Tenet fascinante y compleja. Christopher Nolan sacude al espectador con elevados conceptos científicos y espectacularidad
“Trabajo para devolver al cine la fascinación de la huida” Christopher Nolan
Tenet, el más reciente largometraje de Christopher Nolan, es la producción más grande de la carrera del realizador británico-estadounidense y resulta impresionante en varios aspectos; en su narrativa, en la propuesta científica y en la producción.
Por encima de «compleja», «sofisticada», «solemne» o cualquiera de los adjetivos que se le suelen encasquetar a las películas de Nolan, en esta ocasión el primero que acude a la mente del espectador es «antipática». Da la impresión de que Nolan, un director no demasiado complaciente con las modas, ha querido frustrar las expectativas y hacer la película menos atractiva de su carrera. Con un presupuesto colosal de más de 225 millones de dólares y 2 horas y media de duración, Nolan ha firmado una película que no hace concesiones a su público. A Tenet le cuesta encontrar a su audiencia mucho más de lo que le costó al resto de las películas del director. Sin duda alguna.
Un espía sin nombre, al que llamaremos El Protagonista (John David Washington), es requerido por una organización misteriosa vinculada al término Tenet para que ayude a detener un inminente desastre global, quizá la Tercera Guerra Mundial, ayudado por un compañero que parece estar más al tanto de lo que sucede, Neil (Robert Pattison)
A El Protagonista, agente especial de la CIA, lo reclutan a través de una prueba que pasa sin saberlo, y desconoce todo lo que acontece a la misión que le encomiendan, exceptuando una palabra, TENET, y un gesto: dos manos que cruzan sus dedos en sentidos opuestos. El protagonista de la película debe realizar su misión partiendo de la total ignorancia ya que no entiende casi nada de lo que sucede durante la mayor parte del tiempo, por lo que el espectador, estrechamente vinculado al personaje a través del punto de vista, se sentirá igual de perdido, pudiendo asirse a solo un puñado de pistas difíciles de retener y encajar.
Fragmentación narrativa, la obsesión por el tiempo y la memoria, antihéroes atrapados en el laberinto de su propio subconsciente, individuos solitarios, turbios, que se cuestionan su identidad y se enfrentan a su lado oscuro. Todos estos son elementos que aparecen con frecuencia en los intrincados y apasionantes guiones del aclamado director Christopher Nolan. Su nueva entrega, Tenet, no se escapa de esta profunda configuración de temas.
Durante el viaje de El Protagonista, Christopher Nolan nos transmite directamente a través del texto, su deseo de que disfrutemos y sintamos la película antes de intentar entenderla. La principal problemática de esta decisión reside en la exigencia que recae sobre el espectador, que deberá realizar un salto de fe insólito para una película de estas dimensiones, lo que genera una frustración no siempre digerible por su parte. Nos encontramos, pues, ante la película más exigente y ambiciosa de su director, que abandona a su suerte, y por primera vez en toda su filmografía, no solo al espectador medio, sino también a aquellos asiduos a su cine.
Nolan y su equipo de producción, recorrieron siete países para filmar TENET con escenas impresionantes como el choque destructor (real) de un Boeing 747, enfrentamientos y explosivas secuencias que van a la inversa. Como película Tenet hace ruido como un jumbo jet. Su auténtico tonelaje es lo que más impresiona. Hay camiones, barcos, turbinas gigantes, y helicópteros, masas de concreto. Es literalmente una película pesada. Los escenarios que van de la costa de Amalfi a las “ciudades cerradas” de Rusia, le dan a Tenet un fondo tecnológico de destrucción ecológica. Si acaso, desearía que Nolan hubiese llevado su concepto del futuro contra el pasado más allá, en vez de situarlo tan firmemente en el mudo más familiar (en las películas) del tráfico ilegal de armas.
TENET tiene menos de 300 tomas en las que se utiliza VFX ( efectos visuales que se realizan en postproducción, se añaden al material ya rodado ), una locura cuando caemos en cuenta que se trata de una enorme producción cuya premisa es la “inversión del flujo del tiempo”; es decir, vemos a los personajes ir de manera lineal y hacia delante en el tiempo, pero también a la inversa. Nolan no quiso sobreexplotar el recurso de los efectos especiales, por lo que John David Washington, El Protagonista, realizó las secuencias físicas hacia delante y hacia atrás.
El filme cuenta con los principales ingredientes de toda receta de éxito, y su atractivo argumento se resume en el título, un palíndromo, es decir, una palabra que se lee en ambos sentidos, como el vaivén del tiempo que permite a los personajes avanzar o retroceder en la acción.
El director sometió el guion a varios científicos para adaptarlo a las teorías sobre el paso del tiempo, no es el primero en reflexionar sobre las consecuencias de manipular el pasado en el presente, pero en esta ocasión, las pasarelas temporales son más numerosas y porosas por ello Nolan es exigente con el espectador, ya que lo obliga a prestar atención para recomponer el rompecabezas, aun cuando eso requiera varias revisiones de la cinta. A cambio, ofrece una montaña rusa de giros inesperados que dejan al público boquiabierto. La película de Nolan plantea tantas preguntas como posibles respuestas. Su negativa a entrar en detalles (como ya hacía en El Origen o Memento, por otra parte) sobre la mecánica íntima de los procesos antinaturales que describe lo salvan de verse obligado a tener demasiado en cuenta la verosimilitud científica. Pero que la haya contemplado a la hora de plantear la base argumental del filme hace doblemente fascinante su propuesta.
Christopher Nolan alude a través de sus personajes a la llamada “brecha de conocimiento” para que el espectador nunca goce de la información suficiente para adelantarse a decodificar la trama y, sin embargo y a la vez, lo satura de información para que sea imposible dejar de intentarlo. No debemos olvidar que se trata de un thriller de espionaje en el que el suspense es un ingrediente indispensable. Para los espectadores su desconocimiento en asuntos de mecánica y física cuántica, así como el difuminado mapa de hacia dónde va la trama, y por qué los personajes están acometiendo tal o tal maniobra, les protege frente a la intelectualización y les permite abandonarse hedonistamente a una acción sin pausa.
TENET es una película de espías y ciencia ficción dura. El centro de su historia está en la inversión del flujo del tiempo. O en otras palabras, la entropía de los objetos y las personas, se invierte y el tiempo deja de percibirse hacia delante.
El meollo es que hay un mineral raro que puede revertir la entropía de los objetos. Esto significa que se puede viajar en el tiempo, hay armas invertidas, persecuciones de autos que van a toda velocidad hacia atrás y la película de mayor presupuesto que se ha visto. Esas armas son “el desperdicio de una guerra por venir”, dicen, el futuro está atacando el pasado.
Tenet es un thriller en el que se introduce el concepto de Inversión. ¿Qué quiere decir esto? Que hay objetos y personas que, en lugar de ir hacia adelante en el tiempo, lo hacen hacia atrás. La película muestra esta idea con coches, balas, explosiones e incluso seres humanos. Pese a que Tenet no es un filme sobre viajes en el tiempo, el hecho de poder revertirse permite ir al pasado.
De este modo, todo se concentra en las distintas formas en las que el tiempo puede funcionar e interpretarse. Y con este queremos decir que TENET, a diferencia de El Origen ( Inception ) o Interestelar ( Interstellar), es menos emocional.
Nolan nunca inicia una cinta sin asombrar primero, y en este caso, lo hace con humor. La historia empieza en Ucrania en los prolegómenos de un espectáculo, un concierto de música. El director establece su analogía con el cine desde el mismo punto de partida. El director de orquesta manda callar a sus músicos con la batuta y, poco a poco, los diversos instrumentos se irán silenciando para que podamos oír, perfectamente, cómo el sonido de una bala, impactando en el director, irrumpe y aturde. Además de poder deslumbrar, si lo puedes hacer con ironía, mucho mejor. La primera víctima del relato es su propio maestro de ceremonias. Nada más iniciarse la narración y ya se ha quedado huérfana de su demiurgo, traspasándole quizá esa responsabilidad (la de construir la diégesis) al espectador. Un relato clásico es eso, alguien cuenta algo o lo lee y el depositario de esa narración se lo imagina. Inmediatamente, entran en escena unos hombres armados, acompasados con la banda sonora del filme, donde prevalecen los graves, y con la banda de sonido, donde los efectos de disparos y gritos del público aterrado, nos ayudarán a impregnar de más realismo el escenario. Estos dos últimos términos podrían resumir ellos solos el devenir de toda la filmografía nolaniana, causa y efecto que en Tenet se irán contradiciendo; alterando si se quiere su orden.
En Tenet causa y efecto están invertidos, pero siguen existiendo en este universo, lo que impide que haya paradojas. El efecto del objeto apoyado en la mesa existe, pero aún no ha acontecido la causa (alguien lo ha soltado): la persona que lo sujeta, o por ejemplo, que ha disparado la pistola, debe recordar haberlo hecho, aunque aún no haya sucedido. Por eso las armas invertidas son tan peligrosas: tal y como informan al protagonista cuando le explican la idea del tiempo invertido, estas armas «pueden afectar a nuestro pasado». O dicho de otro modo, usando terminología de la película, «lo que sucede ha sucedido»
Debemos comprender que la historia de Tenet es un gran y complejo suceso de retrocausalidad en el que El Protagonista crea una organización encargada de reescribir el pasado para salvaguardar el futuro. La misión que se le ha encomendado es solo una gran pinza temporal de las muchas otras que hará en el futuro. Para que todo funcione, o al menos en eso se basa Christopher Nolan para construir todo el grueso del argumento de su película, El Protagonista debe desconocer la causa final (Él es el creador de Tenet, es él mismo quien se contrata desde el futuro) para poder llegar a ella a través de un gran efecto en cadena. Nuestra manera de concebir el tiempo, si es que aún piensan en términos lineales, nos enseña que lo que hicimos en el pasado es la causa de lo que sucede en el futuro. Los viajes en el tiempo no cambian eso. Neil lo deja bastante claro durante la película insistiendo en que lo pasado, pasado está. Por lo tanto, para que la misión de El Protagonista se resuelva con éxito, debe descubrir todo por sí mismo. Porque así es como pasó y así es la única manera en la que puede pasar.
Nolan deja claro que «nunca hemos tenido intención de que ‘Tenet’ sea científicamente precisa. Pero está basada, a grandes rasgos, en conceptos auténticos». Todo el apartado teórico de Tenet se basa en la posibilidad de invertir el flujo de la entropía, y qué pasaría si se consigue. Hay que tener en cuenta que, según la segunda ley de la termodinámica, el tiempo transcurre y, con él, la entropía crece o permanece, pero nunca decrece. Por tanto, nuestra percepción del tiempo es en realidad nuestra observación de la entropía. Para aterrizar de forma coherente ese atrevido concepto, Nolan contó con la colaboración del físico teórico ganador de un Nobel Kip Thorne, que ya ayudó a dar coherencia y credibilidad a las ideas referentes al tiempo y a la visualización de diversos fenómenos cósmicos en Interstellar. Thorne teorizó acerca de si revertir la entropía equivalía a revertir el tiempo.
En las ruinas de Pompeya encontraron el Cuadro Sator, un pequeño cuadrado que contiene cinco palabras que se leen de arriba a abajo y de izquierda a derecha. A esto se le llama palíndromo, y la palabra del centro en TENET. Las demás son Arepo, Opera, Rotas y Sator…
Las escenas de acción van de adelante a atrás y de atrás a adelante a la vez y sin solución de continuidad. Todo es visto dos veces en sentidos opuestos de manera simultánea, de forma alternativa o de los dos modos a la vez. De hecho, todo es modalidad y modularidad. Y es ahí, en el palindrómico exceso de direcciones opuestas, donde la cinta estalla ante la vista de un espectador por fuerza feliz en el desconcierto.
Nolan siempre tiene detalles fascinantes en sus historias, y el nombre de sus personajes o los lugares donde ocurren ciertas situaciones, tienen significados especiales. TENET no podía ser la excepción, y todo el Cuadro Sator aparece a lo largo del filme. Ese es el caso de Kenneth Branagh, quien da vida a Andrei Sator, un traficante de armas ruso que supone un obstáculo para que El Protagonista salve al mundo.
En Tenet se menciona en varias ocasiones el Movimiento de Pinza Temporal. Se trata de una estrategia militar en la que la mitad del equipo se mueve en una dirección temporal y la otra en la inversa. El equipo que se mueve hacia atrás puede avisar al otro de lo que va a suceder en el futuro. Una pirueta que la película demuestra que es más fácil de visualizar que de explicar, ya que en la introducción que reciben los personajes sobre el tema cuesta entender todos los pormenores de la cuestión, hasta que se pone en marcha. Esto supone que un mismo hecho es observado y ejecutado desde la inversión y desde la no inversión. En definitiva: la misión llevada a cabo por el equipo rojo y el equipo azul al final de la película. Por ello, podría decirse que Tenet es, en sí misma, este tipo de movimiento. La clave de todo está en la última conversación entre el Protagonista ( John David Washington ) y su compañero de misiones Neil ( Robert Pattinson). Es antes de que este se sacrifique cuando se revela que lleva conociendo al Protagonista desde hace mucho tiempo y que los eventos de la película suponen, para él, revertirse. De esta forma, el primer encuentro entre ambos personajes, cuando un misterioso enmascarado salva la vida del protagonista en la ópera, supone la primera vez para el Protagonista, pero la última para Neil.
A su vez, el final revela que el impacto de las acciones del Protagonista continuará tras el final de Tenet. Esto queda claro cuando Neil le dice que juntos harán otras misiones. Tras esto también descubrimos que la versión del futuro de El Protagonista es quien recluta a su versión del pasado y también a Neil para detener al villano Andrei Sator (Kenneth Branagh).
No podemos verlo en la película, pero con esa información, lo que Christopher Nolan nos está contando es que, en el futuro, El Protagonista creará una organización de la que Neil formará parte. También lo hará el equipo militar liderado por Ives (Aaron Taylor-Johnson). Y juntos, bajo las órdenes de El Protagonista, utilizarán la inversión para evitar que Sator se salga con la suya. El espectador siempre está recibiendo la información de los acontecimientos desde el punto de vista del personaje de Washington. De ahí que el secreto detrás de Neil y el equipo de Ives lo descubramos a la vez que él.
Lo cierto es que Tenet, admirada desde la posteridad y la comodidad de varias visualizaciones, se descubre como una obra descomunal. Un espectacular acertijo científico que funciona de manera sobresaliente a casi todos los niveles, pero que en su naturaleza esconde una trampa imposible de evitar para el espectador en un primera experiencia con la cinta; que deberá retroceder para avanzar; o lo que es lo mismo, deberá volver a ver la película para entenderla, y sobre todo disfrutarla, en toda su complejidad.
El cine recuperado como espectáculo; el cine reconvertido en juego, en jeroglífico, en misterio; el cine reivindicado como ejercicio disparatadamente lúdico y ajeno al tiempo; el cine como laberinto y asombro.
Las 25 Mejores Películas del 2020, el Año que se llevó la Pandemia. La lista del Crítico de Cine Fernando Bañuelos Homocinefilus
“Dale un afilado estilete a un mono y pueden suceder dos situaciones; se degüella o impulsivamente te corta la cabeza” Proverbio popular
La apuesta de esta recopilación es recuperar las mejores cintas del año que, a nivel mundial, hicieron renacer la esperanza en la humanidad. Excelentes películas que pese a la Pandemia, encontraron la forma de llegar al gran público.
De nada hubiera servido, para una sociedad fílmica subdesarrollada, deprimida y agobiada por el azote calustrofóbico de la Pandemia, mirarse el “ombligo cultural cinematográfico”, denotar la miseria intelectual y sólo integrar una lista mezquina de películas mediocres, locales y enajenantes, que apenas pudieron resaltar en la desesperada búsqueda de opciones fílmicas del streaming, del espectador asfixiado por la #Cuarentena que pretendía, en el mejor de los casos, ser #Inteligente, #Provechosa y #Productiva.
2020 no sólo es el Año que se llevó la Pandemia, también es el ciclo de 365 días en el que descubrimos, a causa del precautorio y alarmante cierre de las Salas de Cine en el mundo, que la mayor parte de la Memoria Cinematográfica de la Humanidad, está ya contenida, en las cientos de Plataformas de Streaming que alberga Internet. El significado de este revelador y estremecedor hallazgo trastoca drásticamente la forma tradicional, y bastante viciada, en la que veíamos cine antes del Covid-19, a causa de la “mezquina magnanimidad” de una industria cultural dominante, léase Hollywood, ejerciendo un ominoso control monopólico cultural e interesada solamente en los voraces beneficios económicos a nivel planetario. Ahora, gracias a que la Tecnología Cibernética nos alcanzó, el único criterio al que debemos obedecer, es el que nos mande o sugiera nuestra cinefilia ilustrada o chafada, perspectiva cultural, alcance de miras, nivel de entendimiento, percepción del mundo y a la imperiosa necesidad de evadirnos de la realidad, argumentando, autoengañándonos, que vemos cine sólo para entretenernos. El nombre del juego es el de tener el bagaje cultural necesario y los fundamentos de conocimiento cinéfilo para elegir las mejores opciones cinematográficas entre un océano de posibilidades. En este escenario es donde cobra sentido la imperiosa función social que cumple el Crítico de Cine, comprometido éticamente con orientar el interés del público hacia elevadas, formas cinematográficasm contundentes, denunciativas, dilectas y estéticas, alejando a los espectadores de cintas que apuntalan la sociedad de consumo.
