Bienvenidos a la cobertura en directo de los Globos de Oro 2024. Todo lo que suceda en 81ª edición de los prestigiosos premios te lo contaremos a través #Homcinefilus minuto a minuto. ¡Comenzamos! #GoldenGlobes
Globos de Oro | ¡Termina la gala!
Termina la 81ª edición de los Globos de Oro tras el premio de Mejor película (drama) otorgado para Oppenheimer, la gran triunfadora de la noche con cinco galardones. Succession termina como la serie con mas premios con un total de cuatro.
Aquí algunos de los ganadores:
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película (drama)’ es Oppenheimer, de Christopher Nolan. Es el quinto premio para el largometraje de Nolan en esta ceremonia, convirtiéndose en el gran triunfador de la noche.
Globos de Oro | Mejor actriz (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (drama)’ es Lily Gladstone por su interpretación en Los asesinos de la luna. Es la primera victoria de la actriz en su primera nominación al premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película (comedia o musical)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película (comedia o musical)’ es Pobres criaturas, de Yorgos Lanthimos. Es el segundo premio para la producción tras el conseguido por Emma Stone como mejor actriz de la categoría.
Globos de Oro | Mejor actor (comedia o musical)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (comedia o musical)’ es Paul Giamatti por su papel en Los que se quedan. Es la tercera victoria del actor tras seis nominaciones.
»Demasiados peldaños que subir. Es la primera vez que se entrega un premio a un actor que interpreta a un hombre que huele a pescado, Gracias Globos de Oro» bromea Paul Giamatti tras recoger el galardón.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor serie (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor serie (drama)’ es Succession. La producción ha ganado cuatro premios entre los que también se encuentran mejor actor, mejor actriz y mejor actor de reparto en la categoría dramática.
Globos de Oro | Mejor actriz (serie de drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (serie de drama)’ es para Sarah Snook por su interpretación en Succession. Es su primera victoria tras dos nominaciones.
»Ojalá no hubiera tenido que subir. Esta serie me ha cambiado la vida. Todos han sido extraordinarios. Es lo que ha hecho una serie extraordinaria. Gracias a mi marido por ayudarme y encumbrarme. Gracias a mi hija» ha señalado tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor serie (Musical o Comedia)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor serie (Musical o Comedia)’ es The Bear. También es el tercer galardón que se lleva la producción tras los conseguidos por sus protagonistas Jeremy Allen White y Ayo Edebiri.
Globos de Oro 2024, en directo | Logro cinematográfico y de taquilla
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Logro cinematográfico y de taquilla‘ esBarbie. La nueva categoría premia a las películas con, al menos, 150 millones de dólares recaudados en taquilla a nivel global.
Margot Robbie, tras recoger el galardón: »Nos gustaría dedicárselo a todas las personas del planeta que se han puesto guapos y han ido al cine. Gracias a los Globos de Oro por crear una categoría que realmente conmemora a los aficionados».
Globos de Oro 2024 | Mejor canción original
Los ganadores del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor canción original’ son Billie Eilish y Finneaspor What Was I Made For? en Barbie. Es la segunda nominación y el segundo premio para el dúo. Barbie contaba con tres nominadas en esta categoría. Además de la canción ganadora las candidatas de la película eran I’m Just Ken (Mark Ronson, Andrew Wyatt) y Dance the Night (Caroline Ailin, Dua Lipa, Mark Ronson y Andrew Wyatt).
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor banda sonora original
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor banda sonora original’ es Ludwig Göranssonpor Oppenheimer. Es la primera victoria del compositor tras cuatro nominaciones.
»Gracias a Cillian Murphy, he estado horas y horas y horas viendo tu cara y me ha inspirado muchísimo» bromea Ludwig Göransson tras recoger el galardón.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (drama)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (drama)’ es Cillian Murphypor su papel en Oppenheimer. Es la segunda victoria del británico tras seis nominaciones.
»Una de las cosas más bonitas y vulnerables como actor es que no puedes hacerlo por tu cuenta, el equipo y compañeros de esta película han sido maravillosos» ha admitido el actor tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (comedia o musical)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (comedia o musical)’ es Emma Stonepor Pobres criaturas. Es su segundo Globo de Oro tras ocho nominaciones.
Globos de Oro 2024 | Mejor dirección
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor dirección’ es Christopher Nolanpor Oppenheimer. Es la primera vez que gana el premio tras seis nominaciones.
»Pensaba que iba a ser más fácil aceptarlo pero como director te das cuenta que solo puedes hacerlo en nombre de la gente» afirma Christopher Nolan tras recoger el Globo de Oro.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película de animación
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película de animación’ es El chico y la garza.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (serie de drama)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (serie de drama)’ es Kieran Culkin por Succession. Es la primera vez que gana el premio tras sus cinco nominaciones.
»Me nominaron hace 20 años y pensé que nunca más iba a estar en esta sala. Gracias a Succession he estado un par de veces más aunque había aceptado que no subiría nunca al escenario» dice entre risas Kieran Culkin.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (serie musical o comedia)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (serie musical o comedia)’ es para Ayo Edebiri por su interpretación en The Bear. Primera nominación y primer premio para la actriz.
»Estoy extremadamente agradecida. Yo soy artista. Soy muy afortunada por serlo. Es lo que he querido ser siempre y estoy muy agradecida. Gracias a mi familia. A todo el reparto de The Bear y al resto de nominados. Gracias a mis agentes, secretarios, asistentes personales. Si me he olvidado de alguien, lo siento a menos que seáis horribles» bromea la actriz tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024 | Mejor película en lengua no inglesa
La ganadora del Globo de Oro de la categoría ‘Mejor película en lengua no inglesa’ es para Anatomía de una caída, que también ha recibido el premio a mejor guión.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor interpretación de comedia stand-up
El ganador del Globo de Oro en la nueva categoría »Mejor interpretación de comedia stand-up» es Ricky Gervais por su especial de comedia Ricky Gervais: Armageddon. El cómico británico ha sido presentador de los Globos de Oro en cinco ocasiones (2010, 2011, 2012, 2016 y 2020).
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (Serie musical o comedia)
El ganador del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actor (serie musical o comedia)’ es Jeremy Allen White por su papel en The Bear. Es su segundo Globo de Oro en su segunda nominación.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor guión
Los ganadores del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor guión‘ son Justine Triet, Arthur Harari por la película Anatomía de una caída. »Hacemos esta película así radical y luego hacemos una serie para ganar dinero» bromea la guionista Justine Triet al recoger el premio.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor de reparto (TV) El Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actor de reparto (TV)’ es para Matthew Macfadyen por su papel en Succession #GoldenGlobes2024
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz de reparto (TV)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actriz de reparto (TV)’ es Elizabeth Debicki por su interpretación de Diana de Gales en The Crown. Consigue su primer premio en la segunda nominación.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (Limitada o para TV)
El ganador en la categoría ‘Mejor actor (Limitada o para TV)’ es Steven Yeun por su interpretación en Bronca. Al igual que Ali Wong, compañera en Bronca, consigue el Globo de Oro en su primera nominación. »Desde aquí hago un llamamiento a mi hija y a las noches de películas en familia. De verdad que estoy muy agradecido» reconoce el actor tras recoger su premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (Limitada o para TV)
La ganadora en la categoría a ‘Mejor actriz (limitada o para TV)’ es Ali Wong por su papel en Bronca. La actriz consigue el premio en su primera nominación.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor de reparto
El ganador del Globo de Oro de la categoría ‘Mejor actor de reparto’ es Robert Downey Jr por su papel enOppenheimer. Es el tercer Globo de Oro que gana el actor en su carrera. »Es la primera vez que he interpretado desde que mi agente me dijo tienes que volver a darle un giro a tu carrera» bromea el actor al recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz de reparto
La ganadora del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actriz de reparto’ es Da’Vine Joy Randolph, por The Holdovers, en su primera nominación en los Globos de Oro.
El inicio de la gala con Jo Koy como presentador comienza con múltiples referencias a las producciones nominadas. El humorista estadounidense ha bromeado sobre la duración de Oppenheimer o el argumento de Barbie. También ha señalado que Meryl Streep »siempre gana» en referencia a que si hoy gana un Globo de Oro se convertiría en la actriz con más Globos de Oro junto con Barbra Streisand, con un total de diez premios.
Buen show, totalmente dentro de estas agendas (inclusivas) pero solo eso entretenimiento dejaron al cine fuera de la categoría de arte. #Oscar2022#ComunidadHomocineflus
Golpes, homenaje a Carmelita Salinas y a Felipe Cazals y hasta aparición de Eugenio Derbez…, no sé si este año vimos los Oscar o los premios TVyNovelas.
La ceremonia de los premios Oscar 2022 se realizó este domingo 27 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, Estados Unidos, donde distintas celebridades de la industria del entretenimiento se dieron cita para galardonar a las mejores películas estrenadas entre enero y diciembre del 2021.
La 94 ceremonia de entrega de los Óscar, la más larga de la historia, llegó a su fin, poniendo punto final a una temporada de premios 2021-2022 con un reparto de galardones en los que no ha habido prácticamente espacio para la sorpresa y en el que ‘CODA’ se ha alzado como gran triunfadora, haciéndose con las tres estatuillas a las que optaba.
El largometraje de Sian Heder conquistó las categorías de mejor guión adaptado, mejor actor de reparto y mejor película; imponiéndose en el último momento a una ‘El poder del perro’ que partía como gran favorita, y que ha terminado llevándose únicamente uno, el de mejor dirección para Jane Campion, de los doce Óscar a los que optaba.
En lo que respecta a la cantidad de estatuillas cosechadas, la ‘Dune’ de Denis Villeneuve fue la estrella de la noche, levantando seis galardones más que justificados, principalmente en las categorías técnicas, sonido, edición, dirección de fotografía y efectos visuales. Además, la space-opera obtuvo los Óscar al mejor diseño de producción y a la mejor banda sonora.
Aunque, por desgracia, probablemente los Óscar 2022 se recordarán como los de la bofetada de Will Smith, ganador en la categoría de mejor actor, a Chris Rock.
Antes Smith maldijo a Rock tras regresar a su asiento. Rock estaba presentando el premio al mejor documental cuando ocurrió el tenso intercambio.¿Qué provocó la ira de Will Smith contra Chris Rock durante los Premios Oscar? Los asistentes al Oscar quedaron en conmocionado silencio después de que Will Smith golpeara a Chris Rock en el escenario luego que el comediante hiciera un chiste sobre la esposa de Smith, Jada Pinkett Smith.
Pero, ¿qué fue lo que originó la pelea?
Momentos antes de recibir la agresión, el comediante Chris Rock bromeó diciéndole a Smith que esperaba con ansias una secuela de “G.I. Jane”, haciendo evidente referencia a la cabeza calva de su esposa, por lo que Smith se levantó de su asiento cerca del escenario, caminó hasta Rock y lo abofeteó.
Después de volver a sentarse, Smith le gritó a Rock: “Saca el nombre de mi esposa de tu jodida boca”. Pues su esposa desde el 2018 reveló que padece de alopecia.
Eugenio Derbez en CODA.
El actor mexicano triunfó en la entrega de los Oscar 2022. Coda, donde actuó Eugenio Degana como mejor película. «Eugenio, nos hiciste reír mucho y cuidaste muy bien a la familia», dijo el productor Philippe Rousselet al actor mexicano Eugenio Derbez, quien es parte del elenco de la película inspirada en la cinta francesa La familia Bélier.
Dune acaba de llevarse sus cuatro primeros Óscar en la entrega previa. Estos han sido los de las categorías de mejor montaje, mejor diseño de producción, mejor banda sonora y mejor sonido. Insisto; es bochornoso que se hayan excluido estos galardones de la emisión oficial.
Arranca la 94 ceremonia de entrega de los Óscar (no, no son los Grammy) con una actuación de Beyonce bañada en un color verde que hace un poco de daño a las retinas, todo sea dicho.
Después de los monólogos de rigor (con algún que otro chiste reciclado, no lo vamos a negar), se ha entregado el primer Óscar emitido de la noche. Ha sido en la categoría de mejor actriz secundaria y, como era de esperar, ha ido a manos de Ariana DeBose por su papel como Anita en ‘West Side Story’.
Con este Óscar, Ariana DeBose cierra una temporada de premios impecable en la que se ha llevado el BAFTA, el Globo de Oro y el SAG del sindicato de actores (entre muchos otros galardones de diferentes asociaciones). Normal que partiese como gran favorita y haya cumplido su cometido como tal.
Fotograma de la película West Side Story, de Steven Spielberg
Óscar 2022: ‘Ejército de los muertos’ es la mejor película popular del año, un triunfo «histórico» para Zack Snyder y Netflix
¡Y el Óscar a la mejor dirección de fotografía se va a manos de Greig Fraser por su increíble trabajo en ‘Dune’! A la segunda nominación (la primera fue por ‘Lion’ en 2017) ha ido la vencida, y el australiano se ha llevado la estatuilla, entre otras cosas, por su brillante modo de hibridar la tecnología digital y la analógica después de rodar la película con cámaras Arri Alexa LF y transferir el material a película para obtener la textura única del fotoquímico. Grande.
¡Seguimos sin sorpresas! ‘Dune’ se lleva su sexto Óscar de la noche, esta ocasión en la categoría de mejores efectos visuales. Otro galardón merecidísimo, en este caso por la fantástica mezcla de efectos prácticos y efectos digitales en uno de los espectáculos cinematográficos más asombrosos que hemos podido disfrutar en la gran pantalla en mucho, mucho tiempo.
VIA JAPANESE TELEVISION: The uncensored exchange between Will Smith and Chris Rock pic.twitter.com/j0Z184ZyXa
Aquí la escena de la que medio mundo está hablando: Will Smith golpeando a Chris Rock en vivo, en los #Oscars.
Seguimos sin una sola sorpresa en el reparto de las estatuillas: ‘Encanto’ se ha hecho con el Óscar a la mejor película de animación del año. La película dirigida a seis manos por Jared Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith se ha llevado el gato al agua después de conquistar la misma categoría en los Globos de Oro, los BAFTA y los premios de la National Board of Review (entre otros).
Y todo sigue según lo previsto, porque Troy Kotsur se ha alzado con el Óscar 2022 al mejor actor secundario por su trabajo en ‘CODA’, cerrando una temporada de premios impecable en la que ya ha amasado el Globo de Oro, el BAFTA y el premio del sindicato de actores.
Troy Kotsur es el segundo intérprete sordo que ha ganado un Óscar en la historia de los premios. Curiosamente, la primera fue Marlee Matlin, su compañera de reparto en ‘CODA’, que se hizo con la estatuilla en 1987.
¡Seguimos clavando nuestras predicciones! ‘Drive My Car’, de Ryûsuke Hamaguchi, se hace con el Óscar a la mejor película internacional. El último largometraje japonés galardonado con la estatuilla fue ‘Despedidas’ de Yōjirō Takita, que se alzó con el premio en el año 2008.
¡Más premios cantados! ‘Cruella’ se lleva el Óscar al mejor diseño de vestuario. Este es el tercer premio para Jenny Beavan, nominada en 11 ocasiones, y que elevó la preciada estatuilla por primera vez en 1987 por su trabajo en ‘Una habitación con vistas’. La segunda fue por su magnífica labor en ‘Mad Max: Furia en la carretera’.
Durante la pausa comercial, Will Smith es apartado y consolado por Denzel Washington y Tyler Perry, quienes le indican que ignore a Chris Rock. Will parece secarse las lágrimas de los ojos cuando vuelve a sentarse con Jada, con Denzel consolando a Jada y el representante de Will a su lado.
En lo que respecta al Óscar al mejor guión adaptado, tampoco hay sorpresas de última hora: Siân Heder, después de amasar el BAFTA, el premio del sindicato de guionistas y el Globo de Oro, se ha llevado el premio de la categoría por su trabajo sobre el libreto de ‘La familia Belier’ en ‘CODA’.
Timothée Chalamet, Zendaya, Jason Momoa, Javier Bardem & Denis Villeneuve at the #Oscars
En la categoría de mejor documental no había nada claro, y finalmente ‘Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)’ se ha terminado llevando el Óscar, llevándose por delante a una ‘Flee’ que se ha ido de vacío a pesar de su triple nominación en las categorías de mejor película de animación, mejor película documental y mejor película internacional. Sin duda, ambas estaban muy bien posicionadas.
ABC cortó momentáneamente la retransmisión y muteo el sonido después de que Will Smith le gritase a Chris Rock «Keep my wife’s name out of your fucking mouth!» después de que el cómico hiciese un chiste sobre el look de Jada Pinkett.
Lupita Nyong’o observa desconcertada la embestida de Will Smith contra Chris Rock, después de la broma de muy mal gusto contra Jada Pinket Smith, esposa de Smith.
Acostumbrados a que el «in memoriam» suela ser sombrío, fue una grata sorpresa ver la aproximación que ha tenido este año. Tremendo obituario con un fantástico número de gospel y con Jamie Lee Curtis promoviendo la adopción de perros en honor a Betty White
Golpes, homenaje a Carmelita Salinas y hasta aparición de Eugenio Derbez…, no sé si este año vimos los Oscar o los premios TVyNovelas.
¡Sorpresón! Billie Eilish se lleva el Óscar a la mejor canción por su magnífico tema ‘No Time to Die’ para la última entrega de la saga de 007 protagonizada por Daniel Craig. Esta es la tercera vez que una película de la franquicia gana el premio a la mejor canción, siendo las dos anteriores ‘Skyfall’ de Adele y ‘Writing’s on the Wall’ de Sam Smith:
Jane Campion cierra una temporada perfecta levantando el Óscar a la mejor dirección por su soberbia labor en ‘El poder del perro’. La directora, que ya estuvo nominada en 1994 por ‘El piano’ —gracias a la que se hizo con el premio al mejor guión—, ha llegado a esta noche con el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del sindicato de directores, entre muchos otros galardones, bajo el brazo.
A la tercera ha ido a la vencida: Will Smith ha ganado el Óscar al mejor actor por su papel en King Richard tras dos nominaciones fallidas por ‘Ali’ y ‘En busca de la felicidad’. La estatuilla dorada ha llegado después de que su rol como Richard Williams le haya servido para hacerse con el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del sindicato de actores. Ojo, que en su discurso de aceptación ha dicho cosas como «el amor nos hace hacer cosas locas» (como partirle la cara a Chris Rock en directo, suponemos).
«Mi vocación es amar a la gente y proteger a la gente. Sé que para hacer lo que hacemos tienes que aguantar abuso y en este negocio tienes que soportar faltas de respeto, tienes que sonreír y fingir que todo está bien».
Will Smith is celebrating and dancing to his own hits at the Vanity Fair #Oscars
Sean Penn prometió derretir sus Óscars si la Academia de Hollywoodno permitía hablar aVolodímir Zelenski. presidente de Ucrania durante la entrega de los premios
Los 50 Años de El Padrino. Homenaje en los Premios Óscar 2022 / 94 Edición. Aunque podían haber dejado la música original de #NinoRota en el montaje inicial, el otro gran momento de la gala #Oscars El homenaje a #ElPadrino#TheGodfather50 con Francis Ford Coppola, Al Pacino y Robert De Niro. Y ese recuerdo a Mario Puzo y Robert Evans
Tras haber fracasado con sus nominaciones en ‘Criadas y señoras’ y en ‘La noche más oscura’, Jessica Chastain se ha llevado el Óscar a la mejor actriz por su papel en ‘Los ojos de Tammy Faye’. La cosa estaba muy reñida y no había predicción fiable, pero sabemos que a la Academia le gustan mucho los papeles que implican transformaciones imposibles y capas de maquillaje.
‘CODA’ ha dado la vuelta a la tortilla de la temporada de premios y se ha terminado haciendo con el Óscar a la mejor película llevándose por delante a ‘El poder del perro’ de Jane Campion, a priori gran favorita de la noche. Con este, la película de Sian Heder cierra una velada perfecta en la que se ha llevado los tres galardones a los que optaba.
La reacción de Nicole Kidman a la bofetada, las protestas de algunos nominados por la entrega de 8 premios fuera de cámara y, claro, la agresión de Will Smith a Chris Rock, que ya es historia: estos han sido los momentos más comentados de los #Oscar
En lo que respecta a la cantidad de estatuillas cosechadas, la ‘Dune’ de Denis Villeneuve ha sido la estrella de la noche, levantando seis galardones más que justificados, principalmente en las categorías técnicas —sonido, montaje, dirección de fotografía y efectos visuales—. Además, la space-opera ha obtenido los Óscar al mejor diseño de producción y a la mejor banda sonora.
Big night for DUNE, winning 6 Oscars! I only wish my father and mother could have been here to be honored on stage at the Academy Awards ceremonies. This is for Frank Herbert and Beverly Herbert, who worked so hard to bring this classic novel to life, and for worldwide Dune fans.
Liza Minnelli, quien actualmente está en silla de ruedas a sus 76 años, fue la responsable de anunciar al ganador en la categoría Mejor película y recibió el apoyo de la cantante Lady Gaga, su más grande fan. Un noble gesto que los cibernautas aplaudieron en redes sociales.
«De la mezquindadad de la Industria del Cine, a la Generosidad Cultural de Internet, a un solo click de distancia»
En Homocinefilus creemos firmemente en la irrestricta difusión de la Cultura Cinematográfica. Creemos también en el discurso efectivo, no en el panfletario, de que las Obras Cinematográficas deben ser conocidas por todo el público, cualesquiera que sea su ideología o condición social.
El mundo de la distribución y la exhibición cinematográficas mundiales, ha cambiado radicalmente. Alguien ha proferido con fortuna la frase: “Internet es el más puro acto de democracia”. Parafraseándola, al ámbito que nos ocupa, el del Séptimo Arte, diremos que “La venturosa aparición de las Plataformas de Streaming, ha brutalmente democratizado la visión de las películas, que antes estaba reservada para la élite, cultural y pudiente”. Por lo tanto, las Plataformas de Streaming, han trastocado la exhibición de cintas, a favor de las clases desposeídas”. Aprovechemos esta metafórica revancha histórica, que nos permite el arrollador avance de Internet, y rompamos las cadenas culturales que aherrojan las conciencias y el avance del conocimiento y el goce productivo del Arte Cinematográfico.
Atendamos, gracias a los recovecos gratuitos de la Red Mundial de Información, a la necesidad de ejecutar otra reivindicación histórica por parte del gran público, marginado de las Obras Cinematográficas de calidad artística, manipulado ideológicamente con películas opuestas y disímbolas a su realidad social y esquilmado con cintas basurosas y ruines, cuyo único objetivo, al ser filmadas, fue, y es, el de enriquecer a los voraces productores, de Hollywood.
Sirva esta justificante teórica, un certero estamento y un honesto manifiesto de principios, para vindicar nuestra propuesta y sincero ofrecimiento de 38 películas, absolutamente todas las Nominadas al Óscar 2022. Por lo tanto, no hicimos esta compilación/recuperación con el afán de cometer un Acto Delincuencial, sino uno Cultural, Reivindicatorio, Democrático y Plural.
El Streaming ha vencido a las injustas, excluyentes, arcaicas y obsoletas formas de distribución. En todo caso, solo compilamos, de los recónditos sitios donde alguien, justiciero o no, legal o ilegalmente, ha encontrado un vacío legal, para ofrecer miles de Obras Cinematográficas.
Todas las películas, si todas, lo cual es un acto insólito del avance incontrovertible y contundente del Streaming por sobre la Salas de Cine, incluidos los Largometrajes Documentales, por primera vez encontrados en Plataformas Gratuitas de Streaming, tienen su correspondiente Ficha Filmográfica, una breve sinopsis, tratando de rescatar la esencia temática e ideológica de los filmes, más que la trama, y el enlace para poder verla de manera gratuita.
La Entrega de la 94 Edición de los Pemios Óscar se llevará al cabo el domingo 27 de Mazo del 2022 el Teatro Dolby de Los Ángeles, California.
Belfast termina como empieza: con planos a color, primero aéreos y luego a ras de suelo, de la urbe epónima en la actualidad. Ahora epicentro revitalizado de Irlanda del Norte y otrora foco de conflictos. Belfast es una ciudad que ha resistido el embate de la historia y la violencia a lo largo del tiempo. Precisamente este año se cumple un centenario del estallido de la guerra civil irlandesa. Nadie podría decirlo, sin embargo, a juzgar por la mirada que arroja Kenneth Branagh en su más reciente esfuerzo como director de cine. Semejante despropósito podría condonarse si detrás de su fachada de inocencia garapiñada no se escondiera un ánimo digno de reprensión que nada tiene con su pretendido mensaje de concordia. Por algún motivo que se nos escapa, el metraje se esmera en extremo en poner al espectador en contexto, un contexto que luego se demuestra totalmente accesorio y circunstancial, así que nosotros no vamos a ser menos: es verano de 1969 en un barrio católico de Belfast, y los prolegómenos del conflicto norirlandés se están fraguando. Los protagonistas son una familia de protestantes que conviven en plácida armonía con sus vecinos, hasta que prenden los disturbios, avivados por los pogromos de la mayoría protestante (generalmente unionista) contra la minoría católica (republicanos irlandeses). La figura central de la película es Buddy (Jude Hill), alter ego del realizador, quien con tan solo nueve años tuvo que abandonar su casa para emigrar a Inglaterra. Branagh se suma así a la manida estela dejada por el Amarcord (1973) de Fellini, consistente en relatos semiautobiográficos que rescatan el punto de inflexión que marcó la infancia de su director. El principal desafío de este ¿género?, recientemente resucitado por Alfonso Cuarón y Paolo Sorrentino, es que el paso de lo particular, fundamentado en un empirismo extraño a todos salvo al que lo ha atravesado en primera persona, a lo universal, cimentado sobre el conjunto de signos y símbolos que conforman el lenguaje cinematográfico, requiere de una gran zancada.
2.- -Nightmare Alley … El Callejón de las Almas Perdidas … Dir. Guillermo Del Toro … Estados Unidos / México / Canadá 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Nightmare Alley es un gusto para aquellos que buscan osadas odiseas en la gran pantalla, para los que reciben con brazos abiertos los excesos, fruto de una obsesión autoral de sus géneros favoritos, sin caer en el mediocre facilismo del homenaje. Con personajes que pagan la entrada por sí mismos y que incluso logra hacer de Bradley Cooper la estrella que su éxito siempre prometió. Es quizá la película dirigida por Guillermo Del Toro que menos pueda alinearse superficialmente con las criaturas con las que tanto se le asocia, pero es también un proyecto que alcanza su mejor versión gracias a la visión única que acompaña cada una de sus producciones. Poniendo el foco no sólo en la estética del circo y el cine muy noir, sino en las temáticas que las hacen un clásico de la ficción norteamericana: las promesas estructurales tan vacías como insaciables que crean monstruos de las pobres almas que se atreven a reclamar lo que creen suyo. Eso, y un Willem Dafoe de bigote delgado y erizado, frente a una carpa intentando convencer a una multitud de que entren a ver como un tipo le arranca la cabeza a una gallina. La cosa es sana y lo que se dice Cine de Calidad.
3.- -The Power of the Dog … El Poder del Perro … Dira. Jane Campion … Reino Unido / Canadá / Australia / Nueva Zelanda 2021 … Doce (12) Nominaciones
El Poder del Perro acaba con una imagen-interrogante: una de aquellas viñetas muy demarcadas en el territorio de lo simbólico, estratégicamente situadas para formular una pregunta que condense bajo un solo signo la marisma de inquietudes que sobre el resto del metraje había ido formándose. En la nueva película de Jane Campion, por lo demás inscrita en los resortes del realismo psicológico, este último plano cae como una losa. Desearíamos que la puesta en escena confiara en la duda que ya crece imparable detrás de cada una de sus viñetas, sin necesidad de dibujar signo de interrogación alguno. Porque en lo último de Campion será tras el lodazal abierto entre lecturas posibles de una misma realidad donde se esconda el músculo verdadero de una película, por lo demás, simplísima. Jane Campion adapta la novela de Thomas Savage, que sigue las andadas de Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un vaquero tan salvaje y despiadado como carismático, un ser radicalmente autónomo a la vez que feroz macho alfa. Pero la puesta en escena, ecuánime y silenciosa como pocas, no ayuda a dilucidar en qué terreno se encuentran las intenciones del vaquero. En la duda, las cabezas bullen, reconfiguran las mil caras de Phil entre su presentación pública y su ser privado: ¿dónde acaba la fachada y empiezan los hogares? ¿Cómo sería la vida de Phil si cambiara muros impenetrables por cristales transparentes, ventanas por donde pudiera entrar aire, luz?.
4.- -Drive My Car …. Doraibu mai kâ … Dir. Ryûsuke Hamaguchi … Japón 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Drive My Car es un modelo para armar. Es tan sólida y tan compleja su estructura narrativa que es muchas películas en una, abordando simultáneamente una gran cantidad de temas, todos de manera fluida. Esta road movie existencial (que también lo es, por supuesto), habla sobre la fascinación por el placer, la capacidad de narrar con o sin palabras, el mantener una fachada, la cronificación del dolor, el pasado que no deja de latir, las respuestas que aparecen sin buscarlas, los secretos largamente guardados, la nostalgia, el remordimiento, la culpa, la expiación, el perdón. Y, sobre todo, esta Obra Maestra deslumbrante se refiere a la incapacidad de ver y comprender realmente a los demás, de la existencia de un punto ciego, pero no tanto en el campo visual, sino en el alma.
5.- -Don’t Look Up …. No miren arriba … Dir. Adam McKay …. EUA 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Hace tiempo que la proximidad entre el mal periodismo y la mala política anuncian un desastroso desenlace. Como el silbido de un tren que está a punto de arrollarnos, esa trivialidad populista que aflora de todas las pantallas, grandes y pequeñas, nos indica que la civilización occidental se ve amenazada por una peligrosa epidemia de mediocridad, acompañada por una permanente distracción colectiva. Adam McKay parece asumir la misma certeza. La evidencia de que ya no es la madurez lo que predomina en la experiencia colectiva, sino una creciente infantilización, cifrada en el estrépito de las redes sociales, el vocerío político, la ignorancia voluntaria, el moralismo excluyente y el retorno a ciertas formas tribales de pensamiento. Aunque McKay desarrolla la historia en términos de comedia disparatada, reconocemos en ella la irreversible decadencia que caracteriza a este siglo XXI. En una década bendecida por los avances tecnológicos y por las mejoras en el bienestar colectivo, despreciamos todo aquello que nos hizo prosperar (la ciencia, la educación exigente, la cooperación…), y en lugar de ver las cosas tal y como son, decidimos idiotizarnos de todas las formas imaginables.
6.- -Licorice Pizza … Parque Mágico … Dir. Paul Thomas Anderson … Canadá / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
Licorice Pizza tiene éxito en reinventar un escenario recurrente en la filmografía de su director, integrando meticulosamente elementos que caracterizaron la época de los setenta. Uno de los grandes logros de la película es justamente dejar que escenas casi completas transcurran bajo la musicalización de clásicos de David Bowie y The Doors, entre otros artistas, sin llegar a ahogarse en un componente nostálgico. Este riesgo se evita al transmitir esta historia como un relato personal, que tiene su centro en una relación casi platónica que, pese a todas las dificultades que enfrenta, podría funcionar en este mundo.
7.- -Dune Part One … Duna … Dir. Denis Villeneuve … EUA / Canadá 2021 … Diez (10) Nominaciones
Pocas obras han generado tantos amores como odios, a partes iguales, como la adaptación que sobre la monumental novela de Frank Herbert se había intentado antes. El cine seguía teniendo una cuenta pendiente con Frank Herbert y el Dune definitivo estaba destinado a ser realizado por Denis Villeneuve, un autor que había demostrado un excepcional dominio de la ciencia ficción en dos propuestas tan interesantes como La llegada (2016), uno de los filmes que mejor han plasmado el posible encuentro entre humanos y una civilización extraterrestre y, sobre todo, la fascinante Blade Runner 2049 (2017), uno de los proyectos más arriesgados de los últimos tiempos, al ser la secuela de uno de los títulos míticos del género, el venerado Blade Runner (1982) de Ridley Scott. Con semejantes antecedentes, pocas dudas cabían sobre si estaríamos ante el tipo adecuado para resucitar la mitología de Arrakis en todo el esplendor que merecía. Blade Runner 2049 no terminó de ser el éxito comercial que sus productores esperaban, pero las críticas fueron tan entusiastas que el prestigio de Villeneuve fue suficiente para que se le confiara un presupuesto de 165 millones de dólares para que tuviese toda la libertad creativa necesaria para acometer un proyecto aún más suicida que el de la secuela sobre los replicantes de Philip K. Dick, el de guardar toda la fidelidad posible a la novela de 1965 y, al mismo tiempo, hacerla accesible a ese público que no conectó demasiado con la excéntrica visión de David Lynch. En realidad, Duna logra abrazar un lirismo y una poesía en numerosos pasajes, solo al alcance de los grandes creadores de imágenes, sin, por ello, dejar de lado la enorme carga épica de una historia que, bajo su abigarrada estructura cercana a la tragedia shakesperiana, no esconde más que la enésima lucha del Bien contra el Mal. Villeneuve aún no ha concluido su misión. Aún le queda la segunda mitad para corroborar que nos encontramos ante una obra maestra indiscutible de la ciencia ficción.
8.- -King Richard … Rey Richard: Una familia ganadora … Dir. Reinaldo Marcus Green … EUA 2021 … Seis (6) Nominaciones
La vida de un deportista de élite es dura. Cabe pensar que la fama y la fortuna compensan con creces el esfuerzo y el sacrificio, pero este muchas veces se extiende a una infancia sin inocencia y a una vejez sin perspectiva. Para alcanzar el nivel exigido en la alta competición, los deportistas empiezan cada vez más pronto su entrenamiento, le dedican cada vez más horas, y los que renuncian a una educación superior no son la excepción, sino la regla. Muchos se quedan por el camino, sin alcanzar el éxito deseado y con una trayectoria truncada, pues reconducir el futuro profesional se antoja entonces muy complicado. E incluso cuando han llegado a la cima, la mayoría veinteañeros, es comprensible que no aguanten la presión, y se derrumben demasiado pronto. Pero centrándonos en los pasos anteriores, que son los que siempre explican el devenir de los acontecimientos, el problema surge cuando ese nivel de exigencia a menudo no va acompañado de una correcta preparación psicológica, o más ampliamente de una manera de ver las cosas que, aun manteniendo el objetivo en lo más alto, le quite hierro, por así decir, sin olvidar que, por mucha gente que se dedique a esto y mucho dinero que mueva, sigue siendo un juego. Así lo planteó el padre y primer entrenador de las hermanas Williams, Richard Williams, o al menos así se nos presenta en este biopic suyo, que lo eleva a la categoría de rey (de ahí el título original). Como toda biografía llevada a la gran pantalla, no pretende ser un retrato fiel de la realidad, sino como mucho un resumen con elementos de ficción. Pero la subjetividad de la narración en este caso predomina especialmente sobre su objetividad, teniendo en cuenta que la película cuenta con el beneplácito del sujeto en cuestión (además de tener como productoras ejecutivas a las dos hermanas), alguien que, en efecto, logró lo que se propuso, pero con muchos más obstáculos y muchas más partes oscuras de lo que aquí se nos cuenta. Una vez conocida la premisa, así como su propia evolución para cualquiera que haya oído hablar de las célebres tenistas, estamos ante una historia previsible aunque, sin duda, entretenida, que se ajusta plenamente al producto de la industria hollywoodense que busca ya no solo el beneplácito de sus propios personajes en la vida real, sino de todo espectador que pague por verla.
