabe mencionar que aquel año también fue nominada en la categoría de Mejor Película Molino Rojo ( Moulin Rouge / Dir. John Huston / GB 1952 ).
Cantando bajo la lluvia
— La ventana indiscreta ( Rear Window / EUA 1954). La obra maestra de Alfred Hitchcock no se coló entre las favoritas de aquel año aunque hay que decir que el director sí compitió en las categorías de Mejor Director, además la cinta lucho en las categorías de Mejor Guión Original, Mejor Sonido y Mejor Fotografía aunque no obtuvo ninguno de los premios. El Óscar a Mejor Película fue para Nido de Ratas ( On the Waterfront / EUA 1954 ) dirigida por Elia Kazan que compitió, entre otras, como el musical Siete novias para siete hermanos (Seven Brides for Seven Brothers / Dir. Stanley Donen / EUA 1954 ) y El motín del Caine ( The Caine Mutiny / Dir. Edward Dmytryk / EUA 1954 )
La ventana indiscreta
— Una Eva y dos Adanes o Algunos las prefieren calientes ( Some Like it Hot / EUA 1959 ). Otra de las grandes películas del cine clásico, una impecable y sensual comedia, que tampoco gustó lo suficiente a la crítica. La comedia dirigida por Billy Wilder protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon sí fue nominada en las categorías de Mejor Director, Mejor actor ( Jack Lemmon ), Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario, pero tan solo se llevó este último galardón. Si se llevó, por el contrario, el Globo de Oro a la Mejor Comedia o Musical en 1960. Nos queda el consuelo de saber que ese año la galardonada como Mejor Película fue otra de las grandes: Ben-Hur ( Dir. William Wyler / EUA 1959 ).
Una Eva y dos Adanes
— Psicosis ( Psycho / EUA 1960 ). Otro fracaso de premios para Alfred Hitchcock, quien no consiguió el favor de la crítica con la que hoy es considerada como una de las grandes obras maestras del cine de terror y de suspenso. El filme protagonizado por Anthony Perkins y cuya escena de la regadera quedó para siempre grabada en la retina y en la psique de los espectadores de todo el mundo, fue nominada en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Director, Mejor Fotografía en Blanco y Negro y Mejor Dirección de Arte, aunque no logró entrar en las nominadas a la Mejor Película. El filme no obtuvo ningún Óscar. En aquella edición de los Premios fue Piso de soltero ( The Apartmet / EUA 1960 ), la obra maestra de Billy Wilder, el filme que se llevó todos los honores.
Psicosis
— El Resplandor ( The Shining / GB – EUA 1980) dirigida por Stanley Kubrick y que tiene a Jack Nicholson y Shelley Duvall como grandes protagonistas no fue nominada en la categoría de Mejor Película. Sí se llevó, por el contrario, unas cuantas nominaciones a los Razzie, las Frambuesas de Oro, los anti-Oscar o los premios a las peores cintas, que fueron a parar a manos de Duvall y Kubrick como peor actriz y peor director respectivamente. Increíble. En 1981 el Oscar a Mejor Película recayó en Carros de Fuego, ( Chariots of Fire / GB 1981 ), dirigida por Hugh Hudson. En su momento, el crítico del diario español ABC, Pedro Crespo calificó al filme como “un paréntesis en la excelente carrera de Kubrick”. “Su película adolece de una tremenda e inexplicable flojedad de guión”.
El Resplandor
— Perros de Reserva ( Reservoir Dogs / EUA – 1992), el estreno de Quentin Tarantino como director, tampoco gustó a los académicos y no llegó a pisar la famosa alfombra roja del cine. El filme sí se llevaría los premios a Mejor director y Mejor Guión en el Festival de Sitges y el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Toronto, entre otros. Las películas de este año que sí fueron nominadas fueron El final del juego ( Howards End / Dir. James Ivory / GB – Japón – EUA 1992 ), Juego de Lágrimas ( Crying Game / Dir. Neil Jordan / GB- Japón 1992 ), El ejecutivo ( The Player / Dir. Robert Altman / EUA 1992 ), Perfume de Mujer ( Scent of a Woman / Dir. Martin Brest / EUA 1992 ) y Los Imperdonables ( Unforgiven / EUA 1992 ), de Clint Eastwood, que se hizo con la estatuilla dorada a Mejor Película.