Pese al impacto trágico de la Pandemia, y al terrible desafío que representa producir y exhibir películas, y a la incertidumbre del futuro, el cine se mantuvo muy vivo, y como no, durante todo el año, a través de Festivales de Cine Virtuales e Híbridos o en el restringido VOD (Video on Demand) y al vigor y poder que tienen, y no lo sabiamos a cablidad, las éticas, culturales, virtuosas, pero también ominosas y poderosas Plataformas de Streaming de todos tipos e ideologías. Por ello el criterio para seleccionar estas 25 películas fue el de sugerirles rescatar, por cualquier medio, estas indispensables y geniales Obras Cinematográficas que exponen lúcidamente el Drama Humano en cientos de excelsas y perturbadoras maneras, mostrando alucinantes universos fílmicos.
La mayoría de las mejores películas de 2020 no se filmaron este año, pero seguro que hablan de la tregedia humana en todas sus tonalidades y en todas latitudes. Desde los efectos psicológicos del distanciamiento social, 2020 fue un estado de ánimo como ningún otro, y muchas de estas películas se han convertido en encarnaciones retroactivas de esos sentimientos inusuales. Eso no es exactamente un feliz accidente: el mundo ya era un lugar inquietante y misterioso que los narradores modernos intentaban analizar, por lo que cuando el estado de ánimo se intensificó, sus películas llegaron justo a tiempo. Muchos de los aspectos más destacados cinematográficos del año ofrecen algo de esperanza para el futuro.
Les pedimos abran la Red del Entendimiento y capturen, rescaten y recuperen, donde el sorprendente Streaming se los permita, las 25 sugerencias que a continuación les reseñamos:
1.- The Painter and the Thief … Director: Benjamin Ree … Noruega 2020 …
Este extraño y convincente documental comienza cuando Barbora Kysilkova, una artista checa en Oslo, Noruega, tiene dos pinturas en una galería, que son robadas. Después de que arrestan al ladrón, Karl Bertil-Nordland, Barbora lo busca y le pide pintar su retrato.
Se está apropiando de su imagen luego de que él le robó su arte, pero eso es solo el comienzo de una amistad real, a veces exasperante, a medida que la historia crece para incluir la relación de Barbora con su novio y la adicción a las drogas de Karl. El director Benjamin Ree siguió a los personajes durante años para crear esta conmovedora crónica de inspiración, culpa y reinvención.
Kelly Reichardt es una de las grandes cineastas del cine americano de las últimas décadas, del cine independiente, de un cine rural, neo western y naturalista, que siempre han ocupado los contextos de sus películas. En First Cow nos traslada al Oregón de los años de 1820, en donde un cocinero es contratado por un grupo de cazadores de pieles, precisamente para que les cocine. La personalidad sensible del cocinero contrasta con la de los rudos cazadores, hasta que un día se encuentra con un inmigrante chino que se encuentra huyendo de unos rusos. En esos momentos muchos inmigrantes llegaron de muchos países tras el oro blando como le decían a las pieles. El cocinero ayuda al chino y el destino los junta nuevamente, permitiendo que trabajen juntos en una comunidad donde llega la primera vaca, propiedad del Jefe de Factores, un hombre con eterna nostalgia y anhelo de la vida en Europa. La historia es mínima. Kelly Reichardt cuenta poco más que la cercanía entre sus dos protagonistas, y sus tribulaciones para conseguir dinero y una vida mejor en un entorno hostil. Al igual que hace la cineasta con tal entorno, Cookie y King-lu terminan por aportarle dulzura. En términos de puesta en escena, sin embargo, First Cow está llena de vida. La película es estupenda. Es basada en la novela de Jonathan Raymond, quien escribe el guión junto a Reichardt.
3.- –La vasta noche … The Vast of Night … Director: Andrew Patterson … EUA 2019
El mundo moderno es hijo de la sospecha. Marx, Freud y Nietzsche demostraron que tras la evidencia respira el monstruo. y Andrew Patterson se empeña en The Vast of Night en dejar claro que, ahora más que nunca, la paranoia nos define. Su película es un raro artefacto nocturno que homenajea a la intrigante televisión de interferencias y programas como La Dimensión Desconocida (The Twilight Zone), a la vez que nos devuelve a la ingenuidad de la radio antigua y de aquellos extraterrestres de platillos voladores con foquitos y la nave nodriza. Sin duda, una de las más gloriosas y magnéticas sorpresas de los estrenos en las plataformas. Apabulla la habilidad para recomponer la fiebre de la sospecha. Ahora, que somos tan vulnerables. ¿Nos están mirando los extraterrestres? ¿Estaban en los cielos de la década de 1950 en Nuevo México? Este misterio de ciencia ficción hace esas preguntas de La Dimensión Desconocida, pero las responde con tanto entusiasmo y originalidad que parecen nuevas. En el transcurso de una noche, The Vast of Night sigue a un DJ de radio local (Jake Horowitz) y un operadora telefónica (Sierra McCormick) mientras investigan los misteriosos ruidos que se transmiten desde algún lugar cercano. La película incluye algunos comentarios agudos sobre la marginación de ciertos grupos sociales, pero es la solvencia técnica pura la que hace que el debut de Andrew Patterson sea un placer. Sabes que estás viendo la aparición de un nuevo talento enormemente emocionante.
4.- Bacurau: Tierra de Nadie … Bacurau … Directores: Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles … Brasil / Francia 2019
Una de las películas más extrañas y creativas del año es esta joya brasileña, ambientada en un pueblo pobre y aislado llamado Bacurau. La comunidad es oprimida por un político corrupto y hay desconcierto sobre por qué Bacurau ha desaparecido repentinamente de cualquier mapa, los de papel y los de internet. Cuando el pueblo es invadido por mercenarios, la película se transforma en un homenaje ensangrentado a los westerns. Los directores Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles han creado una deslumbrante película, que compartió el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes del año pasado.
5.- Una gran mujer … Beanpole … Dylda … Director: Kantemir Balagov … Rusia 2019 … Candidata de Rusia a Mejor Película Extranjera al Óscar
Una gran mujer es un drama visualmente impresionante, por su atmósfera, sus colores, la temperatura y la iluminación tan cuidados, que dibujan constantemente escenarios preciosos, fríos y cálidos, que se mueven a la par del desarrollo de los personajes. Además de eso y su estupenda fotografía, la película se ambienta en Leningrado en el otoño de 1945. Tras la Segunda Guerra Mundial la ciudad está en ruinas junto con el espíritu de sus ciudadanos. Entre ellos dos mujeres, Iya y Masha, que deberán tener la fuerza para salir adelante con los hijos y reconstruir la ciudad. Beanpole también es una película que habla sobre el amor no correspondido, la miseria y la desesperación cuando todo se ha perdido. Es demoledora y todos los elementos trasmiten muy bien el sentimiento de nostalgia y tristeza. Este filme toca aspectos importantes de la respuesta humana ante la tragedia, de las relaciones prohibidas, los prejuicios y las diferencias de clase en una sociedad totalitaria, pero destruida materialmente tras una hecatombe bélica. Una sociedad que, en ese momento, no puede disfrutar de su victoria.
6.- The Assistant … Directora: Kitty Green … EUA 2019 …
Kitty Green, realizadora proveniente del campo documental y posicionada en la causa feminista con trabajos como Ucrania no es un burdel (2013), ha elegido para su primera película, fuera de ese formato, una historia que denuncia el abuso de los depredadores sexuales contra las mujeres en la industria del cine, utilizando un estilo seco y minimalista, fiel a esa búsqueda de la realidad propia del género en el que se ha cultivado. The Assistant es una película silenciosa, tanto como su protagonista femenina, que desde la aparente calma de sus imágenes, lanza un grito atronador contra esa impunidad que rodea a los delincuentes sexuales de alto rango. No hay en ella ninguna referencia hacia la figura de Harvey Weinstein, el controvertido productor de cine que ha sido llevado ante la justicia por las denuncias de decenas de mujeres, entre ellas muchas actrices famosas, y, sin embargo, su sombra sobrevuela en un relato que, casualmente (o no) acontece en el interior de las oficinas de una productora cinematográfica. La narrativa escogida por Green es bien sencilla. La crónica directa y concisa de 24 horas en la vida de Jane, una joven con sueños de convertirse en el futuro en productora de cine que, mientras tanto, desempeña las labores de asistente (más bien, chica para todo) de un magnate de la industria.
7.- Nunca Casi nunca, A Veces Siempre … Raramente Nunca A veces Siempre … Never Rarely Sometimes Always … Directora: Eliza Hittman … GB / EUA 2020 …
Este drama silencioso y profundo sigue a Autumn (Sidney Flanigan), de 17 años, en su embarazo en una pequeña ciudad de Pensilvania, donde el aborto está restringido, mientras ella y su prima toman en secreto un autobús rumbo a la cercana ciudad de Nueva York para interrumpirlo. Lejos de ser una historia de moralejas, la película de la escritora y directora Eliza Hittman es un relato elocuente e íntimo sobre elecciones, secretos y las decisiones tristes y desesperadas que las mujeres jóvenes, a veces toman para salvar su propio futuro. La película es desgarradora en su honestidad pero emocionante en su empatía. La directora convierte este argumento mínimo en un auténtico y soberbio viaje al fondo de la noche, en un drama naturalista, melancólico y descarnado sobre la adolescencia acosada. Con una precisión desusada, Hittman se las arregla para componer una rara, ausente y muy profunda sinfonía del dolor. La fotografía entre saturada y sólo rota, la banda sonora necesariamente fracturada y la mirada partida en pedazos componen un universo de escombros, extraño y muy cercano a la vez. Sidney Flanigan debe enfrentarse a una serie de dificultades, tales como la escasa rigurosidad médica, los altos costos económicos, el consumo de medicamentos y los juicios de la sociedad.
8.- El Jóven Ahmed … Le jeune Ahmed … Young Ahmed … Directores: Jean-Pierre and Luc Dardenne … Bélgica / Francia 2019 …
El punto de vista de los hermanos Dardenne se centra en la religión. Aunque en la cinta la religión que escoge es la musulmana, sería corto de miras no pensar en el resto de creencias. Aunque bien es cierto que los musulmanes son los que al día de hoy, más titulares ocupan, debido probablemente a la gran diferencia cultural existente. Ahmed es un adolescente cuyo alineamiento le está privando de disfrutar de los placeres de su vida propios de su edad. Movido constantemente por sus creencias, actúa en consecuencia, llegando a los tan temidos extremismos. Y es que aunque los directores nos dejan entrever posibles cambios en el signo del personaje, dicho cambio nunca acaba de llegar. Aunque parezca redundante, en El joven Ahmed la juventud juega un rol principal. Dicho estado vital ejerce de motor durante todo el largometraje, pudiendo llegarnos a preguntar que sin dicha precocidad en el protagonista, nada hubiera ocurrido. Todos hemos tenido ídolos en nuestra adolescencia. Los más cinéfilos de Billy Wilder a Quentin Tarantino, los más futboleros a Pelé o Messi y los más melómanos desde David Bowie al actual Justin Bieber. Les admiramos y soñamos con poder seguir algún día sus pasos. Pero, ¿qué pasaría si nuestro modelo a seguir fuese nuestro primo? Y más aún, ¿si nuestro primo fuera un fanático religioso? Con estos y más elementos juega el filme. Con la relación entre una madre y un hijo, con la inocencia y atrevimiento propios de la juventud y, por último, con la necesidad de la cultura como contrapunto de los radicalismos. En el Festival de Cine de Cannes la cinta ganó la Palma de Oro a Mejor Director.
En un estudiado blanco y negro cerca de la ensoñación o la pesadilla, Fincher reformula Ciudadano Kane desde el lado opuesto del espejo, desde la vida rota del dipsómano guionista Herman J. Mankiewicz (1897–1953). En un bucle prodigioso, el espectador es invitado no tanto a introducirse en el «making of» de la película que hizo saltar por los aires los códigos narrativos del cine clásico, como a destejer y volver a tejer la misma historia desde el punto de vista opuesto. Si la de Kane era la historia del más poderoso y arrogante de los hombres, enfrentado a la maquinaria de poder creada por él mismo, el de Mank es el relato del más ínfimo de los seres que contempla desde su insignificancia los estragos de un tiempo esencialmente injusto y condenado a desaparecer. El director David Fincher recoge un guión escrito por su padre, Jack Fincher, antes de su muerte en 2003. La trama de la película se centra en la historia del guionista Herman J. Mankiewicz y los problemas que enfrentó durante el desarrollo de Citizen Kane (1941), filme de Orson Welles que aborda los conflictos relacionados al poder político y la prensa sensacionalista.
10.- The Mole Agent … El agente topo … Directora: Maite Alberdi … Chile / EUA / Alemania / Países Bajos / España 2020
El agente topo nos presenta a Rómulo, un investigador privado, que recibe de parte de una clienta el encargo de investigar sobre el estado de salud de su madre, quien vive en un asilo. Para llevar a cabo la misión contrata a Sergio, un hombre viudo de 83 años quien debe internarse en el asilo como un agente encubierto. Allí, Sergio lucha por cumplir su misión mientras inevitablemente, empieza a involucrarse en la vida de las residentes de ese hogar. La mejor manera de adentrarse en El agente Topo es ir sin ningún tipo de conocimiento sobre el largometraje. De esta forma, el espectador va descubriendo poco a poco la magnitud de la historia, la cual comienza como una comedia de espías muy agradable, que pronto revela su verdadero ser. Por lo cual, no es un documental común y corriente, sino que busca, a través de una aparente ficción, dar rienda suelta a la verdadera historia que se desea contar. Por un lado, ese aspecto de “agente secreto”, permite que sea el nexo de unión entre los distintos relatos que se plantean en el filme. Una forma interesante de unificar las distintas partes. Incluso llega a contar la suya propia y siendo parte de lo que se está narrando y la necesidad emocional de hacerlo. Hablar de la tercera edad es una misión muy importante en sociedad, dado que se pueden ver perfectamente algunas de las problemáticas que envuelve la situación de estas personas durante la vejez. Sin embargo, lejos de mostrarse desde una vertiente más oscura, o triste, se consigue dar luminosidad con la alegría de las distintas personas que la forman. Gracias a desengranar las vidas que hay detrás, se conecta perfectamente con las distintas líneas que se conforman. Igualmente, hay un punto desgarrador en toda esa inocencia, donde las vidas en paralelo confluyen y es el sentimiento de la soledad. Por este motivo, las sensaciones invaden la película según va avanzando, dejando un final reflexivo sobre cómo son tratadas las personas de mayor edad por la sociedad. Aún así, no busca la lágrima fácil, sino que siempre alude a una solución, que cada uno debe mirar en sí mismo.
“Nosotros ya no somos humanos. Sólo les importa el dinero”. Esta afirmación hiriente está muy lejos de ser una simple frase sin fundamento; es la expresión de una fe idealista en el documental Collective de Alexander Nanau. La investigación llevada a cabo en la película revela que el sistema sanitario rumano está gangrenado hasta la médula. La corrupción en todos los niveles hace que mueran de forma absurda ciudadanos que pensaban que sus hospitales podrían curarlos; y todo con la complicidad de los poderes públicos. Una explicación terriblemente edificante que el director alemán (nacido en Rumanía y conocido por su trabajo anterior, Toto et ses sœurs (Toto y sus hermanas) exhibe con una maestría cinematográfica excepcional, en las antípodas de una investigación televisiva estándar. La película combina el suspense digno de un thriller con los sucesivos descubrimientos de los periodistas y los intentos de un nuevo ministro por mejorar el sistema. También tiene secuencias con poco énfasis pero muy respetuosas, dedicadas a las víctimas y a los supervivientes. Todo empieza con un suceso muy mediático. El 30 de octubre de 2015 se declara un incendio en el Colectiv Club, una discoteca de Bucarest, que carecía de salidas de emergencia: 27 jóvenes mueren y 180 resultan heridos (90 en estado grave). El gobierno rumano afirma que serán cuidados “tan bien como en Alemania”. Pero 37 de los quemados mueren en las semanas posteriores pues, como reveló una fuente a los periodistas Catalin Tolontan, Mirela Neag y Răzvan Lutac que deciden iniciar una investigación, “fueron ingresados en un ambiente no esterilizado y expuestos a una de las bacterias hospitalarias (el bacilo Pseudomonas aeruginosa) más resistentes de Europa”. El trío de La Gazette des Sports descubre que los productos desinfectantes que proporciona Hexi Pharma a 350 hospitales (2000 quirófanos) son diluidos hasta diez veces la dosis normal. Una práctica que esconde una corrupción a varios niveles, circuitos de evasión fiscal y la protección del Estado, que estaba al corriente de la situación, desde hacía bastante tiempo.