9.- -West Side Story … Amor sin Barreras … Dir. Steven Spielberg … EUA 2021 … Siete (7) Nominaciones
Una vez terminada la visión de West Side Story (2021), resulta inevitable retroceder a los orígenes revolucionarios de la obra original estrenada en los escenarios del Winter Garden de Nueva York en 1957. Tanto el musical homónimo de Broadway, como su primera adaptación al cine en 1961, supusieron sendos puntos de inflexión en el histórico de los musicales, en su manera de asumir la tragedia por encima de los grandes espectáculos optimistas y desenfadados del momento. La adaptación original de Arthur Laurents, basada en el legendario Romeo y Julieta de Shakespeare, manejaba con perspicacia temas relativos a los asuntos raciales y la inmigración en Estados Unidos. La versión contemporánea que nos ofrece Spielberg llega en el momento adecuado, no solo de unos tiempos audiovisuales consecuentes, incluso obsesionados, con la melancolía del cine del pasado, sino en el justo lugar de un autor consumido por la tragedia de unas imágenes irremediablemente fugaces, intangibles, sumidas en la desesperanza. Sin duda estamos ante un elaborado ejercicio de memoria e identidad fílmica, algo a lo que el director nos tiene acostumbrados. El hacedor de sueños ha vuelto a conseguirlo, West Side Story es un obsequio que pronto será reliquia del pasado, objeto de estudio, un relato agridulce, fundacional, quintaesencia y ambrosía de un cine elevado a la enésima potencia. De aquí a la eternidad.
10.- -Coda … Coda, Señales del Corazón … Dir. Sian Heder … EUA / Francia / Canadá 2021 … Tres (3) Nominaciones
Coda: Los sonidos del silencio, como también se llama, es un largometraje con un valor realmente extraordinario en cuanto a representación de la comunidad sorda se refiere, pero atrapado en una maraña narrativa y conceptual mucho más preocupada por hacer llorar y emocionar a toda costa que por dar forma a un relato veraz, orgánico y, lo que es más importante, con un cupo mínimo de sorpresas que rompan su decepcionante rutina. Con Coda nos encontramos ante uno de esos casos en los que la nominación al Óscar a la mejor película parece caída del cielo, justificada más por cuestiones de fondo o trascendencia que por motivos estrictamente cinematográficos. Por supuesto, no hay que quitar mérito al hecho de que se haya convertido en la adquisición más cara de la historia del Festival de Sundance siendo un remake de la exitosa La familia Bélier (Éric Lartigau / 2014); pero este hito queda enterrado por la tremenda y apática previsibilidad que encierran sus fugaces 110 minutos de metraje.
CATEGORÍA MEJOR ACTRÍZ:
11.- -Nicole Kidman, Being the Ricardos … Todo sobre los Ricardo … Dir. Aaron Sorkin … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones Link para ver la película: https://cuevana3.io/52652/being-the-ricardos
Hasta hace poco, Aaron Sorkin era una de las últimas superestrellas del guion cinematográfico que había resistido la tentación omnipotente de dirigir sus propios guiones. Tampoco extrañaba demasiado siendo que sus guiones tienen tal potencia verbosa que cualquier intento de dirigirlos (bien o mal) requerían saber entregarle el volante narrativo a sus diálogos, al menos en mayor medida que a un guion más corriente. No es entonces una sorpresa ver que su más reciente obsesión sea la conexión de uno de los momentos más turbulentos de política interna estadounidense, y su huella casi catastrófica en la vida de una de las figuras más emblemáticas de la televisión. A principios de la década de los ’50, I Love Lucy era el programa de TV más exitoso. Un verdadero hito cultural que transformó a su protagonista Lucille Ball en una de las mujeres más queridas de los Estados Unidos. La relativa tranquilidad del éxito iba a ser interrumpida cuando empezara a sonar como noticia una supuesta afiliación de Ball al partido comunista, garantizándole una condena social por el pecado de tal subversión política. Being the Ricardos mezcla el presente con el pasado y un poco más pasado todavía para retratar lo ocurrido durante la producción del programa la semana en que esas noticias salieron a la luz. Being the Ricardos es bastante disfrutable en todo momento. Con buenas actuaciones mejoradas por una gran labor a la hora de armar su elenco, y un guion firmado por una de las voces más personales de la industria. Irónicamente, el empezar a tener más poder creativo desde la dirección pudo haber tenido un impacto positivo en los guiones de Sorkin, que se siente mucho menos como una catarata de diálogo como solían ser los proyectos más clásicos de su estilo tan particular.
12.- -Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye …. Los Ojos de Tammy Faye … Dir. Michael Showalter … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones …
The Eyes of Tammy Faye (2021) es una biopic sobre el ascenso y la caída de la predicadora evangelista del título. Se presenta casi como una víctima a una mujer que vivió dentro del lucrativo y fraudulento mundo del comercio de la fe. La película termina perdiéndose en su propia cosmética del género. Encerrada en su intelectualismo moral, ese que nos dice que la virtud radica en el saber actual y desdeña el conocimiento pasado, redunda en una forma de ver al Otro, una América de espiritualidad añeja y tremendamente compleja, con una superioridad presentista sumamente ingenua. Solo Jessica Chastain es capaz de conferir a la película cierto aura de cine de actor y una determinada ambigüedad que su personaje exigía. Hay puro sofismo de la imagen escondido en todo el cine norteamericano actual, pero no una filosofía audiovisual que mane de una confianza en remirar lo antiguo con el poder de una razón renovada. Es el gran problema de entender el cine como un proceso sincrónico que solo se mueve en presente en lugar de como un proceso diacrónico capaz de mirar la evolución de su propia historia.
13.- -Olivia Colman, The Lost Daughter …. La Hija Obscura … Dira. Maggie Gyllenhaal …
Grecia / GB / Israel / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
“Soy una madre antinatural”: con esta rotunda afirmación, se define a sí misma Leda (Olivia Colman), al confesarle a Nina (Dakota Johnson) la secreta culpa que carga sobre sus espaldas; y, sin duda, parece que el idílico entorno mediterráneo escogido por la primera para veranear y ultimar un ensayo le da la razón, pues continuamente está siento agredida por él: la fruta que se le pudre en la mano, el enorme insecto que le defeca en la almohada, la piña que la hiere en el hombro al caer violentamente del pino… Pero ¿es ello realmente muestra de que el cosmos la rechaza, como ente ajeno a él, o bien se trata de un recordatorio de que la (mal) llamada “madre naturaleza” en verdad tiene pocas de las características que nuestra cultura le ha atribuido tradicionalmente a lo materno? Con La hija oscura (2021), la actriz Maggie Gyllenhaal hace doblete como directora y guionista en su excelente debut tras las cámaras, y nos ofrece una inmejorable adaptación de la novela homónima de Elena Ferrante, al mantener incólume el nada complaciente mensaje de fondo del texto original, pero haciendo hincapié en su envoltorio de thriller psicológico, lo que simultáneamente dota al relato de desasosiego y de dinamismo. Este rebozado genérico le permite, además, exponer ante una audiencia amplia, sin medidas paliativas, un auténtico tratado sobre los claroscuros de la maternidad.
14.- -Kristen Stewart, Spencer … Dir. Pablo Larraín … GB / Alemania / EUA / Chile 2021 … Una (1) Nominación
Pablo Larraín demuestra su músculo como sólido narrador audiovisual, aunque al final de la cinta se pierda un poco en el automatismo. Quizás entonces el mayor logro de su puesta en escena se encuentre en Kristen Stewart, la aliada perfecta. De buenas a primeras, el acento británico forzado, un peinado rubio despampanante y un armario acorde a la época trasladan su registro actoral a aquella presencia amanerada propia de la llamada escuela de la imitación, tan de moda en biopics colectagalardones. En efecto, Stewart imita, en su interpretación lleva al extremo la gestualidad del personaje, que resulta incluso exagerada, manierista. Para empezar, Larraín procura bañar siempre a su personaje de una luz potente y directa, desgajándola del mundo que habita y poniéndola debajo del foco público de forma bastante literal (quien haya subido alguna vez a un escenario sabrá cómo se siente estar bañado por focos de luz ante la oscuridad absoluta). Miedo escénico vuelto al revés, giro foucaultiano al canto, parecería que el público a oscuras siempre está ahí, observándola. Luego está, claro, la rigidez en el acting de todo el resto del elenco, de una lentitud casi marciana… ¿Cómo no va a parecer histriónica la forma de moverse de una persona normal en un mundo regido por la extremísima pulcritud y decoro?
15.- -Penélope Cruz, Madres Paralelas … Dir. Pedro Almodóvar … España 2021 … Dos (2) Nominaciones
Madres Paralelas: el sainete psico-dramático de Almodóvar llegó a Netflix tras irse con las manos vacías en los Goya 2022. La que llegaba como una de las grandes favoritas de la noche del cine español se fue de vacío, pero eso no impidió que la llegada a Netflix de la más reciente película de Pedro Almodóvar, Madres paralelas sea poco menos que un acontecimiento. Forzada en sus reivindicaciones, autoparódica de manera no demasiado voluntaria, sexualmente robotizada y teledirigida y con una extraña intensidad para la historia que está contando, Madres Paralelas se sitúa entre las obras menos afortunadas del laureado e histórico cineasta manchego. Al menos el director sabe dónde deben terminar todos los personajes de este sainete psicodramático cuando, en su tramo final, decide colocar a los participantes (no a todos, aunque eso habría sido mágico) en el lugar que merecen.
CATEGORÍA MEJOR ACTOR:
16.- -Andrew Garfield, tick, tick… BOOM! … Dir. Lin-Manuel Miranda … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones
Lin-Manuel Miranda logra una puesta en escena genuinamente cinematográfica del musical de cámara de Jonathan Larson, un retrato conmovedor de un joven artista en crisis porque siente que se le termina el tiempo para convertirse en un autor profesional, con una interpretación actoral y musical descollante de Andrew Garfield y algunas escenas musicales ciertamente notables. La historia se enfoca básicamente en los preparativos para un taller en el que Jon, un autor de comedias musicales, quiere presentar su musical retrofuturista llamado Superbia, mientras transita una crisis personal y creativa. La ópera prima de Lin-Manuel Miranda está basada en el musical semiautobiográfico homónimo de Jonathan Larson, quien alcanzaría su consagración póstuma con su musical Rent. Con la estructura del musical original como armazón, una suerte de stand up musical, la película expande a partir de ella sus flashbacks al lenguaje cinematográfico, con locaciones interiores y exteriores y una puesta en escena que abandonan la impronta teatral. Concedámosle reconocimiento y admiración por el tour de force que lleva adelante Andrew Garfield en el papel de Jon, quien construye un personaje entrañable, carismático, perseverante y pletórico de energía, pero también de dudas y frustraciones, por momentos desesperado, desplegando múltiples recursos para lucir al mismo tiempo coherente y diverso durante toda la película. A todo esto, se suman sus sorprendentes y deslumbrantes aptitudes vocales.
17.- -Denzel Washington, The Tragedy of Macbeth … La tragedia de Macbeth … Dir. Joel Coen … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
La influencia de William Shakespeare, y en particular de Macbeth, siempre ha estado presente en la filmografía de los Hermanos Coen. En películas como Fargo y No Country for Old Men, tenemos a personajes con una vida funcional, tomando ciertas oportunidades del destino para intentar mejorar su predicamento, eventualmente metiéndose a un lodazal del cual es complicado salir. Son personajes que actúan por avaricia o venganza que terminan encarando las consecuencias de sus acciones. Los planes nunca salen bien y la tragedia termina apoderándose de la narrativa. Al dirigir La tragedia de Macbeth, pareciera que Joel Coen (en su primera dirección separado de su hermano Ethan) nos invita a ponderar sobre su trabajo previo. No está reinventando Macbeth o dando giros a su historia; presenta la obra clásica a través de un enfoque minimalista con ayuda de magníficas actuaciones y geniales florituras. A pesar de todas sus virtudes, Joel Coen tiene problemas justificando la existencia de La tragedia de Macbeth, en particular después de la brillante Macbeth de Justin Kurzel en 2015. La que nos ocupa, es un producto entretenido que goza de excelentes actuaciones y secuencias memorables, pero también es emocionalmente distante, la relación entre Denzel Washington y Frances McDormand no se siente auténtica y no hay gran innovación con respecto a la prosa de Shakespeare. Es cuando Coen nos regala creativas representaciones que esta adaptación cobra vida: los tres cuervos adquiriendo una forma humana, el caldero burbujeante, la intimidad en la escena del asesinato del rey y las coreografías vistas en el tercer acto. Estos elementos, con énfasis en la actuación de Kathryn Hunter, diferencian a La tragedia de Macbeth y la alejan de ser tan solo un capricho innecesario.
CATEGORÍA MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO:
18.- -Cruella … Dir. Craig Gillespie … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones
Una precuela sobre la vida de la joven Cruella de Vil. El revisionismo de Disney contra Disney es una de las ideas más insólitas de la historia del cine. Sumergidos en la corrección política, la generación woke, ese grupo muy consciente de los problemas del mundo y que vive pendiente de lo que otros hacen mal para poder aleccionarlos, y la venganza contra su propio patrimonio, Disney realiza en Cruella la más absurda y cruel destrucción de su propio patrimonio. 101 dálmatas, uno de los clásicos más queridos del estudio ya había sufrido desviaciones en su versión con actores, pero acá el disparate alcanza límites inimaginables. Pero en todo caso ese es solo el comienzo de las calamidades. La película se olvida del público infantil y hace una larga y tediosa narración sobre moda para un público adulto pero aniñado, dejando a la historia en un híbrido que no sirve a ningún público. Da vergüenza ajena que un filme tan fallido, se dé el lujo de creerse brillante al jugar el juego de la competencia entre diseñadoras. Un reality de televisión con una banda de sonido cara pero forzada. Nos intentan convencer qué una de las más memorables villanas de Disney era en realidad una pobre chica sufrida y menospreciada por la clase alta, traumada por la muerte de su madre a manos de tres dálmatas. ¡Dálmatas! Y ahora ella vuelve en formato punk, burlándose de la vieja escuela al mismo tiempo que busca venganza contra la culpable de la muerte de su madre. Una ecuación al estilo Guasón (2019) pero sin absolutamente nada de coherencia. Por supuesto que hay vueltas de tuerca, al menos dos. Era obvio que el guion no iba a avanzar en su estigmatización de los dálmatas, porque a Cruella no le queda finalmente ni el odio por los perros. La película se inclina hacia explicaciones psicoanalíticas, burdas, subrayadas a niveles que, si las contáramos aquí, el lector no podría creerlo. Más de dos horas de un espectáculo de moda y no una película. Y un remate que busca aclarar de un plumazo la diferencia entre esta historia y lo que luego se convertirá en el clásico de Disney. Que alguien le impida a Disney, de manera urgente, refritearse su propio catálogo, porque lo está destruyendo.
19.- -Cyrano … Dir. Joe Wright … GB / EUA / Canadá 2021 … Una (1) Nominación
Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) fue un poeta, libertino, dramaturgo, duelista fanático, novelista, filósofo, gran precursor de la ciencia ficción, satirista, militar, epistológrafo y veterano de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648) que inspiró una famosísima obra de teatro, escrita en versos a lo melodrama lírico muy ficcionalizado, de Edmond Eugène Alexis Rostand, Cyrano de Bergerac (1897), la cual con el tiempo fue adaptada en numerosas oportunidades a la gran pantalla. Cyrano de Bergerac (1990), el prodigioso filme de Jean-Paul Rappeneau, con Gérard Depardieu como el protagonista, sin lugar a dudas, la mejor de todas las adaptaciones. El opus de Joe Wright se basa en Cyrano (2018), musical teatral de Erica Schmidt, en esta ocasión también firmando el guión, que retomó aquel trabajo de Rostand respetando a rajatabla la historia y sustituyendo la archiconocida nariz puntiaguda del poeta por un simple caso de enanismo. Aquel sustrato político anarquista y antimonárquico aquí prácticamente desapareció, como corresponde a toda versión destinada al pueril mercado anglosajón. En general la dupla protagónica mantiene a flote a una película que sin ser un bodrio tampoco es atractiva o puede justificar su existencia por fuera de la serie de obras superiores que la precedieron.
CATEGORÍA MEJOR EDICIÓN DE SONIDO:
20.- -No Time To Die … Sin Tiempo para Morir … Dir. Cary Joji Fukunaga … GB / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
No sabemos qué fue del James Bond de Sean Connery, ni del de George Lazenby, ni del de Roger Moore, ni del de Timothy Dalton, ni del de Pierce Brosnan. Con ellos, la saga del agente 007 se mantuvo fiel a una idea presente ya en las novelitas seminales de Ian Fleming, la de rodear al personaje de un halo misterioso en lo concerniente a sus orígenes y su final. Buena parte del encanto de Bond durante décadas fue precisamente ese, la nubosidad de una figura que con el tiempo se reencarnaba de un modo natural en distintos cuerpos. Si 007 es solo un número, como repiten de manera insistente en Sin tiempo para morir (No Time to Die, Cary Joji Fukunaga, 2021), era lógico y razonable que cada generación de espectadores tuviera su propio Bond. El ciclo protagonizado por Daniel Craig, que tantas y tan buenas cosas ha aportado a la franquicia, tiene sin embargo, el dudoso mérito de haber traicionado ese concepto. Desde la potente Casino Royale (Martin Campbell, 2006) hasta esta floja última entrega, las mentes creativas de la saga se han dedicado a desmontar el mito de la peor forma posible, arrojando luz sobre las sombras. Sin tiempo para morir afirma con ahínco que el objetivo de vivir es dejar un legado (léase familia y amigos). Esta tesis convierte la película en un producto que encaja mal unos cambios en los que no cree, y, lo peor de todo, en la película que habría hecho Disney si fuera la titular de los derechos
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA ANIMADA:
21.- -Encanto … Dires. Jared Bush, Byron Howard, Charise Castro Smith … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
La nueva película de Disney funciona precisamente como una revisión antológica de todo lo que Disney ha presentado hasta la fecha en cuestión de princesas, desde la mujer sometida al mandato del matrimonio en nombre del amor verdadero, hasta la fortachona insensible. Al mismo tiempo, es una anticipación y una advertencia: allí están todos los modelos femeninos y no hay, ni habrá, más para ofrecer. Los personajes masculinos de Disney no han hecho sino servir para el ridículo. No hay casi nada interesante en ellos. Tampoco en los integrantes de la familia Madrigal, quienes están allí nada más para que nos burlemos de ellos, de su locura, de su inmadurez y de su debilidad. En Encanto el princesismo no está revestido de castillos neomedievales, sino que aparece disfrazado de folclor latino, específicamente colombiano, en consonancia con el ánimo multicultural que ha caracterizado a la dupla Disney-Pixar durante la última década. Pero el “síndrome del turista” que ha sido capaz de convertir el inframundo en un vistoso paseo familiar, aquí se radicaliza al punto de que la casa misma de las Madrigal es representada como un parque de diversiones al que el resto del pueblo acude continuamente para entretenerse. El triunfo de la cotidianidad como espectáculo. La magia en el realismo mágico anida en el centro de la cotidianidad, no la desestabiliza, no la quebranta, sino que echa en la realidad misma sus raíces, crece con ella. Mucho menos, en el realismo mágico, la magia es un espectáculo para el resto de la gente. En Encanto, sin embargo, más allá de algunos referentes obvios a Cien años de soledad (las mariposas, la destrucción de la casa, el protagonismo de un linaje familiar) la magia es posible gracias a la presencia de un objeto, tal y como ocurre en La bella y la bestia (en ese caso, una rosa cuyos pétalos expresan el poder y la vigencia del hechizo) y su colombianización se limita a anclarla a un contexto de personajes con morrales en poblados rurales y bailes de vallenato. La inmediata alusión al realismo mágico para describir Encanto es una consecuencia más del astigmatismo cultural de la mirada extrajera que aplana las diferencias culturales en fórmulas unívocas, simplonas, pero fácilmente capitalizables. México = día de muertos. Colombia = realismo mágico.
22.- -Luca … Dir. Enrico Casarosa … EUA 2021 … Una (1) Nominación
El técnico italiano Enrico Casarosa, creativo de la compañía Disney conocido por haber dirigido el cortometraje nominado al Óscar La luna (2011), debuta en la dirección de largometrajes con esta película de animación, de Pixar-Disney. Inspirada en los veranos de infancia de su director, y siguiendo con el interés por espacios marítimos que ya podíamos intuir en su cortometraje debut, la película se ambienta en el pueblo costero ficticio de Portorosso y nos relata el viaje de Luca, una temerosa criatura marina que descubre, gracias a su temerario amigo Alberto, la posibilidad de transformarse en humano al salir a la superficie. En Luca se logra construir un reconfortante y dulce relato con la amplitud necesaria para dar rienda suelta a la imaginación y la fantasía de sus protagonistas, quienes crean un verdadero reino en las cálidas costas de la Riviera Italiana, donde se rigen según sus propias reglas y deseos. Y ahí radica el punto de belleza en esta obra, en que no menosprecia la visión infantil del mundo, sino que le otorga la profundidad e importancia que merece. Puede que Luca no presente en su esencia una trama inédita e innovadora, pero sí alcanza el éxito con tintes revolucionarios, sobre todo pensando en sus orígenes desde Pixar, al regalarnos esta delicada y sensible amistad. A mitad del relato ya hemos superado nuestras dudas iniciales y hemos sido presos de sus encantos, pudiendo reconocer que los enfoques que nos entrega son pertinentes a nuestro contexto actual, donde por fin estamos siendo conscientes de nuestras diferencias y abriendo paso a la inclusión.
23.- -Flee … Flugt … Dir. Jonas Poher Rasmussen … Dinamarca / Suecia / Noruega / Francia / EUA / España / Italia / GB 2021 … Tres (3) Nominaciones
Flee, que significa en español huir o escapar, es una historia humanista, pero también arquetípica, donde hay que rellenar el contenido ausente o elíptico mediante datos derivados de la visión que en general se tiene de la crisis de Afganistán, relleno al que por lo demás contribuyen las imágenes de archivo, que casan con sorprendente fluidez con la animación. Flee funciona efectivamente a modo de confesión, o de recuerdo, gracias a la entrevista del joven afgano por su amigo director. La narración se estructura entonces mediante flashbacks, que se remontan a su infancia en Afganistán, pasando luego por su larga y penosa estancia en Rusia, antes de recalar en Dinamarca. No hay un claro orden cronológico, sino que las imágenes se van sucediendo siguiendo la memoria del protagonista, al que lógicamente le cuesta abrirse, aun en confianza con su amigo. Y aquí cobra todo su significado la principal y novedosa apuesta de esta película, que es presentarlo todo en animación, a veces dibujada y otras veces mediante rotoscopia. De hecho, los trazos en ocasiones alcanzan un mayor nivel de abstracción, son dibujos apenas delineados, con formas que se confunden y colores que desaparecen, y estos son los momentos en que la historia se detiene en los episodios más traumáticos. La entrevista presente y los flashbacks más extendidos siguen en cambio una animación más nítida, tranquila, de formas simples y estilo pausado, que cumple entonces dos propósitos. Por un lado, facilita el acceso del espectador a una narración, como se ha dicho, a priori de difícil asimilación por la dureza de la historia, por lo que contarla mediante la animación en lugar de la imagen real permite reducir parte de su crudeza y darle un tono más suave. Por otro lado, es una estrategia que favorece el anonimato del protagonista, al que nunca se identifica realmente, sino que aparece con otro nombre, y así, ante la dificultad de lo que nos narra, le otorga un marco idóneo para viajar en su memoria sin revelarse del todo ni padecer expresamente el peso de la realidad. En este sentido, la calificación de Flee como película tanto de animación como documental es peculiar. Aunque la animación cede ocasionalmente ante imágenes de archivo de la época, que ayudan a situar una narración donde como decíamos las coordenadas espaciotemporales se tienden a difuminar, los elementos que tendemos a asociar a un documental en general están ausentes.
24.- -The Mitchells vs. the Machines … La familia Mitchell vs. las máquinas … Dires. Michael Riandav y Jeff Rowe … EUA / Hong Kong 2021 … Una (1) Nominación
Los Mitchell contra las máquinas es una excelente y muy divertida película de animación con personalidad propia y un brillante desarrollo. Tanto los Mitchell como el resto de personajes tienen su papel bien definido y es imposible no tomarles cariño. Su animación es espectacular, muy expresiva e intensa, lo que resulta realmente atractivo y muy agradable de ver. Mantiene ese ambiente de locura y diversión en todo momento, combinando la sátira y la parodia con una abierta crítica sobre la sociedad actual. No pretenden promover un típico discurso pesado y obvio, sino introducir las nuevas tecnologías como algo de lo que poder aprovechar su potencial, pero sin dejar que su uso obsesivo nos perjudique. Es emotiva, es fresca, es original. Es un filme que de seguro disfrutarán tanto niños como adultos. Una de esas historias con la que lo estás pasando tan bien, que no quieres que termine.
25.- -Raya and the Last Dragon …. Raya y el último dragón … Dires. Don Hall, Carlos López Estrada y John Ripa … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Raya y el último dragón es una historia de aprendizaje, donde se ha apostado por el camino vital y la reflexión de sus protagonistas. De esta manera, se aleja del maniqueísmo, para mostrar una madurez en sus personajes y ofrecer una historia con un mensaje tan potente como la propia humanización de la sociedad. Asimismo, no ha descuidado los detalles más familiares y ligeros, para obtener un relato equilibrado. También hay que destacar la gran elección de traer una cinta feminista, pero desde un prisma natural y nada forzado. La elección de los diseños, ambientados en la cultura oriental, y el cuidado de los elementos estéticos, hacen que el espectador se sumerja sin problemas en el filme. Además, han conseguido diferenciarla de otras producciones de la misma índole. La confianza perdida se restaura en una aventura llena de carácter, fuerza y humanidad colorida. Raya y el último dragón ofrece tres versiones distintas de la feminidad, en vez de entregar las simplificaciones de siempre de Disney en lo que atañe a varones tarados, aunque con vocación de héroes y hembras que van de princesas edulcoradas e histéricas, panorama que deriva en una Raya pragmática, una Namaari ultra arpía traicionera y una Sisudatu idealista y bienintencionada volcada a los roles de comic relief y sabia que señala el camino de reconciliación entre todos los idiotas de las tribus. La animación y las secuencias de acción son espectaculares e hiper realistas.
CATEGORÍA MEJOR CANCIÓN ORIGINAL:
26.- -Somehow You Do, de Four Good Days …4 Días … Dir. Rodrigo García … EUA / Canadá 2020 … Una (1Nominación
Diez años de consumo de heroína han dejado en ruinas la vida de Molly (Mila Kunis). Una nueva medicina podría ayudarla a comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb (Glenn Close), una mujer de ideas férreas. Rodrigo García, hijo del Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, debuta en la dirección con Four Good Days, cuyo guion se basa en el artículo de Eli Saslow «How’s Amanda? A Story Of Truth, Lies And An American Addiction», publicado en 2016 por el Washington Post. 4 días (Four Good Days) es un drama sensible, físico y, sobre todo, contemporáneo. La crisis de opioides recorre Estados Unidos, afectando en especial a los jóvenes. La película quizás no destaque por su guion o resolución, pero sí por la interpretación de Glenn Close y Mila Kunis, que interpretan a madre e hija de manera emotiva y generosa. Los pocos aciertos que hay en Four good days son prontamente dilapidados por una película que no muestra mayor ingenio para presentar un drama humano duro que, a pesar de la gravedad de las situaciones que narra, no consigue ni un mínimo poder emotivo. El contexto de la epidemia de consumo de heroína y opiáceos en Estados Unidos está decentemente construido, así como la primera secuencia, en la que una hija ruega para que su madre la ayude.
CATEGORÍA MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL:
27.- –Ascension … Ascensión … Dira. Jessica Kingdon … EUA 2021 … Una (1) Nominación …
No hay cabezas parlantes, ni reflexiones para guiar al público por su narrativa, haciendo que no sea tanto cinema vérité como un estilo de cine directo. Es un enfoque efectivo. Con confianza, Jessica Kingdon permite que las imágenes cuenten una historia fascinante y universal de desigualdad y división de clases. Ascensión es una colección de imágenes impresionantes y viñetas reveladoras que sitúan a China como algo alienado, pero a la vez como un territorio cultural e industrial completamente universal. Un documental poco convincente pero hipnótico. Tan interesante como alarmante, el documental se desarrolla con un flujo de conciencia sobre la ilusión del ‘sueño chino’. Se trata de una película fascinante sobre China que tiene cosas universales que decir sobre la desigualdad y las aspiraciones en cualquier lugar: como venden un sueño que está fuera del alcance de la mayoría. Muchas escenas tienen una calidad hechizante, ayudadas por la banda sonora discretamente vibrante de Dan Deacon. Todo lo que usamos cada día es el producto del trabajo de alguien. Ascensión explora esto con curiosidad, franqueza y ojo crítico. Ascensión se adentra a menudo en lo surrealista, lo que aumenta el suspense gracias a la cámara estática y las largas tomas de Kingdon. Lo que también fascina en Ascensión es la ejecución del previsible discurso: estamos ante un impasible documental sin voz en off, sin carteles explicativos, sin cabezas parlantes que contextualicen lo que vemos.
28.- -Attica … Dires. Traci Curry y Stanley Nelson … EUA 2021 … Una (1) Nominación
El documental plantea una inmersión desconcertantemente, en el levantamiento de 1971 y arroja nueva luz sobre la violencia y el racismo perdurables del sistema penitenciario de Estados Unidos, y destaca la necesidad urgente y continua de una reforma penitenciaria, 50 años después de los trágicos hechos. Por lo tanto, este es un documental crudo y visceral que relaciona nuestro presente con la terrible masacre de 43 personas en el motín de la cárcel de Attica, Nueva York, entre el 9 y 13 de septiembre de 1971. Ahora nadie recuerda cómo la policía irrumpió en la cárcel cuando se rompieron las negociaciones. Nadie recuerda que, ese día, masacraron a balazos a más de 40 personas, incluyendo a 10 guardias de prisión. Nadie recuerda que todo esto ocurrió por profundos problemas de racismo en una sociedad altamente punitivista. Pero, sobre todo, nadie recuerda qué era lo que reclamaban los presos, cuáles eran sus nombres, y cuál fue su historia. Ese es el meollo del nuevo documental de Stanley Nelson. Como una continuación de su inagotable representación de la cultura afroamericana y la opresión racial en Estados Unidos, el tres veces ganador del Emmy logra una obra de singular fuerza. De nuevo, Nelson no experimenta con la forma y no trata de innovar las posibilidades de un documental televisivo. En vez de eso, enfoca su energía en tomar una postura política conducente y mostrar, a través de un trabajo fenomenal de entrevistas y montaje de archivo, las razones humanas detrás de la más grande tragedia carcelaria en la historia de Estados Unidos.
29.- -Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised) … Dir. Questlove … EUA 2021 … Una (1) Nominación …
Este documental increíble, remite a Woodstock de forma muy directa, porque precisamente ocurrió en la misma época, fecha y estado en que el famoso festival se llevó a cabo, pero éste otro festival sucedió en el barrio de Harlem, en donde en el año de 1969 (un año antes había sido asesinado Martin Luther King) se realizó el legendario Harlem Cultural Festival, que reunió a varios de los más grandes artistas afroamericanos de la época. Desde el Soul, el Funk, el Góspel, el Blues, el Rhythm and Blues, hasta la música tribal afroamericana y también la representación de la música latina, que evidenció los lazos de los afroamericanos con los latinos en esa época. Y la nómina de los artistas no tuvo nada que envidiar a Woodstock: Mahalia Jackson, David Ruffin, The 5th Dimension, Mavis Staples, Jesse Jackson, The Chambers, Gladys Knight, el joven Stevie Wonder y la imponente presencia y actuación de Nina Simone, entre otros, mientras también hubo presencia para el humor, con Moms Mabley, y la presencia latina con Ray Barretto y Mongo Santamaría. En el documental hay apartes donde Lin-Manuel Miranda explica la presencia de los latinos en el festival y algunos de los mismos artistas también brindan su testimonio. Resulta increíble que con la época y el calibre de los artistas este material haya pasado tan desapercibido, o simplemente oculto en la historia de la cultura popular, que siempre resalta el papel de Woodstock en la revolución cultural y la unidad. El productor, músico y cineasta (también el baterista del programa de Jimmy Fallon), Questlove, edita las 50 horas de grabación de este increíble evento y lo presenta por primera vez al público. El concierto es vibrante, y además de la música, vemos al público lleno de una marea de afros, rostros sonrientes y bella gente negra maravillados de ver a sus grandes artistas en su barrio. Y algunos de los artistas ya reconocidos, nerviosos de presentarse frente a su gente. El material es una joya y también cuenta como la policía no fue a vigilar el evento. Los encargados del orden y la seguridad fueron los mismísimos Panteras Negras. Imperdible documental.
30.- -Writing with Fire … Escribiendo con fuego … Dires. Sushmit Ghosh y Rintu Thomas … India 2021 … Una ( 1 ) Nominación
En un campo como el de la información, totalmente dominado por el hombre, emerge en la India el único periódico dirigido por mujeres dalit, pertenecientes la casta más baja del país. Armadas con smartphones, la jefa de redacción Meere y sus reporteras, rompen las tradiciones y redefinen lo que realmente significa ser poderoso. India es la democracia más populosa de la Tierra. A pesar de ello, arrastra bastantes problemas provenientes de su sistema de castas y las repercusiones que ello tiene actualmente en la sociedad. Esto se traduce en la obvia desigualdad entre hombres y mujeres de las castas más bajas del país. En este contexto, Meera recluta a un puñado de mujeres de la casta Dalit para ejercer el conocido cuarto poder. Su herramienta principal son los teléfonos móviles con los que grabarán los diferentes sucesos y abordarán la labor periodística con la que el medio comenzará a funcionar y a tomar relevancia. En el documental se observa como, en la India, se mezcla lo religioso y lo político. Y como la defensa de las vacas sagradas se antepone a cuestiones como el empleo joven, la seguridad ciudadana o la sanidad pública. Con gran acierto el documental atiende sobre el discurso post verdadero atacando y apelando al sentimentalismo. Escribiendo con fuego es un documental valiente y necesario sobre la defensa de la igualdad de género y, por tanto, sobre la defensa de los valores democráticos. Además de una reflexión interna del periodismo como herramienta para servir al pueblo y no como arma para la desinformación e intereses de los poderosos.