Perros de Reserva
— El gran Lebowski ( The Big Lebowski / EUA – GB 1998 ). El filme de los hermanos Joel y Ethan Coen, con Jeff Bridges como protagonista tampoco se metió entre las favoritas para la Academia y de la crítica, que no valoró como se merecía a esta genial sátira del pueblo estadounidense repleta de pintorescos y absurdos personajes y que ese año premió en los Óscares a Shakespeare Apasionado ( Shakespeare in love / Dir. John Madden / EUA 1998 ) un hecho a destacar sobre todo si tenemos en cuenta que competían por el galardón filmes como Salvando al soldado Ryan ( Saving Private Ryan / EUA 1998), de Steven Spielberg, La delgada línea roja ( The Thin Red Line / Dir. Terrence Malick / EUA 1998 ), La vida es Bella ( La vita è bella / Dir. Roberto Benigni / Italia 1997 ) y Elizabeth, la Reina Virgen ( Elizabeth / Dir. Shekhar Kapur / GB 1998 ).
El gran Lebowski
— Los otros ( The Others / Dir. Alejandro Amenábar / España – EUA 2001 ). Alejandro Amenábar no levantaría un Óscar como Mejor Película Extranjera hasta 2004 por Mar adentro ( España – Francia – Italia 2004 ). El filme que tenía a Nicole Kidman como protagonista se llevó ocho Premios Goya de los quince a los que estaba nominada, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original, pero optó a las nominaciones de los premios de Hollywood. Los filmes nominados a mejor película extranjera ese año fueron Héroe ( Ying xiong / Dir. Zhang Yimou / China – Hong Kong 2002 ), El crimen del padre Amaro ( Dir. Luis Carlos Carrera / México – España – Argentina – Francia 2002 ), El Hombre sin pasado ( Mies vailla menneisyyttä / Dir. Aki Kaurismäki / Finlandia – Alemania – Fancia 2002 ) Tres hermanas y dos novios ( Zus & Zo / Dira. Paula van der Oest / Alemania 2001 ) y la alemana En un lugar de África ( Nirgendwo in Afrika / Dira. Caroline Link / Alemamia 2001 ) que se llevó la estatuilla. Para el crítico del diario español ABC, Oti Rodríguez Marchante, Amenábar culminó con Los otros “una primera etapa en la que la intriga y el terror impregnaron cada costura de su construcción cinematográfica. La mágica puesta en escena y el increíble desarrollo de los acontecimientos, que provocan el escalofrío pero no el susto, están acompañados por un inquebrantable respeto al punto de vista, que Amenábar sitúa justo detrás del personaje de la madre, que interpreta Nicole Kidman: la verdad se nos revela al tiempo que a ella, aunque su personaje guarda un secreto, quizá olvidado, y que explosiona en un final mareante, de esos que lo aplastan a uno a la butaca dejándolo allí como un manchón”.
Los otros
— Regreso al futuro ( Back to the Future / EUA 1985 ). Que el filme dirigido por Robert Zemmeckis no llegara a considerarse como una de las mejores películas de su año debería ser casi un chiste. Tras su estreno, la película protagonizada por Michael J. Fox se convirtió en una de las más taquilleras del año. Entró en los Óscares aunque en otras categorías, de las que solo se llevó el de Mejores Efectos de Sonido. África mia ( Out of Africa / Dir. Sydney Pollack / EUA – GB 1985 ) se llevó el premio a la Mejor Película aquel año, nominada junto con el fracaso en materia de premios que fue El color púrpura ( The color purple / Dir. Steven Spileberg / EUA 1985 ) nominada en once categorías sin ganar en ninguna. También estuvieron nominadas El Beso de la Mujer Araña ( Kiss of the Spider Woman / Dir. Hector Babenco / Brasil – EUA 1985 ), El honor de la familia Prizzi ( Prizzi’s Honor / Dir. John Huston / EUA 1985 ) y Testigo en peligro ( Witness / Dir. Peter Weir / EUA 1985 )
Homocinefilus acompaña a los fantáticos de ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS que abarrotan las salas de cine en su estreno
Jedis, Stormtroopers, soldados clones y hasta el mismo Darth Vader desfilaron por la Alfombra Negra. Tenemos todas las fotografías en una Galería de Fotos al final de este reportaje
Más que una esperadísima función de cine, el estreno de Rogue One: Una Historia de Star Wars es un rito generacional que sólo se puede interpretar atendiendo al más profundo análisis a partir de la psicología y la sociología del cine.