12.- Nomadland … Directora: Chloe Zhao … EUA 2020 … Basada en la novela de Jessica Bruder
Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que, tras perder todos sus bienes durante la Gran Recesión, se embarca en un viaje nómada por la zona oeste de Estados Unidos. Empire es, o era, una ciudad de Nevada. Forzada por la crisis de 2008 vio como en 2011 cerraba la fábrica de tablaroca, pilar de la economía local. El efecto fue devastador, convirtiendo a Empire en una ciudad fantasma hasta el punto de que Estados Unidos eliminó su código postal. Tomando como base este hecho, Chloé Zhao crea el personaje de Fern, una viuda de Empire a la que la situación le ha dejado sin trabajo, sin familia, sin casa, sin amigos e, incluso, sin ciudad, y la sumerge en el universo que exploraba la novela periodística Nomadland de Jessica Bruder: el del fenómeno de los nómadas americanos actuales. Americanos, la mayoría por encima de los 50 años, que viven en sus autocaravanas, alejados todo lo que pueden de un sistema que creen que ya no funciona (muchos de ellos han sido directamente expulsados de él), colaborando entre ellos, intercambiando bienes y conocimientos y viajando por Estados Unidos en función del clima y la disponibilidad de trabajos. Fern empieza a trabajar para Amazon y vive en su camioneta en una zona de acampada que paga la multinacional. Cuando se le acaba el contrato y no tiene donde ir, conoce en YouTube a Bob Wells, un guía y un líder para los nómadas. Interesada y sin muchas más opciones, decide llevar ese tipo de vida. Bob no es un personaje de ficción y, efectivamente, es un guía para todos aquellos que deciden llevar este tipo de vida. Como Bob, en Nomadland aparecen muchos personajes reales y vemos a Fern interactuando con ellos para que conozcamos sus historias, sus planes de futuro y por qué o cómo decidieron llevar esa vida. Como ya hiciera en The Rider, Chloé Zhao camina por la delgada línea de la ficción y la no ficción solo que aquí, la arrolladora presencia de McDormand desequilibra el balance en algunos momentos en los que la actriz eclipsa al personaje convirtiendo la película en uno de esos documentales conducidos por una estrella visitando una zona. En cualquier caso Tanto Fern como McDormand son las nuevas en ese universo, así que sentirlas como invitadas no resulta demasiado grave.
13.- El Diablo a Todas Horas … The Devil All the Time … Director: Antonio Campos … EUA 2020
La primera novela de Donald Roy Pollock, El diablo a todas horas (The Devil All the Time), se publicó en 2011 y mezcla el gótico sureño con la novela negra criminal. Su estilo rezuma bocanadas de la prosa de William Faulkner o Cormac McCarthy, asumiendo también la perspectiva católica de Flannery O’Connor, en la descripción del trasfondo social de una América profunda desoladora y miserable. El alma podrida de la América profunda. Adaptar una novela de este tipo al cine nunca es fácil. Más allá de la historia, es necesario captar toda una serie de ambientes y sensaciones que distinguen una época y unos lugares. La película de Antonio Campos logra de forma acertada captar toda la sordidez inherente al relato original, aunque se pierde un poco en la exposición desordenada de los hechos. Sus 138 minutos se quedan cortos. Aparecen muchos personajes cuyas vidas quedan relacionadas mediante subtramas que suceden en diferentes momentos temporales. Eso hace que, sin llegar a ser un rompecabezas que resulte incomprensible, sí se tiene la sensación de una narrativa precipitada. Son demasiados hechos cocinados a fuego rápido que hubieran necesitado de una mayor exploración psicológica. El diablo a todas horas tiene un reparto que quita el aliento. Es alucinante la concentración de rostros conocidos, con mayor o menor caché, que van desfilando por la pantalla. Todos brillan en sus pequeños fragmentos de esta historia sórdida y negrísima, no apta para espectadores que busquen algo ligero que llevarse a la boca. Otro aspecto destacable es la puesta en escena. Campos elabora con minuciosidad, una ambientación rural tan truculenta que se huele y se sufre, igual que hacen los personajes. La violencia de la naturaleza humana se confronta con una fe ciega católica exacerbada. El lado oscuro y el luminoso se confunden muchas veces en este relato tan escabroso como fascinante. Quedan pocas ganas de visitar Knockemstiff, el lugar de Ohio donde se concentra la mayor parte de la acción y del que es originario el autor de la novela.
Christopher Nolan redescubre para el cine la virtud del asombro. Toda la película se sostiene sobre el más elemental de los trucos que descubrió para sí el cinematógrafo: la posibilidad de hacer correr el tiempo hacia atrás. De la misma manera que el tren de los Hermanos Lumiére entra en la estación de La Ciotat, basta girar la manivela en sentido inverso para verle regresar a su lugar de origen que, de repente, es el de destino. Y sobre ese casi sagrado precepto, el director insiste en sus obsesiones temporales para componer un rompecabezas prodigioso donde todo, por increíble que parezca, encaja hasta el último y más explosivo de los detalles. Es cine que hace ¡boom! y sin dejar ni prisioneros ni heridos.
15.- Las Tres Muertes de Marisela Escobedo … Director: Carlos Pérez Osorio … México 2020
El destino es, a veces, un cruce de caminos. Un instante efímero en el que sucede algo que cambia nuestras vidas para siempre, sin que podamos echar marcha atrás. No se decide, pero tampoco se puede hacer nada por evitarlo. El destino es lo que hizo que la familia Fraile Escobar se topara con Sergio Rafael Barraza un día en Ciudad Juárez, municipio fronterizo en el norte de México, donde la impunidad campea a sus anchas. El hermoso título que el mexicano Carlos Pérez Osorio da a su película, Las tres muertes de Marisela Escobedo, parece remitirnos a una historia emparentada con el realismo mágico en la que la ficción nos trasportará a un mundo irreal donde abandonarnos mientras dure el filme. Pero esto es sólo una falsa percepción. Pérez Osorio no nos lleva a ningún paraíso imaginado, sino que a través de un documental nos confronta con la dura realidad de un país, México, donde mueren 10 mujeres al día y el 97% de los feminicidios quedan impunes. Así, Las tres muertes de Marisela Escobedo narra la vida de una mujer de gran fortaleza, madre y trabajadora, que perdió a su hija, asesinada, y que luchó mientras pudo para que esa muerte no pasara a ser una estadística más de las que engrosan las cifras que tristemente nos deja la violencia. Carlos Pérez Osorio aborda todo lo sucedido con una narrativa lineal, directa, sin subterfugios ni retóricas que la alejen de lo que es: el relato de la muerte injusta de dos mujeres en una misma familia. Somos, como espectadores, los testigos de una tragedia que será contada paso a paso, con hechos y con testimonios, sin la necesidad de ninguna imagen de violencia gratuita que convierta en nota roja lo acontecido, y en donde se pondrá de manifiesto la ineficacia de un sistema judicial entorpecido por su propia burocracia y por la corrupción que ha contaminado hasta sus raíces más profundas.
16.- Estoy pensando en dejarlo … Pienso en el final … I’m Thinking of Ending Things … Director: Charlie Kaufman … EUA 2020
El más arriesgado, ‘borgiano’, y metaguionista de los escritores de cine compone una de las más abrasivas maravillas que ha dejado la Pandemia. El director de Cómo ser John Malkovich, Anomalisa y Synecdoche, New York enseña ahora su perfil más amargo, triste, taciturno y, admitámoslo, soberbio. No sólo es una película sobre asuntos tales como las heridas del amor, también lo es sobre la memoria, la identidad y el sueño. Desde La edad de oro de Luis Buñuel el cine surrealista no se había atrevido a tanto. Netflix deja completa libertad a los creadores y pasa esto; un milagro. Muy doloroso, pero milagro al fin y al cabo.
17.- Dasatskisi … Beginning … Directora: Dea Kulumbegashvili … Georgia / Francia 2020
Tras arrasar en el Festival de Cine de San Sebastián, donde se llevó cuatro de los premios mayores (Concha de Oro, dirección, guión y actriz para Ia actríz Ia Sukhitashvili), la película de la debutante Dea Kulumbegashvili se ha convertido en la mejor excusa para salvar un año entero; una temporada aciaga sin Cannes y con la nómina de estrenos reducida hasta la extenuación. Perturbadora, elegante, brutal e hipnótica, la película navega con convicción por la realidad convertida de repente en sueño. Quizá sólo pesadilla. Es cine que subyuga con la misma fuerza que pone en alerta. Es cine para desatar las interrogantes, la investigación y hasta la duda. Es cine, que en su apariencia sonámbula y magnética, aspira a revolucionarlo todo. Es de lo mejor del año. En un tranquilo pueblo, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos. Beginning es una ópera prima, que retrata a una mujer perteneciente a los Testigos de Jehová que vive oprimida por su marido y por una sociedad que no acepta su religión y que, azotada por las dudas acerca de su identidad y su fe, llega a convencerse de que la única forma de vencer sus demonios o, tal vez, de vencer al mismísimo Demonio, es probar su lealtad a Dios con una rotunda voluntad bíblica. Y, mientras contempla a su protagonista, la película traspasa con firmeza apabullante la fina línea que separa el retrato realista de la parábola religiosa, y en todo momento logra dotar hasta las escenas más aparentemente impávidas, de un clima asfixiante de tensión y amenaza.
18.- –Otra Ronda … Druk … Another Round … Director: Thomas Vinterberg … Dinamarca / Suecia / Países Bajos 2020
Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre. El nuevo trabajo del cineasta danés Thomas Vinterberg, uno de los fundadores del movimiento Dogma 95, y que en sus inicios nos regaló películas tan interesantes como La Celebración (Festen 1998), y más recientemente Submarino ( 2010) y La caza (2012), pero que sus últimos proyectos, en algunos casos de mayor presupuesto, es una película que se mueve entre dos géneros, la comedia y el drama y tiene cuatro actores protagonistas: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe. Otra Ronda (Drunk, 2020), se ubica fácilmente entre lo mejor de la producción artística de Vinterberg, aquí nuevamente retomando en parte el Dogma 95 de la mano de un desarrollo dramático sin artificios banales de raigambre hollywoodense y apegado a la realidad y sus paradojas, enfoque que en esta oportunidad abarca a la influencia del alcohol en la vida de los seres humanos tanto en lo positivo como en lo negativo/dañino sin que importen los discursos castradores y muy reduccionistas de fetichización de la asepsia, la pureza y la salud de los sectores burgueses profesionales del espectro social, mediático y cultural de nuestros días. El proyecto empezó como una adaptación de una obra de teatro que el realizador había escrito muchos años atrás y que estaba más centrada en los rasgos benéficos del consumo de alcohol vinculados a la sagacidad en público y la pérdida de inhibiciones en el trato con el prójimo. Multipremiada
Fox Rich es una luchadora, emprendedora y madre de seis niños, que ha pasado las últimas dos décadas haciendo una campaña para la liberación de su marido, Rob G. Rich. Una violación: 13 años de cárcel (promedio). Asesinato en primer grado: 25 años (en algunos estados). Una pareja de jóvenes afroamericanos intenta atracar un banco a mano armada: 60 años de prisión para Robert Rich sin opción a reducción de la pena. ¿Qué es lo que falla en Estados Unidos? El documental Time denuncia la discrecionalidad judicial y el racismo, pero pone en el foco de atención en la vida de una familia que ha de vivir con el padre en prisión. Desde que ella y su marido cometieron la peor decisión de sus vidas, Fox Rich lleva 20 luchando por la proporcionalidad de la pena de Rob y registrando los momentos familiares a los que él no puede acompañarlos. Time combina ambas facetas, presente y archivo, para tratar de que nos hagamos una idea de qué son 60 años en prisión para una familia. La directora Garrett Bradley, que con Time ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance, debería poder compartirlo con Sibil Fox Richardson: a quien todos llaman Fox Rich. Sus vídeos domésticos son el alma de Time. Entre ese archivo y las imágenes del presente veremos cómo crecen los hijos de Fox y Rob sin su padre y cómo ella se convierte, de una joven madre enamorada de veinte años y sonrisa esperanzada, a una carismática vendedora y oradora profesional. El análisis de la criminalización de los afroamericanos, entre la discrecionalidad y el racismo, que realizó el documental Enmienda XIII, los hermosos videos domésticos que una joven madre enamorada pueda dirigir a su marido en prisión, son algunos de los puntos fuertes de este documental .
20.- Retrato de una mujer en llamas … Portrait de la jeune fille en feu … Portrait of a Lady on Fire … Directora: Céline Sciamma … Francia 2019
Algún lugar de la costa bretona, 1770. La joven Marianne recibe un extraño encargo. Debe viajar a una remota y aislada mansión para pintar el retrato de una joven que ha sido obligada a abandonar el convento para contraer matrimonio, después del suicidio de su hermana mayor. La madre, una aristócrata viuda con necesidades económicas, le dice a Marianne que su hija se niega a posar, lo que provocó que su predecesor abandonara la tarea sin éxito. Así pues, Marianne deberá hacerse pasar por dama de compañía y acompañar a su modelo en sus paseos, para después pintarla de memoria y en secreto. Los primeros minutos de Retrato de una mujer en llamas sirven para que la directora presente en unos pocos trazos el esqueleto argumental de la película. Para ello se sirve de la presencia de Marianne (Noémie Merlant) como vector, ya que es a través de su mirada como el espectador descubre y se familiariza con el espacio. Lo primero que hace Marianne, una vez instalada en mitad de la noche, es explorar la casa. Recorrer los pasillos, hurgar en las alacenas en busca de comida o explorar habitaciones cerradas, son acciones que simultáneamente ubican a personaje y espectador, y que al mismo tiempo sientan las bases de uno de los aspectos clave de la película: la importancia de la mirada y las implicaciones, éticas y estéticas, de nuestra posición como observadores. No se trata de conquistar lo divino, sino de dominar la naturaleza a través de lo real y lo representado. De forma inteligente, Sciamma nos recuerda en Retrato de una mujer en llamas que el cine es el arte de lo visual, que ofrece una potencialidad única derivada de la multiplicidad de puntos de vista que permite. En el sistema que propone la película, la mirada es doble, es la mirada de Marianne cuando pinta a Héloïse (Adèle Haenel), pero también es la de Héloïse cuando por fin posa ante Marianne y se coloca a la misma altura que ella, demostrándole que quien mira es también quien es mirado, y que a través de ese juego de miradas se puede construir una dialéctica que va más allá de lo que las palabras pueden verbalizar. Y, para añadir otra capa de sentido, a las miradas de los personajes se suma la mirada del espectador, colocado en una posición privilegiada que le sitúa simultáneamente a ambos lados del campo de juego donde se están gestando los sentimientos, pero también los equilibrios de poder, entre ambas protagonistas.
21.- Diamantes en bruto … Uncut Gems … Directores: Ben Safdie y Joshua Safdie … EUA 2019
Cabe aclarar que, en Diamantes en bruto, la cuestión no va de diamantes, pero es lo que pasa cuando no se traducen bien los títulos (Uncut Gems). Gemas aparte, de lo que trata esta producción, estrenada en Netflix, es de la vida de un perdedor de manual o»by the book», siguiendo todas las reglas. Un hombre, Howard Ratner, judío, que se dedica a la joyería, que, debido a sus constantes malas decisiones, a su adicción a las apuestas y a un poco de mala suerte, se encuentra en graves problemas que no dejan de crecer como si de una bola de nieve se tratase. Un hombre encarnado por un sorprendente Adam Sandler, en su mejor actuación sin duda, como el mismo, que no solo se aleja de las comedias simplonas a las que nos tiene acostumbrados, si no que realiza un espléndido trabajo en la piel de este jugador desesperado y autodestructivo. Y esa desesperación nos la transmiten los hermanos Benny y John Safdie, responsables de la dirección del filme. Con una ágil puesta en escena, que no deja respiro al espectador, escenas con un ritmo narrativo endiablado y un guion lleno de diálogos a velocidad de vértigo, que transmiten auténtica angustia. Sí, porque avisado quedas que este filme resulta estresante de ver, pero eso no es óbice para que Diamantes en bruto sea uno de los mejores ejemplos de buen cine. Cine de mafiosos, sí, aunque estos sean judíos en vez de italianos.