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL:
31.- -The Hand of God … È stata la mano di Dio … Fue la Mano de Dios … Dir. Paolo Sorrentino … Italia / EUA 2021 … Una (1) Nominación
Fue la mano de Dios nos lleva al Nápoles de los años ochenta, con Maradona llegando al equipo de la ciudad, donde se sucederán una serie de eventos que lo cambiarán todo en la vida del joven protagonista, Fabietto Schisa, interpretado por un magnífico Filippo Scotti. El destino, la realidad que queda después del trauma, la familia, el sexo, la religión, la interrelación del sentimiento de pertenencia con el miedo a abandonar la propia identidad, la que está ligada a un momento y un lugar, las expone Paolo Sorrentino aquí, como si por primera vez se liberara de la losa de la pretensión, como si esta fuera su primera película, realmente, en la que ha hablado con su voz más depurada y menos afectada por elementos colaterales. Probablemente, por ello, haya un elemento dramático más acusado que en obras anteriores suyas, donde lo tragicómico, o directamente el enunciado de lo inútil, de un nihilismo reverberante, impregnaba cada plano y cada línea de diálogo. Aquí, en Fue la mano de Dios, ese componente de cinismo, el sarcasmo con el que el cineasta napolitano enfrenta su cine y las relaciones de sus personajes, tanto entre ellos como con el diálogo que establecen con el espectador, está tan diluido que incluso pareciera que estamos ante un subtexto completamente distinto a pesar de contar con los tropos habituales de su cine y su mirada: hay casi dulzura, amor por la realidad en lugar de agrio desencanto; hay indulgencia y tranquilidad donde había fuego y artificio, un vestido de esperanza que envuelve sus pasiones más íntimas y cerradas —fútbol, cine, familia, comida— y las lanza al mundo en una película que es imposible no sentir como algo personal y conmovedor. Fue la mano de Dios toca el corazón, y lo hace como solo Sorrentino podría hacerlo: con amor por el cine y algo de mala leche.
32.- -Lunana: A Yak in the Classroom … Luana: Un Yak en el Salón de Clases … Dir. Pawo Choyning Dorji … Bután / China 2019 … Una (1) Nominación…
El joven Ugyen es profesor en una ciudad de Bután, pero sueña con ser cantante en Australia. A causa de su actitud, será destinado en su último año como docente a Lunana, un remoto pueblo en el Himalaya. Tras un agotador viaje, Ugyen llega a Lunana, donde se encuentra prácticamente sin electricidad ni calefacción, en una escuela sin ventanas ni pizarrón. Desesperado, decide marcharse cuanto antes pero, poco a poco, se ve conquistado por la sencillez, bondad y ganas de aprender de los pequeños y sus familias. Pese a vivir en la pobreza, a merced del clima, los hombres y mujeres de Lunana lo comparten todo y tienen una canción para cada momento. Filmada in-situ en uno de los colegios más remotos del mundo, localizado en los glaciales del Himalaya con una altura media de 5.000 metros. Debido a la ausencia de cualquier tipo de facilidades, la película se filmó empleando baterías solares recargables. El director butanés Pawo Choyning Dorji debuta en la dirección con la modesta y sorprendente ‘Lunana: A Yak in the Classroom’ y lo hace a lo grande, logrando la primera nominación a un Oscar (Mejor Película Extranjera) en toda la historia de su país. Lo cierto es que la historia en sí es extremadamente sencilla y no deja ningún lugar para la sorpresa, pero al mismo tiempo es una de esas películas que logran transmitir bastante con muy poco, algo en lo que influye mucho la gran espectacularidad visual de sus paisajes (está rodada en la auténtica aldea de Lunana) y la naturalidad de un reparto formado por algunos actores semiprofesionales y otros que, al parecer, ni siquiera habían visto una cámara en sus vidas (como los niños). Dorji se vale de este escenario para ir más allá y no utilizar el cine solo como mero entretenimiento, sino también como una ventana a otras culturas, como una herramienta para reivindicar la figura del maestro, tan infravalorada en ocasiones, y como un medio para dar visibilidad a la realidad de un país olvidado en el que la globalización no ha hecho más que agravar la brecha social. En definitiva, una película llena de encanto y buenas intenciones, de esas que purifican el alma y calientan el corazón.
33.- -La Peor Persona del Mundo … The Worst Person in the World … Verdens verste menneske … Dir. Joachim Trier … Noruega / Francia / Suecia / Dinamarca 2021
La Peor Persona del Mundo narra cuatro años en la vida de Julie, una joven que navega por las turbulentas aguas de su vida amorosa y lucha por encontrar su camino profesional, lo que la lleva a tener una visión realista de quién es realmente. Un título que es altamente irónico; Julie (Renate Reinsve) se considera sí misma, por momentos, como la peor persona del mundo, porque nunca llega a conformarse con lo que la sociedad espera de una mujer joven como ella. Cambia de color de cabello, de aspecto. Cambia de carrera y trabajo. Cambia de pareja. Inestable, insegura, voluble, indecisa, caprichosa, irreflexiva, pretenciosa e incapaz de establecer compromisos a largo plazo; pero también apasionada, sensual, graciosa, sensible y llena de energía. Lo que desea Julie es la libertad de poder hacer lo que quiera y cuando quiera, y el tiempo para que nadie la esté presionando. Su búsqueda, mediante ensayo y error, es darle un sentido, un significado a su vida, aunque simplemente es que no sabe cómo. Teme asumir responsabilidades, aplaza enfrentarse a decisiones vitales, no quiere asumirse como adulta. Contada a través de doce capítulos, más un prólogo y un devastador epílogo, así está construida la película, como viñetas aisladas de la vida de Julie. Con una voz en off en tercera persona, que le da un tono de cuento a este relato, que no es exactamente de iniciación, sino de reencuentro con ella misma, de asumir el autoconocimiento de su psique, lo cual es algo esquivo. Se trata de una agridulce comedia romántica que captura a la perfección esa etapa de indecisión y de vulnerabilidad característica de todo treintañero. Un periodo de crecimiento, pero también de desilusión, en el que los sueños de juventud se van desvaneciendo ante las duras responsabilidades del mundo real. Una fase en la que todos esperan que los jóvenes actúen con la madurez de un adulto, aunque en el fondo aún sean unos adolescentes en busca de respuestas. Brutal honestidad, humor sofisticado, que emerge de lo cotidiano, diálogos que destilan naturalidad y frescura, y un nivel soberbio de actuaciones, junto a una mágica fotografía y una cautivadora banda sonora. The Worst Person in the World es el sexto largometraje del realizador danés Joachim Trier, y el tercero dentro de su llamada Trilogía Oslo, compuesta por los filmes Reprise y Oslo, August 31st.
CATEGORÍA MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA:
34.- -House of Gucci … La Casa Gucci … Dir. Ridley Scott … EUA / Cnadá 2021 … Una (1) Nominación
Ridley Scott llevaba prácticamente dos décadas queriendo rodar este accidentado derrotero desde que se topó con La Casa Gucci: Una Historia Real de Asesinato, Locura, Glamour y Codicia (The House of Gucci: A True Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed, 2000), crónica de la periodista especializada en moda Sara Gay Forden, por ello decidió enfocarse en las fraudes y delitos financieros de las elites, en la dialéctica de las apariencias y el estatus social y concretamente en esa frontera difusa en la que lo privado se convierte en lo público porque ambas dimensiones están unidas desde el vamos. Pensemos en este sentido que El Último Duelo puede transcurrir en la Francia del Siglo XIV y La Casa Gucci en la Europa y los Estados Unidos de las décadas del 70, 80 y 90 pero las dos son melodramas fastuosos del poder en el que se subraya no sólo el puterío y las miserias mundanas de la oligarquía sino asimismo la dinámica estándar de la hegemonía en términos de disputas o ataques institucionales y personales que implican un proceso de fagocitación del pez más pequeño, o peor “situado” en un instante específico, por parte del depredador más grande. A decir verdad, resulta maravilloso y hasta hilarante que en tiempos de corrección política demacrada y un cine mainstream cada día más aniñado y hueco, el inmenso Ridley Scott opte por narrarnos la historia de una trepadora maloliente desde un entramado retórico prototípico para adultos lejos de idealizaciones, lo que desencadena una película exquisita que combina esa faceta de melodrama prostibulario del jet set capitalista, suerte de burbuja de lujos herméticos y paranoicos, con primero, el thriller de usurpación empresaria, lógica psicopática de nunca acabar amparada por Estados ausentes, y segundo la faena de parentela en crisis o en franco proceso de descomposición, riña fraternal que es asimismo intergeneracional e incluso una especie de autoperfidia identitaria.
35.- -Coming 2 America … Un Príncipe en Nueva York 2 … Dir. Craig Brewer …EUA 2021 … Una (1) _Nominación
Mediante un flashback que utiliza un horroroso CGI para rejuvenecer a los protagonistas, el libreto de Un Príncipe en Nueva York 2, se saca de la manga el origen de un nuevo heredero al trono. Un varón destinado a salvar al país, de una guerra inevitable con la nación vecina, para así poder perpetuar las tradiciones machistas y anticuadas de Zamunda. Interpretado por Jermaine Fowler, LaVelle es un joven sin objetivos claros en la vida y que se gana el pan día a día. Junto a su madre y su tío, revolucionan palacio con su estilo muy ‘de Queens’. También tenemos a Wesley Snipes haciendo un poco el ridículo y a las tres hijas de Akeem, con la mayor de ellas dándose de bruces contra las leyes patriarcales que su padre no ha cambiado. Sin embargo, este nuevo plantel de personajes carece del suficiente carisma y llega a causar indiferencia. Además, a excepción del de Eddie Murphy, los originales cuentan con mucha menos participación de la que podría esperarse, a pesar de que casi todos regresan para tener sus pocos segunditos de gloria. La película, también conocida como El rey de Zamunda, se confirma como una secuela innecesaria, poco inspirada y mucho menos divertida. Como era de esperar, el guion apela demasiado a la nostalgia de aquellas personas marcadas por la primera entrega, incluso es posible que para estas la película funcione mejor. No obstante, el realizador Brewer, Murphy y compañía, se dedican a repetir un sinfín de elementos y situaciones de la original, solo que esta vez lo hacen con menos gracia y encanto. Ni siquiera los nuevos añadidos aportan algo mínimamente sustancial al entretenimiento, aunque tampoco resultan del todo terribles. Esto, unido a la losa que supone su reducción de la calificación por edades, las críticas políticas de turno y una ingente cantidad de publicidad subliminal, convierten a la cinta en otro intento fallido por revivir glorias pasadas. En definitiva, después de más de 30 años, ni los chistes son tan graciosos, ni los Chocolate son tan sexis, ni las hamburguesas del McDowell’s saben igual.
CATEGORÍA MEJORES EFECTOS VISUALES:
36.- -Free Guy … Free Guy: Tomando El Control … Dir. Shawn Levy … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Free Guy es una película dirigida por Shawn Levy, director de Noche en el Museo, La Pantera Rosa y de algunos episodios de Stranger Things. Está protagonizada por Ryan Reynolds que ya nos vende directamente la marca de comedia de acción con un protagonista carismático, algo que parece que es en lo que se ha especializado el actor canadiense. Free Guy es una de las últimas películas de 20th Century Fox que se quedaron colgadas en el limbo de la distribución con la compra de Disney y posteriormente por la pandemia. Ryan Reynolds interpreta a un NPC (Non-Playable-Character), un personaje no manejable, en el violento videojuego llamado Free City, al que resulta prácticamente imposible no compararlo con el excelente Grand Theft Auto. Un personaje que posee una monótona vida que consiste en trabajar en un banco, al que los jugadores van diariamente para robar dinero y, por ende, suele ser golpeado o maltratado, pero él sigue despertando todas las mañanas saludando a su pececito y eligiendo su uniforme de trabajo. Lo que diferencia a los NPC de los avatares de los jugadores son los anteojos de sol, así que cuando Guy (Reynolds) decide ponerse unos, animado por una sensación rara de enamoramiento hacia un personaje que se cruza por la calle, su vida cambia por completo ya que empieza a comportarse como un jugador, lo que desequilibra a otros jugadores y sus creadores. En la práctica, Free Guy es básicamente el vehículo para que Ryan Reynolds, a quien no se veía tan involucrado en un personaje desde el fantástico Deadpool, se luzca. Si eres fanático del intérprete, este largometraje es de lo más disfrutable porque es él en toda su esencia y sentido del humor. Referencias a Mariah Carey y el pop de los 90s, el humor ácido, sus referencias a Marvel y demás chistes políticos. Hilarante: esa es la palabra para el personaje del canadiense, y lo hace de maravilla. Al igual que otras muchas películas, Free Guy también tiene su moraleja: en un videojuego en el que todo el mundo hace uso de la violencia, su mensaje es que se puede ganar de forma pacífica y siendo buena persona. Un mensaje que es utilizado por Reynolds para que su personaje consiga subir de niveles necesarios para poder obtener mejores cosas y sobrevivir en el videojuego.
37.- -Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings … Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos … Dir. Destin Daniel Cretton … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Marvel no defrauda, y sin figurar esta película, está entre las más esperadas por los fanáticos de las cintas de Artes Marciales y Efectos Especiales, sorprende con una producción que cuida todos sus aspectos, comenzando por el guion. Conjuga, sin embrollarse, antiguas leyendas, artes marciales y mundos de fantasía que convergen en un relato de tintes shakespearianos; todo ello adecuadamente armonizado. Y aunque las secuencias de acción no alcanzan el nivel deslumbrante de otros filmes orientales que han destacado en esa faceta, la dirección artística y los efectos digitales deparan unas imágenes espléndidas. Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, la película número 25 en el Universo Cinematográfico de Marvel, es el intento más reciente de Hollywood de apoyarse en esta única variedad de cine de acción, así como de la cultura china en general. Shang-Chi, está siendo celebrada como un hito de la inclusión: es la historia de un héroe chino, en un mundo con raíces en la cultura china, que está pronosticada a dominar la taquilla mundial. Pero hay algo vacío en este aparente logro. La película se siente como uno de los más descarados intentos de Hollywood por conquistar la mina de oro que es la taquilla china No se puede saber con total certeza cómo responderá el mercado chino a Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Al MCU siempre le ha ido bien en este territorio, pero el fracaso taquillero de la reciente Mulán también sugiere que China ve con escepticismo los intentos de Hollywood de vestir a sus blockbusters con los elementos superficiales de su cultura e historia.
38.- -Spider-Man: No Way Home … Spider-Man: Sin Camino A Casa … Dir. Jon Watts … EUA 2021 … Una (1) Nominación
¿Ustedes son de los que dicen Spiderman o Espíderman?! Una película en la que todo está mal, empezando por el título. No debería ser SpiderMAN, sino SPIDERMEN! Total, ya estuvieron haciendo spoilers desde el trailer… Encaremos la pregunta fundamental ¿Por qué Spiderman No Way Home puede ganar el Óscar a mejor película?, ¿sin siquiera estar nominada y para colmo, no ser una cinta? Porque no es una película, es la operación de marketing más inteligente y descarada del año. En cada película, desaforadamente, nos intenten vender Legos y demás productos onerosos de la bestial Sociedad de Consumo. ¡Es cómo intentan vender esos legos y demás mercaderías! No les basta con el plano detalle de referencia o la alusión con diálogo. No, llegan al punto de meter en la película a ¡5 villanos! ¿Por qué? Porque hay que vender Legos. No aprendieron del error de Spiderman 3 de Sam Raimi, donde había tres villanos y cada uno en vez de rivalizar contra Spiderman rivalizaba con el otro villano por tiempo de pantalla. ¡Por eso al final perdían! Aquí la productora les dice a los guionistas: ¡Metan al Hombre de Arena! Y los guionistas tienen que meterlo. Así acaban pasando cosas como ésta: Tienes a todos esos villanos al principio de película, y el Hombre de Arena está de parte de Spiderman y lo que quiere es curarse y colaborar, y luego al final cuando todos atacan a los 3 Spidermans, perdón, Spidermen, que es en la siguiente escena que ese personaje sale, un Spiderman dice “Quiero ayudarte” y el Hombre de arena dice “¿Y a mí qué!”. ¿Y a mi qué? ¿Cómo que a mi qué? ¡Dios mío! ¡Debe ser la línea más dolorosa escrita jamás escrita por un guionista! ¡Porque ellos lo saben! ¡Un guionista a ese nivel lo escribe, pero sabe la porquería que ha escrito! No hay arco dramático lógico en el personaje, de hecho no hay arco, no hay motivación psicológica alguna más que la de la aleatoria voluntad de tenerlo atacando! ¡Y todo por vender legos! Y a todo esto, ¿dónde queda el jodido y baboseante, apantalla nerds, Multiverso?
Nominaciones al Oscar 2022: El Callejón de las Almas Perdidas de Guillermo Del Toro obtiene 4 nominaciones. Además la crónica completa de las otras 22 candidaturas
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood (Academy of Motion Pictures Arts and Sciences AMPAS) dio a conocer los nominados para la edición número 94 de los Premios Óscar, cuyos ganadores serán anunciados el 27 de marzo. El Poder del Perro ( The Power of the Dog ), dirigida por la cineasta neozelandesa Jane Campion, fue la película con más nominaciones, con un total 12 candidaturas. La sigue Duna, de Denis Villeneuve con diez nominaciones y Belfast, dirigida por Kenneth Branagh, junto a Amor sin barreras ( West Side Story ), dirigida por Steven Spielberg, con siete cada una.
La Academia de Hollywood anunció los nominados para la prestigiosa ceremonia que tendrá lugar el 27 de marzo en Los Ángeles. Este año, diez cintas competirán en la categoría de Mejor Película frente a las ocho o nueve de los años anteriores. Los actores, directores y cantantes de las películas en competición reaccionaron con mucha emoción a sus nominaciones.
Con sus 12 nominaciones, El Poder del Perro, un neo western psicológico transmitido en Netflix, encabeza las nominaciones. Competirá, entre otros premios, por la mejor película, mejor director, mejor actor (Benedict Cumberbatch ), mejor actriz de reparto (Kirsten Dunst) y mejores actores de reparto (Jesse Plemons y Kodi Smit-McPhee).
Con estas nominaciones, la directora neozelandesa Jane Campion se convirtió en la primera mujer nominada dos veces a la mejor dirección. En 1993 fue candidata por su película El piano, (The Piano, 1993) que finalmente no se hizo con la estatuilla dorada.
El Poder del Perro es una historia basada en la novela homónima de Thomas Savage de 1967. La acción tiene lugar en el Estado de Montana, en 1925, y cuenta la historia de dos hermanos que comparten un rancho. Cuando uno de los hermanos se casa con una viuda, que llega a vivir en el rancho con su hijo, entonces empiezan a crearse tensiones entre el hermano y su cuñada.
Kristen Dunst reaccionó a su nominación: «Ser honrada por la Academia es una experiencia realmente humilde. Que tanto Jesse como yo consigamos nuestras primeras nominaciones juntos va más allá de nuestros sueños más salvajes».
Kodi Smit-Mcphee, por su parte, declaró: «Por dónde empiezo… Estoy simplemente eufórico. Esto va más allá de mi imaginación».
Duna sigue de cerca a El Poder del Perro en nominaciones
Adaptada de la novela estadounidense de Frank Herbert, la obra cinematográfica de gran presupuesto recibió diez nominaciones, para mejor película, mejor escenario, mejor edición y también mejor banda original. Sin embargo, su director Denis Villeneuve no fue nominado como mejor director.
La película de ciencia ficción, desarrolla su historia en Arrakis, un planeta desértico muy peligroso, y cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante, que debe viajar al planeta para asegurar el futuro de su familia. En Arrakis existe una lucha por un recurso que permite multiplicar por diez el poder de la humanidad.
Timothe Chalamet-y Rebecca Ferguson
Belfast y Amor sin barreras, terceros en nominaciones
Con siete nominaciones, la película Belfast, dirigida por Kenneth Branagh, inspirada en su juventud en la Irlanda del Norte de los años 60, llegó en tercera posición. Tal como el remake de Amor sin Barreras, (West Side Story) de Steven Spielberg.
El director de Belfast agradeció las nominaciones: «Hay un largo camino desde las calles de Belfast hasta los Premios de la Academia. Hoy pienso en mi madre y mi padre, y en mis abuelos, en lo orgullosos que estaban de ser irlandeses y en lo mucho que significaba esta ciudad para ellos. Se habrían sentido abrumados por este increíble honor, al igual que yo».
Encanto, nominada en tres categorías
Esta película cuyo argumento se desarrolla en Colombia fue nominada en la categoría de mejor banda sonora original, mejor película animada y mejor canción original (Dos oruguitas), compuesta por el puertorriqueño Lin-Manuel Miranda e interpretada por el colombiano Sebastián Yatra.
La famosa canción Sin Tiempo para Morir (No time to die), de Billie Eilish y Finneas O’Connell, compuesta para el último James Bond también fue nominada por mejor música original.
«No hay palabras para describir lo honrados y emocionados que estamos por haber sido nominados a los Óscar por nuestra canción No Time To Die. Escribir un tema de Bond era el sueño de toda nuestra vida, y nunca pensamos que se haría realidad», dijeron los artistas.
Los Latinos e Iberoamericanos nominados al Óscar
Guillermo del Toro podría sumar otro Premio de la Academia a sus reconocimientos: Nightmare Alley (El callejón de las almas perdidas), que dirigió y coprodujo, fue nominada al Oscar a la mejor película.
El cineasta mexicano es uno de múltiples artistas iberoamericanos y latinos que figuran el entre los candidatos para la 94 Entrega Anual de los Premios de la Academia. La lista incluye nuevas candidaturas para los veteranos de España, Penélope Cruz y Javier Bardem, por sus actuaciones protagónicas en Madres paralelas, dirigida por Pedro Almodóvar y Being the Ricardos (Siendo los Ricardo), dirigida por Aaron Sorkin, respectivamente; una para Ariana DeBose, por su papel de reparto en West Side Story (Amor sin barreras) y una para Lin-Manuel Miranda por la canción Dos oruguitas de la cinta animada Encanto de Disney.
Carlos López Estrada es otro de los mexicanos que está nominado al Oscar para la edición 2022, el hijo de la productora de telenovelas, Carla Estrada, obtuvo la nominación en la categoría de Mejor Película Animada gracias a la cinta Raya y el último dragón, proyecto que codirige en conjunto con Don Hall, John Ripa y Paul Briggs. La cinta es de la empresa Disney y actualmente se puede ver en la plataforma Disney+. En su cuenta de Instagram, Carlos publicó una foto del crew de la cinta con el siguiente mensaje: “Woooow, infinitamente agradecido con este elenco y equipo por cambiar tantas vidas, incluida la mía. @theacademy, @disneyraya”, además compartió una historia de Instagram con la imagen de la nominación y el gif de un gatito llorando.
Aquí todas las Nominaciones al Óscar:
Mejor Película:
-Coda … Coda , Señales del Corazón … Dir. Sian Heder … Tres (3) Nominaciones
-Don’t Look Up …. No miren arriba … Dirección: Adam McKay …. Cuatro (4) Nominaciones
-Drive My Car …. Doraibu mai kâ … Dirección Ryûsuke Hamaguchi … Cuatro (4) Nominaciones
39 películas nominadas al Premio Oscar 2021, de que van, cuál es su poderoso mensaje y en cuales Plataformas de Streaming se pueden ver. Críticas de Cine e Información profunda al #EstiloHomocinefilus
Las 39 películas reseñadas y criticadas en este reportaje, fueron seleccionadas debido a que están nominadas en la mayoría de las 24 categorías del Premio Oscar y a que pueden verse en línea, en una docena de Plataformas de Streaming.
Incluimos, entonces, la mayor cantidad de cintas que están nominadas a la 93 Edición de los Premios Oscar, dando la mayor cantidad de información posible de las Obras Cinematográficas seleccionadas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood y que compiten por una Estatuilla Dorada.
De cada película, incorporamos su trama, en una breve, pero substanciosa sinopsis, y los indispensables juicios de valor, de donde se desprende la interpretación de los mensajes, explíctos e implícitos, que caracterizan a cada filme. Obviamente se pretende orientar la opinión del público.
En Homocinefilus deseamos que al llevarse a cabo la Ceremonia Presencial en el Teatro Dolby de Los Ángeles, el próximo domingo 25 de abril, nuestros amables seguidores, con base en la información proporcionada en este reportaje, estén completamente enterados de todos los datos, y las opiniones, en torno a 39 cintas y que hayan logrado, a causa de la Pandemia y del exponencial crecimiento y desarrollo de las Plataformas de Streaming, ver casi 40 películas en línea, nominadas y que serán mencionadas, y algunas de ellas premiadas, durante la 93 Ceremonia del Oscar. Esto sin duda, representa un hecho insólito en la Historia del Cine, de los Premios de la Academia y de la cinefilia mas empedernida. Nunca antes, críticos y espectadores, tuvimos la soñada y dorada oportunidad de, con base en la visión de las cintas nominadas, tener un panorama tan vasto de valoración y juicios subjetivos, que de alguna manera, justifique la preeminencia de una película sobre otra.
39 cintas nominadas, que están en línea y se pueden ver de manera completamente gratuita. Obviamente esto representa un cambio radical en la forma en la que enfrentamos el Fenómeno Cinematográfico. Todo recae en la Libertad de Elección del espectador. En Homocinefilus creemos firmemente en la Democratización y Difusión Proletaria de la Cultura. Nosotros no fundamos las Plataformas Gratuitas de Streaming. Homocinefilus solo compendió la información y los enlaces para ver las películas. No maten al mensajero. Nuestra convicción hacer asequible la Cultura Cinematográfica al gran público.
El asunto es global, no local. Millones de espectadores en el mundo han decidido romper la esclavitud de las empresas cinematográficas monopólicas y multinacionales de los grandes estudios de cine, que abusiva y alevosamente, imponían su avasallante agenda cultural y financiera a todo el planeta. Ahora no saben que hacer ante la oleada libertaria de los espectadores que, gracias a las Plataformas de Streaming independientes, otorgan al espectador el Poder la Elección, basándose en la infomación y en su pleno poder de decisión. Con ello, en nuestros países latinoamericanos, sojuzgados económica e ideológicamente, podemos «plantarle cara», a los venales y falaces esbirros y personeros, que se hacen llamar eufemísticamente «agentes de prensa o relacionistas públicos» y que solo han servido para marginar, discriminar y manipular. La lista de que aquí les ofrecemos demuestra, que la rimbobástica estructura de los oligarcas de Hollywood, se ha vuelto innecesaria e inútil. El avance de la ciencia computacional los rebasó en favor de la democracia cultural y cinematográfica de la humanidad.
Las películas que capturan el intenso drama humano, y ponen el foco de la atención en tragedias e injusticias en todas las latitudes, merecen ser vistas por los desposeídos y las víctimas de la injusticia, en democráticas e innovadoras formas de exhibición.
“Cuando los estadounidenses quieren sentir, ven Que bello es vivir ( It’s a Wonderful Life / Frank Capra / EUA 1940), cuando desean pensar, ven El Ciudadano Kane ( Citizen Kane / Orson Welles / EUA 1941) Frase popular
En un estudiado blanco y negro cerca de la ensoñación o la pesadilla, el genio David Fincher, reformula al Ciudadano Kane, desde el lado opuesto del espejo, desde la vida rota del dipsómano guionista Herman J. Mankiewicz (1897–1953). En un bucle prodigioso, el espectador es invitado no tanto a introducirse en el “making of” o como se hizo, de la película que hizo saltar por los aires los códigos narrativos del cine clásico, como a destejer y volver a tejer la misma historia desde el punto de vista opuesto. Si la de Charles Foster Kane era la historia del más poderoso y arrogante de los hombres, enfrentado a la maquinaria de poder creada por él mismo, el de Mank es el relato del más ínfimo de los seres que contempla desde su insignificancia los estragos de un tiempo esencialmente injusto y condenado a desaparecer. El director David Fincher recoge un guión escrito por su padre, Jack Fincher, antes de su muerte en 2003. La trama de la película se centra en la historia del guionista Herman J. Mankiewicz y los problemas que enfrentó durante el desarrollo de Citizen Kane (1941), filme de Orson Welles que aborda los conflictos relacionados al poder político y la prensa sensacionalista.
2.- Judas y el Mesías Negro … Judas And The Black Messiah … Director: Shaka King … EUA 2021
En Judas and the Black Messiah, el director Shaka King cuenta la vida del líder de las Panteras Negras, Fred Hampton y el informante del FBI, William O´Neal, de forma cruda y emotiva, pero sin caer en el relato panfletario. Con brillantes actuaciones de Daniel Kaluuya y LaKeith Stanfield. Desde que llegaron en barcos como esclavos hasta el día de hoy, cuando la policía los mata sin piedad ni razón, la historia de los negros en Estados Unidos ha estado marcada por la injusticia. Judas and the Black Messiah es un capítulo más dentro de esos relatos de persecución, segregación e infamia que se produjeron en la autoproclamada tierra de la libertad y que hoy, en el contexto de una oleada de movimientos políticos como el Black Lives Matter, se rescatan y se agitan para conseguir la igualdad que aún se les niega. A Judas and the Black Messiah solo se le puede cuestionar la inclusión de algunas escenas que sirven para estirar la película, quizá porque al tratarse de una historia biográfica basada en la realidad, haya una idea preconcebida que indica que la duración no debe bajar de dos horas. No todos los diálogos en los que se incluye al agente del FBI Mitchell (Jesse Plemons), quien recluta a O´Neal, suman algo de valor para la película que gana en potencia en cada momento que el personaje de Hampton está en pantalla. Dónde está el pueblo está el poder, repite el personaje como un mantra que une al pasado con el presente.
3.- Minari: Historia de mi familia … Minari … Director: Lee Isaac Chung … EUA 2020
Los Oscar corrigen el error de Minari en los Globos de Oro. Cuando el pasado febrero se nominó a Minari, la película semi autobiográfica de Lee Isaac Chung, a los Globos de Oro, se despertó la llama de la polémica. Minari narra la historia de David, el hijo pequeño de una familia surcoreana que se muda a una granja de Arkansas en busca del sueño americano. Después de presentarse en el Festival de Cine Independiente de Sundance de 2020 y haber cosechado dos premios, el del Público y el Gran Premio del Jurado, fue nominada al Globo de Oro a mejor película… extranjera. Excepto que no es extranjera en absoluto. Los actores de la cinta son coreanos, pero su director es americano (aunque de ascendencia coreana) y la producción ha sido enteramente estadounidense. Oficialmente hay un motivo: el reglamento de los Globos de Oro explica que para que una película se considere nacional tiene que tener al menos el 50% de sus diálogos en inglés. Pero eso no ha evitado que se despierte la polémica. Lulu Wang, directora de La Despedida (The Farewell), explicaba en Twitter que, en su opinión, Minari era la “película más americana del año”. Una película sobre una familia inmigrante en América que persigue el sueño americano es una muestra viva de la historia del país. Polémicas aparte, Minari terminó llevándose la estatuilla del Globo de Oro a Mejor Película Extranjera. Pero el reconocimiento no ha terminado ahí. Minari se ha llevado 6 nominaciones a los Premios Oscar: Mejor actor, por Steven Yeun; Mejor actriz de reparto, por Youn Yuh Jung; Mejor guion original; Mejor director; Mejor banda sonora… y Mejor película. No Mejor película en lengua extranjera. Película ganadora de 94 premios internacionales.
4.- El Sonido del Metal … Sound of Metal … Director: Darius Marder … EUA 2019
México estará de alguna forma presente en los Premios Oscar. En esta ocasión será gracias a los mexicanos Jaime Baksht, Michelle Couttolenc y Carlos Cortés, quienes fueron nominados a Mejor Sonido por la película Sound of Metal. Bajo la dirección de Darius Marder, el filme cuenta la historia de Rubén, un baterista de una banda de metal, que comienza a perder la audición y recibe la noticia que su condición empeorará con el tiempo, por lo cual ingresa a rehabilitación. Sin embargo, con su nueva condición física, deberá elegir cuál es la vida que quiere llevar ahora que le es imposible realizar su trabajo. Una de las actuaciones más destacadas en 2020 fue la de Riz Ahmed como Ruben en esta película distribuida internacionalmente por Amazon Prime. Esta nominación convirtió a Riz Ahmed en el primer actor de origen musulmán que compite por el Óscar a Mejor Actor Protagonista. El intérprete de 38 años es de nacionalidad británica y se dio a conocer por su papel como el villano Carlton Drake en Venom. Los padres de Riz son de origen mojayires, exactamente de raíces pakistaníes, lo que lo convierte en el primer musulmán que aspira a este galardón. Sound of Metal fue uno de los últimos estrenos del 2020; una producción original de Amazon Studios que ha pasado muy desapercibida; pero que ha impactado a todos aquellos que la han visto.
5.- El juicio de los 7 de Chicago … The Trial Of The Chicago 7 … Director: Aaron Sorkin … EUA 2020
“Cruzamos fronteras estatales con ciertas ideas… por eso nos lanzaron gases lacrimógenos, nos golpearon y nos están juzgando”, testifica Abbie Hoffman, interpretado sarcásticamente por Sacha Baron Cohen, ante el estrado de un tribunal. Se trata del fundador de los Yippies (Youth International Party), grupo activista contracultural que luchaba en contra de los excesos de la guerra de Vietnam. La película inicia con imágenes de archivo de los asesinatos de Martin Luther King y Robert Kennedy, como muestra de la intolerancia de ese convulso año 1968 y nos sitúa en las protestas ocurridas meses después en Chicago durante la Convención Demócrata, cuyo candidato perdería las elecciones presidenciales frente a Richard Nixon. Los manifestantes en contra de la guerra se enfrentaron a la policía en los alrededores del lugar donde se celebraba dicha convención. El alcalde mantuvo una línea dura contra ellos, negándoles un lugar para expresarse e impidiendo la realización de reuniones o marchas, ejerciendo una fuerza policial desmedida frente a los grupos encabezados por Abbie Hoffman, Tom Hayden (Eddie Redmayne) y Dave Dellinger (John Carroll Lynch), quienes al año siguiente fueron enjuiciados por conspirar contra la seguridad nacional. Conocidos como Los 7 de Chicago, la película de Aaron Sorkin se refiere al desarrollo de ese controvertido juicio. La trama de la cinta evoca ideales antibelicistas, pero sobre todo reivindica el derecho a protestar frente a las autoridades, en este caso contra el gobierno de Lyndon B. Johnson, por el envío incesante de soldados para pelear una guerra que Estados Unidos no iba a ganar, aparte del dudoso comportamiento del ejército estadounidense bombardeando con Napalm aldeas completas donde murieron mujeres y niños. Aaron Sorkin hurga en el pasado y plantea un paralelismo con los tiempos actuales, donde las irrupciones sociales se han multiplicado alrededor del mundo, ya sean los chalecos amarillos en Francia, el movimiento Black Lives Matter en Estados Unidos y las multitudinarias manifestaciones en Hong Kong.