Más allá de la consecuente, elemental y sempiterna trama del bien contra el mal, el sofisticado y pervertido Imperio contra los primitivos y tecnologizados rebeldes, los eficientes efectos especiales, cada vez más refinados y espectaculares, los atractivos vestuarios de ambos bandos, y los millones de dólares invertidos por la casa productora Disney, aterradoramente sagaz a la hora de hacer negocios, el ratón Miguelito mostrando sus afiladas uñas, afanoso al comprar la franquicia de la Guerra de las Galaxias y obsesionado con darle brillo, aunque solo alcanza el relumbrón, aunque trate de alejar las películas del medievalismo primigenio y situarlas en una pretendida y enigmática era de la antigüedad, cercana al epopéyico Señor de los Anillos. Sin importar que los puristas de Star Wars se desgañiten y polemizen defendiendo la trilogía original.
Más allá de la esplendente estética sideral, hurtada / retomada cínicamente de la madre de todas las películas de ciencia ficción, 2001: Una odisea del espacio del genial Stanley Kubrick y de la patologizada psicología de los personajes, incluidos los complejos de Edipo y de Electra y de la descafeinada ciencia ficción, trocada por un a enajenante fantasía. Más allá de todos estos elementos, la masiva asistencia del público Nini y Millenial, fiel a la saga, al grado del paroxismo fanático expresado en el disfraz mas chocarrero, hasta el más costoso, representa la obsesiva resistencia de una generación que evita a toda costa dar el aterrador paso, maduro y definitivo, hacia la asimilación de un cine complejo en su intención de reflejar la abrumadora y desquiciante problemática del mundo que nos rodea.
La saga de la Guerra de las Galaxias, cualquiera que sea el significado de los retruécanos argumentales en los que se refugie, debe ser leída, interpretada, como una imperiosa necesidad anestésica y de fuga, que tarde o temprano hará que la búsqueda existencial de una generación, ya estereotipada en el hartazgo, la desilusión y el consumismo alucinante, implosione socialmente.
Mientras caigamos en el lugar común de reseñar la ceremonia de medianoche del estreno de Rogue One: Una Historia de Star Wars a la que Homocinefilus asistió.
Caigamos en el lugar común de reseñar la ceremonia de medianoche del estreno de Rogue One: Una Historia de Star Wars a la que Homocinefilus asistió
La espera terminó, y en la madrugada del jueves, Jedis, Stormtroopers, soldados clones y hasta el mismo Darth Vader se dieron cita en el estreno de la cinta «Rogue One: Star Wars», la más reciente entrega de la saga Star Wars, en México.
Ante la mirada de admiración de decenas de personas, algunas de ellas fans de esta saga, al filo de las 22 horas se fue congregando esta comunidad amante de los efectos especiales y la lucha entre el bien y la oscuridad en la galaxia.
Adultos, jóvenes y niños desfilaron por la alfombra negra dispuesta para esta premiere en un complejo del sur de la Ciudad de México, en el que ocho de sus 15 salas de exhibición fueron abarrotadas para disfrutar del estreno.
Las expectativas en esta entrega eran muy altas, toda vez que un mexicano se suma al elenco de la afamada serie. Diego Luna da vida al capitán rebelde y oficial de inteligencia con experiencia en combate Cassian Andor, cuya misión es vigilar a Jyn Erso.
Al respecto, la diseñadora gráfica Karla Monserrat Gómez Reyes, de 23 años de edad, expuso: Está muy padre que hayan escogido a un mexicano para esta entrega; creo que tenemos que ver que tal interpreta Diego.