22.- La Estafa … Bad Education … Director: Cory Finley … EUA 2019 …
Basada en hechos reales y en el artículo The Bad Superintenent escrito por Robert Kolker en The New York Magazine y publicado en 2014, La Estafa aborda el que se conoce como el mayor robo a escuelas de Estados Unidos. El contexto en el que se produce ese robo es el mundo de la educación, pero lo que propone vale para la política, pero también es válido para cualquier otro contexto, para cualquier posición o cargo de responsabilidad. Frank Tassone (Hugh Jackman), uno de los superintendentes más destacados del distrito escolar de Roslyn vive para asegurarse que la educación de los alumnos sea la mejor que estos puedan recibir. De forma paralela, este lucra personalmente con los fondos públicos para vivir una vida llena de lujos. El director de La estafa es Cory Finley, que en su segundo largometraje, nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la venganza de uno de los estafados. Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de una de las escuelas. Frank Tassone es un personaje real y carismático vapuleado por su entorno. Un superintendente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas las llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa muere hacía treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa.
23.- The Personal History of David Copperfield … Director: Armando Iannucci … GB / EUA 2019
Una adaptación y actualización arriesgadas. Armando Ianucci, que cuenta en su haber con dos películas como director, In the Loop y La muerte de Stalin, y numerosos trabajos claves que han definido en muchos aspectos la televisión británica en los últimos años, pone a prueba sus recursos y probado talento como narrador televisivo enfrentándose sin miedo y con total descaro a la novela e icónicos personajes de Charles Dickens en la que quizá para algunos sea una excesivamente trepidante adaptación. Para ello adopta herramientas esenciales, dos de las cuales resultan en un desafío a la manera más tradicional en la que se plantean las adaptaciones de este relato al cine hasta el momento. El lenguaje visual pone la cámara en primer término de protagonismo en el abanico de recursos empleado para el asunto. Cámara al hombro en muchos planos en el marco de un ballet frenético y trepidante donde el diálogo a gran velocidad, característico de las películas y guiones de Ianucci, salta de un personaje a otro como una papa caliente o una pelota de ping pong, enloquecida y cargada de anfetaminas. El trabajo con la cámara acompaña ese planteamiento. La segunda herramienta es más convencional: un desfile de actores populares para hacer más disparatados a los ya de por sí disparatados personajes de Dickens, cuyo nivel de caricaturización se incrementa notablemente en esta versión. Muchos de ellos han trabajado con Ianucci, pero sea así o no, le saca el máximo partido a Dev Patel y a Tilda Swinton, los mejores de la película, seguida por Hugh Laurie, si el Doctor House, y Peter Capaldi, aunque en general todo el reparto y su trabajo en ese cierto punto de satirización de personajes icónicos pero no por ello intocables, está también entre lo mejor de la película.
24.- El discípulo … The Disciple … Director: Chaitanya Tamhane … India 2020
The Disciple es el recorrido de un joven aspirante a músico a lo largo de treinta años para conseguir ganarse la vida en el negocio de la música tradicional hindustaní. Producida entre otros por Alfonso Cuarón, la película se salta tanto en forma, como en fondo, los tópicos de las películas sobre las vidas de los músicos. The Disciple tiene poco que ver con una biopic tradicional. Para empezar, no hablamos de un músico de éxito. Lo que Tamhane ofrece es un estudio de personaje. El del joven que sustituye el talento para triunfar en el oficio al que se quiere dedicar por perseverancia, estudio, esfuerzo, dedicación y renuncia. Cueste lo que cueste y le diga lo que le diga su entorno. Si la tradición del esquema melódico conocido como raga establece que no es el momento de despistarse con romances, matrimonios y familia, tocará esperar y buscar consuelo en internet. Sin caer en la tentación de caminos más fáciles. En lo personal y en lo profesional. Todo al son del instrumento conocido como sitar y de las plácidas y serenas improvisaciones vocales que pueden llegar a poner a prueba a los espectadores no familiarizados con este estilo musical. Porque The Disciple no es puramente un musical, pero gran parte de su metraje está dedicado a actuaciones o grabaciones en las que lo único que se escucha es música tradicional, lo que provoca el estiramiento innecesario de la duración de la película. The Disciple plantea el enfrentamiento entre el duro camino hacia el éxito que supone el respeto a la tradición del arte y dejarse llevar por las leyes del mercado y las modas representadas por cualquier talent show televisivo, pero está claro por cuál de las dos opciones toma partido Tamhane.
25.- Relic … Directora: Natalie Erika James … Australia / EUA 2020
Relic ha sido catalogada como un clásico contemporáneo, una obra maestra del cine de horror. Al no tener noticias de su madre, Kay va a su casa junto a su hija Sam, para intentar dar con su paradero, donde encuentran varias señales de que la demencia de la anciana ha continuado en aumento. Luego de unos días de búsqueda sin éxito, la anciana aparece en la casa como si nada hubiese ocurrido y sin poder recordar dónde estaba. El comportamiento de la anciana se vuelve cada vez más errático y Kay y Sam sospechan que es producto de una entidad que afecta la casa. Una película australiana de la compañía IFC Midnight que representa un problema psicológico en la forma de una entidad maligna. Lo peor que se puede hacer a la hora de ver Relic es tener expectativas de que estamos ante la película de terror del año, un título que no suele sentarle bien a la cinta a la que se le endosa. Relic no da miedo, ni siquiera tiene sustos ni lo pretende, pero sí que crea un desasosiego que va in crescendo conforme la atmósfera se va tornando más asfixiante e insostenible para las tres protagonistas, encarnadas de forma impecable por Emily Mortimer, Bella Heathcote y Robyn Nevin. La película es similar en forma, fondo e intenciones a la también australiana y muy femenina The Babadook (2014), que también tuvo que lidiar con la etiqueta de “fenómeno del terror” de su año. En definitiva, Relic es un relato profundamente empático que aborda la maternidad, el envejecimiento, las enfermedades mentales, la soledad y el deber familiar desde una perspectiva tan sombría como genuina. Es posible que aquellos que esperen emociones fuertes se sientan decepcionados al encontrarse con un filme pausado que se revela en última instancia como una conmovedora metáfora sobre el inexorable paso del tiempo y sobre cómo este afecta en el deterioro de nuestros cuerpos y mentes. Estupendo debut de la cineasta Natalie Erika James, a la que habrá que seguirle la pista de cerca.
Las 22 Obras Maestras contemporáneas que puedes ver En Línea para aprovechar la #CuarentenaInteligente. Recomendaciones del Homocinefilus
Les ofrecemos 22 películas contemporáneas que son consideradas como auténticas Obras Maestras. Esta clasificación puede ser considerada por muchos cinéfilos expertos como arbitraria, es por eso que la selección de estas cintas, merece una explicación que también sirve como justificación:
Una Obra Maestra Cinematográfica solo es considerada como tal cuando al paso del tiempo la película ha engrandecido su valor y es la prueba irrefutable de que ha aprehendido el momento social e ideológico en el que fue filmada, refleja con intensidad, y de manera magistral, el drama humano, perturba las conciencias, deja al gran público una gran reflexión y en su contexto, está colmada de valores cinematográficos. Además es revisitada por millones de espectadores y se convierte en una referencia irrefutable de la maestría de su realizador.
A la luz de esta descripción, un aspecto que seguro causará polémica entre los empedernidos y conocedores amantes del Séptimo Arte, es el hecho de que a tres años de ser estrenada, una película del 2017, seguro no es considerada unánimemente como una Obra Maestra. Les pedimos a nuestros amables lectores y severos críticos, una licencia que nos permita denominar a esas cintas muy recientes, como Obras Clásicas instantáneas, seguro apostando a que el tiempo nos dará la razón y las películas se convertirán en incontrovertibles, soberbias películas clásicas y maduras obras cinematográficas que alcanzarán el grado de Obras Maestras. En descargo argumentaremos que las 22 cintas han recibido decenas de reconocimientos en los más prestigiados festivales internacionales, aunque esa no sea la razón fundamental de que estén en esta lista, sino el hecho de que gozan de una poderosa narrativa, una impecable realización cinematográfica y ya han calado hondo en la psique colectiva.
Todas las cintas seleccionadas pueden verse en línea, para ello proporcionamos el enlace para ser vistas.
–El Abrazo de la Serpiente … Dir. Ciro Guerra … Colombia / Venezuela / Argentina 2015
El filme queda alegóricamente dividido en su vertiente histórica, la cual nos aproxima, a través de dos personajes reales, exploradores, a un episodio de la colonización sudamericana mediante una reconstrucción fílmica relativamente fidedigna, reflejando algunos rasgos de la sociedad colonial culturalmente mestiza; y su vertiente aventurera, mostrando el viaje iniciático de dos investigadores que evidencian la incompatibilidad cultural y los problemas del desconocimiento y la intolerancia. Nuevo ejemplo de la pobreza del ser humano en comparación a la riqueza del entorno natural, y la mezquindad de aquél al tratar de agotar los recursos de éste. Retrato metafórico aplicable a la época contemporánea que complementa el sensacional trabajo de Eduardo Galeano: “El subdesarrollo de América Latina proviene del desarrollo ajeno y continúa alimentándolo (…) habitamos, a lo sumo, en una sub América, una América de segunda clase, de nebulosa identificación. Es América Latina, la región de las venas abiertas”.
–El Llanto de la Mariposa … La escafandra y la mariposa … Le scaphandre et le papillon … Dir. Julian Schnabel … Francia / EUA 2007
Cuando uno se encuentra con una película de estas características, se arrepiente y se avergüenza de haber considerado a otros largometrajes como grandes o importantes, y al entrar en contacto con tanta belleza, pudor y dolor, comprende uno un poco más lo que significan esas palabras. La historia de Jean-Dominique Bauby, que sufre en 1985 un infarto cerebral que le deja incapacitado para moverse y comunicarse. Cine imprescindible para comprender cuántas cosas pueden contarse sin recurrir a la dramaturgia y a la puesta en escena clásica. Es decir, para descubrir que el cine puede ocuparse de muchas más cosas de las que generalmente le distraen. Con ‘La escafandra y la mariposa’ pasa como con algunas películas extraordinarias, muy pocas, que nos acercan un poco más al lado terrible de la vida y la muerte, y por ello nos conmocionan, pero que también nos susurran al oído una sensación de libertad, de absoluta carencia de miedo, que nos devuelve parte de lo más libre y esperanzador de nosotros mismos.
–La Mujer que Cantaba … Incendies … Dir. Denis Villeneuve … Canadá / Francia 2010
Incendies comienza con una secuencia portentosa, cuyos planos, únicamente acompañados por una innecesaria canción, hablan por sí solos; aún cuando no sabemos con que nos vamos a encontrar, sus imágenes anticipan un descenso a los infiernos, un misterio sin resolver, un drama reflejado en los ojos de ese niño, que ven a través de nosotros. Desde ese momento, Denis Villeneuve nos desarma y nos gana para su causa. Las mayores virtudes de esta película son su gran intensidad y una excepcional dirección de actores. Ambas son atribuibles a una excelente dirección, a un reparto en estado de gracia y a un gran guión, cuya complejidad para su traducción en imágenes, aumenta considerablemente el mérito del director canadiense. Podríamos decir que se trata de dos historias sobre la vida de una misma persona. Pero mentiríamos, ya que ambas se complementan y se enriquecen mucho más allá de su valor individual. La información que recibimos a través de cualquiera de las dos es solo comprensible de una manera absoluta con el apoyo de la otra. Increíblemente, esto sucede de una manera casi simultánea, según saltamos de una línea argumental a la otra. Hasta tal punto es así, que en ciertas secuencias madre e hija descubren lo mismo, una en el pasado y otra en el presente de una manera natural y nada forzada. Asistimos al magnífico equilibrio que se consigue cuando todos los elementos que componen una película, encajan de una manera tan idónea. El secreto reside en la batuta de un gran director de orquesta llamado Denis Villeneuve.
–No es más que el fin del mundo … Solo el fin del mundo … Juste la fin du monde … Dir. Xavier Dolan … Canadá / Francia 2016
El dolor es el sentimiento que vertebra todo el cine de Xavier Dolan, ese dolor que se muestra con crudeza en la metáfora final de Solo el fin del mundo, un final en el que, como en otros de sus finales, simplemente un personaje se va. Si el dolor es el sentimiento predominante, la familia es el tema por excelencia. Diríase que la familia como paradigma de las convenciones sociales es la causa del dolor en el universo de este joven canadiense. La homosexualidad es en todas sus películas un componente que suma dolor al dolor del choque entre la necesidad de huir de la familia y la necesidad de pertenecer a ella. Resulta insoslayable, en todo análisis de este singular director, su trayectoria y su edad. Dolan ha logrado con sus siete películas más de cien premios internacionales y, lo que es más relevante, nueve de ellos en el Festival de Cannes, el más prestigioso del mundo. De hecho, todas las películas suyas que han participado en Cannes (que han sido todas excepto Tom en la granja) se han ido a casa con algún premio, mayor o menor. Dolan, como toda persona que no ha cumplido los treinta, es un ser humano en construcción. Eso quiere decir que estamos ante el principio de su mundo, de una forma de ver la vida que está aún en fase temprana. Por tanto, el futuro de su cine es una enorme y fascinante incógnita para quienes vemos en él un creativo brillante con ideas visuales deslumbrantes, con un asombroso dominio técnico para su edad y con un indiscutible universo propio que, en función de su evolución personal, podría derivar hacia caminos que le convirtieran en uno de los grandes del séptimo arte. Lo que es seguro, ya a estas alturas, es que para algunos amantes del cine recorrer ese camino personal y profesional junto a Xavier Dolan va a ser uno de los mayores placeres de los próximos años.
–El Círculo Roto … The Broken Circle Breakdown … Alabama Monroe … Director: Felix van Groeningen … Bélgica / Países Bajos 2012
“La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido”; mientras oímos las cuerdas del banjo y la suave voz de Veerle Baetens podemos pensar en esta frase de Leonard Bernstein que tantas veces habremos oído. El country y el bluegrass vibran fotograma a fotograma en Alabama Monroe mientras el amor, el dolor, la pasión y el odio inundan un intenso y profundo drama sobre la historia de dos personas que revolucionan sus propias vidas desde el momento de conocerse. Recordando el estilo de montaje desordenado, este film belga dirigido por Felix Van Groeningen afronta un gran tero, del que sale genialmente librado, contándonos la relación de Elise (Veerle Baetens) y Didier (Johan Heldenbergh) de forma desordenada, intercalando momentos pasados y presentes de su historia. La película es pura lírica country sobre precisamente aquello que no puede ser nombrado, aquello que es casi imposible de expresar, aquello que solamente existe en el seno del “sentir”… y entre la maravillosa banda sonora, la embriagadora fotografía y las excelentes interpretaciones, Alabama Monroe da nombre a lo innombrable.
–El Maestro … The Master … Dir. Paul Thomas Anderson … EUA 2012
Con The Master, Paul Thomas Anderson ofrece un lienzo inigualable sobre las creencias cimentadas bajo el yugo de las necesidades primarias del ser humano. Articulado bajo la sumisión de dos mentes al borde de la disolución psíquica y que desgranan todos los miedos y verdades incómodas que nos rodean a diario. Todo se rige bajo el sexo y el dinero. De la unión de ambos conceptos nace el poder. Y con éste no hay barreras en los caminos, sólo miradas furtivas o aplausos complacientes. Anderson construye un mosaico donde cada pieza abre un vano para que el espectador, como si de un voyeur se tratara, sienta en primera persona esa dolorosa y sedienta sensación de convertirse en Freddie Quell (Joaquin Phoenix). Horroriza ver a ese hombre masacrado por tiempo. Duele identificar algunos de sus rasgos, que resultan familiares, inherentes. Que contrastan con una visión acomodaticia de la realidad. Cada revisión del filme de Anderson se convierte, por tanto, en un tratado empírico y antropólogico. Un ejercicio donde tenemos las cartas pero no sabemos las reglas del juego. Desde el primer fotograma corroboramos que se trata de una obra maestra. Independientemente de lo inteligible del mensaje de Anderson, The Master es todo un prodigio que se convierte en una experiencia inigualable. Es la excelencia de la técnica. Formación clásica, resultado vanguardista. Cada plano, cada encuadre, representan la perfección cinematográfica. La iluminación que otorga su camarógrafo, Mihai Malaimare Jr., resulta tan prodigiosa como el uso de la cámara del cineasta californiano. Un envoltorio de lujo para un relato de recorrido anatómico cíclico: mente-garganta-vísceras-mente. Es la obra de un genio. El mayor halago es ver esta obra. Lo demás, ¿qué diablos importa?