6.- El Padre … The Father … Director: Florian Zeller … GB / Francia 2020
Más allá de la narración de una historia, más allá de la representación de un conflicto, la propuesta que subyace en la película El padre, podíamos categorizarla como la transmisión de una experiencia vital. Esto no es fácil: en última instancia los seres humanos somos individualidades con no pocas dificultades de comunicación, mucho más cuando se trata de hacer partícipes a los demás de las experiencias más personales, aquellas donde mandan las emociones y pugnan los sentimientos por encima de toda comprensión racional. En esta película, el guionista francés Florian Zeller debuta tras la cámara como solvente director en lo que, a todas luces, parece fruto de una experiencia personal. Tanto que ha llevado su inquietud al teatro y esa pieza ha conocido una versión para televisión (Le père / Christophe Charrier, 2014) y otra para el cine (Floride / Philippe Le Guay / 2015). Zeller ha tenido la ayuda como guionista del reputado Christopher Hampton en esta ocasión. No hay historia, porque más bien se trata de un retrato, por su propia naturaleza insulso y hasta caótico. Anthony (Anthony Hopkins) es un anciano con las facultades mentales deterioradas; no recuerda que una hija murió en un accidente, confunde a las personas, mezcla lo que sucedió ayer con hechos de hace años, tiene como presentes personajes que ya no forman parte de su vida y cambia los roles de algunos de ellos. Le atiende Anne (Olivia Colman) que se siente incómoda, pues piensa dejar Londres y establecerse en París con una nueva pareja, lo que le lleva a buscar una solución al cuidado de su progenitor. Con una realización impecable y una soberbia interpretación, El padre es una película que comunica una experiencia durísima, amarga incluso. Pero que está ahí y en la sociedad actual, con tratamientos médicos que prorrogan la vida corporal mucho más allá de la mental, es relevante que el cine hable de ello. El espectador / ser humano puede aceptar esta comunicación o renunciar a ella, pero esto no tiene que ver con el cine.
7.- Hermosa Venganza … Una joven prometedora … Promising Young Woman … Directora: Emerald Fennell … GB / EUA 2020
El debut de la directora británica Emerald Fennell, que con esta película tiene la fortuna de ganar ya una nominación como mejor realizadora, es un cuento anodino de venganza feminista que condena la agresión y el sexismo con una contenida interpretación de Carey Muligan, quien dándole vida a Cassandra, también está nominada como Mejor Actríz. Cuesta trabajo recordar un año en el que las mujeres directoras tuviesen tanta presencia en una carrera de premios. Atrás van a quedar décadas en las que realizadoras como Jane Campion o Kathryn Bigelow supusieran escasas excepciones de representación femenina en la categoría de mejor dirección, tanto en los Globos de Oro como en los Oscares, ya que 2021, a pesar del momento crítico que está atravesando la industria del cine como consecuencia del Covid-19, tiene muchas posibilidades de ser ese punto de inflexión en el que, por primera vez, podría haber más mujeres nominadas que hombres. Emerald Fennell, hasta ahora conocida por su faceta de actriz en, por ejemplo, The Crown, donde da vida a Camilla Parker Bowles, también ha dado el salto a la dirección con resultados sobresalientes. Una joven prometedora, su debut, destaca, ante todo, por la amalgama de géneros en la que se mueve. El incisivo guion, obra de la misma Fennell, destaca por el prodigioso equilibrio que logra entre la comedia muy negra, el thriller de venganzas de toda la vida y el drama con fuerte carga de denuncia contra las conductas machistas (ojo, no solo por parte de los hombres) en la sociedad. Con este libreto, la incipiente directora demuestra tener un sentido del humor ácido y muy inteligente, así como una increíble mala entraña para el dibujo de sus personajes, incluido el de su peculiar protagonista, esa antigua joven prometedora que da título a la película. En efecto, la suya podría ser catalogada como la obra más radicalmente feminista del año, digna consecuencia del movimiento #MeToo, y lanza sus envenenadísimos dardos, sin piedad, no únicamente contra los depredadores sexuales, sino también contra todas esas personas que, de manera indirecta, contribuyen a silenciar sus conductas abusivas hacia la mujer, ya sea mirando hacia otro lado o tratando de justificarlas con argumentos absolutamente vomitivos.
8.- Nomadland … Directora: Chloe Zhao … EUA 2020 … Basada en la novela de Jessica Bruder
Esta es la película favorita de la noche de los Premios de la Academia de Holywood. Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que, tras perder todos sus bienes durante la Gran Recesión, se embarca en un viaje nómada por la zona oeste de Estados Unidos. Empire es, o era, una ciudad de Nevada. Forzada por la crisis de 2008 vio como en 2011 cerraba la fábrica de tablaroca, pilar de la economía local. El efecto fue devastador, convirtiendo a Empire en una ciudad fantasma hasta el punto de que Estados Unidos eliminó su código postal. Tomando como base este hecho, Chloé Zhao crea el personaje de Fern, una viuda de Empire a la que la situación le ha dejado sin trabajo, sin familia, sin casa, sin amigos e, incluso, sin ciudad, y la sumerge en el universo que exploraba la novela periodística Nomadland de Jessica Bruder: el del fenómeno de los nómadas americanos actuales. Americanos, la mayoría por encima de los 50 años, que viven en sus autocaravanas, alejados todo lo que pueden de un sistema que creen que ya no funciona (muchos de ellos han sido directamente expulsados de él), colaborando entre ellos, intercambiando bienes y conocimientos y viajando por Estados Unidos en función del clima y la disponibilidad de trabajos. Fern empieza a trabajar para la gigantesca central distribuidora de Amazon y vive en su camioneta en una zona para acampar, que paga la multinacional. Cuando se le acaba el contrato y no tiene donde ir, conoce en YouTube a Bob Wells, un guía y un líder para los nómadas. Interesada y sin muchas más opciones, decide llevar ese tipo de vida. Bob no es un personaje de ficción y, efectivamente, es un guía para todos aquellos que deciden llevar este tipo de vida. Como Bob, en Nomadland aparecen muchos personajes reales y vemos a Fern interactuando con ellos para que conozcamos sus historias, sus planes de futuro y por qué o cómo decidieron llevar esa vida. Como ya hiciera en su ópera prima El Jinete (The Rider), Chloé Zhao camina por la delgada línea de la ficción y la no ficción solo que aquí, la arrolladora presencia de McDormand desequilibra el balance en algunos momentos en los que la actriz eclipsa al personaje convirtiendo la película en uno de esos documentales conducidos por una estrella visitando una zona insólita y deseperanzada de la geografía estadounidense.
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL:
9.- Otra Ronda … Druk … Another Round … Director: Thomas Vinterberg … Dinamarca / Suecia / Países Bajos 2020
Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico, en el que cada uno de ellos deberá mantener una tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre. El nuevo trabajo del cineasta danés Thomas Vinterberg, uno de los fundadores del movimiento Dogma 95, y que en sus inicios nos regaló películas tan interesantes como La Celebración (Festen 1998), y más recientemente Submarino (2010) y La caza (2012). El más reciente de sus proyectos, de mayor presupuesto, es una película que se mueve entre dos géneros, la comedia y el drama y tiene cuatro actores protagonistas: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe. Otra Ronda (Druk, 2020), se ubica fácilmente entre lo mejor de la producción artística de Vinterberg, aquí nuevamente retomando en parte el Dogma 95 de la mano de un desarrollo dramático sin artificios banales de raigambre hollywoodense y apegado a la realidad y sus paradojas, enfoque que en esta oportunidad abarca a la influencia del alcohol en la vida de los seres humanos tanto en lo positivo como en lo negativo y dañino sin que importen los discursos castradores y muy reduccionistas de fetichización de la asepsia, la pureza y la salud de los sectores burgueses profesionales del espectro social, mediático y cultural de nuestros días. El proyecto empezó como una adaptación de una obra de teatro, que el realizador había escrito muchos años atrás y que estaba más centrada en los rasgos benéficos del consumo de alcohol vinculados a la sagacidad en público y la pérdida de inhibiciones en el trato con el prójimo. Multipremiada.
10.- Shao nian de ni … Better Days … Director: Derek Tsang … China / Hong Kong 2019
Nominada a 1 Premio Oscar … Ganadora de 57 premios alrededor del mundo
El examen «gaokao» paraliza a todo el país. Para casi diez millones de estudiantes, este examen para entrar en el programa nacional de estudios determinará su vida. Nian (Dongyu Zhou), ha estado absorta preparando el examen, dejando todo de lado, aunque un compañero de clase se ha suicidado y ella ha sufrido bullying. Nian conocerá a un criminal de poca monta con el que hará un pacto. El gaokao chino también determina el destino de todas las familias de los participantes. Nian se convierte en el objetivo de una intimidación implacable, el destino la une con el misterioso Bei (Jackson Yee) y los dos forman una fuerte amistad. Antes de que puedan retirarse por completo a un mundo propio, los dos se ven arrastrados en medio de un caso de asesinato de una adolescente en el que son los principales sospechosos. Bajo la apariencia de una apasionante historia de amor, Better Days expone el oscuro mundo de la intimidación y las presiones sociales que enfrentan los jóvenes de hoy. La película fue seleccionada para su estreno mundial en el 69° Festival Internacional de Cine de Berlín, que se celebró del 7 al 17 de febrero de 2019, donde se proyectaría como parte del programa Generation 14plus. Sin embargo, poco antes del inicio del festival, el 4 de febrero de 2019, se anunció que las cuatro proyecciones debían cancelarse. No se dio ninguna razón en particular.
“Nosotros ya no somos humanos. Sólo les importa el dinero”. Esta afirmación hiriente está muy lejos de ser una simple frase sin fundamento; es la expresión de una fe idealista en el documental Collective de Alexander Nanau. La investigación llevada a cabo en la película revela que el sistema sanitario rumano está gangrenado hasta la médula. La corrupción en todos los niveles hace que mueran de forma absurda ciudadanos que pensaban que sus hospitales podrían curarlos; y todo con la complicidad de los poderes públicos. Una explicación terriblemente edificante que el director alemán (nacido en Rumanía y conocido por su trabajo anterior, Toto et ses sœurs (Toto y sus hermanas), exhibe con una maestría cinematográfica excepcional, en las antípodas de una investigación televisiva estándar. La película combina el suspense digno de un thriller con los sucesivos descubrimientos de los periodistas y los intentos de un nuevo ministro por mejorar el sistema. También tiene secuencias con poco énfasis pero muy respetuosas, dedicadas a las víctimas y a los supervivientes. Todo empieza con un suceso muy mediático. El 30 de octubre de 2015 se declara un incendio en el Colectiv Club, una discoteca de Bucarest, que carecía de salidas de emergencia: 27 jóvenes mueren y 180 resultan heridos (90 en estado grave). El gobierno rumano afirma que serán cuidados “tan bien como en Alemania”. Pero 37 de los quemados mueren en las semanas posteriores pues, como reveló una fuente a los periodistas Catalin Tolontan, Mirela Neag y Răzvan Lutac que deciden iniciar una investigación, “fueron ingresados en un ambiente no esterilizado y expuestos a una de las bacterias hospitalarias (el bacilo Pseudomonas aeruginosa) más resistentes de Europa”. El trío de La Gazette des Sports descubre que los productos desinfectantes que proporciona Hexi Pharma a 350 hospitales con 2000 quirófanos, son diluidos hasta diez veces la dosis normal. Una práctica que esconde una corrupción a varios niveles, circuitos de evasión fiscal y la protección del Estado, que estaba al corriente de la situación, desde hacía bastante tiempo.
CATEGORÍA MEJOR DOCUMENTAL:
12.- Campamento extraordinario … Crip Camp: A Disability Revolution … Directores: James Lebrecht y Nicole Newnham … EUA 2020
Producida por Barack y Michelle Obama, Crip Camp: A Disability Revolution (Campamento Extraordinario) es una cinta tremendamente inspiradora que muestra un episodio poco conocido de la historia moderna en los Estados Unidos. En 1971, la vida de un grupo de adolescentes con discapacidades motrices, sensoriales e intelectuales cambiaría para siempre tras asistir al campamento Jened, un retiro veraniego situado a un par de horas de la ciudad de Nueva York. Un lugar idílico que empoderaba a los jóvenes a ser ellos mismos, a expresar sus ideas, y a participar en una serie de actividades que el mundo exterior los había privado de realizar. Cansados de vivir a expensas de sus padres y de experimentar el constante rechazo de la sociedad, los chicos decidieron utilizar su experiencia en dicho campamento como un catalizador para encender la mecha de una gran revolución a escala global. El filme nos muestra la incansable lucha del grupo, comandado por Judith Heumann, para que el gobierno aprobara e implementara la Sección 504 del Acta de Rehabilitación, una ley federal que protegería a las personas con discapacidad y que aseguraría su integración a actividades escolares y profesionales al proveer un entorno inclusivo y accesible. Gracias al montaje histórico presentado en el documental podemos atestiguar el espíritu activista de este grupo de jóvenes quienes, inspirados por los grandes movimientos sociales de la época, jamás se rindieron y organizaron manifestaciones desde San Francisco hasta Washington D.C., para acabar con los estigmas que, por años, les despojaron de sus derechos y libertades más básicas. Una larga batalla que culminaría un par de décadas más tarde con la promulgación del ADA (Americans with Disabilities Act), un mandato que prohíbe la discriminación de individuos en base a sus discapacidades, y el cual serviría como estandarte para otras naciones alrededor del mundo. Ganadora del Premio de la Audiencia al Mejor Documental en la edición del Festival de Cine de Sundance 2020, Crip Camp nos comparte su principal enseñanza y llamado de acción en uno de los diálogos de Denise Jacobson, una de las protagonistas del filme que tiene parálisis cerebral: “Pueden aprobar una ley, pero hasta que no cambien las actitudes de la sociedad, esa ley no significará mucho”. Tres décadas después del decreto del ADA, aún queda un largo camino por recorrer. Para ello, es importante fomentar la empatía en el resto de la población, para que estos comprendan y entiendan las barreras que aún limitan y restringen a ciertos individuos de participar en muchas de las actividades cotidianas. Crip Camp es justamente ese relato de empatía, necesario para mover conciencias y para preservar ese espíritu de lucha y activismo hacia la equidad e inclusión, tanto en el mundo físico como en el ámbito tecnológico.
13.- The Mole Agent … El agente topo … Directora: Maite Alberdi … Chile / EUA / Alemania / Países Bajos / España 2020
El agente topo nos presenta a Rómulo, un investigador privado, que recibe de parte de una clienta, el encargo de investigar sobre el estado de salud de su madre, quien vive en un asilo. Para llevar a cabo la misión contrata a Sergio, un hombre viudo de 83 años, quien debe internarse en el asilo como un agente encubierto. Allí, Sergio lucha por cumplir su misión mientras inevitablemente, empieza a involucrarse en la vida de las residentes de ese hogar. La mejor manera de adentrarse en El agente Topo es ir sin ningún tipo de conocimiento sobre el largometraje. De esta forma, el espectador va descubriendo poco a poco la magnitud de la historia, la cual comienza como una comedia de espías muy agradable, que pronto revela su verdadero ser. Por lo cual, no es un documental común y corriente, sino que busca, a través de una aparente ficción, dar rienda suelta a la verdadera historia que se desea contar. Por un lado, ese aspecto de “agente secreto”, permite que sea el nexo de unión entre los distintos relatos que se plantean en el filme. Una forma interesante de unificar las distintas partes. Incluso llega a contar la suya propia y siendo parte de lo que se está narrando y la necesidad emocional de hacerlo. Hablar de la tercera edad es una misión muy importante en sociedad, dado que se pueden ver perfectamente algunas de las problemáticas que envuelve la situación de estas personas durante la vejez. Sin embargo, lejos de mostrarse desde una vertiente más oscura, o triste, se consigue dar luminosidad con la alegría de las distintas personas que la forman. Gracias a desengranar las vidas que hay detrás, se conecta perfectamente con las distintas líneas que se conforman. Igualmente, hay un punto desgarrador en toda esa inocencia, donde las vidas en paralelo confluyen y es el sentimiento de la soledad. Por este motivo, las sensaciones invaden la película según va avanzando, dejando un final reflexivo sobre cómo son tratadas las personas de mayor edad por la sociedad. Aun así, no busca la lágrima fácil, sino que siempre alude a una solución, que cada uno debe mirar en sí mismo.
14.- Lo que el pulpo me enseñó .. Mi maestro el pulpo … My octopus teacher … Directores: Pippa Ehrlich y James Reed … Sudáfrica 2020. Documental
Cuando hablamos de documentales, no podemos olvidarnos de la naturaleza y el mundo animal, y precisamente este documental en concreto se centra en un relato casi imposible sobre la improbable amistad entre un humano y un pulpo. Lo que el pulpo me enseñó es un documental que comenzó a rodarse en 2010, cuando el cinefotógrafo y director Craig Foster se encontraba desencantado con su carrera. En un intento por desconectar, terminó conectando de manera inesperada con la naturaleza cuando comenzó a practicar submarinismo en un bosque de algas en la costa de Sudáfrica. Allí, Foster comenzó a filmar la vida marina de este pequeño ecosistema, y muy pronto una pequeña hembra de pulpo captó su curiosidad. Al principio, el animal desconfiaba de él, lógicamente, pero después de varias visitas, el fotógrafo consiguió ganarse la confianza del pulpo y ambos trabaron una peculiar amistad, con Foster acompañando al pulpo durante la mayor parte de la vida de esta. Dirigido por Pippa Ehrlich y James Reed y producido por el propio Foster, Lo que el pulpo me enseñó es un interesante retrato de la vida marina en este pequeño rincón de las costas sudafricanas y un emotivo relato de la relación entre el hombre y la naturaleza. Durante un año, Foster filmó la vida de este pequeño pulpo y diversos encuentros que consiguen mantenernos en tensión, ya que el cinefotógrafo se esforzó al máximo por no interrumpir el orden natural del ecosistema y en varios momentos tenemos el corazón en un puño cuando el pulpo está en peligro frente a sus depredadores. Lo que el pulpo me enseñó nos acompaña y guía durante el día a día de este peculiar animal, consiguiendo que empaticemos con ella y celebremos como una victoria algo tan simple como verla cazar un cangrejo y pasarla realmente mal cada vez que un tiburón aparece por el bosque de algas. Sin duda el punto fuerte de este documental, es su impresionante fotografía. Foster documentó durante varios meses la vida marina del bosque de algas, consiguiendo captar impactantes imágenes submarinas de este ecosistema, con algunos fotogramas que son una auténtica preciosidad llenos de luz y color. De esta manera, Lo que el pulpo me enseñó nos muestra cada pequeño detalle del lugar, sus recovecos y todas las criaturas que lo habitan. Mostramos algunos de los documentales basados en historias reales de lo más impactantes que sin duda harán que más de uno cambie su forma de ver el mundo. La fotografía está cuidada al máximo, por lo que no es de extrañar que parte del metraje haya aparecido en otros documentales en los que Foster ha participado, como el episodio Green Seas de Blue Planet 2 de la BBC, en el que se le dedicó un pequeño espacio a este mismo pulpo por su curioso comportamiento, ya que en diferentes ocasiones muestra una inventiva nunca antes vista en un animal así. My Octopus Teacher es una historia sencilla, centrada en esta peculiar relación entre Foster y el pequeño pulpo, y lo que efectivamente el cinematógrafo aprende del pulpo y de la vida marina para aplicarlo en su propia vida e incluso en las relaciones con su familia. Es un relato emotivo que se aleja de los datos científicos para centrarse en la percepción personal de este animal y su entorno.
Fox Rich es una luchadora, emprendedora y madre de seis niños, que ha pasado las últimas dos décadas haciendo una campaña para la liberación de su marido, Rob G. Rich. Una violación: 13 años de cárcel (promedio). Asesinato en primer grado: 25 años (en algunos estados). Una pareja de jóvenes afroamericanos intenta asaltar un banco a mano armada: 60 años de prisión para Robert Rich, sin opción a reducción de la pena. ¿Qué es lo que falla en Estados Unidos? El documental Time denuncia la discrecionalidad judicial y el racismo, pero pone en el foco de atención en la vida de una familia que ha de vivir con el padre en prisión. Desde que ella y su marido cometieron la peor decisión de sus vidas, Fox Rich lleva 20 luchando por la proporcionalidad de la pena de Rob y registrando los momentos familiares a los que él no puede acompañarlos. Time combina ambas facetas, presente y archivo, para tratar de que nos hagamos una idea de qué son 60 años en prisión para una familia. La directora Garrett Bradley, que con Time ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance, debería poder compartirlo con Sibil Fox Richardson: a quien todos llaman Fox Rich. Sus vídeos domésticos son el alma de Time. Entre ese archivo y las imágenes del presente veremos cómo crecen los hijos de Fox y Rob sin su padre y cómo ella se convierte, de una joven madre enamorada de veinte años y sonrisa esperanzada, a una carismática vendedora y oradora profesional. El análisis de la criminalización de los afroamericanos, entre la discrecionalidad y el racismo, que realizó el documental Enmienda XIII ( 13th / Directora Ava DuVernay / EUA 2016), los hermosos videos domésticos que una joven madre enamorada pueda dirigir a su marido en prisión, son algunos de los puntos fuertes de este documental.
PELICULAS NOMINADAS EN DIVERSAS CATEGORÍAS
16.- La madre del Blues … Ma Rainey’s Black Bottom … Director: George C. Wolfe … EUA 2020
Viola Davis, quizá, la actriz afroamericana más destacada del momento, ganadora del Oscar a Mejor Actriz Secundaria por Barreras ( Fences – Denzel Washington / 2016) protagoniza Ma Rainey’s Black Bottom ( La Madre del Blues) junto al recientemente fallecido Chadwick Boseman, nominado de manera póstuma al Oscar como Mejor Actor, también famoso por su personaje de Black Panther en el Universo Marvel. Ambos interpretan personajes en la cinta dedicada a la pionera del blues Ma Rainey y a Levee, el trompetista de su orquesta, respectivamente. La película gira en torno a ambos músicos y las tensiones que se generan cuando Rainey y su orquesta están grabando un disco en el Chicago de la década de 1920. La cinta está dirigida por George C. Wolfe, veterano director y productor teatral de Broadway. Su estilo, acostumbrado a las tablas de un escenario, se siente en Ma Rainey’s Black Bottom en casi la totalidad de la película. El desarrollo de la trama se circunscribe básicamente a dos espacios, las salas de ensayo y la de grabación, en las que la cámara rodea al reparto entre momentos de diálogos largos y algunos monólogos testimoniales. Si bien existen chispazos visuales interesantes, el resultado final sigue siendo una película con un fuerte tufo teatral, donde el peso narrativo recae en el trabajo actoral. Viola Davis y Chadwick Boseman están brillantes en sus interpretaciones. En el caso de Davis, su trabajo se aleja de los estereotipos de la mujer sufrida y marginada para convertirse en una insoportable diva. Es inevitable sentir antipatía por Ma Rainey y Davis, con sudor, lágrimas y mucho maquillaje se impone como una figura que hechiza al público. Por su parte, Boseman personifica el espíritu aventurero de Levee, la volatilidad de su personalidad y el impulso detrás de quienes crean música. Se trata, definitivamente, de la mejor actuación de su corta carrera y es de esperarse que los premios póstumos se encuentren a la orden del día. Dentro del reparto, hay que destacar el trabajo de Glynn Turman, actor poco conocido, pero que consigue el rol secundario más sólido de la cinta. Ma Rainey’s Black Bottom funciona bien y, a pesar de su teatralidad, lleva consigo ese mensaje reivindicador de la cultura afroamericana tan presente en la obra de August Wilson. Hay que decir también que la cinta carece de algo que le sobra al blues como género musical, frescura y sentimiento. Una película que destaca, además de por la citada actuación de Viola Davis, por la ambientación de la época, por el vestuario y el maquillaje, y en general por casi todos los aspectos artísticos y técnicos, pero que es bastante irregular. En los créditos finales vemos las imágenes de los personajes reales en blanco y negro, y escuchamos la canción con la voz de Ma Rainey.
17.- Los Estados Unidos contra Billie Holiday … The United States vs. Billie Holiday … Director: Lee Daniels … EUA 2021
El propósito de Los Estados Unidos contra Billie Holiday no es solo el de contar una historia con una mirada en la actualidad sino también el de rescatar un personaje, darle un contexto y afirmarlo dentro de una galería de figuras representativas para los reclamos de la comunidad afroamericana. La disputa que propone The United States vs. Billie Holiday es más que un caso judicial puntual. Se trata de una cacería organizada que constituye un acto de represión. El filme de Lee Daniels es una biopic que puede lucir un tanto desordenada en la presentación de lo que narra, aunque es fácil distinguir que sigue dos líneas argumentales centrales. Primero cuenta la persecución que sufre la cantante, interpretada en un potente trabajo por Andra Day, por parte de una división especial del FBI comandada por Harry Ainslinger (Garrett Hedlund), que luego de levantarse la prohibición de la venta de bebidas alcohólicas se dedicó a investigaciones relacionadas con narcóticos. El segundo gran problema que recorre la película es la adicción de Holiday a la heroína, lo que la pone al alcance de los federales. El planteamiento que sigue el filme, es que la cantante fue perseguida porque puso en el centro de su obra a la canción Strange Fruit. La de Holiday, en ese sentido, era una voz disidente y por eso sobre ella pesó siempre la amenaza del enjuiciamiento y la cárcel. Con algunas imperfecciones, se trata de un retrato interesante y por momentos elegante de una cantante perseguida por su obra y por ser quién fue. Estados Unidos no te merecía, Billie Holiday.
18.- Fragmentos de una mujer … Pieces of A Woman … Director: Kornél Mundruczó … Canadá / Hungría / EUA 2020
El filme del realizador húngaro Kornél Mundruczó responde a los parámetros de una lograda metáfora audiovisual en torno a las pérdidas emocionales que acechan la existencia de un personaje femenino en la plenitud de sus capacidades físicas. La interpretación de su protagonista, la actriz Vanessa Kirby, resulta meritoria y destacable, en una obra cinematográfica. La idea de los “fragmentos de una mujer” es de esas figuras líricas que no se revelan hasta el final, y que a simple vista pueden brindar una impresión muy diferente a sus expectativas. Y es que al principio, al contemplar este relato de Kornél Mundruczó (1975), su referencia a “fragmentos” puede interpretarse como las consecuencias de esta pérdida, esta que su guionista, Kata Wéber, redacta de tal manera que su eje no es otro que este duelo, el duelo de una madre ante la abrupta muerte de su hija, aparentemente, por negligencia de una matrona. El director de esta abrumadora película, retrata el cambio que afrontan sus protagonistas, que además, se ejecuta ingeniosamente durante un periodo invernal por su obvia evocación a la tristeza. Dentro de las muchas virtudes que atesora Fragmentos de una mujer, está la colocación a un nivel socialmente adaptado de la devastación que sigue a la pérdida, que no es tan explosiva como la propia muerte, pero sí anuladora e incapacitante, y como con cada paso que se da hacia delante en el tiempo, el alma quizá se parte más en un ejercicio de protección ante el dolor inevitable. Dice Vanessa Kirby que “espera que la película sea una pequeña parte del comienzo de una conversación en el que las mujeres y las familias se sientan menos solas tras la pérdida de un hijo”, y quizá esa sea el logro que alcanza con más precisión. Después de ver la película, el espectador se siente un poco más cerca de entender ese dolor.
19.- Una Noche en Miami… One Night In Miami … Directora: Regina King … EUA 2020
Una noche en Miami… es el debut, en la dirección de un largometraje, de la oscarizada actriz Regina King. Toma como punto de partida una ficticia reunión entre Cassius Clay, Malcolm X, Sam Cooke y Jim Brown en 1964, para disertar sobre la lucha por los derechos civiles durante los años 60. One Night in Miami es una película que honra a las leyendas de la cultura afroamericana, que desarrolla un ensayo audiovisual tanto personal como político acerca de los derechos humanos, cuyo objetivo principal es mover y hacer reflexionar a la audiencia sobre el contexto en el que viven. Regina King nos trae a la pantalla una obra de teatro de Kemp Powers, mismo hombre que funge como guionista, de One Night in Miami. Relato ficticio de lo que pudo haber sucedido la noche en que varias leyendas de la cultura afroamericana se encontraron en el motel Hampton House de Florida. Malcolm X, Cassius Clay, Jim Brown y Sam Cooke. Un activista, un boxeador, un deportista y un cantante, respectivamente con posturas ideológicos al parecer similares y con temperamentos distintos e incluso antagónicos y con diferentes visiones sobre el racismo del país norteamericano. Una noche en Miami… muestra una reunión de amigos que deviene en conflicto. Si bien los cuatro tienen un sustrato en común, ser de color, jóvenes y triunfadores, miran el mundo con ojos distintos. La principal confrontación será entre Malcolm X y Sam Cooke, y girará en torno al papel que juega la fama en la reivindicación de ideales.
20.- Borat, siguiente película documental … Borat, película film secuela … Borat Subsequent Moviefilm … Borat Subsequent Moviefilm: Delivery of Prodigious Bribe to American Regime for Make Benefit Once Glorious Nation of Kazakhstan … Director: Jason Woliner … GB / EUA 2020
Catorce años después de la sorprendente película original que consagró a Sacha Baron Cohen se estrenó, apenas 11 días antes de la crucial elección presidencial en los Estados Unidos, esta secuela recargada que resulta la sátira política más despiadada y controvertida sobre estos tiempos de fake news, negacionismo y cultura del odio. A Donald Trump, con humor y rencor. Quienes vieron Borat: El segundo mejor reportero del glorioso país Kazajistán viaja a América (2006) saben que esta apuesta por el falso documental no es precisamente sutil, pero tampoco cobarde. Si aquella película bizarra y extrema hirió sensibilidades, despertó iras y dividió opiniones, mucho más lo hará esta secuela que duplica (o triplica) la apuesta. Pocas veces se ha descripto a la América profunda, esa que fue y los republicanos pretenden siga siendo la carta de triunfo del populismo reaccionario de Trump, con tanto desparpajo y explicitud. Borat nos explica que el dictador que gobierna Kazajistán, admirador de Vladimir Putin, Jair Bolsonaro y sobre todo de Donald Trump, lo ha culpado de todos los males de los últimos años, pero, luego de sufrir todo tipo de ultrajes, le encomienda viajar a los Estados Unidos para entregarle como ofrenda un mono llamado Johnny (que además es estrella porno) a “McDonald” Trump y así conseguir su amistad. Lo cierto es que en verdad quien llega con él es su hija Tutar, la actriz búlgara Maria Bakalova, toda una revelación, y entonces, el patético periodista no tiene mejor idea que entregársela al vicepresidente Mike Pence y luego al ex alcalde neoyorquino Rudolph Giuliani. La película recorre prácticamente todos los principales tópicos de la América ultraconservadora actual: el negacionismo (del Holocausto y tantos otros temas), los cuestionamientos a los científicos (empezando por Anthony Fauci), las mentiras sobre el Coronavirus (el “virus chino”), las marchas anticuarentena en plena pandemia, el racismo y el KKK, el tráfico sexual, el culto por las armas, el aborto, las cirugías plásticas, el odio hacia el feminismo, las teorías conspiranoicas de Qanon y un largo etcétera. ¿Que tiene muchos gags torpes o banales? ¿Que es en varios pasajes desprolija? ¿Que se aprovecha en unos cuantos momentos de “gente común”? ¿Que puede ser irritante y revulsiva para ciertos espíritus más serios y tradicionales? Todo eso es cierto, pero dejemos las sutilezas para otros comediantes y otros tiempos. Borat regresó a las volandas, porque son tiempos urgentes y el arte en muchos casos puede (¿y debe?) sintonizar con su época. Sacha Baron Cohen clava su estandarte en la cima de la podredumbre de la fenecida era Trump. Su proclama es por demás contundente. Tómela o déjela.
21.- Hillbilly, una elegía rural … Hillbilly Elegy … Director: Ron Howard … EUA 2020
Hillbilly una elegía rural, son las memorias escritas por J.D Vance a la inusualmente temprana edad de 31 años. En 2016 se convirtió, particularmente en Estados Unidos, en un considerable fenómeno literario. ¿Por qué unas prematuras memorias de un absoluto desconocido se convirtieron en éxito? Muchas personas detectaron en el libro la respuesta al por qué de la victoria de Donald Trump en la anterior legislatura. El libro, que no deja de ser una historia de superación personal, reflejaba la vida de lo que se dio en llamar “los perdedores de la globalización”. Estados industriales depauperados por una racha de desempleo y deslocalizaciones. El término Hillbilly se acuñó a principios del siglo XX para definir a los habitantes de la zona montañosa de los Apalaches y vendría a ser el equivalente a decir “paleto o palurdo”. Lo primero que vemos en Hillbilly, una elegía rural, es a J.D Vance en una cena/entrevista en Yale para un importante bufete de abogados. En esa cena se ofende cuando uno de los entrevistadores trata con displicencia a los hillbillies. Evidentemente, porque él y su familia lo son. También durante la cena, J.D recibe una llamada con una mala noticia: su madre, Bev, está ingresada en un hospital por sobredosis. La película está dirigida por un clásico de la industria de Hollywood como Ron Howard y cuenta con un destacado reparto encabezado por Amy Adams (Animales nocturnos, La llegada), Glenn Close (Amistades peligrosas, Atracción fatal) y Gabriel Basso (Super 8, Toda la verdad). La película muestra como a través del esfuerzo se consigue prosperar en la vida, incluso cuando el entorno familiar no es lo más favorable. Hillbilly Elegy, es la más reciente película del multifacético realizador Ron Howard y ha sido duramente atacada por la crítica estadounidense, que considera que la cinta es un franco tributo a la “basura blanca” que en su mayoría apoyó la candidatura de Donald Trump en las elecciones del 2020. La visión pretendidamente “liberal” de Hillbilly, una elegía rural, peca de intolerante y politiza un drama familiar. Una Elegía Rural es honesta en coreografiar los momentos de mayor dolor emocional, sin embargo, estas piezas terminan siendo fichas aisladas que nunca logran armarse plenamente. El guion pareciera haber agarrado capítulos específicos del libro sin un sentido de unidad. Y, quizá, ese sea el mayor problema de la cinta, hay un innegable esfuerzo de Howard por conseguir una película manipuladora y atractiva en términos de crítica y premios. La espontaneidad es una presencia inexistente. A pesar de esta ambigüedad en la narración y de una complacencia con sus personajes, la película consigue dos logradas actuaciones de sus dos protagonistas principales. Amy Adams está totalmente convincente como Bev, la adicta y desinteresada madre de J.D. Sin embargo, es Glenn Close como la abuela Mamaw quien se roba la película. Totalmente irreconocible detrás de unos lentes inmensos, Close es el hilo conductor de la cinta y su presencia se puede sentir incluso en las escenas en las que no aparece. Haley Bennet destaca como Lindsey, la hermana de Hillbilly, una elegía rural J.D y el soporte emocional de la historia. La visión de Hillbilly, Una Elegía Rural termina siendo más sensacionalista que íntima.