Ataviada como un Jedi, la fan de Star Wars, llevaba consigo un oso de peluche en forma de wookiee, el cual lleva por nombre Chewbacca. «Siempre me acompaña a las premieres y para mí es muy especial esta noche, por eso hasta le puse su gorrito navideño», anotó.
Sobre sus acercamientos a la saga, indicó que cuando era pequeña sus primos veían las primeras películas «y me llamaban la atención aunque no les entendía nada. Pero conforme fui creciendo les fue entendiendo y ahora son como una añoranza a mi infancia».
Contrario a los Jedis hay pilotos rebeldes, repulsores para los Cuerpos de Cazas estelares de la Alianza para Restaurar la República durante la Guerra Civil Galáctica.
Uno de ellos es Guillermo Aguilar, estudiante de odontología, quien desde hace dos meses trabaja en la confección de su atuendo color naranja. «Desde hace dos meses lo estoy haciendo, en cada premier me disfrazo, pero especialmente en este es porque le gusta ser diferente y no tan común como sus colegas de pasión.
«Siempre me ha gustado la saga; desde que empezaron a salir sus películas aquí en México recuerdo que las veía pero es ahora cuando más siento emoción por formar parte de este estreno», mencionó.
Edurne Keel fue seleccionada para intervenir un casco de la saga
Como parte de la campaña de activación, la creadora Edurne Keel fue seleccionada para intervenir un casco de la saga. «Me gusta mucho ser parte de este proyecto en el que se suman otros nueve artistas. Es muy emocionante la historia, los personajes y el mundo que han creado», apuntó.
Sobre su inspiración para esta intervención, la también actriz y músico dijo que los colores los buscó fusionar con algo que me apasiona, que es el agua y el mar.
«Hace dos semanas nos dieron los cascos y hoy nos invitaron a hacer en vivo los detalles», expuso con gran emoción la artista gráfica de 31 años de edad.
Conforme avanzó el reloj más fanáticos fueron convocados en esta premiere, muchos de ellos con espadas de luces, disfrazados o bien portando una sudadera alusiva a la saga surgida en 1977.
Fascinante y compleja la Exposición sobre el genial realizador Stanley Kubrick en la Cineteca Nacional de México
Más de 900 piezas entre proyecciones, objetos originales, fotografías, vestuario y más, se podrán apreciar en Stanley Kubrick: La exposición
La obra trascendental de Stanley Kubrick permanece en la Historia del Cine, porque el genial realizador la hizo con pasión y amor. Además ahondó como pocos en los cimientos de la condición humana
Stanley Kubrick era un hombre bueno, un padre estricto, un gran abuelo, un amante de los gatos, pero más aún: uno de los artistas más destacados de la segunda mitad del siglo XX afirma su hijastra Katharina Kubrick, de visita en México donde asiste a la inauguración de la Exposición sobre su padre.
Su huella está plasmada en la historia del cine mundial. Hay géneros que no pueden entenderse sin mencionar algunos de sus filmes.
Era un realizador que, para crear las historias que gestó en el séptimo arte, tuvo que estar enamorado, porque para hacer una película se requiere amor, ya sea por la historia o por un guion, afirmó Jan Harlan, productor de las más representativas películas de Stanley Kubrick y cuñado del cineasta.
Hacer una película es difícil, pero crear una que permanezca en la historia requiere de ese sentimiento, reiteró Harlan, quien visita México para presentar Stanley Kubrick: la exposición, que desde el jueves 1 de diciembre hasta el 29 de mayo del 2017, se exhibirá en La Galería de la Cineteca Nacional.
Pese a que muchos lo consideraban un cineasta frío, calculador y mecánico, Stanley Kubrick ahondó como pocos en los cimientos de la condición humana. Algunas de sus cintas podrían clasificarse en géneros cinematográficos específicos, como el cine bélico, de ciencia ficción o de horror; sin embargo, el universo del director resulta complejo para ser encasillado. Su cine, su temática, estética y su narrativa profundizan en un pesimismo producto de la fragilidad del ser humano, sea en el ámbito político, social o hasta sexual, explica en el catálogo de la exposición el director de la Cineteca Nacional, Alejandro Pelayo, quien asegura que la muestra sirve de llave para conocer ese enigma que fue el neoyorquino.