–La cinta blanca …La banda blanca – Un cuento infantil alemán. … Das weiße Band – Eine deutsche Kindergeschichte … Dir. Michael Haneke … Alemania / Austria 2009
Una obra genial y poderosa que versa sobre las condiciones sociales e ideológicas del pueblo alemán que posibilitaron el nacimiento del nazismo, Una película fundacional que refleja la patología de una pequeña comunidad alemana. La firma un director de renombre; la crítica la considera una obra maestra y la compara con los trabajos de Dreyer y Bergman; y ganó un montón de premios donde fue exhibida (Palma de Oro, Globo de Oro a película extranjera, tres Premios del Cine Europeo; película, director y guión ). El secreto de tanto prestigio reside en que es un filme muy serio, rodado en blanco y negro, que deliberadamente pide un esfuerzo al espectador para meterse en la historia, y que gracias a lo que dice el narrador al principio sobre que los acontecimientos en ese pueblo alemán en 1913 tal vez fueran el origen de lo que pasó veinte años después en su país (y a las declaraciones de Haneke en Cannes diciendo que el film trata “del origen de todo tipo de terrorismo, ya sea de naturaleza política o religiosa”), muchos vean La cinta blanca como una película sobre los albores del nazismo. La película cuenta las vivencias de un pequeño pueblo al norte de Alemania, justo antes de la Primera Guerra Mundial. Los niños reciben una educación muy estricta mientras que los adultos se odian los unos a los otros, ya sea por hipocresía o por cuestión de clases, lo que crea un ambiente malsano en la aldea.
— Petróleo Sangriento .. Pozos de ambición … There Will Be Blood … Dir. Paul Thomas Anderson … EUA 2007
Pozos de Ambición (There Will be Blood), basada en una novela de igual nombre, escrita por Upton Sinclair, con un gran director, actor protagonista y un gran reconocimiento por parte de la crítica. Daniel Day Lewis es Daniel Plainview, en una magistral interpretación, el actor irlandés muy dado a la sobreactuación con enormes aspavientos y tics, logra una muy lograda actuación de este magnate del petróleo, Plainview es un personaje que casa con las características interpretativas de Lewis, es un hombre excesivo en todos los aspectos, con un carácter desairado, y todos los gestos del actor van acorde con la personalidad de Plainview. Pozos de Ambición narra la historia de un hombre obsesionado con el éxito, la competitividad, la ambición y el dinero, que no quiere a nadie, duro, rudo y en que el su trabajo está por encima de cualquier cosa. Daniel Plainview es un buscador de petróleo sin escrúpulos, que va creciendo poco a poco hasta que consigue ser el mayor abastecedor de petróleo del estado. Junto a él le acompaña su hijo adoptado y un reverendo tan ambicioso como él, que en ocasiones será un problema y en otras se valdrá de él para sacar provecho. Pozos de Ambición, es el retrato de un hombre, con mucha carga épica y con un tono clásico. La película es fundacional.
–Un profeta … Un prophète … Dir. Jacques Audiard … Francia / Italia 2009
La película comparte con el clásico The Godfather (El Padrino-1972) de Francis Ford Coppola, una similar óptica del mundo del crimen con la que focaliza los valores humanos de quienes necesariamente deben carecer de valores. La trama se inicia con el ingreso a una prisión francesa de Malik (Tahar Rahim), un joven árabe inmigrante que resalta por su ausencia de identidad étnica o cultural propia. A poco de ingresar se percata de la situación: si quiere cumplir su condena de 6 años y sobrevivir va a necesitar protección. Quien se la ofrece es Cesar (Niels Arestrup), jefe de la mafia de los corsos con jurisdicción tanto dentro del penal como en el exterior. El problema es que Malik tiene que cumplir un «favor» para Cesar, que consiste en liquidar a un recluso árabe llamado Reyeb (Hichem Yacoubi). Imagínese que arma mortal puede uno ocultar en su cuerpo y con qué excusa Malik va a ganar ingreso en la celda de Reyeb, súmele que matar a un hombre no es tarea sencilla y ya tiene el nudo de suspenso que reinará durante la primera media hora de película. La película se extiende durante dos horas y media, lo que da tiempo al director Jacques Audiard de poner en pantalla escenas de gran violencia, momentos ligeramente épicos, conflictos humanos y un ajedrez en que evolucionan tres diferentes tribus que coexisten en la misma prisión: árabes, corsos y gitanos. A la manera de los sicilianos, judíos e irlandeses que se desenvolvían en el filme de Coppola, estas familias interactúan llevadas por los más íntimos y humanos impulsos: racismo y codicia. A pesar de una cámara inquieta, casi documental, que acentúa la opresión y el clima sórdido del pabellón, hay momentos puramente cinematográficos, en que podemos descubrir que las estupendas dotes plásticas del director van de la mano de su magnético poder narrativo.
–El Origen … Inception … Dir. Christopher Nolan … EUA / GB 2010
Mucha gente tachará a El Origen de pretenciosa o de ser un producto de preciosa envoltura pero hueco interior. Y sin embargo, es en su calidad de obra hecha para la maravilla inmediata donde reside su importancia, su rescate del cine como entretenimiento de barracón de feria, algo que hasta el momento parecía sólo reservado a los apabullantes y ruidosos despliegues de efectos especiales. Las toneladas de producto digital con las que nos atragantan tantas cintas no podrán evitar que en nuestras retinas queden fijados a fuego instantes de esta película como los paseos ingrávidos en el hotel, la secuencia más poderosa por la potencia de las referencias cinéfilas que contiene cada fotograma. Y que todo ese complejo entramado haya podido armarse para que fluya con aparente sencillez, vuelve a emparentar a Christopher Nolan con los mayores prestidigitadores que puedan actuar ante nosotros. Porque Nolan es uno de los nuestros, alguien que comprende la necesidad de ilusión infantil con la que, muchos años después, seguimos acudiendo a nuestra cita con la gran pantalla y la sala oscura. Porque mientras siga habiendo gente con tanta fe en el cine como él, estaremos salvados.
–Buscando a Sugar Man … Searching for Sugar Man … Dir. Malik Bendjelloul … Suecia / GB / Finlandia 2012
“Sugar” Segerman (apodado así en honor a su héroe maldito), melómano y dueño de una pequeña tienda de discos, conduce su coche bordeando los acantilados de Cape Town, Sudáfrica, sobre el rompeolas que se abre al mar verdoso y teñido por la luz cálida que irradia el sol, mientras canta la primera estrofa de Sugar Man. Las imágenes pertenecen a un documental que aclara el paradero del malogrado músico de Detroit, Michigan. Lo ha escrito y dirigido el sueco Malik Bendjelloul, bajo la supervisión de Simon Chinn (Man on Wire) y el productor ejecutivo John Battsek (The Imposter), encargado de entrevistar a personalidades tan distinguidas como las ya mencionadas. Pero su mayor logro es reivindicar con elegancia la figura de un tipo injustamente tratado por la Historia, amnésica y culpable de un olvido —ay, perezosos cronistas de la época— que, amparándose en los réditos últimos del mito suicida, está llamado a subvertir lo imposible: impartir la balsámica justicia poética y brindarle a Sixto Díaz Rodríguez la oportunidad de ganarse un hueco entre nuestros autores de cabecera. El resto es caminar en círculos, enrocarse en el What If…de la música popular. Desde cualquier ángulo, Searching for Sugar Man resulta una película cruda, honesta, cautivadora, plástica, véanse los fragmentos de animación, sugerentes travellings a través de la ciudad, emocionante, sublime, tenue, sorprendente, vitalista y, sin embargo, con una oscura poesía mortuoria. Todo en uno. Como Sixto Rodríguez.
–La Última Estación … The Last Station … Dir. Michael Hoffman … GB / Alemania / Rusia 2009
La última estación es un buen intento por recuperar aquellas producciones de repartos inabarcables y pasiones reales e históricas desaforadas. Una lúcida reconstrucción de época con un reparto en estado de gracia. ¿Qué tienen los clásicos rusos que nos atrae tanto? ¿Su visión tan intensa de la vida, su forma de afrontar las contradicciones de la clase burguesa y de combinar el anhelo de libertad con las obligaciones del día a día? Desde luego, algo es cierto: cuando las novelas históricas, que sitúan tramas domésticas en el marco de los grandes terremotos políticos y sociales, caen por centenares sobre las mesas de novedades de las librerías, un hecho permanece incuestionable, el de que difícilmente cualquiera de ellas puede medirse con La Guerra y la paz. Y casi puede decirse lo mismo de las grandes superproducciones que, en una época gloriosa y pasada de Hollywood, bucearon en sus páginas: para algunos dinosaurios, para otros inolvidables, en todo caso difícilmente volverá aquellas Doctor Zhivago (David Lean, 1965), Guerra y paz (King Vidor, 1956) o Nicolás y Alejandra (Franklin J. Schaffner, 1971) (no son homologables en cuanto a calidad, pero sí en cuanto a su representatividad como muestras de un tipo de cine monumental). Helen Mirren y Christopher Plummer estuvieron nominados al Oscar, como actriz principal y actor secundario, por esta película, adaptación de una novela de Jay Parini sobre los últimos días de León Tolstói. El filme está dirigido por Michael Hoffman, que no tiene una filmografía muy brillante, y además de tener a esos dos actorazos en los papeles principales, también trabajan James McAvoy y Paul Giamatti, dos intérpretes muy buenos. Con ese reparto, no es de extrañar que lo mejor de La última estación sean las actuaciones. Vladimir Chertkov (Paul Giamatti), un ferviente seguidor de Tolstói (Christopher Plummer) y su filosofía, desea que el escritor ceda los derechos de autor de todas sus obras para que pasen a dominio público cuando muera. Sophia Toltaya (Helen Mirren), su mujer, se niega. Chertkov contrata a Valentin Bulgakov (James McAvoy) como nuevo secretario personal de Tolstói, y le exige que escriba todo lo que ocurre en la casa de los Tolstói y le mantenga informado.
–Metal y Hueso … De óxido y hueso … De rouille et d’os … Dir. Jacques Audiard … Francia / Bélgica / Singapur 2012
La película de Jacques Audiard nos muestra la relación que surge entre Ali (Matthias Schoenaerts), un padre soltero que debe hacerse cargo de su hijo, y Stéphanie (Marion Cotillard), una domadora de orcas, que el destino pone en su camino. Se conocerán de forma fortuita en una discoteca, pero será tras un accidente por el que Stephanie perderá sus piernas cuando su relación se tornará más estrecha. La relación planteada por Audiard consigue afectar al espectador, sin recurrir a un sentimentalismo vacuo, sino desde el respeto a una gran historia, rellena de pequeñas subtramas que nos muestran estados anímicos contrapuestos y permiten ir más allá de la típica historia de superación. Filmar estados anímicos extremistas y oscuros es una tarea muy complicada para el cineasta, pero el director lo hace y no lo hace solo, puesto que una de las bazas más importantes del film es la comprometida y sincera actuación de Marion Cotillard, quien ofrece una interpretación cargada de angustia, depresión y optimismo, y con sus sonrisas tiernas y amargas logra provocar empatía en el espectador. La réplica de Matthias Schoenaerts resulta igual de conmovedora. Metal y hueso es una historia de carencias, de afrontar el sexo con naturalidad, de personas hundidas en un mundo que no las acompaña y de personajes que se ganan la empatía del espectador, que bien se puede reconocer como el progenitor que ha de cuidar solo a su hijo en un contexto con unas tasas de desempleo desorbitadas o cualquier persona que, como consecuencia de un accidente, debe afrontar su nueva vida con las limitaciones que ello conlleva.
–Animales Nocturnos … Nocturnal Animals … Dir. Tom Ford … EUA 2016
Animales nocturnos es una película de venganza. A camino entre la sofisticación y la decadencia, Tom Ford construye una película sobre la culpa. La protagonista de la película, Susan, encarnada por la maravillosa Amy Adams, menosprecia en un principio a su ex novio escritor, Edward (Jake Gyllenhaal). Pero posteriormente se da cuenta de que ese soñador que ella criticaba en su día por débil y poco ambicioso es capaz de escribir una buena historia, llena de fuerza y con impecable ritmo en su tensión que se traslada a la propia película. La protagonista pasa por un proceso de reflexión, en el que hay una progresiva asunción de culpa por no haberle valorado más en su momento. Viaje que tiene como único destino la venganza por parte de su ex pareja.La idea falsa de la felicidad. Tom Ford se mueve contantemente en Animales nocturnos entre el relato ficticio y la introspección de la protagonista, Susan, propietaria de una galería de arte encarnada maravillosamente por Amy Adams. Susan es una galerista de éxito con una vida personal no satisfactoria. Es una profesional de éxito, que tiene la oportunidad de estar rodeada de pertenencias materiales bellísimas, representadas simplemente por la exquisita arquitectura de la vivienda en la sobria presentación inicial, pero se da cuenta que anhela cuestiones intangibles, como una persona a la que amar, que es una de las cuestiones que más le impresionaron a Ford del libro Tres noches, de Austin Wright, ese thriller metaliterato que lo dejó tan impactado. Animales nocturnos sienta las bases de su intangible creativo, que puede perdurar en el tiempo, al que aspira Tom Ford, que es un animal creativo al que no le importa cabalgar en la oscuridad de un terreno artístico inexplorado por él hasta el momento. Qué sería del arte sin animales nocturnos.
–El Hilo Fantasma .. El Hilo Invisible … Phantom Thread … Dir. Paul Thomas Anderson … EUA / GB 2017
En el Londres de los 50, el diseñador Reynolds Woodcock (Daniel Day Lewis) preside sobre un atelier frecuentado por miembros de la realeza y la más rancia aristocracia europea. Él es el genio creativo, y su hermana Cyril (Leslie Manville), la administradora que mantiene la operación funcional. Tras intensas jornadas de trabajo, salta a su auto deportivo y escapa a su casa de campo. En una de estas escapadas, conoce a Alma (Vicky Krieps), una mesera un poco torpe, en la cual detecta eso que los franceses llaman un je ne sais quoi. La invita a salir esa misma noche. La cita termina con Reynolds haciéndole un vestido y su hermana tomando las medidas. El artista tiene una nueva musa. El Hilo Fantasma es el octavo largometraje de ficción de Paul Thomas Anderson, uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. El título hace alusión a palabras y frases que el diseñador borda secretamente en las entretelas de las prendas que confecciona. La película misma es así. Deslumbra con la exquisitez de su manufactura, ofrece muchos placeres sensoriales, pero al mismo tiempo posee una cualidad enigmática. El Hilo Fantasma es original, pero tiene una gran deuda estilística con dos viejos maestros. El tratamiento visual recuerda la implacable disciplina de Stanley Kubrick. El sentido de humor y los matices de suspenso vienen de Alfred Hitchcock.
–Los Juegos del Destino … El lado bueno de las cosas … Silver Linings Playbook … Dir. David O. Russell … EUA 2012
Los Juegos del Destino no es una película rara, es una Obra Maestra. El lado bueno de las Cosas, no es una película rara tal como afirma Carlos Boyero en su habitual espacio del diario español El País, en el que al final no sabía si le había gustado o no la película de David O. Russell, aunque es fácil intuir que al bueno de Boyero no le ha convencido nada de nada la película. Y en cierto modo tampoco sorprende ya que estamos ante una cinta que si bien al inicio de la misma navega por aguas tan terrenales, como son la locura y la depresión ante una realidad difícil de soportar, en la que en la mayoría de las veces da lugar a tremendos viajes interiores en los que la soledad y la autodestrucción consiguen levantar aplausos en la platea y ríos de tinta por parte de la crítica especializada para aclamar el lado más negativo del ser humano, no tardamos mucho en ver que lo que nos propone O. Russell es totalmente diferente. Sí, el viaje que emprende Pat a su Filadelfia natal es una vuelta a los orígenes para volver a empezar. Un viaje para aprender de los errores en busca de una segunda oportunidad. Un viaje en búsqueda de la redención aunque para ello tenga que volver a lidiar con su patológica familia a la que dan vida, de manera simple y absolutamente espectacular, Robert De Niro y Jacki Weaver, y con ello revivir los fantasmas del pasado que acabaron con su paso por el Hospital Psiquiátrico. Unos fantasmas que a lo largo de la primera hora de metraje van a traer momentos realmente destacables en los que, en una mezcla agridulce de comedia y drama van a marcar el devenir de los acontecimientos. No, aquí no asistimos a grandes epopeyas ni a ninguna revisión sobre la figura clave en la historia de los Estados Unidos. Aquí, simple y llanamente, estamos ante una historia cualquiera de encuentros y desencuentros, de soledad y búsqueda de que alguien a tu alrededor consiga entenderte y te mire a los ojos diciéndote que no estás solo. El Lado Bueno de las Cosas tiene momentos y situaciones brillantes y sabe convivir con algún que otro altibajo, pero su particular visión positiva de las cosas, y más en estos tiempos donde solo se suele reconocer las miserias y las sombras del ser humano, acaba convirtiéndose en un canto, inocente quizás, a las excelencias del Ser Humano, y eso la convierte en una jodida Obra Maestra, pero que nadie se lleve a engaños, la película no iría más allá de no ser por un cuarteto protagonista que se encuentra en estado de gracia.