22.- Noticias del gran mundo … News of the World … Director: Paul Greengrass … EUA / China 2020
Corre el año de 1870. El capitán Jefferson Kidd (Tom Hanks), un exmilitar confederado, recorre los condados leyendo noticias a la gente mientras su mujer se encuentra en la ciudad de San Antonio. Un día, tras leer sus noticias en Wichita, Kidd se encuentra con una niña (Helena Zengel) que parece haber perdido a sus padres. Kidd le habla, pero ella responde en el idioma de los kiowas. Poco después, emprende un viaje para entregarla a sus tíos en Castroville. Noticias del gran mundo es una película que muestra el proceso de descubrimiento y profunda familiaridad que surge entre el capitán Jefferson Kyle Kidd, interpretado por Tom Hanks y Johanna, la prodigiosa actriz alemana Helena Zengel, quien da vida a una niña secuestrada por la tribu Kiowa, cuando atacan la casa de sus padres. En este largo y duro camino hacia la casa de sus tíos, se encuentran con numerosos problemas y establecen una relación que va más allá de la simple convivemcia. Al final ambos encontrarán refugio en el otro para aceptar su pasado. El filme dirigido por Paul Greengrass funciona en varios sentidos, como una superación del duelo por parte de ambos personajes o como un western clásico con toques intimistas. A lo largo del camino se encuentran con personajes que ayudan a profundizar en temas como la desinformación, la pertenencia a un lugar o la distinta concepción del mundo que tenían los indios y los estadounidenses. La trama central de la historia gira en torno a la incomunicación, ya que el capitán Jefferson Kyle Kidd lleva noticias a aquellos pueblos incomunicados y también dada la relación del capitán con Johanna, con una comunicación complicada verbalmente, pero semejante en sentimientos. Noticias del gran mundo destaca el carácter didáctico que tiene el trabajo del capitán Jefferson Kyle Kidd, concibiéndolo como lo que serían ahora los noticiarios. Noticias del gran mundo nace como un western de estructura clásica y ritmo pausado, pero añade el intimismo que aporta el capitán Jefferson Kyle Kidd, que vaga por los pueblos en busca de redención divina por sus pecados. El director aporta al personaje reflexiones sobre la muerte, la guerra o la educación infantil. La historia se basa en la novela de la escritora Paulette Jiles homónima News Of The World, ambientada en 1870 en Texas, un par de años después de concluida la Guerra de Secesión. La película respeta la premisa principal del relato: una importante lectura sobre el periodismo, la narración y el poder de palabra. Es esta maravillosa y épica película, con plano gran angular incluido, una hermosa oportunidad para los espectadores de rescatar una vez más a un género tan noble como el Western.
23.- Greyhound: Enemigos bajo el mar … Greyhound: en la mira del enemigo … Greyhound … Director: Aaron Schneider … EUA / Canadá / China 2020
Greyhound es un excelente filme bélico, centrado en una única misión que transcurre en los primeros meses de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial. El Comandante de la Marina Ernest Krause (Tom Hanks) es asignado para dirigir un convoy aliado a través del Atlántico. Es la primera misión que se le asigna a pesar de tener una larga carrera en la marina. Krause está al mando del USS Keeling (llamado Greyhound) y aunque no se espera que sea una misión fácil, el desafío es mucho más grande de lo que inicialmente todos pensaban. Un grupo de submarinos nazis acecha al convoy para evitar que llegue a destino. La película, basada en el libro The Good Sheperd (El buen pastor) escrito nada menos que por uno de los grandes de la literatura marítima de todos los tiempos C. S. Forester, tiene guion de Tom Hanks. Krause es profundamente creyente y eso atraviesa su pensamiento y su misión. La novela de Forester desde el título tiene ese doble significado. La nave debe cuidar al convoy como un pastor cuida a su rebaño, pero a la vez el buen pastor es la imagen de Dios en el Antiguo Testamento y de Jesucristo en el Nuevo Testamento. Sus decisiones son producto de su inteligencia, su conocimiento y sus ideas, pero su fortaleza está respaldada por su fe. Cada muerte que no puede evitar le pesa. Le cuesta festejar las bajas del enemigo y se refiere a los primeros muertos que logra destruir como “cincuenta almas”. Como el protagonista de Rescatando al soldado Ryan y el de Puente de espías, Krause cumple con su misión, ocupa el lugar que le corresponde. Cuando al final, seguro y convencido quiere ir por más, acepta al instante la orden que le dan y vuelve a ocuparse en esta nueva tarea, aunque no sea tan heroica como la que acaba de completar. En cuanto a la narración en sí, Greyhound es una completa maravilla. Un filme de guerra naval totalmente concentrado, sin vueltas. Tiene un personaje principal y de allí derivan todos sus temas. Hay más complejidad en este objetivo puro de la que hay muchísimos filmes grandilocuentes. Claro que tiene suspenso y acción y hay momentos de batalla que ya están listos para pasar a la historia del género. La película hereda esa costumbre olvidada de no irse por las ramas, de apuntar a una historia concreta, como los filmes clásicos, pero a la vez aprovecha las posibilidades técnicas para armar una batalla de alto impacto, verdaderamente sorprendente.
Christopher Nolan redescubre para el cine la virtud del asombro. Toda la película se sostiene sobre el más elemental de los trucos que descubrió para sí el cinematógrafo: la posibilidad de hacer correr el tiempo hacia atrás. De la misma manera que el tren de los Hermanos Lumiére entra en la estación de La Ciotat, basta girar la manivela en sentido inverso para verle regresar a su lugar de origen que, de repente, es el de destino. Y sobre ese casi sagrado precepto, el director insiste en sus obsesiones temporales para componer un rompecabezas prodigioso donde todo, por increíble que parezca, encaja hasta el último y más explosivo de los detalles. Es cine que explosiona, es inteligente y complejo y sin dejar ni prisioneros ni heridos.
25.- Tigre blanco … The White Tiger … Director: Ramin Bahrani … India / EUA 2020
Tigre blanco (The White Tiger) es un excelente drama cautivador, co-producción entre India y Estados Unidos, escrito y dirigido por Ramin Bahrani. La película está basada en la novela homónima del escritor y periodista indio Aravind Adiga, ganadora del Man Booker Prize en el año 2008. Balram (Adarsh Gourav), nos narra su increíble ascenso (sin dejar títere con cabeza) de aldeano pobre y miserable a empresario exitoso en la India Moderna. Astuto, listo y ambicioso, nuestro joven héroe se las ingenia para convertirse en chófer de Ashok (Rajkummar Rao) y su esposa Pinky (Priyanka Chopra), los cuales acaban de regresar de Estados Unidos. La sociedad ha entrenado a Balram para ser una sola cosa, un sirviente, por lo que se vuelve un elemento indispensable en la vida de sus ricos amos. Pero después de una noche de traición, se percatará de hasta qué punto son capaces de llegar para salvarse ellos. Con todo perdido, Balram se rebelará contra un sistema corrupto, manipulador y desigual para levantarse y convertirse en un nuevo tipo de empresario, no de amo. La trama, que narra el ascenso social y económico de nuestro protagonista, se siente como una furiosa respuesta al Slumdog Millonaire (Quisera ser millonario) del realizador inglés Danny Boyle. Así, Bahrani realiza un retrato menos edulcorado de la India real en donde las costumbres familiares, las castas y la enorme brecha que separa a ricos y pobres sí que tienen verdadera repercusión en el personaje principal, llevándolo por un camino de sueños cumplidos, pero también de sangre e ideales rotos. A lo largo de varios años, en la película asistimos a la evolución de un sirviente llamado Balram, que trabaja para el privilegiado Ashok (Rajkummar Rao) y su novia Pinky (Priyanka Chopra). Interpretado por un sumamente inspirado Adarsh Gourav (Hostel Daze), este, no tan inocente aldeano, es objeto del trato precario de sus dueños y testigo directo de la hipocresía de la clase alta. No obstante, Balram termina ‘traicionándose’ a sí mismo una y otra vez y acaba siendo un esclavo por partida doble: de su ‘maestro’ y de las acciones derivadas de su justificada ambición. El problema llega cuando, detrás de tanta crítica mordaz y varias rupturas de la cuarta pared, nuestro protagonista no ejecuta ni un solo acto moralmente razonable. Al fin y al cabo, ¿acaso le queda otra opción en esta India donde todo es blanco o negro? La cinta, movida por una excesiva narración a base de humor negro y curiosas elucubraciones mentales, avanza con buen ritmo y consigue atrapar gracias al carisma del actor protagonista.
26.- 5 Sangres … Da 5 Bloods: Hermanos de armas … Da 5 Bloods … Director: Spike Lee … EUA 2020
El argumento de 5 Sangres, la más reciente película de Spike Lee, trata sobre cuatro ex combatientes del mismo batallón que regresan a Vietnam a rescatar el cuerpo del quinto integrante, caído en combate. Cuentan con los papeles que los autorizan a buscar y trasladar el cuerpo de vuelta a Norteamérica para que sea enterrado en el cementerio militar junto a los demás soldados que murieron en la guerra. Pero además se proponen recuperar un cargamento de lingotes de oro que quedó enterrado en la jungla vietnamita. El grupo de ex soldados negros se hace llamar The bloods, nombre que en la realidad utiliza una pandilla urbana de Los Ángeles. En el cuarteto protagónico se destacan Paul (Delroy Lindo) y Otis (Clarke Peters). Paul está completamente desencantado con la situación política en su país, se reivindica como votante de Donald Trump y lleva una gorra con el lema de ‘make America great again’. Otis, a su vez, se rencuentra en Saigón con una mujer con la que tuvo un romance, y para su sorpresa, una hija. Esta mujer lleva adelante dos acciones clave. Primero los introduce al mercader francés Derouche (Jean Reno), a quien le van a vender el oro una vez que lo saquen de la selva. En segundo lugar, le da una pistola a Otis y, a modo de presagio, le advierte que nada bueno puede suceder en la jungla y con oro de por medio. La película es una tormenta narrativa, por momentos caótica, que combina la travesía presente de los bloods con su pasado en la guerra. Las líneas generales que aborda el discurso de Spike Lee tienen que ver con una reivindicación de los negros y sus luchas, encadenando, justamente, los padecimientos que sufrieron los esclavos desde el siglo XVII a los que perciben los ciudadanos afroamericanos en la actualidad, reivindicando en el medio las convulsiones políticas y sociales de los años 60 y 70. Por momentos la trama de la película parece una mera excusa para dar un discurso. El contexto actual le provee un marco extraordinario para efectuar tal operación.
27.- Love and Monsters … Director: Michael Matthews … Canadá / EUA 2020
Siete años atrás, la humanidad destruyó con misiles nucleares un meteorito que estuvo a punto de chocar contra la Tierra. Y aunque la humanidad se salvó, lo que no tuvo en cuenta era que millones de toneladas de restos cósmicos radiactivos caerían a la Tierra, provocando una oleada masiva de mutaciones en insectos y pequeños animales, convirtiéndolos en monstruos mutantes indestructibles que terminaría por asolar el planeta. Dylan es un joven que ya lleva siete años encerrado en el bunker subterráneo donde convive con un puñado de supervivientes, los cuales han formado familia y amigos. Y cada vez que alguno de ellos sale de expedición o perece en el intento, sus familiares y conocidos lloran su esfuerzo. Pero nadie extrañará a Dylan ya que es un solitario, un muchacho que tuvo que dejar a su novia adolescente de apuro hace siete años cuando la gente salió corriendo a esconderse tras la invasión de bichos gigantes; y ahora, sumido en la más profunda depresión, ha decidido no morir solo en medio del Apocalipsis. Armado con un equipo de supervivencia, Dylan ira a buscar a su chica, con la cual ha estado hablando todos estos años a través de una radio de onda corta, atravesando las 90 millas que lo separan del bunker donde ella vive. Pero para Dylan, que solo sabe cocinar, jamás manejó un arma y se congela ante el peligro, las oportunidades de sobrevivir son mínimas. Es en ese primer trayecto del viaje cuando se topará con un curtido viejo guerrero y la niña salvaje que lo acompaña, los cuales no sólo le mostrarán como sobrevivir en un ambiente tan hostil, sino que le enseñarán un par de cosas importantes sobre el verdadero sentido de la vida. Love and Monsters es otro de esos filmes de “cuentos de crecimiento” donde el protagonista empieza de una manera y termina de otra. Y si, es una road movie pero a pie. Hay bichos, hay experiencias, hay androides educacionales, hay ciudades semidestruidas, hay vegetación mortal… y hay enseñanzas. El filme no es una comedia estridente sino simpática, algo hablada de más, con algunas acrobacias, pero nada con la cual uno se ponga de pie para aplaudir.
28.- Cielo de Medianoche … The Midnight Sky … Director: George Clooney … EUA 2020
En el futuro febrero del año 2049, el científico Augustine Lofthouse (George Clooney) se queda solo en un observatorio del Ártico mientras la población intenta sobrevivir a un cataclismo que ha dejado la Tierra inhabitable. Augustine intenta localizar misiones espaciales activas y encuentra una, Aether, a la que advierte del peligro de descender a la Tierra. Augustine se cree solo en el observatorio, pero un día descubre la presencia de una niña llamada Iris (Caoilinn Springall). Cielo De Medianoche es una historia futurista de supervivencia en un escenario de ciencia-ficción post-apocalíptico, con George Clooney adaptando un libro de Lily Brooks-Dalton. Más que crear un conflicto clásico con protagonista y antagonista, Clooney centra el filme en un retrato de personaje física y psicológicamente aislado, incluso alienado, con evocaciones de juventud, decisiones y consecuencias en un vínculo típico de pesar maduro por el desequilibrio de atención entre trabajo y familia. La película, con dos líneas narrativas paralelas, ambas de tratamiento más superfluo que profundo y mejorables en su enfoque, se beneficia de un sentido plausible de la atmósfera, sombría con una exposición serena, melancólica, sin histrionismos acentuada por la partitura de Alexandre Desplat. pianos, chelos y violines en ritmo pausado y con uso de flashbacks. La ligazón entre generaciones y el escenario post-apocalíptico nos remite a La Carretera (El ultimo camino / The Road / Director: John Hillcoat), basada en la novela de Cormac McCarthy.
29.- Mulán … Directora: Niki Caro … EUA / Canadá / Hong Kong 2020
Hua Zhou (Tzi Ma), un antiguo guerrero chino ahora lisiado, vive en su pueblo junto a su mujer (Rosalind Chao) y sus dos hijas, una de ellas llamada Mulán (Yifeu Liu) y la otra Xiu (Xana Tang). Mulán muestra agilidad y capacidad para la pelea, poseyendo un fuerte chi. Sin embargo, su destino, como el de las otras mujeres, parece ser lograr un buen matrimonio a través de una casamentera (Pei-Pei Cheng). Cuando el Imperio se ve atacado desde el norte por guerreros liderados por Bori Khan (Jason Scott Lee), ayudado por una hechicera (Gong Li), el emperador (Jet Li), que mató al padre de Bori Khan, requiere un miembro de cada familia para unirse a la batalla. En la casa de Zhou, Mulán partirá disfrazada de hombre para evitar que su padre sea víctima del reclutamiento forzoso. Mulán es un remake con intérpretes reales de la cinta de animación Disney de los años 90 basada en una antigua leyenda china. El argumento es el mismo, pero con importantes matices que la diferencia de la original. También se prescinde de las canciones, del humor y de parte de los personajes secundarios de la película original. Como historia de aventura, de acción, contiene escenas intensas de batallas. La actriz protagónica, Yifeu Liu, es adecuada para el papel aunque su disfraz como chico no acaba de ser creíble. Mulán es una revisión menos infantil y más bélica de la historia de una guerrera capaz de romper moldes y desafiar a las costumbres de su pueblo y a su propia familia, llegando a guiar ella sola un pequeño ejército para defender el imperio y la vida del emperador. Los mensajes son positivos: la importancia de los lazos familiares, creer en uno mismo, el valor de ayudarse los unos a los otros, además contiene mensajes de empoderamiento femenino sin hacer demasiado énfasis en ellos. La película está dirigida por la solvente realizadora neozelandesa Niki Caro, la misma de La Leyenda de las ballenas (2002) y Tierra Fría (2015)
30.- El único y gran Iván … El magnífico Iván … The One and Only Ivan … Directora: Thea Sharrock … EUA 2020
Disney siempre se ha caracterizado por hacer películas “amigables” o “para toda la familia”, y si bien esto lo vemos reflejado en sus cintas de animación generalmente, hoy en día los largometrajes más recurrentes suelen ser los que están basados en comics de Marvel o los que pertenecen a la saga de Star Wars, dejando un poco de lado ese estilo tan característico. No obstante, al haber presentado su propia plataforma de streaming, la compañía se ve obligada a generar más contenido para atraer al público hacia su nuevo servicio. Últimamente han ofrecido filmes como la versión “live action” de The One and Only Ivan.. El largometraje basado en una historia verídica se centra en un grupo de animales que tiene un acto circense en una especie de shopping o centro comercial. Estos espectáculos son producidos por Mack (Bryan Cranston) con la ayuda de George (Ramón Rodriguez) y su pequeña hija, Julia (Ariana Greenblatt) que parece compartir un vínculo especial con los animales del show. La gran atracción del lugar es Iván (con la voz de Sam Rockwell), un gorila que viene realizando hace muchos años la misma rutina y cada vez atraen menos público. Como Mack está pasando por un mal momento económico y cada vez tienen menos margen de error para generar un nuevo show, decide traer a Ruby (Brooklynn Prince), una bebé elefante para que se convierta en la nueva atracción del centro comercial. No obstante, Iván, recordando su trágico pasado y una promesa que le hace a Stella (Angelina Jolie), la elefanta veterana del espectáculo, se da cuenta que Ruby es muy joven como para ser explotada, por lo cual decide armar un plan para escapar. La cinta dirigida por la británica Thea Sharrock (Me Before You / Yo antes de ti / GB-EUA 2016), apunta al público más joven e intenta apelar a la emotividad de la historia original al mismo tiempo que a formulas ya probadas sobre este tipo de películas. Además, aporta un mensaje ecologista bastante moderno al cual nadie puede objetarle absolutamente nada como así tampoco al impresionante trabajo de efectos especiales y de CGI de los distintos animales. The One and Only Ivan es una fábula que apunta a los más pequeños, con pasajes entretenidos y un elenco inspirado. Un relato típico de Disney que no llega, pero tampoco apunta o lo pretende, a ser un clásico instantáneo.
31.- Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga … Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga … Husavik de Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga … Director: David Dobkin … EUA / Islandia / Canadá 2020
Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses en ciernes que reciben una oportunidad única en la vida: representar a su país en la mayor competencia musical del mundo. Ahora, tendrán la ocasión de demostrar a su pueblo y a sí mismos que un sueño auténtico es aquel por el que vale la pena luchar. Y para el asombro de muchos y el horror de otros, Netflix anunció hace dos años que el encargado del honor de darle vida a la gesta de Lars Erickssong, sería nada más y nada menos que el incombustible actor y humorista Will Ferrell, en colaboración con el guionista Andrew Steele y el productor ejecutivo Adam McKay. Pero, ¿al final ha sido tan espantoso? Pues no, en absoluto. Dirigida por David Dobkin, cineasta conocido por alternar entre el cine y los videoclips musicales, la película es divertida y resulta un ligero soplo de aire fresco en el catálogo de la plataforma. Un tradicional Ferrell protagoniza la cinta junto a una cómoda y graciosa Rachel McAdams, que fusiona su voz con la de la cantante sueca Molly Sandén. Además, cuenta con la participación de Dan Stevens (La llamada de lo salvaje, jugando a ser el artista egocéntrico con la voz de Erik Mjönes y diversos cameos de personajes famosos y exconcursantes del certamen, como Graham Norton o Salvador Sobral. Es cierto que Festival de la Canción de Eurovisión: La historia de Fire Saga está llena de imperdonables clichés, frases absurdas, sátira, estereotipos y sobreactuaciones propias de las comedias de Ferrell. Sin embargo, y aunque en principio se había pensado que la cinta tan solo sería una irrespetuosa parodia, la realidad es que emana un cariño irrefutable y es un canto de amor y admiración hacia el festival. El espíritu del certamen es captado con brillantez y las actuaciones son retratadas con toda la espectacularidad del mismo.
32.-La vida ante sí … La vita davanti a sé … Director: Edoardo Ponti … Italia 2020
El regreso de la diva en su ocaso. El objetivo principal del director de este filme, Edoardo Ponti, hijo de la protagonista, es entretener y ofrecer un vehículo a Sofia Loren para que despliegue sus habilidades histriónicas Once años después de su última aparición en la pantalla grande (Nine / Rob Marshall / EUA-GB 2009), Sophia Loren, a los 86 años, ha decidido regresar en lo que pudiera ser su canto de cisne cinematográfico. Lo ha hecho de la mano de su hijo, Edoardo Ponti, quien, a su vez, no dirigía un largometraje desde el año 2011. Han escogido hacer un remake de Madame Rosa (Moshé Mizrahi / Francia 1977), un melodramón muy bien realizado y excelentemente interpretado por Simone Signoret que arrasó con todos los premios imaginables, incluyendo Oscares, Césares y Globos de Oro. The Life Ahead, que en realidad es el título original de lo que en casi todo el mundo se conoció como Madame Rosa, gira alrededor de la figura de Rosa, una judía sobreviviente de los campos de concentración, que fue por mucho tiempo prostituta y en su crepúsculo sexual se dedica a cuidar los niños de otras prostitutas, para que estas puedan trabajar. Vive en Bari, una pequeña ciudad de la costa este de Italia. Es una anciana seria y respetada, muy interesada en trasmitir su herencia cultural a los niños de los cuales se encarga y a quienes les ensena a leer hebreo. Su contrapartida protagónica es Momo, un huérfano senegalés, inmigrante ilegal, de unos 12 o 13 años. Momo se dedica a robar y a vender drogas al servicio de un narcotraficante local de poca monta. Vive con el Dr. Coen, un médico que atiende a Rosa. Un día Momo le roba a Rosa, en plena calle, unos candelabros que acaba de comprar, pero el Dr. Coen lo descubre y luego le pide a Rosa que se encargue del niño porque él ya lo tendría que enviar a los servicios sociales y a una probable deportación. Rosa acepta a regañadientes y aquí comienza la relación entre ellos, que es la trama del filme. Basada en la novela homónima de Romain Gary (al igual que Madame Rosa), los temas centrales del argumento son la tolerancia, las posibilidades regeneradoras del afecto y el entendimiento humano más allá de prejuicios raciales, religiosos y sociales. Todo esto se toca en el filme, pero siempre en función del melodrama y de manera simplista. El problema de un remake de una película bien hecha, es que es muy difícil de superar y aunque el guion se actualiza con unos cuantos toques, este filme queda muy por debajo del anterior, al ser más superficial y más melodramático aún.
Emma es hermosa, lista y rica, según la describe Jane Austen en las primeras líneas de la novela que comparte nombre con la protagonista. Vive en un mundo de fantasía, teniendo una estima demasiada alta de sus habilidades sociales y muchas ganas de inmiscuirse en la vida de sus conocidos. La verdad es que no es la protagonista más querible de las heroínas de Austen, quien antes de comenzar la que sería su última novela publicada en vida escribió: “voy a crear una heroína que no sea agradable para nadie más que para mí”. Y aunque Emma a veces cae mal, en la nueva adaptación cinematográfica dirigida por Autumn de Wilde, en su ópera prima, la protagonista es entrañable, la paleta de colores reconfortante y como en toda adaptación de la obra de Austen que se respete, el roce de manos es el momento más erótico de la cinta. Emma es la tercera adaptación para la pantalla grande de esta novela. La de 1996, protagonizada por Gwyneth Paltrow, es una representación de época. La primera, de 1995, es una adaptación moderna, también dirigida por una mujer, Clueless de Amy Heckerling. La ambientación y el agudo guion de Eleanor Catton pronto atrapan al espectador. En esta versión, fiel a la novela, Emma es una joven consentida que vive con su padre, actúa como señora de la casa puesto que su madre falleció y su hermana mayor ya está casada, y pasa sus horas metiéndose en la vida amorosa de sus conocidos, en vez de pensar en la suya. El elenco es liderado por una muy rubia y encantadora Anya Taylor-Joy, muy reconocida ahora por su éxito como la ajedrecista de Gambito de Dama, con Mia Goth en el papel de la pobre Harriet Smith, conocida de Emma y principal víctima de sus buenas intenciones. Josh O’Connor y Johnny Flynn interpretan a los hombres enredados en los malentendidos amorosos, uno como alivio cómico, el otro como el hombre perfecto. Entre las novelas de Austen, esta es la menos querida por los críticos, tal vez por ser más comedia que romance. Sin embargo, el humor se transmite a la pantalla grande con un inteligente uso de la cámara y close-ups que dejan en evidencia la ridiculez de las costumbres de época. Aunque se trata de la primera película de Autumn de Wilde, su prolífica carrera como fotógrafa y directora de videos musicales se hace evidente. Su uso de los paisajes que en vez de majestuosos lucen campiranos, evocando el absurdo de los sucesos antes que los grandes sentimientos típicos de las obras románticas de época.
34.- Pinocho … Pinocchio … Director: Matteo Garrone … Italia / Francia / GB 2019
Matteo Garrone es sin duda uno de los directores más interesantes y al mismo tiempo poseedor de una de las filmografías más disparejas del cine actual. Basta con pensar que el italiano es capaz de ofrecer trabajos bastante flojos y/ o fallidos como Verano Romano (Estate Romana, 2000), Reality (2012) y El Cuento de los Cuentos (Il Racconto dei Racconti, 2015) y realizaciones apasionantes como El Embalsamador (L’Imbalsamatore, 2002), Gomorra (2008) y Dogman (2018), lo que nos deja ante un panorama general en el que no cuesta mucho deducir que su mejor faceta es la dramática criminal exacerbada y que su interés por la comedia no tiende a rendir sus frutos por cierta torpeza y lagunas retóricas de base. Cuando se anunció que el director y guionista encararía una nueva versión en live action de Las Aventuras de Pinocho (Le Avventure di Pinocchio), de Carlo Collodi, inicialmente publicada en forma serializada entre 1881 y 1882 en la revista infantil Periódico para Niños (Giornale per i Bambini) y luego en libro en 1883, el entusiasmo creció porque el carácter tétrico del relato original a priori calzaba perfecto con el gusto de siempre de Garrone por las fábulas macabras para adultos, eje tácito de prácticamente todos sus opus serios, y el resultado efectivamente es muy gratificante porque en vez de las versiones previas infantilizadas, demasiado moralizadoras o idealizadas hacia lo mágico escapista nos topamos con una obra de tono naturalista que no obvia la crueldad del papel y hasta se consagra a analizar la pobreza, el hambre, el desamparo y la miseria de la Italia rural sin romantizaciones a la vista ni gran pompa en materia de las secuencias más agitadas o el diseño de los personajes, evitando en gran medida los CGIs y recuperando el antiguo y querido arte del maquillaje y las prótesis. Sin ser particularmente arrebatadora ni original pero atesorando una fuerza discursiva innegable, Pinocho es una atractiva adición al generoso catálogo de versiones que se han acumulado del periplo del muñeco más famoso del mundo, epopeya amiga de la sinceridad brutal en lo que atañe a los peligros y a la solidaridad que pueden hallarse en igual medida allí afuera.
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
35.- Unidos … Onward … Director: Dan Scanlon … EUA 2020
Unidos se sitúa en un mundo de fantasía suburbana donde conviven elfos, gnomos, hadas y varias criaturas mitológicas. En este lugar la magia solía reinar hasta que sus habitantes encontraron el beneficio del uso de la electricidad y la tecnología moderna, y así la tradición mágica se fue perdiendo. Cuando dos hermanos elfos adolescentes (voces en inglés de Tom Holland y Chris Pratt) descubren el regalo que su fallecido padre les dejó, se embarcan en una aventura para descubrir que aún hay magia en el mundo y así podrán intentar pasar un último día con su padre. Todo este mundo de fantasía, poblado de criaturas mitológicas, se encuentra en medio de escenarios fotorrealistas que deslumbran en cada secuencia y, a pesar de las características casi caricaturescas de sus protagonistas, estos logran mezclarse adecuadamente entre estos ambientes. Y es ahí donde se demuestra el avance tecnológico que el estudio Pixar ha desarrollado, pues el medio digital utilizado está al servicio de la narración, apoyando las particularidades de la cinta. Considerando su original propuesta y la manera en que está construida, Unidos logra mantenerse en pie desde su inicio hasta el final y, aunque a ratos tambalea en su trayecto, casi como si le faltaran piezas para andar a la perfección, consigue demostrar con eficacia sus cualidades positivas. Sin embargo, resulta casi imposible dejar de compararla con el resto del catálogo del poderoso e innovador estudio de animación.
36.- Mas allá de la luna … Over the Moon … Directores: Glen Keane y John Kahrs … China / EUA 2020
Más allá de la Luna trata sobre la superación de la pérdida. Fei Fei es una niña china que pierde a su madre y, como es normal, no es capaz de aceptarlo. Siguiendo la leyenda de Chang’e que le contaba su madre, decide embarcarse hacia la Luna para demostrarle a su padre que la Diosa de la Luna existe, y por tanto demostrarle como el amor eterno existe. Impulsada por su determinación y pasión por la ciencia, la pequeña Fei Fei construye un cohete para viajar a la luna y probar la existencia de la legendaria Diosa. Allí se verá envuelta en una inesperada aventura y descubrirá un enigmático mundo de criaturas fantásticas. Dirigida por la leyenda de la animación, Glen Keane, Más allá de la luna es una emocionante aventura musical sobre seguir adelante, aceptar lo inesperado y el poder de la imaginación. Más allá de la Luna, es una película tan entrañable como lo es Gobi, uno de sus personajes. Y, a pesar de los fallos y ser una ejecución imperfecta, cumple con creces con los objetivos que se propone: entretener y conmover. Quizás con otros escenarios y diseños de personajes podría haber llegado a ser más redonda a mis ojos, pero estoy seguro de que los más pequeños y no tan pequeños podrán disfrutarla con creces. La cinta es una las posibles ganadoras del Oscar a mejor película animada para 2021, y por tanto su revisión, y disfrute, es casi obligado para los cinéfilos.
37.- Shaun, el cordero: La película — Granjaguedón … A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon … Directores: Will Becher y Richard Phelan … GB / Francia 2019
La oveja Shaun. La película: Granjaguedón es la nueva película de Aardman Animations. Se trata de la secuela de la primera aventura cinematográfica de la oveja Shaun, estrenada en el 2015. En esta ocasión, Shaun encontrará una nueva forma de escapar de la rutina de la granja Mossy Bottom ayudando a una pequeña extraterrestre a encontrar el camino de regreso a su casa. Unas extrañas luces planean sobre el cielo del tranquilo Mossingham anunciando la llegada de visitantes de una lejana galaxia, pero en la granja Mossy Bottom la oveja Shaun y el resto del rebaño siguen haciendo de las suyas, muy a pesar de Bitzer, su perro pastor. Tras esta incursión, una adorable extraterrestre de asombrosos poderes se queda en tierra, y ¡Shaun ve en ella una oportunidad de diversión alienígena! Pero antes ha de evitar que su nueva amiga sea capturada por una siniestra organización. ¿Estará preparado el rebaño para afrontar una misión de dimensiones astronómicas? Granjaguedón se queda un peldaño por detrás de su precedente ya que, pese a conservar su encanto y frescura, ya no cuenta con el factor sorpresa, y pierde un poco de la genialidad que derrochaba la primera versión. Además, reincide y expande lo peor que tenía la primera parte: las canciones. Si ya chirriaba la inclusión de dos temas cantados por aquel entonces, aquí, que aumentan en número, resulta más cargante aún. Y es que rompe la magia de un largometraje que se vale íntegramente de la imagen, de gruñidos y de sonidos guturales para narrar su historia y hacer que la sonrisa se mantenga en el rostro del espectador desde el primer minuto hasta pasado el fin de la proyección. Si bien no resulta tan brillante como la cinta original, Granjaguedón es diversión de primer nivel y derrocha ternura a través de todos sus personajes de plastilina, incluyendo los atolondrados esbirros de una villana cuya historia de orígenes trae a colación un importante mensaje en contra del bullying. Aardman se recupera del tropiezo que supuso El Cavernícola (Early Man / Nick Park / GB-EUA 2018) y vuelve a estar en plena forma para afrontar la secuela de su mayor éxito comercial hasta la fecha: Pollitos en fuga (Chicken Run / Peter Lord, Nick Park / EUA-GB 2000).
38.- Soul … Directores: Pete Docter y Kemp Powers … EUA 2020
Directo a la Plataforma de Streaming de Disney Plus llegó el más reciente trabajo de Pixar, dirigido por Pete Docter, el mismo detrás de Up, una aventura de altura (EUA 2009) e Intensamente (Inside Out / EUA 2015), que vuelve a tocar fibras sensibles con una historia de animación infantil, pero con un relato adulto y absolutamente complejo en su definición. Joe Gardner, la voz es de Jamie Foxx, pianista y profesor de jazz de una escuela secundaria en Nueva York, tiene la oportunidad de su vida al ser invitado a tocar en un club nocturno, con un cuarteto junto a una destacada interprete, pero un infortunio lo envía al “Gran Más Allá”, lugar donde las almas parten de este mundo. Sin embargo, logra escapar hacia el “Gran Antes”, zona de preparación para las nuevas almas que aún no han sido habilitadas para llegar a la Tierra. ¿Cuál es nuestro propósito en la vida? ¿Somos capaces de descubrir esa chispa interior que nos haga sentir realizados, desarrollando nuestras capacidades? ¿Explotamos nuestro verdadero talento? En la misma línea de las dos cintas mencionadas anteriormente, Docter vuelve a responder preguntas existenciales, esta vez a través de un viaje por horizontes cósmicos, donde un hombre atraviesa los límites de la realidad para encontrarse con su alma, ese espíritu etéreo que, según la cinta, nos define desde nuestra concepción y le da sentido a nuestra existencia. La creatividad del equipo de Pixar roza la excelencia con este nuevo universo repleto de metáforas transpersonales, explorando conceptos como las experiencias humanas, la felicidad espiritual y el sentido último de la vida, con una animación virtuosa, capaz de crear lo inimaginable, llevando a la pantalla elementos tan abstractos como el espacio ultraterrenal, el alma o estos “definidores de conductas” llamados Consejeros del Alma, dibujos en 2D diseñados con tan sólo una línea continua, definiendo así su adimensionalidad. Luego, el relato se apoya en el valor de la música como elemento artístico conector entre Joe y el mundo del cual no quiere partir; y entre Joe y 22 (Tina Fey), un alma rebelde incapaz de hallar su propósito. Son estos dos personajes, uno que no quiere partir y otro que no quiere llegar, quienes dan sentido a Soul’, en donde también encontramos una serie de corrientes filosóficas que van dando forma al desarrollo del guion.