Más de 900 piezas entre objetos originales, fotografías, vestuario e instalaciones componen la exhibición, que llega a Ciudad de México luego de su paso por San Francisco, Monterrey, Seúl, Toronto, Cracovia, Ámsterdam y París, entre otras ciudades.
La exhibición está conformada por 16 secciones
Se montó en los cuatro niveles de la galería e incluye la obra completa del director, quien se inició como fotógrafo y fotoperiodista.
La exhibición está conformada por 16 secciones, entre las que destacan Lolita, Naranja mecánica (A Clockwork Orange), Cara de guerra (Full Metal Jacket), El resplandor (The Shining) y Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut) y contempla proyecciones de gran formato, objetos originales, guiones, maquetas, documentos personales, fotografías, vestuario y más, que forman parte de la colección particular de la familia Kubrick y de coleccionistas privados.
El recorrido se remonta a los orígenes del artista en la fotografía, quien con apenas 17 años se desempeñó como reportero gráfico para la revista Look. Repasa su incursión en los cortometrajes y luego en el largometraje con Miedo y deseo (Fear and Desire 1953), para después mostrarnos sus mejores filmes con películas como Casta de malditos ( The Killing 1956), Patrulla infernal (Paths of Glory 1957), Espartaco ( Spartacus 1960) y Lolita (1962), producciones con las que alcanzó su consolidación como un gran autor cinematográfico.
Este trayecto asombroso depara momentos inolvidables para los visitantes, sobre todo al llegar a los módulos dedicados a los filmes más famosos del director neoyorquino. Así, el encuentro con el Star child o el Moonwalker utilizados en la filmación de 2001: Odisea del espacio, supone un cruce apasionante por el mundo de este filme crucial para el género de la ciencia ficción. Lo mismo a la hora de apreciar los atuendos originales de películas como Barry Lyndon y Naranja mecánica.
Se trata pues de una ocasión insustituible para apreciar elementos icónicos del universo kubrickiano. Otros ejemplos son el famoso casco de Cara de guerra y su inolvidable leyenda Born to kill, el hacha con la que el enloquecido escritor Jack Torrance quiso asesinar a su esposa, junto a objetos personales del cineasta como su silla de director, una cámara Graflex que data de sus orígenes como fotógrafo para la revista Look, además del guión y tarjetero de la investigación realizada para la película nunca filmada sobre Napoleón. La muestra es cronológica y ambientada de manera escenográfica. Está integrada por maquetas, guiones, documentos personales, fotografías, vestuario de películas y proyecciones; además, contará, dentro de dos semanas, con una aplicación para celular con 21 audios para ofrecer una experiencia sensorial completa.
La exposición fue instalada gracias a la colaboración del Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main y con el apoyo de The Stanley Kubrick Archive, Universidad de las Artes de Londres y Warner Bros. Entertainment. Además de la exhibición de objetos y memorabilia, habrá un simposio, una charla magistral y un curso.
Quien también vino a presentar la muestra fue la hijastra de Kubrick, Katharina, quien lo calificó como un gran ser humano, hombre, padre, abuelo y amante de los gatos… era un padre duro, de quien al morir la prensa dijo cosas falsas, porque a él no le gustaba dar entrevistas y como no tenían información, la inventaron. Esta exposición trata de dar cuenta de lo que es verdad.
Reveló que a los 14 años su papá le regaló una cámara, por lo cual se convirtió en su scout o buscadora personal, la que ubicaría locaciones y escenarios posibles para filmar.
No podría decir cuál fue mi película favorita, cada casa en la que vivíamos se convertía en un estudio en el que se guardaban artefactos y objetos que posiblemente se usarían en un filme, comentó Katharina, quien aseguró que su padre vería con buenos ojos una celebración a su obra como ésta.