–El Lobo de Wall Street … The Wolf of Wall Street … Dir. Martin Scorsese … EUA 2013
El lobo de Wall Street. Martin Scorsese borda una sátira a ritmo frenético en una de sus mejores películas que se convierte en la más feroz y descarnada crítica al capitalismo salvaje. La han criticado mucho. Lógico. Especialmente en Wall Street. No gusta esta versión descarnada, brutal, cruel, sin concesiones, de cómo se construyen las grandes fortunas, los tejemanejes de la Bolsa, la economía de ficción y engaño y todos esos excesos dignos de la decadencia del Imperio Romano que nos han llevado hasta la crisis devastadora para tantas vidas que sufrimos los mismos de siempre mientras los otros mismos de siempre se siguen hinchando de dinero a nuestra costa y presentan anualmente cuentas de beneficios astronómicos. Martin Scorsese mete el dedo en la llaga y, claro, eso resulta molesto. Especialmente porque lo hace sin falso melodramatismo, sin lágrimas de cocodrilo, sin un mensaje buenrrollista. Muy al contrario. Su película es un disparate con el que ilustra ese otro disparate pero sin rasgarse las vestiduras, esto es, sin subirse al púlpito y pontificar como hacen otros. Muy al contrario: Scorsese nos hace partícipes como espectadores de las aberraciones y los excesos del capitalismo en todo momento, hasta el punto de que al acabar la proyección de la cinta, que alcanza un metraje próximo a las tres horas pero pasa rauda y veloz ante nuestras córneas como si sólo durara hora y media merced a su endemoniado ritmo de orgía continua, estamos tan exhaustos como los propios protagonistas, tal y como si hubiéramos participado en esa orgía de sexo, drogas y excesos personalmente. Scorsese consigue con El lobo de Wall Street un ritmo y una complicidad del espectador que consigue los mismos resultados e incluso supera la de los videojuegos de guerra en primera persona.
— El Gran Hotel Budapest … The Grand Budapest Hotel … Dir. Wes Anderson … EUA / Alemania 2014
El Gran Hotel Budapest juega una carta difícil, documentar los cambios sociales vividos en Europa con la Segunda Guerra Mundial, a través del microuniverso de un conocido hotel de montaña regentado por Monsieur Gustave H, asiduo amante de todas sus clientas ancianas y millonarias. El punto de arranque lo marcará el asesinato de su última conquista, Madame D. cuyo testamento certifica que uno de sus cuadros más valorados, el titulado como El chico de la manzana, será para él. A raíz de eso, Wes Anderson pone en marcha el hiperquinético entramado de la película en una serie de persecuciones que involucran a la familia gangsteril de la fallecida, entre ellos un Willem Dafoe vampírico y de facciones poco menos que aterradoras, que será la némesis particular de Gustave, y su joven ayudante de recepción, Zero. The Gran Budapest Hotel es una obra pulida con mano detallista, inconfundible en su uso de la música, en la escenografía de fuertes aires teatrales, en la visualización del espacio como si de una casa de muñecas se tratara. La película es como un opus magna de todo lo que hasta ahora ha caracterizado su cine. Los ambientes cotidianos vistos desde una excentricidad tan afín a Anderson, los personajes extravagantes, con caracteres o fobias muy marcados que definen con exactitud unas caricaturas en el fondo muy humanas, o un leve toque poético que suele introducirse, casi siempre en el cine de Anderson, a partir de una relación amorosa o familiar, suficientemente desarrollada como para que no resulte simple, pero sin acentuar demasiado la solemnidad emocional que iría en contra de la ligereza a la que el cineasta se empeña siempre en atar todas sus películas. El Gran Hotel Budapest puede considerarse fácilmente su obra más completa en cuanto a que contiene todo aquello que hace a Wes ser Wes, definitivamente es su obra maestra. Es un filme ligero, divertido, muy ágil, con unas filigranas de diseño artístico muy identificativas, con un cuidado cromático que ya es marca de la casa, y con la misma manía por vadear terrenos emocionales demasiado farragosos.
Primera plana … Spotlight … Dir. Tom McCarthy … EUA 2015
Spotlight, de Tom McCarthy es muy superior a todas las películas que abordan el asunto de las demoledoras y perturbadoras denuncias periodísticas. Una obra a mayor gloria del trabajo cotidiano. Faltaría reflejar las muchas horas frente a la computadora, pero entonces sería realismo sucio, y Spotlight toma más bien el aire de thriller y del cine judicial. Cuenta la historia, basada en hechos reales, de un grupo de periodistas del Boston Globe, que desvelaron cómo la iglesia había ocultado casos de crininal pederastia. Eso sí, la iglesia de Boston no es la Mafia ni envía sicarios. No hay nada de eso; como nada en la realización del filme llama a la exageración ni a la desmesura. Estamos ante una propuesta de detalles que resultan de una efectividad tremenda. Tampoco encontraremos ninguna garganta profunda ni dossieres secretos. Sólo las huellas de una conspiración que implica a muchos, y unos periodistas cansados, interpretados con convicción. Aunque más que de curas y periodistas, habla Spotlight de algo que corroe la verdad desde dentro: los puntos ciegos; ese elefante en medio de la habitación que nadie ve, ni siquiera los veteranos periodistas. La verdad está ahí fuera, es cierto, y Spotlight nos recuerda lo que cuesta conquistarla. Y también quién, al final, se encarga de hacerlo… Una película contra el desánimo.
–Agosto: Condado de Osage … Las vueltas del destino … August: Osage County … Dir. John Wells … EUA 2013
Ácido pero imperfecto retrato de la familia americana. El realizador John Wells nos trae una película compleja, amarga y nada complaciente con sus personajes o con la historia que cuenta. Y quizá sea el director perfecto para llevar a la gran pantalla la obra teatral de Tracy Letts. Wells es un genio de la televisión, responsable de series como Shameless o Turno de Guardia, quien supo mantener en alto el pabellón de El Ala Oeste tras la marcha de Aaron Sorkin y el verdadero responsable del éxito de Urgencias, de la que fue showrunner porque Michael Crichton y Steven Spielberg sólo ponían su nombre y nada más. La desaparición del patriarca de una familia de Oklahoma reúne a todos sus miembros alrededor de una madre con cáncer y unas hijas que apenas se toleran. Y pese a la tragedia, todo el rencor y la miseria acumulada durante años, empieza a salir a la luz. Un drama que analiza los males de las familias occidentales, no sólo americanas (el individualismo, la falta de moral, las rencillas, el egoísmo, la falta de solidaridad, la pérdida de identidad como unidad familiar… no son pocos los problemas) y los pone sobre la mesa con, sobre todo, un reparto muy bueno que se apoya en la gran matriarca, interpretada con su habitual talento por Meryl Streep, y que tiene entre sus miembros a Julia Roberts, Sam Shepard, Chris Cooper, Benedict Cumberbatch, Ewan McGregor, Abigail Breslin, Margo Martindale, Juliette Lewis y Julianne Nicholson, con el visitante Dermot Mulroney metido en el lío. Una película nada complaciente, dura, amarga, con notas de comedia que muchas veces te congelan la sonrisa en el rostro porque hasta duelen. Con un tremendo drama entre padres e hijos (cómo se tratan unos y otros dan un nuevo significado a eso de amor duro… hay momentos brutales), hurgando continuamente en la herida y sin mucho lugar a las reconciliaciones o incluso a la esperanza más allá de la sensación de que, de ciertas familias, es mejor huir. Cuanto más lejos mejor. Bien de contenido, genial de actores, perfectamente narrada.
–El secreto de sus ojos … Dir. Juan José Campanella … Argentina / España 2009
Ganadora del Óscar como mejor película extranjera, en un curso con elevado nivel de calidad y competencia; con cintas como La Cinta Blanca y Un Profeta, recomendadas en este reportaje. El Secreto de sus Ojos, es la unión de lo mejor de diversos géneros, el romántico, el policiaco, el suspense y el drama. Un filme que ha ganado con el paso del tiempo y deja una sensación de auténtico gran cine. El guión de Juan José Campanella y Eduardo Sacheri, mantiene el equilibrio narrativo y emocional, y va calando en la mente del espectador paulatinamente, deseoso de más información. Una historia sobre la pasión, que pese al paso del tiempo, siempre se mantiene. Con una excelente producción, con momentos que se te quedan grabados en la retina, como la persecución en el estadio durante el partido de fútbol; las miradas cómplices entre Darín y Villamil; todo los instantes que Darín va a recoger al bar a su fiel y simpático compañero interpretado por Guillermo Francella. Campanella, cuenta con un reparto excelente, donde destacan por encima de todo, el trío anteriormente nombrado. Los tres están increíbles, y son los protagonistas junto a la historia central: el asesinato en Chivilcoy. Por momentos resuelto con una maestría, propia de David Fincher con Zodiac. Se mantiene la tensión, la incertidumbre y el interés hasta el final del metraje. El Secreto de sus Ojos es una muesca de la universalidad del cine, independientemente de su origen. Lla pretensión de Campanella no era una cinta perfecta, sino un film que calara hondo en el corazón del espectador. Son pocos los apelativos positivos de una producción, que merece más premios y reconocimientos. Cine clásico en tiempos modernos.
–Se levanta el viento … El viento se levanta … Kaze tachinu … かぜ たちぬ … Dir. Hayao Miyazaki … Japón 2013
No es difícil discernir un aire de nostalgia en las imágenes que Hayao Miyazaki suele plasmar en pantalla: nostalgia por mundos perdidos, de tradiciones olvidadas y personajes entrañables. Cada una de sus películas lleva en sí misma una magia distintiva que nutre sus historias fantásticas, e innumerables metáforas que delimitan su trama. Aun así, es un cineasta que pocas veces se repite a sí mismo, y El viento se levanta (Kaze tachinu, 2014), autodeclarada su última película y retiro definitivo, no es la excepción. Pero si algo hay que enfatizar para entender la que podría ser su obra más personal y a la vez menos agraciada (aclarando que hasta la película “menos buena” de Miyazaki roza la excelencia), es la ausencia de estas cálidas representaciones fantásticas a las cuales está acostumbrado. Basada en la vida de Jirō Horikoshi, afamado diseñador de aviones de combate para Japón, como el avión caza Zero, en la Segunda Guerra Mundial, es la primera vez que Miyazaki le dedica una película completa a su más fervorosa pasión: la aviación, cuya influencia en sus obras ha reverberado desde muy temprano. Esta vez nos encontramos en el mundo real, en Japón. Hay un esfuerzo por aferrarse a los sucesos históricos de mayor relevancia en la historia del país, que se narran en orden cronológico y van desde el terremoto de Kanto de 1923, atravesando la gran depresión de los 30 (y el brote de tuberculosis de la misma década), y culminando en los restos de la guerra.
“Las multitudes siempre se alimentan de epidemias psíquicas.”
“Uno es lo que ve y lo que escucha”
“Netflix, de los más sublime hasta lo mas basuroso”
60 excelentes películas en Netflix para burlar la brutal mercadotecnia de la Plataforma de Streaming y ganarle al Algoritmo que se aprovecha de tu Cultura Cinematográfica
La #Cuarentena nos obliga a refugiarnos en las Plataformas de Streamimg, como uno de los recursos más socorridos para ver películas. Las recurrentes visitas a Netflix, la que sin duda es la más visitada en todo el planeta, también nos lleva a descifrar y cuestionar sus métodos de exhibición de películas y series. En el encierro casero, es vital como nunca antes, vigilar las obras cinematográficas que se consumen en la incertidumbre causada por el Coronavirus. La lucha no es solo preservar la salud física, sino también la mental.
Para los que aseguran que no hay que ver en Netflix, que todo es “un mugrero”, más bien hay que brincar, evadir las trampas, las trabas que impone la plataforma. Aquí hay, les proponemos, al menos durante el mes de abril, 60 Obras Cinematográficas dignas de ser vistas, con altísimos valores cinematográficos y con la atenuante de que la lista incluye, más allá de la galardonada Roma de Alfonso Cuarón, destacadas representantes del Cine Latinoamericano.
La más poderosa Plataforma de Streaming está satanizada. Los espectadores que tienen una mínima Cultura Cinematográfica, se quejan de que Netflix solo les ofrece películas de muy baja calidad y obras comercialoides y sin ningún valor cinematográfico. En realidad ninguna plataforma es buena o mala. Todo depende del uso que se le dé y la actitud, y el conocimiento de causa, con la que se aborde.
Esta circunstancia, que prevalece en Netflix, tiene varias explicaciones muy sencillas:
– La Plataforma de Streaming privilegia sus películas originales, que en realidad son coproducciones, por encima de las cintas que ya se estrenaron en las pantallas tradicionales de los cines de todo el mundo, independientemente de su calidad. Insistentemente aparecen pantallas donde automáticamente corren los trailers, o avances, de las películas que están imperativamente obligados a promocionar. De ahí nace el más reciente, y tramposo, recurso mercadológico de Netflix: el Top Ten o la clasificación, del 1 al 10, de lo que llaman las películas y series más populares o más vistas.
-Netflix también ofrece los títulos, basándose en las preferencias de los usuarios. El poderoso algoritmo de la plataforma “detecta”, “percibe”, “intuye cibernéticamente” los gustos cinematográficos de los espectadores, y con base a las películas y series seleccionadas, propone los siguientes títulos, las tramas y el nivel de calidad de las películas y series. Podría pensarse de buena voluntad que el algoritmo opera como un robot semántico. El asunto se reduce a que el grado de disfrute, o de rechazo, que usted experimenta en la plataforma depende de su exigencia, inteligencia, cultura cinematográfica y resistencia ante lo que machaconamente le propone el gigante del streaming.
Para no ofender la inteligencia de los espectadores cinéfilos, mucho se agradecería que Netflix conservara permanentemente, y defendiera a ultranza, una sección dedicada a los Clásicos de la Cinematografía Mundial.
La lista que a continuación le ofrecemos surgió de una intensa encuesta llevada a cabo por Homocinefilus en todas sus Redes Sociales.