39.- Wolfwalkers: Espíritu de lobo … Wolfwalkers … Directors: Tomm Moore y Ross Stewart … Irlanda / GB / Francia 2020
Wolfwalkers, la joya del cine de animación que podría arrebatarle el Oscar a Pixar. Resulta refrescante comprobar que Disney y Pixar siguen sin tener el monopolio del cine de animación, aunque estén cada día más cerca de él. Sobretodo de aquel en el que se representan historias fantásticas de princesas o guerreras y se apela a los sentimientos más profundos de la psique humana. Hay otro cine de dibujos que resulta innovador, disfrutable y también apto para toda la familia, y Wolfwalkers es un ejemplo de ello. El filme compite en los próximos premios Oscar como Mejor película de animación y aunque las probabilidades de imponerse al gigante son pocas, Pixar apuesta con Soul y Onward, sus dos estrenos de 2020, podría dar la sorpresa. Wolfwalkers es una historia de animación tradicional en dos dimensiones y, a pesar de utilizar leyendas casi medievales de Irlanda para su guion, su mensaje resulta completamente contemporáneo y actual. La película cuenta la historia de Robyn Goodfellowe, una joven aprendiz de cazadora que viaja por Irlanda para terminar con la última manada de lobos en la zona de Kilkenny. El país era, en el pasado, un lugar reconocido por la enorme población de lobos antes de que llegara el hombre y lo invadiese todo. Además, la historia está ambientada en el siglo XVII y, aunque no deja de ser una película infantil, también escenifica las guerras de los Tres Reinos que acabaron con la conquista del territorio por parte de Cromwell, lo que convirtió el territorio en una colonia británica y arrinconó a la religión católica en beneficio del protestantismo hasta 1922. El filme pone el punto y final a una trilogía sobre el folklore irlandés que se inició en 2009 con El secreto del libro de Kells (The Secret of Kells / Irlanda 2009) y continuó en 2014 con La canción del mar (Song of the Sea / Irlanda 2014). Las dos fueron nominadas también a los premios de la Academia, con lo que esta tercera Wolfwalkers podría hacer que el dicho de que a la tercera va la vencida se cumpla. Si Pixar lo permite.
Aquí, la fenomenal historia del polémico y reconocido Zack Snyder y de Antonio Monori, jóvenes que colisionaron talentos y admiraciones durante la filmación de un comercial de frituras, ambientado en una pirámide maya
Antonio Monroi, el actor mexicano que en su juventud quedó atónito con el talento del ahora hiper famoso Zack Snyder, durante la filmación de un comercial millonario de botanas en una zona arqueológica maya.
En este reportaje también se cuenta la historia del mexicano Guillermo Navarro, quien después ganaría un Oscar por la fotografía de El Laberitno del Fauno.
El famoso y reconocido realizador de Hollywood, Zack Snyder, se salió con la suya y dobló al poderoso estudio de cine Warner Brothers, logrando refilmar y estrenar, el 18 de marzo pasado, a través de la Plataforma de Streaming HBO Max y con un éxito descomunal y planetario, su visión de cuatro horas de La Liga de la Justicia, después de la brutal presión ejercida por sus fanáticos seguidores en las redes sociales, a través del Hashtag: #ReleaseTheSnyderCut. El triunfo llega después de la fallida versión de La Liga de la Justicia del 2017, inicialmente dirigida por él y abandonada a medio rodaje, debido al lamentable suicidio de su hija Autumn, y mal supervisada, y peor guionizada por el ahora real villano del cine Joss Whedon. La evidencia del triunfo de la versión de Snyder, mejor conocida como SnyderCut, o el corte del director, además de la rotunda aceptación de sus incondicionales, radica en que la percepción del gran público dictamina, que la nueva versión de Snyder, rebasa con mucho a Marvel, hasta ahora, su imbatible enemigo, en el campo de las enajenantes y multimillonarias películas de superhéroes. Así las cosas, la “SnyderCut” es la mejor película del DC Universe, rebasando, de momento, a Los Avengers.
En ese tumultuario contexto contemporáneo, es menester recordar un episodio del pasado en la vida creativa de Snyder que aquí se narra. El virtuoso encuentro de dos jóvenes talentosos; el realizador Zack Snyder y el actor Antonio Monroi, en una pirámide maya, durante la filmación de un multimillonario comercial de botanas en Copán, Honduras. El momento crucial del inicio de dos carreras en el mundo del cine, y del arte en general, que detonarán de maneras muy distintas, pero, tremendamente fructíferas ambas.
Descansando, aún con el vestuario puesto, después de un intenso día de rodaje. A la izquierda de Antonio Monroi, la asistente de dirección de Zack Snyder
“La soberbia es la humildad suprema” Antonio Monroi
La historia de este reportaje se remonta a los años 1993 y 1994, cuando sorprendentemente, confluyeron las incipientes carreras profesionales y los talentos del ahora consumado realizador de Hollywood, Zack Snyder, envuelto en una feroz polémica, que tanto para tirios y troyanos, lo hace gozar de un reconocimiento descomunal por los impecables y alucinantes universos fílmicos que ha creado para once largometrajes, y la de un actor mexicano que desde sus inicios y hasta hoy, ha derrochado profesionalismo y entrega en cada una de las, aproximadamente 42 películas, en las que ha participado alrededor del mundo, dando vida a personajes autóctonos y duros, y prestado su poderosa y grave voz para repuntar y acentuar la historia y los mensajes de al menos 10 cintas.
Zack Snyder y Antonio Monroi impactaron sus carreras, su profesionalismo, afecto y admiración, cuando ambos eran jóvenes. Se conocieron en la zona arqueológica maya de Copán en Honduras, cuando Zack Snyder tenía 27 años, se dedicaba con mucha fortuna y reconocimiento a la filmación de videos musicales y comerciales para televisión, y ya era considerado uno de los mejores directores de anuncios para poderosas marcas en los Estados Unidos. Antonio Monroi recién había debutado en teatro y debutaría entonces, también, y de la mano de Snyder, en el fastuoso mundo de la publicidad.
Para la época a la que nos referimos, Snyder ya contaba con un premio Clío, algo así como el Oscar a la publicidad, y años después ganaría otro, además de un León de Oro de Cannes, también por sus merecimientos en el mundo de los comerciales. Entonces ya no había duda de que el trabajo publicitario de Zack era tan evocador y eficiente, como lo serían sus películas, ya fuera filmando un anuncio de un automóvil épico para Land Rover en Túnez, capturando la esencia emocional de un personaje con Robert De Niro o dirigiendo un spot humorístico de la cerveza Budweiser en el corazón de Estados Unidos. El trabajo de Snyder era, y sigue siendo, la definición exacta de una poderosa narración visual, en ese tiempo, al servicio de las grandes corporaciones. Por eso no fue extraño para nadie, que se lanzara a la aventura creativa de filmar en Centroamérica, un comercial para el multimillonario conglomerado productor de botanas Frito Lay, ambientado en la cultura maya.
Desde muchos años antes, en Estados Unidos, ya era una tradición mercadológica, invertir millones de dólares en un comercial televisivo para incentivar la venta de un producto tan emblemático, y tan prescindible, de la sociedad de consumo, como unas papitas. Hoy, como en décadas anteriores, la creación de conceptos publicitarios, devenidos en avasalladores comerciales de televisión, y su transmisión durante masivos eventos deportivos, se ha incrementado exponencialmente. La costumbre de que los «spots publicitarios», patrocinadores reales de la supuesta televisión gratuita, son tan importantes como los eventos mismos, es hoy mas fuerte que nunca.
La variedad de productos de la compañia Frito Lay que lidera el mercado de las botanas en Estados Unidos y en el mundo
Faltaban entonces, al menos 10 años para que Snyder filmara su opera prima El Amanecer de los Muertos (Dawn of the Dead / EUA 2004), una de las películas de zombies que aun hoy sobresalen en ese género tan explotado, logrando un excelente remake del clásico dirigido por George A. Romero en 1978. Aceptada por la crítica, y por el gran público, El Amanecer de los Muertos versión Snyder, fue nominada en 2004, al prestigioso premio Cámara de Oro, (Camera d’Or) que se otorga a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Cannes. La atención al detalle y su dedicación a aportar una estética de las bellas artes a la realización cinematográfica habían ya convertido a Zack Snyder en un maestro de su oficio.
Antonio Monroi tenía cuarenta años, unos deseos fervientes de triunfar en el mundo del cine, su voz grave y una apariencia que, entonces le otorgó un papel en el proyecto en el que confluyó con Snyder. Para el actor mexicano era su primera participación en el rodaje de un comercial internacional. Venía de vivir su también primera experiencia histriónica en la puesta en escena, basada en Tirano Banderas. Novela de tierra caliente de Ramón María del Valle-Inclán, editada en 1926, obra en la que es patente la huella del todavía reciente viaje al México revolucionario del escritor español. La medianamente exitosa temporada de la obra teatral Tirano Banderas en México había terminado, siendo dirigida por el actor Ignacio López Tarso, quien insistía en que el solo era el coordinador de la puesta en escena. Nunca quiso asumir el rango de Director de Teatro.
Memorioso, Antonio Monroi, relata que fue la reconocida directora de casting Claudia Becker, quien le informó de la posibilidad de participar un “comercial de alto presupuesto para Estados Unidos”. También rememora que grabó un video que enviaron a Los Ángeles, California, y que fue el mismísimo Zack Snyder el que lo seleccionó para interpretar el papel de un sumo sacerdote maya. Presuroso tramitó su pasaporte y viajó por avión a Tegucigalpa, la capital de Honduras y después, vía terrestre, recorrió los 392 kilómetros que lo separaban de las ruinas mayas de Copán.
Una mañana, expectante y emocionado, Antonio Monroi llegó a la carpa de vestuario y de maquillaje de la impresionante y costosa producción. Todo era nuevo para él. Sabía además, que en cualquier momento conocería el director del comercial. El joven actor veía su reflejo en el espejo mientras lo maquillaban. Lucía sereno, pero estaba tenso. Zack Snyder apareció justo en el momento en el que maquillaban al actor mexicano. Monroi tragó saliva. Esperaba reunirse con un ogro de la dirección de comerciales, con un carácter explosivo y equidistante al genio y el talento que le precedían. En vez de eso, descubrió a un joven de 27 de años, poseedor de un trato amable, hasta terso, que lo saludó y le sonrió afectuosamente. Ahí mismo le hizo comentarios muy generales sobre su personaje como un jerarca maya y los detalles del rodaje que duro, cuatro extasiantes días. En ese momento, Antonio Monroi, no podía adivinar el fascinante y controvertido futuro del realizador con el que estaba trabajando, tampoco podía adivinar el suyo propio.
La trama del comercial, gira en torno al aburrimiento de una reina maya, cuyo trono de oro, cuajado de joyas preciosas, está situado en la cima de una pirámide. Pese a su fáustica condición y a las comodidades y privilegios de su corte, la soberana está agobiada por el tedio. El sacerdote mayor, interpretado por Antonio Monroi, y los demás súbditos, se desviven por acabar con el enfado de la noble indígena, subiendo y bajando los cientos de pequeños escalones de la pirámide con diversas viandas y golosinas. Ella los desprecia con graciosos mohínes. Nada abate el hastío de la reina, hasta que su agotado séquito, aparece con una bolsa de botanas del conglomerado Frito Lay. Entonces, la soberana sonríe de satisfacción y toda la corte maya, descubre, consume, disfruta, y festeja enloquecida, la existencia de las frituras Frito Lay. Fin de la gracejada.
¿De dónde surgió la idea? Antonio Monroi recuerda que una poderosa agencia de publicidad, la responsable de las campañas de las frituras Frito Lay, le encargó la manufactura del comercial a Snyder. El, admirador de la cultura maya, decidió que ese fuera el tema sobre el que girara el anuncio debido a que había hecho un reciente viaje familiar a Cancún y a la Riviera Maya, donde también visito la impesionante zona arquelógica de Chichén Itzá. Además de que la impactante civilización maya, declaraba a voz abierta Zack, estaba siempre en el inconsciente cultural de los estadounidenses. ¿Por qué fue filmado el comercial en Copán? Los trámites para los permisos eran más sencillos, las autoridades más laxas y el costo de los permisos, mucho más bajo. Pragmatismo puro.
Las ruinas mayas de Copán, Honduras
Al actor mexicano Antonio Monroi le sorprendió la acuciosidad y la escrupulosa atención en los detalles de la producción del comercial dirigido y vigilado hasta la saciedad por Zack Snyder “a quien se le veía gozoso, se le notaba un placer inmenso, resolvía muy rápido las incidencias del rodaje. Talentoso y muy comprometido con su trabajo” recuerda el actor mexicano.
Guiillermo del Toro, director de cine y su director de fotografía y paisano, Guillermo Navarro
La dirección de fotografía, corrió a cargo del, también mexicano, Guillermo Navarro. Los resultados de su concepto estético, fueron excelentes. Para el año de la filmación del comercial, el fotógrafo ya había liderado seis películas mexicanas, y algo todavía mas importante, había iniciado su relación profesional y artística con Guillermo del Toro, fotografiando La Invención de Cronos (México 1992). Doce años después y 15 importantes películas más, incluidas dos dirigidas por Quentin Tarantino, entre ellas Del Crepúsuculo al Amanecer (From Dusk Till Dawn / EUA 1996), Guillermo Navarro, ganaría el Oscar a Mejor Fotografía por El Laberinto del Fauno (Dir. Guillermo del Toro, México/España 2006). Guillermo Navarro, nacido en la Ciudad de México en 1955, junto con el el realizador Luis Mandoki, representan, a mediados de los ochentas, la primera oleada de mexicanos, deseosos de conquistar Hollywood, y asi alejarse de la depauperada y carente de oportunidades reales, industria del cine en México. La diáspora de directores de cine mexicanos rumbo a Hollywood tiene sus origenes en la amarga consicencia de un grupo de talentosos y avispados realizadores en ciernes, que descubren que en México nunca lograran vencer la despesperante y corrupta burocracia en torno al cine y las estúpidas grillas, politiquerías baratas y eternas descalificaciones que imperan en el medio cinematográfico. Descubren también que en la producción privada de películas, tampoco tienen alguna oportunidad. Las compañías de cine que filman con recursos propios, están en una crisis brutal, debido a su reiterada y contumaz convicción de seguir matando al cine, filmando películas que insisten en ofender la inteligencia del público de la clase media urbana en México. Desde la década de los setentas, el espectador mexicano resiente que el cine no refleja su sociedad, ni su realidad. Los productores de cine de la iniciativa privada, filman patéticas películas pseudo sexosas, en realidad onanistas, con tramas oligofrénicas y una pésima factura cinematográfica. El Horror Verdadero.
En el comercial también participaron la actriz estadounidense María Cina, como la soberana maya, y los actores mexicanos Rafael Cortés, Damián Delgado y Fernando Navarro. También fueron contratados 300 extras hondureños, con rasgos indígenas.
A partir de este complejo rodaje, Antonio Monroi supo distinguir de un anuncio publicitario de mucho presupuesto y gran aliento, realizado por alguien con talento de sobra, de producciones menos afortunadas. El rodaje de este comercial de televisión, por insulso que fuera el mensaje, se convirtió en el canon a lograra siempre, del resto de sus participaciones en la publicidad
Paradójicamente, Antonio Monroi nunca vio el comercial, que tuvo un éxito descomunal en Estados Unidos. Amigos y colegas del actor, vieron el comercial en aviones y en la televisión de Estados Unidos. Entonces lo felicitaron calurosamente. Hoy no queda ningún vestigio audiovisual del mensaje publicitario, no siquiera en YouTube, esa perturbadora, y a la vez virtuosa, Arca de Noé de imágenes de la Humanidad. Aún así Youtube, está plagado de comerciales de la época que evidencian, el estilo de la publicidad auspiciado por Frito Lay, que se hacía en la época y la percepción de “la casa que se echaba por la ventana” en materia de publicidad que invertía el conglomerado productor de frituras.
El concepto de la publicidad que monopólicamente utiliza el recurso de lo exótico, de la otredad. Filmar comerciales parodiando el “american way of life” y contrastándolo / incrustándolo en una sociedad milenaria, sabia, compleja y con una profunda concepción artística, entonces estaba bien y dependía de la forma en que se abordaba la cultura maya. Otra consideración: ¿meterse con la cultura maya así nada más, con una civilización que descubrió el concepto del cero absoluto y de la astronomía? Pese al infaltable e inevitable choque cultural, que da como resultado la bastardización y tergiversación de la civilización maya, vista y utilizada por un realizador estadounidense para un subproducto cultural y de consumo, como es un comercial de frituras, el actor Antonio Monroi asegura que nada de lo anterior sucedió. Recuerda la preocupación de Snyder de no ofender o distorsionar, como si eso fuera posible desde el planteamiento de origen.
Sin duda, al paso de los siglos, cuando se revise escrupulosamente la Historia de la Humanidad, seguro una fuente de información cultural, será a través de los spots publicitarios, mensajes concisos breves, cargados de símbolos y significados de la actividad del ser humano de la época y compendios de la preeminencia del voraz consumismo, pero también un rico muestrario de los sentimientos y aspiraciones del conglomerado humano. Fragmentos de las costumbres de su época, en los que se invirtieron millones de dólares y trillones de neuronas, luchando por logara la creatividad y persiguiendo la captura de la esencia de la humanidad. También se evidenciará, seguro, la preeminencia cultural e ideológica del que domina y el sojuzgado.
La relación profesional ente Snyder y Monroi fue de admiración mutua, pese a los casi 13 años de diferencia de edad, que existían entre ellos. Del nerviosismo y el descubrimiento iniciales, pasaron a la franca colaboración y muy poco después a la camaradería. Zack Snyder quedó muy satisfecho con el desempeño histriónico de Antonio Monroi y le prometió que lo convocaría para trabajar de nuevo. Snyder cumplió su palabra. Pocos años después, ya con más experiencia en el cine, el teatro y en publicidad, Antonio Monroi fue llamado para el casting de un comercial de alto presupuesto de Estados Unidos para la cerveza Budweiser, que sería dirigido por Snyder, desgraciadamente Monroi no pudo trabajar con él, por otro compromiso, previamente adquirido, para trabajar en un documental para la televisora inglesa BBC. Snyder, a través de una agencia de casting en México, presionó hasta donde pudo, para que el actor mexicano aceptara romper el compromiso con la cadena británica. Monroi recibió decenas de llamadas. Incluso le informaron que tenía «carta abierta» para cobrar lo que quisiera. Su mística de trabajo, profesionalismo y lealtad, impidieron a Monroi acepatr la ventajosa propuesta. Otro actor mexicano, la segunda opción de Snyder, aceptó. De haber cedido, Antonio Monroi hubiera destruido el estricto plan de rodaje del documental de la BBC.
Al paso de casi 30 años, la carrera cinematográfica de Antonio Monroi ha sido fructífera. Ha participado en más de cuarenta películas alrededor del mundo, entre las que destacan Inhala ( Blow, Ted Demme EUA 2001), Blueberry (Jan Kounen, GB/Francia 2004), Apocalypto (Mel Gibson, EUA 2006), Cinco de Mayo: La batalla (Rafael Lara, México 2013), Cuilli & Macuilli, los hijos del Jaguar (Arturo Sánchez Del Villar, México 2019) y en decenas de series de televisión. Nueve largometrajes, donde participa, están por estrenarse.
La carrera de Zack Snyder es impresionante en el marco de las mega producciones de Holywood con una distribución planetaria y miles de millones de dólares en ingresos. Además de su Ópera Prima, consignada antes en este reportaje, el realizador ha dirigido diez películas, dos están por estrenarse. Destacan 300 ( 2006), Watchmen, los vigilantes (2009), El hombre de acero (Man of Steel 2013), y Batman vs. Superman: El origen de la justicia (2016). Pero el realizador Zack Snyder está ahora en el ojo del huracán, situado en medio de una polémica. Su vida profesional oscila entre los millones de seguidores que lo apoyan y otros tantos integrantes del público que rechazan vehementemente la visión que tiene sobre el universo de Batman. Todo este maremágnum tiene que ver con una generación para la que la visión en torno al universo en el que se desenvuelve el Caballero de la Noche es una cuestión de vida o muerte. Aunque Snyder fue reconocido por la Hollywood Critics Association (Asociación de Críticos de Hollywood) con el Premio Valiant, el primero en su tipo, padece de un intenso fuego, avivado por los que rechazan sus concepciones fílmicas.
Parte de la filmografía de Zack Snyder
Zack snyder dirigiendo su versión de La Liga de la Justicia
El realizador tuvo uno de los momentos más trágicos de su carrera cuando en marzo de 2017 su hija Autumn se quitó la vida. Debido al proceso de duelo el director ya no pudo continuar trabajando en Liga de la Justicia y dejó el proyecto. Warner Brothers puso en su lugar a Joss Whedon, la cinta fue un fracaso en todos los niveles y dio pie a la campaña en redes sociales #ReleaseTheSnyderCut (liberen el corte de Snyder), que dio resultado.
El anuncio de que La Liga de la Justicia de Zack Snyder vería la luz no fue motivo de alegría para todos, en mayo de 2020 cuando se anunció el proyecto, un artículo de Collider dijo que se trataba de un reconocimiento a los fans tóxicos que sólo hacían bullying en redes sociales. En una reciente entrevista con Cinemablend, Snyder defendió a sus seguidores de esas acusaciones: “¿Cómo es eso de un fandom tóxico? Ellos probablemente han logrado más que cualquier otro grupo de fans y han hecho más bien que cualquier otro grupo. Entonces, no lo entiendo”
Lo que resulta innegable es que Zack Snyder, además de estar situado en el centro de la polémica, también se halla en la cima de las noticias que surgen del Hollywood más comercial y rentable.
Aquí les dejamos un Video Documental donde sucintamente se explica el funcionamiento de la Compañía Frito Lay:
El mundo de los comerciales de televisión, la millonaria inversión en producir mensajes audiovisuales que incentiven la compra, también millonaria, de productos de consumo, tóxicos e innecesarios, y ligarlos con los grandes eventos deportivos y musicales, ha evolucionado a tal grado, que ahora los spots televisivos, parecen ser más importantes, que los acontecimientos que supuestamente patrocinan. Aquí les dejamos el más sofisticado, evolucionado, enajenante, subliminal y reciente anuncio de Frito Lay. Lo protagoniza Anna Kendrick, lo que da la idea de frescura y jovialidad y liga el consumo de una gran variedad de tipos de botanas, con la Navidad del pandémico año del 2020. La música, digámoslo con franqueza, liga perfecto con los fines del anuncio. Kendrik, en lo que hace un lúcido y abrumador recorrido por toda la comida chatarra, canta el tema My favorite things, original de la película La Novicia Rebelde ( The Sound of Music / Director Robert Wise / EUA 1965 ), originalmente interpretado por Julie Andrews:
Oscar 2021: Lista completa con las películas nominadas y las consideraciones en torno a la Estatuilla Dorada al #EstiloHomocinefilus. México fuera del Óscar
–93 Edición de la Entrega de los Premios Oscar que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood
–Mank, la última película de David Fincher, auspiciada por Netflix, lidera de forma ficticia las nominaciones para la próxima entrega de los Oscars. De forma ficticia, porque aunque los números así lo indican, todo hace prever que este trabajo que retrata el proceso de creación de Ciudadano Kane no ganará nada. La gran favorita es Nomadland
–Este año la Academia de Hollywood hizo una excepción permitiendo que las producciones que se hayan estrenado en streaming pudieran competir. 15 de las películas nominadas pueden ser vistas en Netflix
–México, Guatemala y Chile se quedan fuera de la carrera a Óscar internacional. La cinta mexicana Ya no estoy aquí, la guatemalteca La llorona y la chilena El agente topo no pasaron hoy el corte y se quedaron fuera de la carrera al Óscar a la mejor película internacional, anunció la Academia de Hollywood
–La cineasta de #Nomadland Chloé Zhao ha vuelto a hacer historia como la primera mujer de asiática en ser nominada a Mejor Directora en los #Oscar
— Los realizadores Chloé Zhao ( Nomadland ) y Lee Isaac Chung ( Minari ) se unen a las filas de solo cuatro personas de ascendencia asiática oriental que han sido nominadas en la categoría de mejor director.
–Chloé Zhao (Nomadland) y Emerald Fennell (Hermosa venganza) hacen historia al ser nominadas en la categoría a Mejor Director. Nunca antes en la historia de los Óscar habían tenido a dos mujeres cineastas nominadas
–Nueve actores de color han sido nominados a los #Oscars 2021, un nuevo récord para la Academia de Hollywood y para la comunidad afroamericana. Los nominados incluyen a Steven Yeun (primer nominado al mejor actor asiático-estadounidense) y a Riz Ahmed (primera persona de ascendencia paquistaní nominada por actuación).
–El actor Chadwick Boseman, protagonista de #BlackPanther recibió una nominación post-mortem en la categoría de Mejor Actor por su trabajo en la película La Madre del Blues … Ma Rainey’s Black Bottom
— #Pinocho del director Matteo Garrone obtiene dos nominaciones al #Oscar2021 por mejor diseño de vestuario y mejor maquillaje y peinado
— La versión 93 de los Premios de la Academia de Hollywood se llevará a cabo el próximo domingo 25 de Abril, en al menos dos lugares. Union Station, el centro ferroviario de Los Ángeles, servirá como sede de los Premios de la Academia junto con el Dolby Theatre. La ceremonia de los Oscar 2021 se distanciará socialmente de sí misma.
–Las películas con más nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película:
– Mank: 10 nominaciones
-Judas y el Mesías Negro … Judas And The Black Messiah: 6
– Minari: Historia de mi familia: 6
– El Sonido del Metal … Sound Of Metal: 6
– El juicio de los 7 de Chicago … The Trial Of The Chicago 7: 6
– El Padre … The Father: 5
– Hermosa Venganza … Una joven prometedora … Promising Young Woman: 5
– Nomadland: 5
–Las grandes películas ignoradas por las nominaciones de la Academia son; First Cow (Kelly Reichardt / EUA 2019), El hombre invisible (The Invisible Man / Leigh Whannell / Canadá 2020), Estoy pensando en dejarlo o Pienso en el final (I’m Thinking of Ending Things / Charlie Kaufman / EUA 2020), Casa ajena (His House / Rami Weekes / GB 2020 ), Palm Springs (Max Barbakow / EUA 2020), La maldición de Lake Manor (The Nest / Sean Durkin / GB 2020), Raramente Nunca A veces Siempre (Never Rarely Sometimes Always / Eliza Hittman / GB – EUA 2020),Diamantes en bruto (Uncut Gems / Ben Safdie y Joshua Safdie / EUA 2019)y The Assistant (Kitty Green / EUA 2019). Estas películas tienen cero nominaciones al Oscar
Los candidatos a los Oscar 2021 se dieron a conocer este lunes 15 de marzo a las 5:30 hora del Pacífico. El anuncio fue hecho, desde Londres, por los actores Nick Jonas y Priyanka Chopra que presentaron los elegidos y las elegidas en 23 categorías. El evento tuvo dos partes. La primera en donde se anunció a los candidatos de las ternas en las áreas técnicas, mientras que la durante la segunda parte se dieron a conocer las nominaciones principales.
La Academia de Hollywood anunció este lunes 15 de marzo los candidatos de forma oficial. Los ganadores se conocerán el 25 de abril durante la Ceremonia de Premiación en el Dolby Theatre. Al igual que otras distinciones, la noche más importante del cine debió modificar su calendario por la pandemia.
La película Mank, del cineasta David Fincher, lidera la edición 93 de los Oscar con diez candidaturas. Por detrás de esta película de Netflix aparecen media docena de filmes con seis nominaciones cada una: The Father, Judas and the Black Messiah, Minari. Historia de mi familia, Sound of Metal, El juicio de los 7 de Chicago y Nomadland, esta última considerada la gran favorita en esta temporada de premios en Hollywood.
Por primera vez en la historia de los premios de la Academia, más de una directora ha sido nominada en la categoría de mejor dirección. Chloé Zhao (Nomadland) y Emerald Fennell (Promising Young Woman) fueron nominadas en la cotizada terna en la que compiten contra Thomas Vinterberg (Another Round), David Fincher (Mank) y Lee Isaac Chung (Minari). Zhao también se convirtió en la primera mujer asiática en ser nominada.
Nomadland, El juicio de los 7 de Chicago, The father, Judas and the Black Messiah, Mank, Minari. Historia de mi familia, Promising Young Woman y Sound of Metal serán las candidatas al Oscar en la categoría Mejor Película.
En tanto, Riz Ahmed, el fallecido Chadwick Boseman, Gary Oldman, Steven Yeun y Anthony Hopkins competirán en la categoría de mejor actor protagonista. Frances McDormand (Nomadland), Carey Mulligan (Promising Young Woman), Viola Davis (Ma Rainey’s Black Bottom), Andra Day (The United States vs. Billie Holiday) y Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) se verán las caras por el Oscar a la mejor actriz.
La ceremonia estaba programada originalmente para celebrarse el 28 de febrero, pero los organizadores corrieron la fecha dos meses más tarde para que pueda hacerse de forma presencial.
La votación definitiva entre los candidatos finalizará el 20 de abril.
Este año la Academia de Hollywood hizo una excepción permitiendo que las producciones que se hayan estrenado en streaming pudieran competir.
A continuación, la lista de nominados a los premios Oscar 2021:
Los nominados en la categoría Mejor Película:
El Padre … The Father
Judas y el Mesías Negro … Judas and the Black Messiah
Mank
Minari: Historia de mi familia
Nomadland
Hermosa Venganza … Una joven prometedora … Promising Young Woman
Sonido de Metal … Sound of Metal
El jucio de los 7 de Chicago … The Trial of the Chicago 7
Mejor director:
Thomas Vinterberg por Otra ronda … Druk … Another Round
David Fincher por Mank
Lee Isaac Chung por Minari
Chloé Zhao por Nomadland
Emerald Fennell por Promising Young Woman
Mejor actriz protagónica:
Viola Davis por La madre del Blues … Ma Rainey’s Black Bottom
Andra Day por The United States vs. Billie Holiday
Vanessa Kirby por Fragmentos de una mujer … Pieces of A Woman
Frances McDormand, Nomadland
Carey Mulligan, Promising Young Woman
Mejor actor protagónico:
Riz Ahmed, Sound of Metal
Chadwick Boseman, Ma Rainey’s Black Bottom
Anthony Hopkins, The Father
Gary Oldman, Mank
Steven Yeun, Minari
Mejor actor de reparto:
Daniel Kaluuya, Judas And The Black Messiah
Sacha Baron Cohen, The Trial Of The Chicago 7
Leslie Odom Jr., One Night In Miami
Paul Raci, Sound Of Metal
Lakeith Stanfield, Judas And The Black Messiah
Mejor actriz de reparto:
Maria Bakalova, Borat, siguiente película documental … Borat Subsequent Moviefilm
Glenn Close, Hillbilly, una elegía rural … Hillbilly Elegy
Olivia Colman, The Father
Amanda Seyfried, Mank
Yuh-Jung Youn, Minari
Mejor fotografía:
Sean Bobbitt, Judas and the Black Messiah
Erik Messerschmidt, Mank
Dariusz Wolski, Noticias del gran mundo … News of the World
Joshua James Richards, Nomadland
Phedon Papamichael, The Trial of the Chicago 7
Mejor película internacional:
Otra ronda … Druk … Another Round (Dinamarca)
Shao nian de ni … Better Days (Hong Kong)
Collective (Rumania)
The Man Who Sold His Skin (Túnez)
¿Quo Vadis, Aida? (Bosnia)
Película de animación:
Unidos … Onward
Mas allá de la luna … Over the Moon
Shaun, el cordero: La película — Granjagedón … A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon
Soul
Wolfwalkers: Espíritu de lobo … Wolfwalkers
Diseño de vestuario:
Emma
Ma Rainey’s Black Bottom
Mank
Mulan
Pinocchio
Mejor documental:
Collective
Campamento extraordinario … Crip Camp
The mole agent … El Agente Topo
Lo que el pulpo me enseñó .. My octopus teacher
Time
Mejor cortometraje documental:
Colette
A concerto is a conversation
Do not split
Hunger Ward
A love song for Latasha
Maquillaje y peinado:
Emma
Hillbilly Elegy
Ma Rainey’s Black Bottom
Mank
Pinocchio
Mejor canción original:
Fight For You de Judas and the Black Messiah, música de H.E.R. y Dernst Emile II, letra de H.E.R. y Tiara Thomas
Hear My Voice de The Trial of the Chicago 7, música de Daniel Pemberton, letra de Daniel Pemberton y Celeste Waite
Husavik de Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga, música y letra de Savan Kotecha, Fat Max Gsus y Rickard Göransson
Io Sì de La Vita Davanti a Se, música de Diane Warren, letra de Diane Warren y Laura Pausini
Speak Now de Una noche en Miami … One Night in Miami … música y letra de Leslie Odom, Jr. y Sam Ashworth
Diseño de producción:
The Father
Ma Rainey’s black bottom
Mank
News of the world
Tenet
Mejor edición:
The Father
Nomadland
Promising Young Woman
Sound of Metal
The Trial of the Chicago 7
Mejor guión original:
Judas and the Black Messiah (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas y Kenny Lucas)
Minari (Lee Isaac Chung)
Promising Young Woman (Emerald Fennell)
Sonido del metal (Derek Cianfrance, Abraham Marder y Darius Marder)
The Trial of the Chicago 7 (Aaron Sorkin)
Mejor guión adaptado:
Borat Subsequent Moviefilm (Peter Baynham, Sacha Baron Cohen, Jena Friedman, Anthony Hines, Lee Kern, Dan Mazer, Erica Rivinoja y Dan Swimer)
The Father (Christopher Hampton y Florian Zeller)
Nomadland (Chloé Zhao)
One Night in Miami (Kemp Powers)
Tigre blanco … The White Tiger (Ramin Bahrani)
Mejores efectos especiales:
Love and Monsters
Cielo de Medianoche … The Midnight Sky
Mulan
El único y gran Iván … El magnífico Iván … The One and Only Ivan
Las 25 Mejores Películas del 2020, el Año que se llevó la Pandemia. La lista del Crítico de Cine Fernando Bañuelos Homocinefilus
“Dale un afilado estilete a un mono y pueden suceder dos situaciones; se degüella o impulsivamente te corta la cabeza” Proverbio popular
La apuesta de esta recopilación es recuperar las mejores cintas del año que, a nivel mundial, hicieron renacer la esperanza en la humanidad. Excelentes películas que pese a la Pandemia, encontraron la forma de llegar al gran público.