Quien también vino a presentar la muestra fue la hijastra de Kubrick, Katharina
La exhibición es apenas una selección de su archivo, uno de los más extensos en la historia del cine, afirmó Hans Peter Reichmann, quien en 2004, luego de visitar la casa de Kubrick, convenció a la hija del cineasta de crear una muestra que se estrenó en Fráncfort, Alemania.
A 12 años de que empezó la exposición, nos ha mostrado la magia de Kubrick, su universo, su intimidad, su cuidado por los detalles, pero al mismo tiempo, su manera de hablar a través de las películas.
La curaduría es por cuenta de Hans Peter Reichmann, curador en jefe de la exposición y Tim Heptner co-curador y gerente internacional de la misma. Ambos son representantes del Deutsches Filmmuseum. Además, el crítico e investigador Juan Arturo Brennan y José Antonio Valdés, Subdirector de Información de la Cineteca, figuran como co-curadores para la versión que albergará La Galería.
Jan Harlan, cuñado y productor de sus más representativas películas, insistió en la genialidad del director: Cualquier gran artista divide al público, a la crítica y su trabajo permanece. Esto es válido para Beethoven, Wagner. Stanley Kubrick es parte de ese grupo, como Picasso. Afirmó que Kubrick fue un artista grandioso a la altura de Beethoven, Bach, Van Gogh, porque su trabajo trasciende épocas y permanece en el subconsciente como un hito y transforma los géneros.
Trabajé con Stanley Kubrick 30 años y esta exposición brindará, sobre todo a los jóvenes, muchas respuestas sobre lo que es hacer una buena película. Creo que el secreto es estar enamorado, porque cambian las prioridades, y Stanley estuvo enamorado de cada uno de los proyectos que emprendió con pasión y profundo amor.
Su cine, su temática, estética y su narrativa profundizan en un pesimismo producto de la fragilidad del ser humano, sea en el ámbito político, social o hasta sexual
Alejandro Pelayo dijo: “Es un proyecto que hemos acariciado desde año y medio. Por fin llegó el día. Adelantó que se espera que hasta 100 mil personas visiten cada mes esta exposición y para ello se instaurará un sistema de venta de boletos con horarios, para que en cada turno hasta 150 personas puedan disfrutar de los montajes sin aglomeraciones. Han sido 12 años desde el comienzo de esta gran exposición, y después de su éxito en la ciudad de Monterrey ofreceremos una nueva visión que conecte los objetos personales de Kubrick, de sus películas y su mundo con el arte de la escenografía, elemento indispensable en su cine”
Con esta muestra se detonará la kubrickmanía, agregó Alejandro Pelayo respecto de las actividades sobre el cineasta, como la amplia retrospectiva cinematográfica que la Cineteca Nacional de México exhibirá desde el 2 hasta el 18 de diciembre. La retrospectiva consta de 16 cintas.
En el marco de esta magna muestra en La Galería, se ha preparado la retrospectiva programada en colaboración con la distribuidora internacional Park Circus, que presentará en formato digital todas las películas realizadas por Kubrick. Los 16 filmes, tanto cortos como largometrajes, se exhibirán del 2 al 18 de diciembre, con dos funciones por título. Además, se reestrenarán las películas más reconocidas de este director. Así, en enero de 2017 la cartelera de Cineteca incorporará 2001: Odisea del espacio y Lolita, en febrero Barry Lyndon y Cara de guerra, en marzo El resplandor y Ojos bien cerrados, y finalmente en abril Naranja mecánica y Dr. Insólito o como aprendí a no preocuparme y amar la bomba (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb)
Pocas filmografías como la de Stanley Kubrick en la que se cuelan tan extraordinarias visiones. En sus películas, lo mismo desfilan hordas que evocan el umbral de nuestra especie, que las brutales fechorías de una pandilla de sociópatas, los delirios asesinos de un escritor desquiciado o la cadena de pasajes sexuales que arroja una desenfrenada orgía ritualizada. Su cine, hecho sin trabas ni pudor, es hoy objeto de admiración y constituye un legado difícil de igualar.
La entrada para Stanley Kubrick: la exposición costará 65 pesos. Abrirá de martes a domingo, de 12 a 21 horas.
HOMOCINEFILUS by Fernando Bañuelos, Crítico de Cine 