Hemos dividido la selección de películas, y algunas series, en cuatro grandes apartados, jerarquizados por orden de importancia temática:
LAS PELÍCULAS IMPRESCINDIBLES DE VER. LAS QUE NO PUEDES DEJAR DE REVISAR CUANTO ANTES:
Un asunto de familia / Manbiki kazoku / Shoplifters / Hirokazu Koreeda / Japón 2018
Burning / Beoning … Dir. Lee Chang-Dong / Corea del Sur – Japón 2018
Un ciudadano ilustre / Dires. Gastón Duprat y Mariano Cohn / Argentina – España 2016
Uncut Gems / Diamantes en bruto / Dires. Benny Safdie y Josh Safdie / EUA 2019
El libro de Imágenes … Le livre D’image … Dir. Jean-Luc Godard … Suiza – Francia 2018
Largo viaje hacia la noche … Di Qiu Zui Hou De Ye Wan … Dir. Bi Gan … China / Francia 2018
Perdí mi cuerpo … I lost my body … J’ai perdu mon corps … Dir. Jérémy Clapin … Francia 2019
Hunt for the wilder people / A la caza de los ñumanos … Dir. Taika Waititi … Nueva Zelanda 2016
La casa de la esperanza / The Zookeeper’s Wife / Un refugio inesperado / Dira. Niki Caro … República Checa 2017
Hou lai de wo men / Nosotros y ellos / Dira Rene Liu … China 2018
Atlantique … Atlantics … Dira. Mati Diop … Francia / Senegal 2019
The Laundromat Dinero Sucio … Dir. Steven Soderbergh … EUA 2019
Okja … Dir. Bong Joon Ho … Corea del Sur / EUA 2017
LAS CINTAS QUE ES MUY RAZONABLE Y SANO QUE REVISES DE NUEVO:
Manchester frente al mar … Manchester by the sea … Dir. Kenneth Lonergan … EUA 2016
Lost in translation … Perdidos en Tokio … Dira. Sofia Coppola … EUA / Japón 2003
American Beauty … Belleza Americana … Dir. Sam Mendes … EUA 1999
Lion Un Camino a Casa … Dir. Garth Davis … GB / Australia 2016
Sin nada que perder … Hell or High Water … Comanchería … Dir. David Mackenzie … EUA 2016
Lazzaro Feliz … Lazzaro Felice … Dira. Alice Rohrwacher … Italia / Suiza 2018
Ojos bien cerrados … Eyes Wide Shut … Dir. Stanley Kubrick …
Twin Peaks Anniversary Mashup … Dires. Mark Frost y David Lynch … EUA 1990 – 1991
Arrival … La Llegada … Dir. Dennis Villeneuve … EUA / Canadá 2016
Carol … Dir. Todd Haynes … GB / EUA 2015
Whisky … Dires. Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll … Uruguay 2004
Niños del Hombre … Children of Men … Dir. Alfonso Cuarón … GB / EUA 2004
Elizabeth la reina virgen … Elizabeth … Dir. Shekhar Kapur … GB 1998
Get Out … Déjame Salir … ¡Huye! … Dir. Jordan Peele … EUA 2017
El Submarino … Das Boot … Dir. Wolfgang Petersen … RFA 1981
Gone Girl … Perdida … Dir. David Fincher … EUA 2014
Inception … El origen .. Dir. Christopher Nolan … GB / EUA 2010
La Ciudad de las Estrellas: La La Land: Una Historia de Amor … Dir. Damien Chazalle … EUA 2016
Loving Vicent … Cartas de Van Gogh … Dires. Dorota Kobiela y Hugh Welchman … Polonia / GB / EUA 2017
Al mejor postor … La mejor oferta … La migliore offerta … The Best Offer … Dir. Giuseppe Tornatore … Italia 2013
El viento se levanta … Kaze tachinu … Dir. Hayao Miyazakji … Japón 2013
LAS YA MUY VISTAS PERO INOLVIDABLES:
Zero Dark Thirthy … La noche más obscura … Dira. Kathryn Bigelow … EUA 2012
Uno de los nuestros … Goodfellas … Buenos Muchachos … Dir. Martin Scorsese
La Trilogía de El Padrino … The Godfather … Dir. Francis Ford Coppola … EUA 1972, 1974, 1990
Los intocables de Elliot Ness … The Untouchables … Dir. Brian De Palma … EUA 1987
Cadena perpetua … The Shawshank Redemption … Sueño de Libertad … Dir. Frank Darabont … EUA 1994
El profesional (Léon) … El Perfecto Asesino … Dir. Luc Besson … Francia / EUA 1994
Taxi Driver … Dir. Martin Scorsese … EUA 1976
Scarface … Caracortada … El Precio del Poder … Dir. Brian De Palma … EUA 1983
La princesa Mononoke … Mononoke-hime … Dir. Hayao Miyazaki … Japón 1997
Desayuno con diamantes … Desayuno en Tiffany´s …Dir. Blake Edwards … EUA 1961
Malas calles … Mean streets …. Calles peligrosas … Dir. Martin Scorsese … EUA 1973
Mujeres al borde de un ataque de nervios … Dir. Pedro Almodóvar … España 1988
Mad Max … Mad Max El Guerrero de la Carretera .. Mad Max Salvajes de autopista … Dir. George Miller … Australia 1979
Blade Runner … Dir. Ridley Scott… EUA 1982
Big Fish … El Gran Pez … Dir. Tim Burton … EUA 2003
África mía … Out of Africa … Memorias de África … Dir. Sydney Pollack … GB / EUA 1985
El club de los cinco … The Breakfast Club … Dir. John Hughes … EUA 1985
Atrápame si puedes … Catch Me If You Can … Dir. Steven Spierlberg … EUA / Canadá 2002
High Noon … A la Hora Señalada … Solo ante el peligro … Dir. Fred Zinnemann … EUA 1952
Seven … Los siete pecados capitales …Dir. David Fincher … EUA 1995
LOS DOCUMENTALES:
Cheerleaders en acción … Cheer … Dir. Greg Whiteley … Original de Netflix …. Docuserie … EUA 2020
Trump: An American Dream … Dires. Barnaby Peel, Daniel Bogado y Natasha Zinni … GB 2017
The Birth of Cool: La historia de Miles Davis y su música … Miles Davis: Birth of Cool … Dir. Stanley Nelson … EUA 2019
Winter on Fire: Ukraine’s Fight for Freedom … Dir. Evgeny Afineevsky … GB / Ucrania / EUA 2019
Cascos Blancos … The White Helmets … Dir. Orlando von Einsiedel … GB 2016
What Happened Miss Simone? … Dira. Liz Garbus … EUA 2015
VIDEOS: Dos programas de TV del Homocinefilus donde se comentan todos los datos duros de la catástrofe por la que está pasando El Cine en los Tiempos del Coronavirus
Comúnmente, cuando se habla y se escribe en torno al cine, los comentarios giran en torno al análisis de películas y al entretenimiento. A la luz del coronavirus, las noticias son de crisis, catástrofe, cambios radicales y las Plataformas de Streaming como único recurso de la exhibición.
Una forma de cine tradicional de ver cine que no acaba de morir, y una nueva forma de ver películas, que no acaba de nacer.
La pretensión del Homocinefilus no es pasar por un Crítico de Cine insensible o superficial. Estamos más que conscientes de la crisis médica por la que está pasando toda la humanidad, que sin duda está trastornando todos los ámbitos de la actividad humana. Solo que, y aquí la justificante, nos dedicamos al análisis del Fenómeno Cinematográfico y desde nuestra trinchera, deseamos contribuir a dar a conocer como la Pandemia del Coronavirus está causando una severa crisis económica, alrededor del mundo que ataca ferozmente a la Industria del Cine. Además, una vez que el género humano sobreviva al Coronavirus, sin duda, sus efectos causarán que se modifique drásticamente la forma en que vemos las películas.
Una paradoja subyace en la situación causada por el letal y contagioso virus. Antes de su aparición, los más importantes directores de cine, como Martin Scorsese, Christopher Nolan, Steven Spielberg y Lars von Trier, solo por mencionar algunos, se habían manifestado de manera tajante, en contra de la exhibición de sus cintas a través del Streaming, responsabilizándolo de ser el causante de la muerte del excelso Séptimo Arte. Ahora, y ante la obligación de la Distancia Social y la Cuarentena y el cierre de todas las salas de cine, las plataformas son la única forma de que se difundan las egregias obras del Arte Cinematográfico y las no tan alabadas, y repetitivas ad nauseam, películas de puro entretenimiento. Si las plataformas de streaming necesitaban un empujón para adueñarse de la exhibición y terminar por aposentarse entre los escépticos espectadores que faltaban por convencerse de usarlas, el Coronavirus se lo dio.
Te invitamos a que revises los dos (2) VIDEOS que están incluidos en esta historia, en realidad dos programas de televisión de una hora cada uno, transmitidos a través de la Cadena ADR Networks en los que cada Martes y Jueves, de tres a cuatro de la tarde, el Homocinefilus da sus puntos de vista en torno al Séptimo Arte y hace Crítica de Cine.
En las dos emisiones ellos, el Crítico de Cine Fernando Bañuelos, al lado del comediante Aníbal @ElMuerto, comenta toda la información en torno a la catástrofe que está causando la Pandemia del Corona Virus en la Industria del Cine.
Por favor, si te gustan los programas recomiéndanos, sino, te pedimos que guardes silencio:
Inicia el Curso las Películas Más Complejas, Insólitas, Perturbadoras, Raras, Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine. Comenzamos el Miércoles 1ero de Mayo del 2019 en El Péndulo de la Roma . ¡¡¡ No te lo pierdas !!!
Vuélate la tapa de los sesos y derriba y tritura las puertas del entendimiento y la interpretación lógica y adocenada del cine tradicional con esta trepidante selección de películas
Un Curso – Taller de Cine coordinado por el Crítico de Cine Fernando Bañuelos, con más de 30 años de experiencia en el ámbito del Análisis Cinematográfico
Raro no significa confuso, inentendible, enmarañado o abigarrado …
No todas las películas pueden, o deben, presentar su mensaje de una manera masticada, procesada, descifrada o digerida al espectador
Per se, el mensaje que entraña cualquier Obra Cinematográfica, privilegio de las Obras Maestras, es complejo y la mayoría de las veces, casi imposible de desentrañar por el cinéfilo promedio. La premisa, es el caso de películas específicas, se complejiza cuando el realizador se propone encriptar y desconcertar al espectador con su estructura narrativa y valores de producción.
El Curso sobra las Películas Más Complejas, Insólitas, Perturbadoras, Raras, Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine no tiene como único objetivo, enriquecer la cinefilia de sus participantes o practicar el vacuo juego de la colección de “cintas raras” y anecdóticas, algunas convertidas solo en ejercicios de estilo vacíos, sino el fundamental de esclarecer y asimilar la esencia y la estructura de los filmes seleccionados y calificados de complejos. También se pretende fluir analíticamente con la propuesta narrativa de los realizadores e introducirnos, apreciar y valorar sus alternativos, alucinantes, desquiciantes y fascinantes universos propuestos.
–Frecuencia y Horario: Curso semanal. 12 miércoles de las 18 a las 20 horas en la sede de la Cafrebería El Péndulo de la Colonia Roma a partir del 1ero de Mayo y hasta el 17 de Julio del 2019.
–Sede Librería El Péndulo: Álvaro Obregón # 86, Colonia Roma Norte, Delegación Cuauhtémoc, CP 06700, Ciudad de México. Teléfono de El Péndulo: 5574.7034. Teléfono Celular de Fernando Bañuelos 55 3429 4082 y Correo Electrónico ferbanmx@gmail.com para cualquier duda, acalaración o comentario.
–Los interesados podrán inscribirse a partir de ya en la sede de la Cafebrería El Péndulo de la Colonia Roma. Costo del curso $3750.00 pesos
Estrategia y Dinámica del Curso / Taller
En cada una de las 12 sesiones de las que se compone el Curso / Taller Las Películas Más Complejas, Insólitas, Perturbadoras, Raras, Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine se analizarán dos (2) Obras Cinematográficas de la lista a continuación, lo cual implica una intensa y asertiva participación de los integrantes del curso en dos sentidos: Ver las películas desde una perspectiva crítica, analizarlas y comentarlas durante las sesiones coordinadas y moderadas por el Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus.
Estos son los títulos de las películas, más los títulos alternativos que se agreguen, que se analizarán durante el Curso:
–El Doctor Mabuse … Dr. Mabuse, der Spieler … Dir. Fritz Lang … Alemania 1922 …
–Fenómenos … Freaks … Dir. Tod Browning … EUA 1932
–8 ½ de Fellini … 8 ½ … Dir. Federico Fellini … Italia / Francia 1963 …
–Dios y el Diablo en la Tierra del Sol … Deus e o Diabo na Terra do Sol … Dir. Glauber Rocha … Brasil 1964
–La Fórmula Secreta … Coca Cola en la Sangre … Dir. Rubén Gámez … México 1965 …
–La Cara de Otro … Tanin No Kao … Dir. Hiroshi Teshigahara … Japón 1966 ..
–El Bebe de Rosemary … Rosemary’s Baby … Dir. Roman Polanski … EUA 1968…
–Irreversible … Irréversible … Dir. Gaspar Noé … Francia 2002
–La Casa de los 1000 Cuerpos … House of 1000 Corpses … Dir. Rob Zombie … EUA 2003
–Primer … Dir. Shane Carruth … EUA 2004
–Nuestra Música … Notre Musique … Dir. Jean-Luc Godard … Francia / Suiza 2004
–Una Vida Iluminada … Everything is Illuminated … Dir. Liev Schreiber … EUA 2005 …
–Paprika, Detective de los Sueños … Papurika … Dir. Satoshi Kon … Japón 2006
–El Imperio … Inland Empire … Dir. David Lynch … Francia / Polonia 2006 …
–Mártires … Martyrs … Dir. Pascal Laugier … Francia / Canadá 2008
–Trash Humpers … Dir. Harmony Korine … GB / Francia 2009 …
–Enter the Void … Dir. Gaspar Noé … Francia / Alemania 2009
–Anticristo … Antichrist … Dir. Lars Von Trier … Dinamarca / Alemania 2009
–El Ciempiés Humano … The Human Centipede (First Sequence) … Dir. Tom Six … Holanda 2009
–Sed de Sangre … Bakjwi … Dir. Park Chan-wook … Corea del Sur / EUA 2009
–La Isla Siniestra … Shutter Island … Dir. Martin Scorsese … EUA 2010
–El Origen … Inception … Dir. Christopher Nolan … EUA / GB 2010 … DVD FÍSICO
–A Serbian Film … Srpski Film … Dir. Srdjan Spasojevic … Serbia 2010
–Nostalgia de la Luz … Dir. Patricio Guzmán … Francia / Alemania / Chile 2010 …
–Un Hombre Bastante Bueno … En ganske snill mann … Dir. Hans Petter Moland … Noruega 2010 …
–Balada Triste de Trompeta … Dir. Álex de la Iglesia … España / Francia 2010 …
–Hanezu, El Espíritu de las Montañas … Hanezu no Tsuki … Dira. Naomi Kawase … Japón 2011 …
–El Árbol de la Vida … The Tree of Life … Dir. Terrence Malik … EUA 2011 …
–Melancolía … Melancholia … Dir. Lars Von Trier … Dinamarca / Suecia 2011 …
–El Atlas de las Nubes … Cloud Atlas … Dir. Tom Tykwer … Alemania 2012 …
–El Maestro … The Master … Dir. Paul Thomas Anderson … EUA 2012 …
–Holy Motors, Vidas Extrañas .. Holy Motors … Dir Leos Carax … Francia / Alemania 2012 …
–Bajo la piel … Under the Skin … Dir. Jonathan Glazer … Suiza / GB 2013
–La Gran Belleza … La Grande Bellezza … Dir. Paolo Sorrentino … Italia / Francia 2013 …
–Los Colores del Destino … Upstream Color … Dir. Shane Carruth … EUA 2013
–Zonas Húmedas … Feuchtgebiete … Dir. David Wnendt … Alemania 2013
–Un Ilustre Desconocido … Un illustre inconnu … Dir. Matthieu Delaporte … Francia / Bélgica 2014
–El Bunker … Der Bunker … Dir. Nikias Chryssos … Alemania 2015
–El Botón de Nácar … Dir. Patricio Guzmán … Francia / España / Chile 2015 …
–Langosta … The Lobster … Dir. Yorgos Lanthimos … Irlanda / GB / Grecia 2015
–Victoria … Dir. Sebastian Schipper … Alemania 2015 … DVD FÍSICO
–Bite … Dir. Chad Archibald … Canadá 2015
–Sieranevada … Dir. Cristi Puiu … Rumania / Francia 2016 …
–A Bride For Rip Van Winkle … Rippu Van Winkuru no hanayome … Dir. Shunji Iwai … Japón 2016
–El Intenso Ahora … No Intenso Agora … Dir. João Moreira Salles … Brasil 2017 …
–Mandy … Dir. Panos Cosmatos … EUA / Bélgica 2018
–La Casa Lobo … Dires. Joaquín Cociña y Cristóbal León … Chile / Alemania 2018 …
–La Casa de Jack … The House That Jack Built … Dir. Lars von Trier … Dinamarca / Francia 2018 …
–Climax … Dir Gaspar Noé …. Francia / Bélgica 2018 …
Curso de Cine, Las Películas Más Complejas Insólitas Perturbadoras Raras Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine, Librería El Péndlo de la Colona Roma, Director de Cine,
Vuélate la tapa de los sesos o derriba y tritura las puertas del entendimiento e interpretación lógica del cine tradicional con esta trepidante selección de películas…
Taller / Curso de Cine coordinado por el Crítico de Cine Fernando Bañuelos, con más de 30 años de experiencia en el ámbito del análisis cinematográfico
Raro no es confuso, inentendible, enmarañado, abigarrado …
No todas las películas pueden, o deben, presentar su mensaje de una manera masticada, o digerida, al espectador … por fortuna…
Per se, el mensaje que entraña cualquier Obra Cinematográfica, privilegio de las Obras Maestras, es complejo y la mayoría de las veces, casi imposible de desentrañar por el cinéfilo promedio. La premisa, es el caso de películas específicas, se complejiza cuando el realizador se propone encriptar y desconcertar con su estructura narrativa y valores de producción.
El Curso sobra Las Películas Más Complejas, Insólitas, Perturbadoras, Raras, Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine no tiene como único objetivo, enriquecer la cinefilia de sus participantes o practicar el vacuo juego de la colección de “cintas raras” y anecdóticas, algunas solo ejercicios de estilo vacíos, sino el fundamental, el de esclarecer y asimilar la esencia y la estructura de los filmes seleccionados y calificados de complejos. También se pretende fluir analíticamente con la propuesta narrativa de los realizadores e introducirnos, apreciar y valorar sus alternativos, alucinantes, desquiciantes y fascinantes universos propuestos.