De nada hubiera servido, para una sociedad fílmica subdesarrollada, deprimida y agobiada por el azote calustrofóbico de la Pandemia, mirarse el “ombligo cultural cinematográfico”, denotar la miseria intelectual y sólo integrar una lista mezquina de películas mediocres, locales y enajenantes, que apenas pudieron resaltar en la desesperada búsqueda de opciones fílmicas del streaming, del espectador asfixiado por la #Cuarentena que pretendía, en el mejor de los casos, ser #Inteligente, #Provechosa y #Productiva.
2020 no sólo es el Año que se llevó la Pandemia, también es el ciclo de 365 días en el que descubrimos, a causa del precautorio y alarmante cierre de las Salas de Cine en el mundo, que la mayor parte de la Memoria Cinematográfica de la Humanidad, está ya contenida, en las cientos de Plataformas de Streaming que alberga Internet. El significado de este revelador y estremecedor hallazgo trastoca drásticamente la forma tradicional, y bastante viciada, en la que veíamos cine antes del Covid-19, a causa de la “mezquina magnanimidad” de una industria cultural dominante, léase Hollywood, ejerciendo un ominoso control monopólico cultural e interesada solamente en los voraces beneficios económicos a nivel planetario. Ahora, gracias a que la Tecnología Cibernética nos alcanzó, el único criterio al que debemos obedecer, es el que nos mande o sugiera nuestra cinefilia ilustrada o chafada, perspectiva cultural, alcance de miras, nivel de entendimiento, percepción del mundo y a la imperiosa necesidad de evadirnos de la realidad, argumentando, autoengañándonos, que vemos cine sólo para entretenernos. El nombre del juego es el de tener el bagaje cultural necesario y los fundamentos de conocimiento cinéfilo para elegir las mejores opciones cinematográficas entre un océano de posibilidades. En este escenario es donde cobra sentido la imperiosa función social que cumple el Crítico de Cine, comprometido éticamente con orientar el interés del público hacia elevadas, formas cinematográficasm contundentes, denunciativas, dilectas y estéticas, alejando a los espectadores de cintas que apuntalan la sociedad de consumo.
Pese al impacto trágico de la Pandemia, y al terrible desafío que representa producir y exhibir películas, y a la incertidumbre del futuro, el cine se mantuvo muy vivo, y como no, durante todo el año, a través de Festivales de Cine Virtuales e Híbridos o en el restringido VOD (Video on Demand) y al vigor y poder que tienen, y no lo sabiamos a cablidad, las éticas, culturales, virtuosas, pero también ominosas y poderosas Plataformas de Streaming de todos tipos e ideologías. Por ello el criterio para seleccionar estas 25 películas fue el de sugerirles rescatar, por cualquier medio, estas indispensables y geniales Obras Cinematográficas que exponen lúcidamente el Drama Humano en cientos de excelsas y perturbadoras maneras, mostrando alucinantes universos fílmicos.
La mayoría de las mejores películas de 2020 no se filmaron este año, pero seguro que hablan de la tregedia humana en todas sus tonalidades y en todas latitudes. Desde los efectos psicológicos del distanciamiento social, 2020 fue un estado de ánimo como ningún otro, y muchas de estas películas se han convertido en encarnaciones retroactivas de esos sentimientos inusuales. Eso no es exactamente un feliz accidente: el mundo ya era un lugar inquietante y misterioso que los narradores modernos intentaban analizar, por lo que cuando el estado de ánimo se intensificó, sus películas llegaron justo a tiempo. Muchos de los aspectos más destacados cinematográficos del año ofrecen algo de esperanza para el futuro.
Les pedimos abran la Red del Entendimiento y capturen, rescaten y recuperen, donde el sorprendente Streaming se los permita, las 25 sugerencias que a continuación les reseñamos:
1.- The Painter and the Thief … Director: Benjamin Ree … Noruega 2020 …
Este extraño y convincente documental comienza cuando Barbora Kysilkova, una artista checa en Oslo, Noruega, tiene dos pinturas en una galería, que son robadas. Después de que arrestan al ladrón, Karl Bertil-Nordland, Barbora lo busca y le pide pintar su retrato.
Se está apropiando de su imagen luego de que él le robó su arte, pero eso es solo el comienzo de una amistad real, a veces exasperante, a medida que la historia crece para incluir la relación de Barbora con su novio y la adicción a las drogas de Karl. El director Benjamin Ree siguió a los personajes durante años para crear esta conmovedora crónica de inspiración, culpa y reinvención.
Kelly Reichardt es una de las grandes cineastas del cine americano de las últimas décadas, del cine independiente, de un cine rural, neo western y naturalista, que siempre han ocupado los contextos de sus películas. En First Cow nos traslada al Oregón de los años de 1820, en donde un cocinero es contratado por un grupo de cazadores de pieles, precisamente para que les cocine. La personalidad sensible del cocinero contrasta con la de los rudos cazadores, hasta que un día se encuentra con un inmigrante chino que se encuentra huyendo de unos rusos. En esos momentos muchos inmigrantes llegaron de muchos países tras el oro blando como le decían a las pieles. El cocinero ayuda al chino y el destino los junta nuevamente, permitiendo que trabajen juntos en una comunidad donde llega la primera vaca, propiedad del Jefe de Factores, un hombre con eterna nostalgia y anhelo de la vida en Europa. La historia es mínima. Kelly Reichardt cuenta poco más que la cercanía entre sus dos protagonistas, y sus tribulaciones para conseguir dinero y una vida mejor en un entorno hostil. Al igual que hace la cineasta con tal entorno, Cookie y King-lu terminan por aportarle dulzura. En términos de puesta en escena, sin embargo, First Cow está llena de vida. La película es estupenda. Es basada en la novela de Jonathan Raymond, quien escribe el guión junto a Reichardt.
3.- –La vasta noche … The Vast of Night … Director: Andrew Patterson … EUA 2019
El mundo moderno es hijo de la sospecha. Marx, Freud y Nietzsche demostraron que tras la evidencia respira el monstruo. y Andrew Patterson se empeña en The Vast of Night en dejar claro que, ahora más que nunca, la paranoia nos define. Su película es un raro artefacto nocturno que homenajea a la intrigante televisión de interferencias y programas como La Dimensión Desconocida (The Twilight Zone), a la vez que nos devuelve a la ingenuidad de la radio antigua y de aquellos extraterrestres de platillos voladores con foquitos y la nave nodriza. Sin duda, una de las más gloriosas y magnéticas sorpresas de los estrenos en las plataformas. Apabulla la habilidad para recomponer la fiebre de la sospecha. Ahora, que somos tan vulnerables. ¿Nos están mirando los extraterrestres? ¿Estaban en los cielos de la década de 1950 en Nuevo México? Este misterio de ciencia ficción hace esas preguntas de La Dimensión Desconocida, pero las responde con tanto entusiasmo y originalidad que parecen nuevas. En el transcurso de una noche, The Vast of Night sigue a un DJ de radio local (Jake Horowitz) y un operadora telefónica (Sierra McCormick) mientras investigan los misteriosos ruidos que se transmiten desde algún lugar cercano. La película incluye algunos comentarios agudos sobre la marginación de ciertos grupos sociales, pero es la solvencia técnica pura la que hace que el debut de Andrew Patterson sea un placer. Sabes que estás viendo la aparición de un nuevo talento enormemente emocionante.
4.- Bacurau: Tierra de Nadie … Bacurau … Directores: Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles … Brasil / Francia 2019
Una de las películas más extrañas y creativas del año es esta joya brasileña, ambientada en un pueblo pobre y aislado llamado Bacurau. La comunidad es oprimida por un político corrupto y hay desconcierto sobre por qué Bacurau ha desaparecido repentinamente de cualquier mapa, los de papel y los de internet. Cuando el pueblo es invadido por mercenarios, la película se transforma en un homenaje ensangrentado a los westerns. Los directores Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles han creado una deslumbrante película, que compartió el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes del año pasado.
5.- Una gran mujer … Beanpole … Dylda … Director: Kantemir Balagov … Rusia 2019 … Candidata de Rusia a Mejor Película Extranjera al Óscar
Una gran mujer es un drama visualmente impresionante, por su atmósfera, sus colores, la temperatura y la iluminación tan cuidados, que dibujan constantemente escenarios preciosos, fríos y cálidos, que se mueven a la par del desarrollo de los personajes. Además de eso y su estupenda fotografía, la película se ambienta en Leningrado en el otoño de 1945. Tras la Segunda Guerra Mundial la ciudad está en ruinas junto con el espíritu de sus ciudadanos. Entre ellos dos mujeres, Iya y Masha, que deberán tener la fuerza para salir adelante con los hijos y reconstruir la ciudad. Beanpole también es una película que habla sobre el amor no correspondido, la miseria y la desesperación cuando todo se ha perdido. Es demoledora y todos los elementos trasmiten muy bien el sentimiento de nostalgia y tristeza. Este filme toca aspectos importantes de la respuesta humana ante la tragedia, de las relaciones prohibidas, los prejuicios y las diferencias de clase en una sociedad totalitaria, pero destruida materialmente tras una hecatombe bélica. Una sociedad que, en ese momento, no puede disfrutar de su victoria.
6.- The Assistant … Directora: Kitty Green … EUA 2019 …
Kitty Green, realizadora proveniente del campo documental y posicionada en la causa feminista con trabajos como Ucrania no es un burdel (2013), ha elegido para su primera película, fuera de ese formato, una historia que denuncia el abuso de los depredadores sexuales contra las mujeres en la industria del cine, utilizando un estilo seco y minimalista, fiel a esa búsqueda de la realidad propia del género en el que se ha cultivado. The Assistant es una película silenciosa, tanto como su protagonista femenina, que desde la aparente calma de sus imágenes, lanza un grito atronador contra esa impunidad que rodea a los delincuentes sexuales de alto rango. No hay en ella ninguna referencia hacia la figura de Harvey Weinstein, el controvertido productor de cine que ha sido llevado ante la justicia por las denuncias de decenas de mujeres, entre ellas muchas actrices famosas, y, sin embargo, su sombra sobrevuela en un relato que, casualmente (o no) acontece en el interior de las oficinas de una productora cinematográfica. La narrativa escogida por Green es bien sencilla. La crónica directa y concisa de 24 horas en la vida de Jane, una joven con sueños de convertirse en el futuro en productora de cine que, mientras tanto, desempeña las labores de asistente (más bien, chica para todo) de un magnate de la industria.
7.- Nunca Casi nunca, A Veces Siempre … Raramente Nunca A veces Siempre … Never Rarely Sometimes Always … Directora: Eliza Hittman … GB / EUA 2020 …
Este drama silencioso y profundo sigue a Autumn (Sidney Flanigan), de 17 años, en su embarazo en una pequeña ciudad de Pensilvania, donde el aborto está restringido, mientras ella y su prima toman en secreto un autobús rumbo a la cercana ciudad de Nueva York para interrumpirlo. Lejos de ser una historia de moralejas, la película de la escritora y directora Eliza Hittman es un relato elocuente e íntimo sobre elecciones, secretos y las decisiones tristes y desesperadas que las mujeres jóvenes, a veces toman para salvar su propio futuro. La película es desgarradora en su honestidad pero emocionante en su empatía. La directora convierte este argumento mínimo en un auténtico y soberbio viaje al fondo de la noche, en un drama naturalista, melancólico y descarnado sobre la adolescencia acosada. Con una precisión desusada, Hittman se las arregla para componer una rara, ausente y muy profunda sinfonía del dolor. La fotografía entre saturada y sólo rota, la banda sonora necesariamente fracturada y la mirada partida en pedazos componen un universo de escombros, extraño y muy cercano a la vez. Sidney Flanigan debe enfrentarse a una serie de dificultades, tales como la escasa rigurosidad médica, los altos costos económicos, el consumo de medicamentos y los juicios de la sociedad.
8.- El Jóven Ahmed … Le jeune Ahmed … Young Ahmed … Directores: Jean-Pierre and Luc Dardenne … Bélgica / Francia 2019 …
El punto de vista de los hermanos Dardenne se centra en la religión. Aunque en la cinta la religión que escoge es la musulmana, sería corto de miras no pensar en el resto de creencias. Aunque bien es cierto que los musulmanes son los que al día de hoy, más titulares ocupan, debido probablemente a la gran diferencia cultural existente. Ahmed es un adolescente cuyo alineamiento le está privando de disfrutar de los placeres de su vida propios de su edad. Movido constantemente por sus creencias, actúa en consecuencia, llegando a los tan temidos extremismos. Y es que aunque los directores nos dejan entrever posibles cambios en el signo del personaje, dicho cambio nunca acaba de llegar. Aunque parezca redundante, en El joven Ahmed la juventud juega un rol principal. Dicho estado vital ejerce de motor durante todo el largometraje, pudiendo llegarnos a preguntar que sin dicha precocidad en el protagonista, nada hubiera ocurrido. Todos hemos tenido ídolos en nuestra adolescencia. Los más cinéfilos de Billy Wilder a Quentin Tarantino, los más futboleros a Pelé o Messi y los más melómanos desde David Bowie al actual Justin Bieber. Les admiramos y soñamos con poder seguir algún día sus pasos. Pero, ¿qué pasaría si nuestro modelo a seguir fuese nuestro primo? Y más aún, ¿si nuestro primo fuera un fanático religioso? Con estos y más elementos juega el filme. Con la relación entre una madre y un hijo, con la inocencia y atrevimiento propios de la juventud y, por último, con la necesidad de la cultura como contrapunto de los radicalismos. En el Festival de Cine de Cannes la cinta ganó la Palma de Oro a Mejor Director.
En un estudiado blanco y negro cerca de la ensoñación o la pesadilla, Fincher reformula Ciudadano Kane desde el lado opuesto del espejo, desde la vida rota del dipsómano guionista Herman J. Mankiewicz (1897–1953). En un bucle prodigioso, el espectador es invitado no tanto a introducirse en el «making of» de la película que hizo saltar por los aires los códigos narrativos del cine clásico, como a destejer y volver a tejer la misma historia desde el punto de vista opuesto. Si la de Kane era la historia del más poderoso y arrogante de los hombres, enfrentado a la maquinaria de poder creada por él mismo, el de Mank es el relato del más ínfimo de los seres que contempla desde su insignificancia los estragos de un tiempo esencialmente injusto y condenado a desaparecer. El director David Fincher recoge un guión escrito por su padre, Jack Fincher, antes de su muerte en 2003. La trama de la película se centra en la historia del guionista Herman J. Mankiewicz y los problemas que enfrentó durante el desarrollo de Citizen Kane (1941), filme de Orson Welles que aborda los conflictos relacionados al poder político y la prensa sensacionalista.
10.- The Mole Agent … El agente topo … Directora: Maite Alberdi … Chile / EUA / Alemania / Países Bajos / España 2020
El agente topo nos presenta a Rómulo, un investigador privado, que recibe de parte de una clienta el encargo de investigar sobre el estado de salud de su madre, quien vive en un asilo. Para llevar a cabo la misión contrata a Sergio, un hombre viudo de 83 años quien debe internarse en el asilo como un agente encubierto. Allí, Sergio lucha por cumplir su misión mientras inevitablemente, empieza a involucrarse en la vida de las residentes de ese hogar. La mejor manera de adentrarse en El agente Topo es ir sin ningún tipo de conocimiento sobre el largometraje. De esta forma, el espectador va descubriendo poco a poco la magnitud de la historia, la cual comienza como una comedia de espías muy agradable, que pronto revela su verdadero ser. Por lo cual, no es un documental común y corriente, sino que busca, a través de una aparente ficción, dar rienda suelta a la verdadera historia que se desea contar. Por un lado, ese aspecto de “agente secreto”, permite que sea el nexo de unión entre los distintos relatos que se plantean en el filme. Una forma interesante de unificar las distintas partes. Incluso llega a contar la suya propia y siendo parte de lo que se está narrando y la necesidad emocional de hacerlo. Hablar de la tercera edad es una misión muy importante en sociedad, dado que se pueden ver perfectamente algunas de las problemáticas que envuelve la situación de estas personas durante la vejez. Sin embargo, lejos de mostrarse desde una vertiente más oscura, o triste, se consigue dar luminosidad con la alegría de las distintas personas que la forman. Gracias a desengranar las vidas que hay detrás, se conecta perfectamente con las distintas líneas que se conforman. Igualmente, hay un punto desgarrador en toda esa inocencia, donde las vidas en paralelo confluyen y es el sentimiento de la soledad. Por este motivo, las sensaciones invaden la película según va avanzando, dejando un final reflexivo sobre cómo son tratadas las personas de mayor edad por la sociedad. Aún así, no busca la lágrima fácil, sino que siempre alude a una solución, que cada uno debe mirar en sí mismo.
“Nosotros ya no somos humanos. Sólo les importa el dinero”. Esta afirmación hiriente está muy lejos de ser una simple frase sin fundamento; es la expresión de una fe idealista en el documental Collective de Alexander Nanau. La investigación llevada a cabo en la película revela que el sistema sanitario rumano está gangrenado hasta la médula. La corrupción en todos los niveles hace que mueran de forma absurda ciudadanos que pensaban que sus hospitales podrían curarlos; y todo con la complicidad de los poderes públicos. Una explicación terriblemente edificante que el director alemán (nacido en Rumanía y conocido por su trabajo anterior, Toto et ses sœurs (Toto y sus hermanas) exhibe con una maestría cinematográfica excepcional, en las antípodas de una investigación televisiva estándar. La película combina el suspense digno de un thriller con los sucesivos descubrimientos de los periodistas y los intentos de un nuevo ministro por mejorar el sistema. También tiene secuencias con poco énfasis pero muy respetuosas, dedicadas a las víctimas y a los supervivientes. Todo empieza con un suceso muy mediático. El 30 de octubre de 2015 se declara un incendio en el Colectiv Club, una discoteca de Bucarest, que carecía de salidas de emergencia: 27 jóvenes mueren y 180 resultan heridos (90 en estado grave). El gobierno rumano afirma que serán cuidados “tan bien como en Alemania”. Pero 37 de los quemados mueren en las semanas posteriores pues, como reveló una fuente a los periodistas Catalin Tolontan, Mirela Neag y Răzvan Lutac que deciden iniciar una investigación, “fueron ingresados en un ambiente no esterilizado y expuestos a una de las bacterias hospitalarias (el bacilo Pseudomonas aeruginosa) más resistentes de Europa”. El trío de La Gazette des Sports descubre que los productos desinfectantes que proporciona Hexi Pharma a 350 hospitales (2000 quirófanos) son diluidos hasta diez veces la dosis normal. Una práctica que esconde una corrupción a varios niveles, circuitos de evasión fiscal y la protección del Estado, que estaba al corriente de la situación, desde hacía bastante tiempo.
12.- Nomadland … Directora: Chloe Zhao … EUA 2020 … Basada en la novela de Jessica Bruder
Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que, tras perder todos sus bienes durante la Gran Recesión, se embarca en un viaje nómada por la zona oeste de Estados Unidos. Empire es, o era, una ciudad de Nevada. Forzada por la crisis de 2008 vio como en 2011 cerraba la fábrica de tablaroca, pilar de la economía local. El efecto fue devastador, convirtiendo a Empire en una ciudad fantasma hasta el punto de que Estados Unidos eliminó su código postal. Tomando como base este hecho, Chloé Zhao crea el personaje de Fern, una viuda de Empire a la que la situación le ha dejado sin trabajo, sin familia, sin casa, sin amigos e, incluso, sin ciudad, y la sumerge en el universo que exploraba la novela periodística Nomadland de Jessica Bruder: el del fenómeno de los nómadas americanos actuales. Americanos, la mayoría por encima de los 50 años, que viven en sus autocaravanas, alejados todo lo que pueden de un sistema que creen que ya no funciona (muchos de ellos han sido directamente expulsados de él), colaborando entre ellos, intercambiando bienes y conocimientos y viajando por Estados Unidos en función del clima y la disponibilidad de trabajos. Fern empieza a trabajar para Amazon y vive en su camioneta en una zona de acampada que paga la multinacional. Cuando se le acaba el contrato y no tiene donde ir, conoce en YouTube a Bob Wells, un guía y un líder para los nómadas. Interesada y sin muchas más opciones, decide llevar ese tipo de vida. Bob no es un personaje de ficción y, efectivamente, es un guía para todos aquellos que deciden llevar este tipo de vida. Como Bob, en Nomadland aparecen muchos personajes reales y vemos a Fern interactuando con ellos para que conozcamos sus historias, sus planes de futuro y por qué o cómo decidieron llevar esa vida. Como ya hiciera en The Rider, Chloé Zhao camina por la delgada línea de la ficción y la no ficción solo que aquí, la arrolladora presencia de McDormand desequilibra el balance en algunos momentos en los que la actriz eclipsa al personaje convirtiendo la película en uno de esos documentales conducidos por una estrella visitando una zona. En cualquier caso Tanto Fern como McDormand son las nuevas en ese universo, así que sentirlas como invitadas no resulta demasiado grave.
13.- El Diablo a Todas Horas … The Devil All the Time … Director: Antonio Campos … EUA 2020
La primera novela de Donald Roy Pollock, El diablo a todas horas (The Devil All the Time), se publicó en 2011 y mezcla el gótico sureño con la novela negra criminal. Su estilo rezuma bocanadas de la prosa de William Faulkner o Cormac McCarthy, asumiendo también la perspectiva católica de Flannery O’Connor, en la descripción del trasfondo social de una América profunda desoladora y miserable. El alma podrida de la América profunda. Adaptar una novela de este tipo al cine nunca es fácil. Más allá de la historia, es necesario captar toda una serie de ambientes y sensaciones que distinguen una época y unos lugares. La película de Antonio Campos logra de forma acertada captar toda la sordidez inherente al relato original, aunque se pierde un poco en la exposición desordenada de los hechos. Sus 138 minutos se quedan cortos. Aparecen muchos personajes cuyas vidas quedan relacionadas mediante subtramas que suceden en diferentes momentos temporales. Eso hace que, sin llegar a ser un rompecabezas que resulte incomprensible, sí se tiene la sensación de una narrativa precipitada. Son demasiados hechos cocinados a fuego rápido que hubieran necesitado de una mayor exploración psicológica. El diablo a todas horas tiene un reparto que quita el aliento. Es alucinante la concentración de rostros conocidos, con mayor o menor caché, que van desfilando por la pantalla. Todos brillan en sus pequeños fragmentos de esta historia sórdida y negrísima, no apta para espectadores que busquen algo ligero que llevarse a la boca. Otro aspecto destacable es la puesta en escena. Campos elabora con minuciosidad, una ambientación rural tan truculenta que se huele y se sufre, igual que hacen los personajes. La violencia de la naturaleza humana se confronta con una fe ciega católica exacerbada. El lado oscuro y el luminoso se confunden muchas veces en este relato tan escabroso como fascinante. Quedan pocas ganas de visitar Knockemstiff, el lugar de Ohio donde se concentra la mayor parte de la acción y del que es originario el autor de la novela.
Christopher Nolan redescubre para el cine la virtud del asombro. Toda la película se sostiene sobre el más elemental de los trucos que descubrió para sí el cinematógrafo: la posibilidad de hacer correr el tiempo hacia atrás. De la misma manera que el tren de los Hermanos Lumiére entra en la estación de La Ciotat, basta girar la manivela en sentido inverso para verle regresar a su lugar de origen que, de repente, es el de destino. Y sobre ese casi sagrado precepto, el director insiste en sus obsesiones temporales para componer un rompecabezas prodigioso donde todo, por increíble que parezca, encaja hasta el último y más explosivo de los detalles. Es cine que hace ¡boom! y sin dejar ni prisioneros ni heridos.
15.- Las Tres Muertes de Marisela Escobedo … Director: Carlos Pérez Osorio … México 2020
El destino es, a veces, un cruce de caminos. Un instante efímero en el que sucede algo que cambia nuestras vidas para siempre, sin que podamos echar marcha atrás. No se decide, pero tampoco se puede hacer nada por evitarlo. El destino es lo que hizo que la familia Fraile Escobar se topara con Sergio Rafael Barraza un día en Ciudad Juárez, municipio fronterizo en el norte de México, donde la impunidad campea a sus anchas. El hermoso título que el mexicano Carlos Pérez Osorio da a su película, Las tres muertes de Marisela Escobedo, parece remitirnos a una historia emparentada con el realismo mágico en la que la ficción nos trasportará a un mundo irreal donde abandonarnos mientras dure el filme. Pero esto es sólo una falsa percepción. Pérez Osorio no nos lleva a ningún paraíso imaginado, sino que a través de un documental nos confronta con la dura realidad de un país, México, donde mueren 10 mujeres al día y el 97% de los feminicidios quedan impunes. Así, Las tres muertes de Marisela Escobedo narra la vida de una mujer de gran fortaleza, madre y trabajadora, que perdió a su hija, asesinada, y que luchó mientras pudo para que esa muerte no pasara a ser una estadística más de las que engrosan las cifras que tristemente nos deja la violencia. Carlos Pérez Osorio aborda todo lo sucedido con una narrativa lineal, directa, sin subterfugios ni retóricas que la alejen de lo que es: el relato de la muerte injusta de dos mujeres en una misma familia. Somos, como espectadores, los testigos de una tragedia que será contada paso a paso, con hechos y con testimonios, sin la necesidad de ninguna imagen de violencia gratuita que convierta en nota roja lo acontecido, y en donde se pondrá de manifiesto la ineficacia de un sistema judicial entorpecido por su propia burocracia y por la corrupción que ha contaminado hasta sus raíces más profundas.
16.- Estoy pensando en dejarlo … Pienso en el final … I’m Thinking of Ending Things … Director: Charlie Kaufman … EUA 2020
El más arriesgado, ‘borgiano’, y metaguionista de los escritores de cine compone una de las más abrasivas maravillas que ha dejado la Pandemia. El director de Cómo ser John Malkovich, Anomalisa y Synecdoche, New York enseña ahora su perfil más amargo, triste, taciturno y, admitámoslo, soberbio. No sólo es una película sobre asuntos tales como las heridas del amor, también lo es sobre la memoria, la identidad y el sueño. Desde La edad de oro de Luis Buñuel el cine surrealista no se había atrevido a tanto. Netflix deja completa libertad a los creadores y pasa esto; un milagro. Muy doloroso, pero milagro al fin y al cabo.
17.- Dasatskisi … Beginning … Directora: Dea Kulumbegashvili … Georgia / Francia 2020
Tras arrasar en el Festival de Cine de San Sebastián, donde se llevó cuatro de los premios mayores (Concha de Oro, dirección, guión y actriz para Ia actríz Ia Sukhitashvili), la película de la debutante Dea Kulumbegashvili se ha convertido en la mejor excusa para salvar un año entero; una temporada aciaga sin Cannes y con la nómina de estrenos reducida hasta la extenuación. Perturbadora, elegante, brutal e hipnótica, la película navega con convicción por la realidad convertida de repente en sueño. Quizá sólo pesadilla. Es cine que subyuga con la misma fuerza que pone en alerta. Es cine para desatar las interrogantes, la investigación y hasta la duda. Es cine, que en su apariencia sonámbula y magnética, aspira a revolucionarlo todo. Es de lo mejor del año. En un tranquilo pueblo, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos. Beginning es una ópera prima, que retrata a una mujer perteneciente a los Testigos de Jehová que vive oprimida por su marido y por una sociedad que no acepta su religión y que, azotada por las dudas acerca de su identidad y su fe, llega a convencerse de que la única forma de vencer sus demonios o, tal vez, de vencer al mismísimo Demonio, es probar su lealtad a Dios con una rotunda voluntad bíblica. Y, mientras contempla a su protagonista, la película traspasa con firmeza apabullante la fina línea que separa el retrato realista de la parábola religiosa, y en todo momento logra dotar hasta las escenas más aparentemente impávidas, de un clima asfixiante de tensión y amenaza.
18.- –Otra Ronda … Druk … Another Round … Director: Thomas Vinterberg … Dinamarca / Suecia / Países Bajos 2020
Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre. El nuevo trabajo del cineasta danés Thomas Vinterberg, uno de los fundadores del movimiento Dogma 95, y que en sus inicios nos regaló películas tan interesantes como La Celebración (Festen 1998), y más recientemente Submarino ( 2010) y La caza (2012), pero que sus últimos proyectos, en algunos casos de mayor presupuesto, es una película que se mueve entre dos géneros, la comedia y el drama y tiene cuatro actores protagonistas: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe. Otra Ronda (Drunk, 2020), se ubica fácilmente entre lo mejor de la producción artística de Vinterberg, aquí nuevamente retomando en parte el Dogma 95 de la mano de un desarrollo dramático sin artificios banales de raigambre hollywoodense y apegado a la realidad y sus paradojas, enfoque que en esta oportunidad abarca a la influencia del alcohol en la vida de los seres humanos tanto en lo positivo como en lo negativo/dañino sin que importen los discursos castradores y muy reduccionistas de fetichización de la asepsia, la pureza y la salud de los sectores burgueses profesionales del espectro social, mediático y cultural de nuestros días. El proyecto empezó como una adaptación de una obra de teatro que el realizador había escrito muchos años atrás y que estaba más centrada en los rasgos benéficos del consumo de alcohol vinculados a la sagacidad en público y la pérdida de inhibiciones en el trato con el prójimo. Multipremiada
Fox Rich es una luchadora, emprendedora y madre de seis niños, que ha pasado las últimas dos décadas haciendo una campaña para la liberación de su marido, Rob G. Rich. Una violación: 13 años de cárcel (promedio). Asesinato en primer grado: 25 años (en algunos estados). Una pareja de jóvenes afroamericanos intenta atracar un banco a mano armada: 60 años de prisión para Robert Rich sin opción a reducción de la pena. ¿Qué es lo que falla en Estados Unidos? El documental Time denuncia la discrecionalidad judicial y el racismo, pero pone en el foco de atención en la vida de una familia que ha de vivir con el padre en prisión. Desde que ella y su marido cometieron la peor decisión de sus vidas, Fox Rich lleva 20 luchando por la proporcionalidad de la pena de Rob y registrando los momentos familiares a los que él no puede acompañarlos. Time combina ambas facetas, presente y archivo, para tratar de que nos hagamos una idea de qué son 60 años en prisión para una familia. La directora Garrett Bradley, que con Time ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance, debería poder compartirlo con Sibil Fox Richardson: a quien todos llaman Fox Rich. Sus vídeos domésticos son el alma de Time. Entre ese archivo y las imágenes del presente veremos cómo crecen los hijos de Fox y Rob sin su padre y cómo ella se convierte, de una joven madre enamorada de veinte años y sonrisa esperanzada, a una carismática vendedora y oradora profesional. El análisis de la criminalización de los afroamericanos, entre la discrecionalidad y el racismo, que realizó el documental Enmienda XIII, los hermosos videos domésticos que una joven madre enamorada pueda dirigir a su marido en prisión, son algunos de los puntos fuertes de este documental .
20.- Retrato de una mujer en llamas … Portrait de la jeune fille en feu … Portrait of a Lady on Fire … Directora: Céline Sciamma … Francia 2019
Algún lugar de la costa bretona, 1770. La joven Marianne recibe un extraño encargo. Debe viajar a una remota y aislada mansión para pintar el retrato de una joven que ha sido obligada a abandonar el convento para contraer matrimonio, después del suicidio de su hermana mayor. La madre, una aristócrata viuda con necesidades económicas, le dice a Marianne que su hija se niega a posar, lo que provocó que su predecesor abandonara la tarea sin éxito. Así pues, Marianne deberá hacerse pasar por dama de compañía y acompañar a su modelo en sus paseos, para después pintarla de memoria y en secreto. Los primeros minutos de Retrato de una mujer en llamas sirven para que la directora presente en unos pocos trazos el esqueleto argumental de la película. Para ello se sirve de la presencia de Marianne (Noémie Merlant) como vector, ya que es a través de su mirada como el espectador descubre y se familiariza con el espacio. Lo primero que hace Marianne, una vez instalada en mitad de la noche, es explorar la casa. Recorrer los pasillos, hurgar en las alacenas en busca de comida o explorar habitaciones cerradas, son acciones que simultáneamente ubican a personaje y espectador, y que al mismo tiempo sientan las bases de uno de los aspectos clave de la película: la importancia de la mirada y las implicaciones, éticas y estéticas, de nuestra posición como observadores. No se trata de conquistar lo divino, sino de dominar la naturaleza a través de lo real y lo representado. De forma inteligente, Sciamma nos recuerda en Retrato de una mujer en llamas que el cine es el arte de lo visual, que ofrece una potencialidad única derivada de la multiplicidad de puntos de vista que permite. En el sistema que propone la película, la mirada es doble, es la mirada de Marianne cuando pinta a Héloïse (Adèle Haenel), pero también es la de Héloïse cuando por fin posa ante Marianne y se coloca a la misma altura que ella, demostrándole que quien mira es también quien es mirado, y que a través de ese juego de miradas se puede construir una dialéctica que va más allá de lo que las palabras pueden verbalizar. Y, para añadir otra capa de sentido, a las miradas de los personajes se suma la mirada del espectador, colocado en una posición privilegiada que le sitúa simultáneamente a ambos lados del campo de juego donde se están gestando los sentimientos, pero también los equilibrios de poder, entre ambas protagonistas.
21.- Diamantes en bruto … Uncut Gems … Directores: Ben Safdie y Joshua Safdie … EUA 2019
Cabe aclarar que, en Diamantes en bruto, la cuestión no va de diamantes, pero es lo que pasa cuando no se traducen bien los títulos (Uncut Gems). Gemas aparte, de lo que trata esta producción, estrenada en Netflix, es de la vida de un perdedor de manual o»by the book», siguiendo todas las reglas. Un hombre, Howard Ratner, judío, que se dedica a la joyería, que, debido a sus constantes malas decisiones, a su adicción a las apuestas y a un poco de mala suerte, se encuentra en graves problemas que no dejan de crecer como si de una bola de nieve se tratase. Un hombre encarnado por un sorprendente Adam Sandler, en su mejor actuación sin duda, como el mismo, que no solo se aleja de las comedias simplonas a las que nos tiene acostumbrados, si no que realiza un espléndido trabajo en la piel de este jugador desesperado y autodestructivo. Y esa desesperación nos la transmiten los hermanos Benny y John Safdie, responsables de la dirección del filme. Con una ágil puesta en escena, que no deja respiro al espectador, escenas con un ritmo narrativo endiablado y un guion lleno de diálogos a velocidad de vértigo, que transmiten auténtica angustia. Sí, porque avisado quedas que este filme resulta estresante de ver, pero eso no es óbice para que Diamantes en bruto sea uno de los mejores ejemplos de buen cine. Cine de mafiosos, sí, aunque estos sean judíos en vez de italianos.