–Frecuencia y Horario: Curso semanal. 12 miércoles de las 18 a las 20 horas en la sede de El Péndulo de la Colonia Roma a partir del 16 de Enero y hasta el 3 de marzo del 2018.
–Sede Librería El Péndulo: Álvaro Obregón # 86, Colonia Roma Norte, Delegación Cuauhtémoc, CP 06700, Ciudad de México. Teléfono de El Péndulo: 5574.7034. Teléfono Celular de Fernando Bañuelos 55 3429 4082 para informes, dudas o comentarios.
–Los interesados podrán inscribirse a partir de ya en la sede de la Cafebrería El Péndulo de la Colonia Roma. Costo del curso $3750.00 pesos
Estrategia y Dinámica del Curso / Taller
En cada una de las 12 sesiones de las que se compone el Curso / Taller Las Películas Más Complejas, Insólitas, Perturbadoras, Raras, Estrambóticas e Intrigantes de la Historia del Cine se analizarán dos (2) Obras Cinematográficas de la lista a continuación, lo cual implica una intensa y asertiva participación de los integrantes del curso / taller en dos sentidos: Ver las películas desde una perspectiva crítica, analizarlas y comentarlas durante las sesiones coordinadas y moderadas por Fernando Bañuelos Crítico de Cine, el Homocinefilus.
Estos son los títulos de las películas, más los títulos alternativos a ver, que se analizarán durante el Curso:
–El Doctor Mabuse … Dr. Mabuse, der Spieler … Dir. Fritz Lang … Alemania 1922
–8 ½ de Fellini … 8 ½ … Otto e Mezzo … Dir. Federico Fellini … Italia / Francia 1963
–La Fórmula Secreta … Coca Cola en la Sangre … Dir. Rubén Gámez … México 1965
–La Cara de Otro … Tanin No Kao … Dir. Hiroshi Teshigahara … Japón 1966
–El Bebe de Rosemary … Rosemary’s Baby … Dir. Roman Polanski … EUA 1968
–El Planeta Salvaje … Le Planete Sauvage … Dir. René Laloux … Francia / Checoslovaquia 1973
–Las Mil y Una Noches … Il fiore delle mille e una notte … Dir. Pier Paolo Passolini … Italia / Francia 1974
–El Imperio de los Sentidos … Ai no korîda … Dir. Nagisa Oshima … Japón / Francia 1976
–Cabeza Borradora … Eraserhead … Dir. David Lynch … EUA 1977
VIDEOCRÍTICA con las poderosas películas 71 Edición de Cannes. La perturbadora cinta de Lars Von Trier, el ensayo filmado de Jean-Luc Godard, un documental sobre Orson Welles y Nolan y la restauración de 2001: Odisea del Espacio, la muerte de Thomas Wolfe y el cine
La nube está cargada.
En esta VIDEOCRÍTICA, literalmente lo bombardeamos con las películas, los documentales y los clásicos exhibidos en la 71 Edición del Festival Internacional de Cine de Cannes. Hemos reunido para usted un impresionante surtido de geniales películas, trascendentales nombres de genios que han aportado sus obras maestras al 7mo. Arte y que se muestran en esa dilecta caja de resonancia que es la fiesta del cine en la Riviera Francesa.
Es como si usted estuviera ahí de la mano del Crítico de Cine Fernando Bañuelos e hiciera un recorrido a través de lo mejor de la Cinematografía Mundial aderezado por la Pirotecnia Verbal del Homocinefilus.
No podían faltar las recomendaciones de la Cartelera de la Ciudad de México y compartirle la triste noticia en torno a la muerte de dos personajes muy importantes relacionados con el Arte Cinematográfico Mundial: el excéntrico y genial escritor Thomas Wolfe y de Ermanno Olmi.
Lo invitamos a adentrarse en esta espectacular selección de clásicos de cine y de obras maestras:
Aquí la lista del contenido de esta Videocrítica:
–Cineteca Nacional de México: Todo Wes Anderson … 10 Impresionates Películas
-71 Edición del Festival de Cine de Cannes 2018 … El Ambiente del Festival
-71 Edición del Festival de Cine de Cannes 2018 … The House That Jack Built … Dir. Lars Von Trier … Dinamarca 2018 … Sección Oficial opta por la Palma de Oro
–71 Edición del Festival de Cine de Cannes 2018 … El público festeja a Lars Von Trier, Mat Dillon y Bruno Ganz
-El Libro Ilustrado … Le Livre D’image … Dir. Jean Luc-Godard … Francia 2018 … Sección Oficial opta por la Palma de Oro
–Jean-Luc Godard da una Conferencia de Prensa a través de un Teléfono Celular
–Christopher Nolan en Cannes donde presenta la versión restaurada en 70mm del clásico 2001: Odisea del Espacio … 2001: A Space Odyssey … Dir. Stanley Kubrick … GB / EUA 1968
–Festival de Cine de Cannes … Documental Los Ojos de Orson Welles … The Eyes of Orson Welles … Dir. Mark Cousins … GB 2018
–71 Festival de Cine de Cannes 2018 … La Favorita … Ladrones de Tiendas … Manbiki Kazoku … Shoplifters … Dir. Hirokazu Koreeda … Japón 2018
–El Tercer Asesinato … Sandome No Satsujin … Dir. Hirokazu Koreeda … Japón 2017
–Murió el Escritor Thomas Wolfe … La Hoguera de las Vanidades … The Bonfire of the Vanities … Dir. Brian De Palma … EUA 1990
–Murió el Escritor Thomas Wolfe … Pasión por las Letras … El Editor de los Libros … Genius … Dir. Michael Grandage … GB / EUA 2016
–Murió el Director de Cine Ermanno Olmi … El Árbol de los Zuecos … L’albero Degli Zoccoli … Dir. Ermanno Olmi … Italia 1978
Director de Cine … Estilo Homocinefilus … Estrenos de la Semana
El Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa en la Sección de Crítica a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido todos los VIERNES a las 12:30 p.m., hora del centro de México. La emisión televisiva es dirigida y conducida por Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes EN VIVO de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa de @NuestroEspacioConsentido, y la Sección de Cine, se transmiten también EN VIVO a través del Streaming del Canal del Congreso de la Ciudad de México Livestream en el siguiente enlace:
VIDEOCRÍTICA con las poderosas películas 71 Edición de Cannes. La perturbadora cinta de Lars Von Trier, el ensayo filmado de Jean-Luc Godard, un documental sobre Orson Welles y Nolan y la restauración de 2001: Odisea del Espacio, la muerte de Thomas Wolfe y el cine
Videocrítica: La Danza de los Millones en el Cine. Las 21 Películas que han ganado más de Mil Millones de Dólares a Nivel Mundial
Una película taquillera, no le otorga el título de ser la mejor Obra Cinematográfica
Películas de una manufactura mundial que son tan dañinas y adictivas como la comida chatarra
El Chicle en el Ojo
La siguiente VIDEOCRÍTICA tiene muchas lecturas que se derivan en una multiplicidad de reflexiones en torno al comportamiento y los gustos del gran público, que se ven reflejados en los miles de millones de dólares que ganan los Estudios de Hollywood a nivel planetario. Esta circunstancia financiera, refleja la absoluta y oligárquica dominación cultural e ideológica de La Meca del Cine.
Todas las 21 películas que ocupan los “honrosos” lugares de esta cuestionable lista, son producto de la más mezquina Industria de Cine de Hollywood, muy poco preocupada en incentivar y propiciar el Arte Cinematográfico y si ocupada en seguir ingresando estratosféricas ganancias, a costa de la esclavitud y el sojuzgamiento cultural, educativo e ideológico de todo el mundo.
Patológicamente, el síndrome de la aburrición y la estulticia se pasea por las veintiuna (21) cintas “ganadoras”, ya que casi todas son secuelas, infames remakes que evidencian la falta de creatividad de Hollywood y de respeto mínimo a la audiencia.
Colateralmente, esta ominosa circunstancia, revela la nula influencia de la Crítica de Cine seria, en los países latinoamericanos, en espacial México, que es muy importante para Hollywood ya que ocupa el también “honroso” cuarto (4º) lugar en ingresos de taquilla a nivel mundial. Nos referimos a la Crítica de Cine seria, la que como Homocinefilus, tiene la misión ética, de recomendar a su público, no las cintas con un execrable nivel de entretenimiento, vía los insufribles efectos especiales, sino las alternativas culturales e intelectuales de la Cartelera Comercial y Cultural, que en la mayoría de los casos son ignoradas, mal distribuidas y peor exhibidas.
Aquí la VIDEOCRÍTICA:
1.- Avatar / Dir. James Cameron / EUA 2009 / $2.788 Millones de Dólares de Recaudación Mundial
2.- Star Wars Episodio VII: El Despertar de la Fuerza / Star Wars: Episode VII – The Force Awakens / Dir. J.J. Abrams / EUA 2015 / $2068.2 Millones de Dólares de Recaudación Mundial
3.- Titanic / Dir. James Cameron EUA 1997 / $1.843.2 Millones de Dólares recaudados durante su paso por los cines
4.- Mundo Jurásico / Jurassic World / Dir. Colin Trevorrow / EUA 2015 / Recaudación Mundial de $1.669,5 Millones de Dólares
5.- Los Vengadores / The Avengers / Dir. Joss Whedon EUA 2012 / $1.518,6 Millones de Dólares Recaudados a Nivel Mundial
6.- Rápidos y Furiosos 7 / Fast & Furious 7 / Dir. James Wan Japón – EUA 2015 / La secuela más taquillera de todos los tiempos con una Recaudación de $1.511,3 Millones de Dólares a Nivel Mundial
7.- Vengadores: La Era de Ultrón / Avengers: Age of Ultron / Dir. Joss Whedon EUA 2015 / $1.393,5 Millones de Dólares Recaudados.
8.- Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte, Parte II / Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II / Dir. David Yates / EUA – GB 2011 / La última aventura de Harry Potter logró ingresar a la taquilla $1.341,8 Millones de Dólares
9.- Star Wars Episodio VIII: Los Últimos Jedi / Star Wars Episode VIII: The Last Jedi / Dir. Rian Johnson EUA 2017 / $1.331,7 Millones de Dólares Recaudados
9ª.- Al final de esta lista exponemos el caso excepcional de la cinta Pantera Negra que se coloca en éste lugar por sus ingresos mundiales, hasta el cierre de este reportaje, de US $1.299 millones de dólares
10.- Frozen: Una Aventura Congelada / Frozen / Dires. Chris Buck y Jennifer Lee / EUA 2013 / La película de animación más taquillera de la Historia del Cine con Ingresos Finales de $1.274,2 Millones de Dólares / Disney
11.- La Bella y La Bestia / Beauty and The Beast / Dir. Bill Condon / EUA 2017 / $1.263,5 Millones de Dólares Recaudados
12.- Rápidos y Furiosos 8 / Fast & Furious 8: The Fate of the Furious / Dir. F. Gary Gray / EUA – Japón 2017 / $1.236 Millones de Dólares Recaudados
13.- Iron Man 3 / Dir. Shane Black / China – EUA 2013 / $1.215.4 Millones de Dólares Recaudados
14.- Los Minions / Minions / Dires. Kyle Balda y Pierre Coffin / EUA 2015 / $1.159.4 Millones de Dólares. La segunda película de animación más taquillera de todos los tiempos
15.- Capitán América: Civil War / Captain America: Civil War / Dires. Anthony Russo y Joe Russo / EUA 2015 / $1.153,3 Millones de Dólares. Cuarta película más taquillera de Marvel hasta ahora
16.- Transformers: El Lado Oscuro de la Luna / Transformers: Dark of the Moon / Dir. Michael Bay / EUA 2011 /Ingresó en las taquillas de los Cines $1.123,8 Millones de Dólares
17.- El Señor de Los Anillos: El Retorno Del Rey / The Lord of The Rings: The Return of the King / Dir. Peter Jackson / EUA – Nueva Zelanda 2003. Esta fue la Segunda película en superar la barrera psicológica de los 1.000 Millones de Dólares con $1.119,9 Millones.
18.- Operación Skyfall / Skyfall / Dir. Sam Mendes / GB / EUA 2013 / Ingresó en la taquilla $1.108,6 Millones De Dólares.
19.- Transformers 4: La Era de la Extinción / Transformers: Age of Extinction / Dir. Michael Bay / EUA 2014 / Este cinta alcanzó $1.104,1 Millones de Dólares de ingresos totales
20.- Batman El Caballero Asciende / The Dark Knight Rises / Dir. Christopher Nolan / GB -EUA 2012 / Esta película tocó el techo con $1.084,4 Millones de Dólares
21.- Pantera Negra / Black Panther / Dir. Ryan Coogler / EUA 2018 / Pantera Negra es la primera cinta del universo Marvel con un superhéroe negro que supera a Titanic en la taquilla norteamericana, tras cerrar su octava semana en cartelera con casi 666 millones de dólares. La cinta protagonizada por Chadwick Boseman, Michael B. Jordan y Lupita Nyong’o sobrepasó el récord doméstico de 659 millones que tenía la cinta de James Cameron, ganadora de 11 Óscares. El film se ubica ya en la tercera posición entre los más taquilleros en la historia de Estados Unidos, por detrás de Star Wars: El despertar de la fuerza con 936,6 millones de dólares y Avatar con 760,5 millones. En la taquilla mundial, Pantera negra ha acumulado, hasta la redacción de este reportaje, más de US $ 1.299 millones de dólares, con lo que escala al décimo puesto del ranking histórico de taquilla global.
Director de Cine / Videocrítica / Crítico de Cine Fernando Bañuelos
El Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa en la Sección de Crítica a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido todos los VIERNES a las 12:30 p.m., hora del centro de México. La emisión televisiva es dirigida y conducida por Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes EN VIVO de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa de @NuestroEspacioConsentido, y la Sección de Cine, se transmiten también EN VIVO a través del Streaming del Canal del Congreso de la Ciudad de México Livestream en el siguiente enlace:
VIDEOCRÍTICA dedicada al imperdible Cine Inglés en las Carteleras de la República Mexicana, trascendentales referencias históricas y estrenos que lo acompañan
Éstas son las importantes películas inglesas que se exhiben en las Carteleras de la República Mexicana. Además incluimos sus indispensables correspondencias fílmicas que complementan el contexto histórico británico.
En esta VIDEOCRÍTICA, de Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, incluimos los comentarios de las siguientes películas:
–Regalamos 10 Boletos Dobles Para el Museo Art Toys en el Centro Histórico de la Ciudad de México
–El Hilo Invisible / El Hilo Fantasma / Phantom Thread / Dir. Paul Thomas Anderson / EUA 2017
–El Instante Más Oscuro / Las Horas Más Obscuras / Darkest Hours / Dir. Joe Wright / GB 2017
–Dunkerque / Dunkirk / Dir. Christopher Nolan / GB – Países Bajos – Francia – EUA 2017
-Wallis y Eduardo: El Romance del Siglo / W.E. / Dira. Madonna / GB 2011
–El Discurso del Rey / The King’s Speech / Dir. Tom Hooper / GB 2010
–Todo el Dinero del Mundo / All The Money In The World / Dir. Ridley Scott / EUA 2017
–El Cavernícola / Early Man / Dir. Nick Park / GB 2018
–Pantera Negra / Black Panther / Dir. Ryan Coogler / EUA 2018
–Lady Bird / Dira. Greta Gerwig / EUA 2017
–Yo, Tonya / I, Tonya / Dir. Craig Gillespie / EUA 2017
–En Los Bosques De Siberia / Dans Les Foréts De Sibérie / Dir. Safy Nebou / Francia 2016
Director de Cine / Estilo Homocinefilus / Crítico de Cine / Crítica de Cine / Estilo Homocinefilus
El Crítico de Cine Fernando Bañuelos, el Homocinefilus participa en la Sección de Crítica de Cine a su cargo en el Programa de Televisión @TuEspacioConSentido todos los VIERNES a las 12:30 p.m., hora del centro de México. La emisión televisiva es dirigida y conducida por Pita Ojeda, acompañada de Paco Bling Bling y de Juan Martín Aguilar Del Prado.
ConSentido se transmite de lunes a viernes EN VIVO de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, o Televisión Digital, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.
La emisión completa de @NuestroEspacioConsentido, y la Sección de Cine, se transmiten también EN VIVO a través del Streaming del Canal del Congreso de la Ciudad de México Livestream en el siguiente enlace:
Además pueden ver la transmisión EN VIVO del programa Nuestro Espacio ConSentido a través del Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa de la Ciudad de México través de YouTube:
Canal de Televisión de la Asamblea Legislativa del DF a través de YouTube
–Los Juegos del Destino … El lado bueno de las cosas … Silver Linings Playbook … Dir. David O. Russell … EUA 2012
HOMOCINEFILUS by Fernando Bañuelos, Crítico de Cine 