22.- La Estafa … Bad Education … Director: Cory Finley … EUA 2019 …
Basada en hechos reales y en el artículo The Bad Superintenent escrito por Robert Kolker en The New York Magazine y publicado en 2014, La Estafa aborda el que se conoce como el mayor robo a escuelas de Estados Unidos. El contexto en el que se produce ese robo es el mundo de la educación, pero lo que propone vale para la política, pero también es válido para cualquier otro contexto, para cualquier posición o cargo de responsabilidad. Frank Tassone (Hugh Jackman), uno de los superintendentes más destacados del distrito escolar de Roslyn vive para asegurarse que la educación de los alumnos sea la mejor que estos puedan recibir. De forma paralela, este lucra personalmente con los fondos públicos para vivir una vida llena de lujos. El director de La estafa es Cory Finley, que en su segundo largometraje, nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la venganza de uno de los estafados. Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de una de las escuelas. Frank Tassone es un personaje real y carismático vapuleado por su entorno. Un superintendente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas las llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa muere hacía treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa.
23.- The Personal History of David Copperfield … Director: Armando Iannucci … GB / EUA 2019
Una adaptación y actualización arriesgadas. Armando Ianucci, que cuenta en su haber con dos películas como director, In the Loop y La muerte de Stalin, y numerosos trabajos claves que han definido en muchos aspectos la televisión británica en los últimos años, pone a prueba sus recursos y probado talento como narrador televisivo enfrentándose sin miedo y con total descaro a la novela e icónicos personajes de Charles Dickens en la que quizá para algunos sea una excesivamente trepidante adaptación. Para ello adopta herramientas esenciales, dos de las cuales resultan en un desafío a la manera más tradicional en la que se plantean las adaptaciones de este relato al cine hasta el momento. El lenguaje visual pone la cámara en primer término de protagonismo en el abanico de recursos empleado para el asunto. Cámara al hombro en muchos planos en el marco de un ballet frenético y trepidante donde el diálogo a gran velocidad, característico de las películas y guiones de Ianucci, salta de un personaje a otro como una papa caliente o una pelota de ping pong, enloquecida y cargada de anfetaminas. El trabajo con la cámara acompaña ese planteamiento. La segunda herramienta es más convencional: un desfile de actores populares para hacer más disparatados a los ya de por sí disparatados personajes de Dickens, cuyo nivel de caricaturización se incrementa notablemente en esta versión. Muchos de ellos han trabajado con Ianucci, pero sea así o no, le saca el máximo partido a Dev Patel y a Tilda Swinton, los mejores de la película, seguida por Hugh Laurie, si el Doctor House, y Peter Capaldi, aunque en general todo el reparto y su trabajo en ese cierto punto de satirización de personajes icónicos pero no por ello intocables, está también entre lo mejor de la película.
24.- El discípulo … The Disciple … Director: Chaitanya Tamhane … India 2020
The Disciple es el recorrido de un joven aspirante a músico a lo largo de treinta años para conseguir ganarse la vida en el negocio de la música tradicional hindustaní. Producida entre otros por Alfonso Cuarón, la película se salta tanto en forma, como en fondo, los tópicos de las películas sobre las vidas de los músicos. The Disciple tiene poco que ver con una biopic tradicional. Para empezar, no hablamos de un músico de éxito. Lo que Tamhane ofrece es un estudio de personaje. El del joven que sustituye el talento para triunfar en el oficio al que se quiere dedicar por perseverancia, estudio, esfuerzo, dedicación y renuncia. Cueste lo que cueste y le diga lo que le diga su entorno. Si la tradición del esquema melódico conocido como raga establece que no es el momento de despistarse con romances, matrimonios y familia, tocará esperar y buscar consuelo en internet. Sin caer en la tentación de caminos más fáciles. En lo personal y en lo profesional. Todo al son del instrumento conocido como sitar y de las plácidas y serenas improvisaciones vocales que pueden llegar a poner a prueba a los espectadores no familiarizados con este estilo musical. Porque The Disciple no es puramente un musical, pero gran parte de su metraje está dedicado a actuaciones o grabaciones en las que lo único que se escucha es música tradicional, lo que provoca el estiramiento innecesario de la duración de la película. The Disciple plantea el enfrentamiento entre el duro camino hacia el éxito que supone el respeto a la tradición del arte y dejarse llevar por las leyes del mercado y las modas representadas por cualquier talent show televisivo, pero está claro por cuál de las dos opciones toma partido Tamhane.
25.- Relic … Directora: Natalie Erika James … Australia / EUA 2020
Relic ha sido catalogada como un clásico contemporáneo, una obra maestra del cine de horror. Al no tener noticias de su madre, Kay va a su casa junto a su hija Sam, para intentar dar con su paradero, donde encuentran varias señales de que la demencia de la anciana ha continuado en aumento. Luego de unos días de búsqueda sin éxito, la anciana aparece en la casa como si nada hubiese ocurrido y sin poder recordar dónde estaba. El comportamiento de la anciana se vuelve cada vez más errático y Kay y Sam sospechan que es producto de una entidad que afecta la casa. Una película australiana de la compañía IFC Midnight que representa un problema psicológico en la forma de una entidad maligna. Lo peor que se puede hacer a la hora de ver Relic es tener expectativas de que estamos ante la película de terror del año, un título que no suele sentarle bien a la cinta a la que se le endosa. Relic no da miedo, ni siquiera tiene sustos ni lo pretende, pero sí que crea un desasosiego que va in crescendo conforme la atmósfera se va tornando más asfixiante e insostenible para las tres protagonistas, encarnadas de forma impecable por Emily Mortimer, Bella Heathcote y Robyn Nevin. La película es similar en forma, fondo e intenciones a la también australiana y muy femenina The Babadook (2014), que también tuvo que lidiar con la etiqueta de “fenómeno del terror” de su año. En definitiva, Relic es un relato profundamente empático que aborda la maternidad, el envejecimiento, las enfermedades mentales, la soledad y el deber familiar desde una perspectiva tan sombría como genuina. Es posible que aquellos que esperen emociones fuertes se sientan decepcionados al encontrarse con un filme pausado que se revela en última instancia como una conmovedora metáfora sobre el inexorable paso del tiempo y sobre cómo este afecta en el deterioro de nuestros cuerpos y mentes. Estupendo debut de la cineasta Natalie Erika James, a la que habrá que seguirle la pista de cerca.
Murió Sean Connery a los 90 años de edad, el que es considerado como el mejor James Bond de la historia
Sean Connery nunca olvidó los dos rasgos principales que le marcaron desde un principio: su origen humilde y escocés. Y se encargó de pagar con creces ambas deudas.
Nacido en un barrio de clase obrera de Edimburgo, el hijo de un conductor de camión y de una empleada de limpieza, llegó a ser el icono por excelencia de la elegancia, la clase y el éxito. Y no necesitó deshacerse de su marcado acento escocés, aunque durante años sí camuflara su calvicie: cuando dejó atrás a Bond ya no le dedicó ni un minuto de sus preocupaciones. La revista People lo eligió en 1999 como “el hombre más sexy del siglo”.
Retirado del mundo del cine desde 2003, cuando protagonizó la cinta de aventuras La liga de los hombres extraordinarios, y con casi 100 títulos en su filmografía, el histrión obtuvo un premio Oscar a mejor actor de reparto por Los Intocables. Al margen de su carrera cinematográfica, la reina Isabel II lo nombró Caballero en el año 2000, donde lució la tradicional kilt, falda escocesa, honrando sus orígenes.
Sean Connery concretó una filmografía cercana al centenar de películas y series de tv. La fuga más espectacular protagonizada por el actor fue la de asociar para la eternidad su imagen a la de James Bond y ser capaz de dejar atrás al personaje para consolidar una carrera artística de un prestigio inigualable.
Estos son los 15 títulos que resumen la impresionante carrera de Sean Connery
1.- Agente 007 contra el Doctor No … Dr. No … Director: Terence Young … GB 1962…
Personaje: James Bond …
Fue en 1962 cuando Sean Connery encarnó por primera vez a James Bond. En esta cinta el agente llega a Jamaica con la misión de investigar dos asesinatos, pero allí tendrá que enfrentarse al Doctor No, que se propone desviar la trayectoria de los cohetes de Cabo Cañaveral. La carrera de Connery se vio impulsada cuando en 1962 protagonizó El satánico Dr. No, primera de siete películas como el agente 007, incluyendo Operación trueno y Sólo se vive dos veces. La audición que le cambió la vida fue en 1962; los productores estadounidenses Albert “Cubby” Broccoli y Harry Saltzman adquirieron los derechos de una serie de novelas de aventura y espionaje de posguerra del autor Ian Fleming. Sin una prueba de cámara, eligieron al actor citando su porte de “hombre apuesto, siniestro y cruel”, combinación perfecta de cómo Fleming describía a Bond. Connery inauguró la serie de James Bond con 007 contra el Dr. No en 1962 junto a Ursula Andress. Fleming, que en un principio no lo quería por su acento quedó tan maravillado que introdujo en la saga un padre oriundo de Escocia como reconocimiento. El actor escocés se puso en la piel del espía británico en siete ocasiones hasta que lo sustituyó Roger Moore.
2.- Desde Rusia con Amor … From Russia with Love … Director: Terence Young … GB 1962 …
Personaje: James Bond …
Si el Agente 007 contra el Dr. No supuso la presentación del personaje, Desde Rusia con amor es el espaldarazo que necesitaba la serie para terminar de sumar por miles los aficionados a las aventuras de James Bond. Su estructura narrativa es ejemplar y será difícil, aun teniendo en cuenta los más de 50 años que nos separan de su estreno, aburrirse ni un minuto. El salto cualitativo de la segunda película de Terence Young, respecto a la primera es abismal en todos los sentidos. Desde Rusia con amor presenta una trama mucho más sofisticada, enclavada en plena Guerra Fría, que perfila a SPECTRE como una organización totalmente capacitada y funcional, con una estructura jerarquizada, y con un solo objetivo: sembrar el caos y jugar con las organizaciones a uno y otro lado del telón, obtener réditos y conservar en su mano la baza ganadora.
James Bond cambió la vida de Connery. Resultaba difícil pensar que un actor escocés encarnara al sofisticado agente secreto surgido de la imaginación de Ian Fleming, un escritor culto, atildado y esnob, educado en el colegio privado de Eton, la cuna de las élites británicas. Fleming se mostró horrorizado ante la elección, para la que se habían barajado nombres como Cary Grant o David Niven. Cuando vio a Connery en Agente 007 contra el Dr. No, el escritor rehizo parte de sus novelas y guiones para darle a su protagonista una ascendencia medio escocesa. El estilo caballeroso y el irónico sentido del humor de Bond al combatir a extrovertidos villanos y flirtear con bellas mujeres ocultaba un perfil más oscuro y violento, una profunda personalidad que Connery supo moldear y que se convirtió en el estándar para los actores que le siguieron en la saga. En los filmes se presentaba con el tradicional «Bond, James Bond», pero a Connery no le gustaba ser definido por el papel y dijo una vez que «odiaba al maldito James Bond».
Apenas en esta segunda película de la franquicia, y con el estelar de Sean Connery, la presencia mexicana se percibió de manera importante y trascendente con la participación de una de las figuras de la época de oro del cine nacional. Si bien Pedro Armendáriz interpretó al turco Ali Kerim Bey, responsable de la inteligencia británica en Estambul, este personaje moldeó la figura de quienes posteriormente serian aliados del 007 en otros filmes y locaciones alrededor del mundo. Se trata también de la última participación fílmica de Pedro Armendáriz.
3.- Marnie, la ladrona … Marnie … Director: Alfred Hitchcock … EUA 1964
Personaje: Mark Rutland
El actor también se puso a las órdenes de Alfred Hitchcock. Dio vida a Mark Rutland, un hombre que decide casarse con Marnie (Tippi Hedren), ladrona compulsiva a la que intentará cambiar.
Alfred Hitchcok lo convocó para filmar Marnie e incluso le permitió leer primero el guión, algo jamás visto. Tippi Hedren, su coprotagonista, preguntó cómo interpretaría su papel de mujer gélida ante semejante “bombonazo”. Él le contestó: “Se llama actuar, querida”
Hitchccok siempre pensó que esta película le había quedado a medias, no totalmente lograda, que la pasión y deseo que el protagonista masculino, Sean Connery en un acierto absoluto de casting, después de que director y productores vieran algunas escenas del primer Bond de Terence Young, estaba tan conseguida como el mostrado por James Stewart en Vértigo (Vertigo, De entre los Muertos 1958). Sin embargo, Hitchcock dio un paso muy coherente en su filmografía.
Un historia de deseo
Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. Norman Bates, influenciado por su madre muerta, en Psicosis, o la extraña relación de dependencia por parte de la madre del personaje de Rod Taylor en Los pájaros. En Marnie, la ladrona da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen, de forma apasionante, con rabia, en una historia de amor hacia la que prácticamente es obligada a ir la protagonista.
4.- James Bond contra Goldfinger … Goldfinger … Director: Guy Hamilton … GB 1964
Personaje: Jams Bond
Después de Desde Rusia con amor llegó James Bond contra Goldfinger, tercera vez en que Sean Connery encarnó a Bond. En esta ocasión el agente británico se enfrenta a Auric Goldfinger, un malvado magnate a escala internacional. La encarnación del espía “al servicio de Su Majestad” que consolidó la imagen del personaje a lo largo de siete películas, fue paradójicamente profundamente escocés y profundamente británico.
James Bond contra Goldfinger’ fue el tercer título de la serie, y al igual que las dos anteriores, un éxito descomunal. Se trata del mejor filme de la serie de los protagonizados por Connery, y también uno de los mejores de la saga. Auric Goldfinger tiene un maquiavélico plan para atacar Fort Knox y hundir la economía mundial. Una premisa sencilla que, como siempre, da para llevar a los personajes por distintas partes del mundo. Fue en este filme donde se introdujo por vez primera el empezar con el cumplimiento de una misión que nada tenía que ver con el resto de la película. Una forma de presentar al personaje en una situación límite, de la que salía ileso no sin apuros. En dicha secuencia, en la que Bond tiene que enfrentarse a un matón de poca monta, el personaje central muestra todas sus cartas. En apenas unos minutos, el agente 007 provoca una gran explosión (en una secuencia que años más tarde homenajearía James Cameron en su divertida Mentiras verdaderas, seduce a una mujer y pelea a puños con el villano en turno.
Parte de la inmensa fortuna que ganó como actor la destinó a ayudar a los jóvenes escoceses, con la fundación Scottish International Educational Trust, que puso en pie en 1971. “Me pidieron que hiciera otra película de James Bond, y dije que no, porque estaba harto del personaje. “Pero luego me di cuenta de que sería una buena idea dedicar catorce semanas de trabajo a los Diamantes son eternos a cambio de que el millón de dólares del contrato fuera directamente a la fundación”, explicaba el propio actor en un documental sobre su vida realizado por la BBC.
5.- Asesinato en el Expresso de Oriente … Asesinato en el Orient Express … Murder on the Orient Express … Director: Sidney Lumet … GB / EUA 1974
Personaje: Coronel Arbuthnot
La estrella interpretó al Coronel Arbuthnot en esta adaptación de Agatha Christie que también contó con actrices como Lauren Bacall e Ingrid Bergman.
En 1974 Sidney Lumet reunía a un imponente reparto para su adaptación del texto de Agatha Christie, tal vez la más famosa y notable de todas sus novelas, Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express). El elenco elegido por Lumet lo encabezó un descomunal Albert Finney, dando vida (literalmente) al inigualable detective belga Hércules Poirot. Tres años antes, Finney había actuado en Detective sin licencia (Stephen Frears, 1971) y ya tenía experiencia trabajando bajo maquillaje gracias a la película Muchas gracias, Mr Scrooge (Ronald Neame, 1970) sobre el cuento clásico de Charles Dickens y por la que ganó el Globo de Oro al mejor actor de comedia/musical, pero ese año fue ignorado para los Oscars, algo que no sucedería con su memorable transformación en el filme que nos ocupa. En general las actuaciones son de una calidad insuperable, no en vano tenemos en el reparto de esta película a Martin Balsam (Bianchi), Lauren Bacall (Señora Hubbard), Ingrid Bergman (Greta), Anthony Perkins (McQueen), Sean Connery (Coronel Arbuthnot), Richard Widmark (Ratchett), John Gielgud (Beddoes), Jacqueline Bisset (Condesa Andreyi), Vanessa Redgrave (Mary Debenham), Rachel Roberts (Hildergard), Michael York (Conde Andreyi) o Wendy Hiller (Princesa Dragomirof). Una ristra de nombres legendaria, sin duda.
El guión fue obra de Paul Dehn, y sería el último que escribiría a lo largo de una carrera que empezó en 1950. La novela escrita por Agatha Christie estuvo inspirada en el hecho real que tuvo lugar en 1929, en el verdadero Orient Express. El tren quedó atrapado durante horas por la nieve y sobre dicho suceso Christie ideó su novela. Siempre estuvo presente el rumor de que la propia autora colaboró en el guión de la película, ya enferma y por necesidades económicas. Aunque este dato seguramente sea inventado para aumentar la leyenda en torno a la novelista que moriría en 1976 por causas naturales en su país, Inglaterra. Lo que sí es cierto es que asistió a la premiere de la cinta en Londres.
6.- El Hombre que sería Rey … El hombre que pudo reinar .. The Man Who Would Be King … Director: John Huston … GB / EUA 1975
Personaje: Daniel Dravot
“No somos dioses, pero somos ingleses, que es lo más parecido que se puede ser”, decía Peachy Carnehan, interpretado por Michael Caine, El hombre que quería ser rey, en la premiada adaptación del director John Huston del relato de Rudyard Kipling. Sean Connery y Michael Caine. Dos deliciosos iconoclastas que demostraron que la elegancia no tiene más receta que la autenticidad.
Una vez más, John Huston da un giro de tuerca a un género cinematográfico, ignorando sus reglas tradicionales. El Hombre que sería rey representa la forma en que el cineasta de origen irlandés entendía el cine de aventuras; dotada de un excéntrico sentido del humor y un excelente ritmo narrativo, nos encontramos ante una de las películas que mejor muestran las virtudes de un director que siempre se dejó llevar por su arrolladora personalidad. Dos actores en estado de gracia (Sean Connery y Michael Caine), que podían haber sido Paul Newman y Robert Redford si el primero no hubiera declinado la oferta, son los instrumentos perfectos que John Huston utiliza para contarnos una historia que describe la verdadera naturaleza de la amistad en un contexto atractivo e inesperado. Entretenida, imprevisible e imprescindible.
Una de las grandes ilusiones de John Huston era llevar a la gran pantalla este relato corto de Rudyard Kipling, escritor británico conocido por obras tan notables como El libro de la selva o Gunga Din. Esta última ya había sido llevada al cine en 1939 de la mano del director George Stevens y con Cary Grant como actor principal. John Huston tardó más de diez años en materializar el proyecto, y a lo largo del proceso sonaron nombres tan diversos como Humphrey Bogart, Kirk Douglas o Paul Newman para interpretar a los protagonistas. Finalmente, ya en la década de los setenta, la película fue tomando forma con el acierto añadido que supuso contratar a dos actores británicos. Qué mejor elección teniendo en cuenta que los protagonistas de la historia son dos vivos representantes de la flema británica.
Con esta película Huston no pretendía rodar la típica aventura, sino una muy especial ambientada en la Asia colonial de finales del siglo XIX, cuando en el Imperio Británico no se ponía el sol. Para ello tuvo que trasladar el romanticismo y el misterio de unas tierras recónditas a la gran pantalla con la única ayuda de su talento como director y la química que se estableció en el dúo protagonista. Hemos de tener en cuenta que por aquellos años el Imperio Británico abarcaba casi todos los continentes, diseminado en colonias y protectorados que habían sido labrados a base de sudor y sangre. En cierta manera hay una crítica encubierta al estamento militar victoriano, ya que lo que impulsa a Daniel y Peachy a adentrarse en tierras extrañas es la búsqueda de una gloria y una riqueza que su patria les ha negado.
7.- Robin y Marian … Robin and Marian … Director de Cine: Richard Lester … EUA 1976
Personaje: Robin Hood … 1976
Aunque James Bond le trajo fama y éxito, a Sean Connery, también cierto encasillamiento. Esto lo llevó a detestar a su personaje, tanto que afirmó que si pudiera lo mataría. Obsesionado con darle un nuevo rumbo a su carrera trabajó en Robin y Marian con Audrey Hepburn.
Tras su frustrante participación en las Cruzadas al servicio de un rey Ricardo enloquecido, despótico y enfermo, Robin Hood, Sean Connery, y su inseparable Little John regresan a los bosques de Sherwood a comprobar la de zarzas que pueden crecer en veinte años. Vuelven convertidos en leyendas en virtud de las historias, cuentos y canciones que en su honor han ido popularizando bardos y poetas, desdibujando, exagerando, mixtificando la realidad, borrando lo que todo humano tiene de grotesco, ensalzando sólo lo heroico. Pero Robin ya no es el que era. Lo que la épica calla, lo que se esconde detrás de las trompetas y los tambores es cómo cuesta ya doblar las rodillas, subirse a los árboles, desentumecer los miembros tras una noche a la intemperie o recordar qué se sentía al estar enamorado. Y es que regresar a Sherwood es volver a ver a Marian, Audrey Hepburn, la joven belleza junto a la que, en su gallarda juventud, Robin halló el merecido descanso del guerrero. Convertida ahora en monja por despecho, habiendo sustituido a Robin por Dios, lo cual no deja de ser un halago masculino, Marian es perseguida por un rey enemistado con el poder omnívoro de Roma, nueva batalla por la que un Robin enamorado estará dispuesto a pelear.
Robin y Marian es, a grandes rasgos, un ejemplo de revisitación no sólo de un mito sino también de un género primero literario y después cinematográfico. No es tanto el replanteamiento de unos prototipos heroicos en el umbral de la vejez como la respuesta al cuestionamiento contemporáneo (1971) de los héroes en general. Robin y Marian es al cine de aventuras lo que el western crepuscular al modelo clásico, una actualización de los patrones tradicionales vistos a través de la modernidad. El planteamiento de su director, Richard Lester, aboga claramente a favor de los personajes y su riqueza de matices, el subrayado de la nostalgia, de la vejez y su templanza, del amor maduro y cenital, en detrimento de un pulso más enérgico y épico, de una puesta en escena más imaginativa y aventurera, amén de una reconstrucción histórica más cuidada. A pesar de que en no pocos momentos la apuesta por el naturalismo casi pop desluce el conjunto y lo aproxima peligrosamente a una producción de serie B, en general se trata de una estrategia loable que busca la desmitificación, la suciedad, la pobreza y, por contraste, el consiguiente realce de unos personajes sólidamente escritos (magnífico guión de James Goldman, autor también del libreto de El león en invierno, The Lion in Winter, de la que ésta es comercialmente tan deudora.
8.- Un puente demasiado lejos … Un puente lejano … A Bridge Too Far … Director: Richard Attenborough … EUA / GB 1977
Personaje: Maj. Gen. Urquhart …
La monumental producción de Joseph E. Levine para la United Artists, contó con un presupuesto de 22 millones de dólares para recrear la Operación Market Garden, la fallida intentona aliada para quebrar las líneas alemanas y tomar varios puentes simultáneamente en territorio holandés. El proyecto se basó en el libro de Cornelius Ryan de 1974, A Bridge too Far.
Un Puente Lejano parte de una curiosa paradoja: nos recrea una de las derrotas aliadas más estrepitosas de la Segunda Guerra Mundial, pero nos invita a disfrutar de ella a través de una impecable producción y uno de los repartos más deslumbrantes.
Ambientada a finales de 1944, cuando el ejército alemán estaba batiéndose en retirada a través de los Países Bajos, el filme narra la operación conocida como Market Garden planeada por el mariscal de campo Bernard Montgomery. El propósito de este ambicioso plan era capturar varios puentes situados en diversos puntos estratégicos de los Países Bajos confiando de esta manera dar el golpe definitivo a Alemania antes de la Navidad. La operación, que se desarrollaba en paralelo por tierra y aire, resultó ser demasiado arriesgada y acabó siendo un fracaso en parte por haberse planificado de forma muy precipitada sin tener en cuenta los muchos posibles inconvenientes que saldrían por el camino. Más que finiquitar la lucha con Alemania, supuso un golpe tan duro para el bando aliado que hizo que el conflicto se alargara hasta el año siguiente.
Asignado al actor recién convertido en director (aunque con ya una larga experiencia como productor) Richard Attenborough, Un Puente Lejano en realidad era una producción que éste aceptó a cambio de poder llevar adelante su gran proyecto: un biopic sobre Gandhi que como sabemos sería el gran éxito de su carrera. Lo cual tiene su mérito, no es poca cosa aceptar por encargo una megaproducción de 25 millones de dólares. Ciertamente es de lamentar que la carrera de Attenborough como realizador provocara que dejara de lado su faceta como actor, pero viendo el resultado final del presente filme, queda claro que estaba perfectamente capacitado para asumir el reto.
Sin embargo, la película no fue bien recibida por la crítica, y tampoco fue nominada para los premios Oscar de ese año. Recordemos que fue el año de Dos extraños amantes / Annie Hall de Woody Allen, cuando los vientos del gusto de los miembros de la Academia soplaban en otras direcciones, y el cine bélico comenzaba a sufrir síntomas de agotamiento. De todas formas, sí obtuvo varias nominaciones a los premios BAFTA, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, ganando los de Mejor Actor de Reparto, Edward Fox, Mejor Fotografía Geoffrey Unsworth, Mejor Sonido y, finalmente el de Mejor Banda de Sonido para John Addison.
9.- El nombre de la rosa … El nombre de la rosa … Der Name der Rose … Director: Jean-Jacques Annaud … República Federal Alemana / Italia / Francia 1986
Personaje: Monje William von Baskerville
El escocés se metió en la piel de Fray Guillermo de Baskerville, un sabio monje franciscano y antiguo inquisidor. Junto a su discípulo Adso, Christian Slater, intentará desentrañar las misteriosas muertes que se suceden en una abadía benedictina en el medioevo italiano. Espléndida adaptación del complejo libro escrito por Umberto Eco, quien participó en la adaptación literaria al filme.
Mientras el resto de la humanidad se debatía en discutir quién era el mejor Bond, Sean Connery siguió creando caracteres humanos con una virilidad y firmeza deslumbrantes. O con un magnetismo tan poderoso como la propia voz del actor. La persecución del conocimiento, la ternura y las dotes detectivescas de Guillermo de Baskerville, en El nombre de la rosa (1987).
Italia, 1327: Dos monjes franciscanos cruzan el paisaje montañoso en medio de épocas medievales, de auténtico oscurantismo y extendida pobreza. El hermano William de Baskerville y el joven novicio Adso llegan a un monasterio benedictino donde tendrá lugar un interesante debate sobre si la Iglesia debe o no deshacerse de sus riquezas debido a que Cristo fue pobre. Acaba de fallecer un joven hermano, Adelmo de Otranto, de gran recuerdo entre quienes lo trataron. El problema es que Adelmo ha sido llevado con Dios antes de tiempo, tal vez, por mano humana. El abad, Michel Lonsdale, sabe que William de Baskerville, un tipo agudo, es la persona indicada para indagar el asunto y establecer la auténtica causa de muerte, refutando así a varios hermanos que han comenzado a creer que una presencia sobrenatural vaga por el monasterio. ¿Fue caída, suicidio o asesinato? Para peor, Baskerville es puesto en un dilema ya que la otra alternativa de investigación es la no recomendable llamada a la Santa Inquisición. No hay tiempo de que nuestros protagonistas puedan sentar reales que el cadáver de otro monje es hallado en un chiquero de marranos. Mientras unos creen que se trata de la tercera trompeta que anuncia el Apocalipsis bíblico y que el Anticristo verá la luz en esa abadía, Baskerville comienza a sospechar que alguno de los libros secretos guardados en la amplísima biblioteca del monasterio tiene relación con las muertes. En eso llega el temido Bernardo Gui, F. Murray Abraham, Gran Inquisidor designado por el Papado, con toda intención de encontrar herejes y deshacerse de ellos de la manera más espectacular y pedagógica. Pero Baskerville tiene una opinión más racional, más aristotélica: «el paso entre la visión eclesiástica y el frenesí pecador es muy corto», recomienda a Adso y se pone manos a la obra, descubriendo irregularidades entre los hermanos fallecidos («caricias antinaturales» como pago por el ingreso a la biblioteca secreta), la presencia de arsénico y un punto negro en los dedos de los cadáveres. Por su parte, a poco de investigar, Gui da con sus herejes: el hermano Remigio (Helmut Qualtinger), un jorobado (Ron Perlman) y una joven pastora (Valentina Vargas). ¿Podrá Baskerville salvar a estos inocentes y encontrar al verdadero responsable a tiempo, a pesar que el Abad ha desautorizado su investigación y que Gui corre con la ventaja de la infabilidad?
10.- Highlander, El Inmortal … Los inmortales … Highlander … Director: Russell Mulcahy … GB 1986
Personaje: Ramirez
Highlander, Los Inmortales en España, es una de las películas de espada, ciencia ficción y fantasía más importantes de la década de los 80 y responsable de una malograda saga de películas y series de televisión. Estamos ante una de esas rara avis del celuloide que, esperemos, nunca llegue a tener más secuelas ni tampoco remakes. Porque Los Inmortales, como algunas películas de su tiempo, es un título que es mejor no sacar fuera de su momento y de su estética, pues el cúmulo de los factores que la componen es la receta mágica detrás de su éxito y de su perdurabilidad.
Los Inmortales es una película de culto, la cual merece nuestra atención más detallada. Y no nos referimos por su significancia como película de su momento, sino también por detalles muy jugosos como el hecho de que Queen hiciera, junto a Michael Kamen, la Banda Sonora, una de las más míticas de su momento.
Un drama, reconvertido en una historia de espadas y fantasía
Los Inmortales, esa película mágica en la que un francés,Christopher Lambert, hace de un escocés al que le enseña un egipcio que se hace pasar por español, pero que en la vida real es un escocés, Sean Connery, y que a la vez les da caza un nómada ruso al que da vida un americano, Clancy Brown. Dicho así suena ridículo, pero estamos ante una de esas películas más icónicas de los ochenta.
En esta cinta seguimos las aventuras de Connor McLeod, un montañés de las Tierras Altas de Escocia, cuya vida comenzó en el año de Nuestro Señor de 1536. En ese año el joven e inexperto guerrero libra su primera batalla en contra de un clan enemigo que cuenta entre sus filas a un tenebroso caballero negro cuya razón para participar en el combate es encontrar al joven escocés. La batalla comienza, Connor se encuentra con el gigante oscuro quien lo hiere mortalmente, pero antes de que pueda dar el golpe final, el resto del clan McCleod acude en su ayuda. Desgraciadamente no hay nada que hacer y el joven guerrero muere, sólo para volver a la vida unas horas después, avivando el temor y el rechazo de su villa.
Highlander, el Inmortal (Higlander, 1985) se convirtió rápidamente en cinta de culto. Una historia fantástica de seres mágicos y misteriosos que compiten por obtener un premio que desconocen, pero que desean e incluso necesitan. Siempre observados por un poder mayor a ellos mismos que al final de la contienda otorgarán el premio al ganador.
11.- Los Intocables … Los intocables de Eliot Ness … The Untouchables … Director: Brian De Palma … EUA 1987
Personaje: Jim Malone
La carrera de Sean Connery continuó imparable hasta que en 1987, su papel en Los Intocables le valió el Oscar al mejor actor de reparto al que se sumaron dos Baftas y tres Globos de Oro.
El gran Brian De Palma logró una de las cumbres de su carrera en 1987 con Los intocables de Eliot Ness. La película está basada en la autobiografía de Eliot Ness, The Untouchables, e inspirada en una serie de televisión de los 60 que relataba las andanzas de Eliot Ness y sus hombres contra Al Capone en Chicago durante los años de la Prohibición. Para que escribiera la adaptación cinematográfica contrataron al prestigioso David Mamet, y el filme supuso el primer protagónico para Kevin Costner, un actor que llegó a lo más alto de Hollywood y cayó a una velocidad vertiginosa. En el reparto también aparece Andy Garcia, que se estaba consolidando (nunca llegó tan alto como Costner, pero su caída fue parecida; y ninguno era mal actor, simplemente pasaron de moda) y dos estrellas: Robert De Niro, en la época en que era un actorazo, y el gran Sean Connery.
Durante la época de la Prohibición, Al Capone y sus gángsters mandan en Chicago. Para intentar frenarlo el Departamento de policía trae a Eliot Ness a la ciudad. Ness es muy íntegro y no acepta sobornos y reúne a un grupo de hombres, conocidos como Los intocables, para acabar con Capone: Malone (Sean Connery), un viejo policía irlandés, Giuseppe Petri (Andy Garcia), un joven y visceral policía italoamericano, y Oscar Wallace (Charles Martin Smith), un contable poco acostumbrado a la acción. Ness y sus hombres descubren que pueden atrapar a Capone por evasión de impuestos, y a medida que cierran el cerco sobre Capone, éste contraataca poniendo en peligro sus vidas.
Los intocables de Eliot Ness es una película muy sencilla, pero tiene una evolución de la tensión excelente, un gran reparto, y logra su objetivo con creces.
12.- La caza del octubre rojo … The Hunt for Red October … Director: John McTiernan … EUA 1990
Personaje: Marko Ramius
El actor interpreta a un prestigioso general de la Unión Soviética al mando de un submarino nuclear que se interna en el Océano Atlántico rumbo a Estados Unidos. La caza del octubre rojo fue la primera entrega de una saga sobre las aventuras de Jack Ryan, el analista y agente de la CIA creado por Tom Clancy.
Tras el bombazo taquillero que supuso Jungla de cristal (Die Hard, 1988) el director John McTiernan tuvo el mundo a sus pies. En Hollywood suele llevarse a cabo un dicho que reza algo así como “vales lo que tu última película”, y salvo en personalidades eminentemente poderosas, parece ser una regla de oro a tener en cuenta. Como la primera aventura cinematográfica de John McClane fue del agrado de todos, a McTiernan no había productor que le dijera que no, y menos cuando el realizador llevaba dos grandes éxitos seguidos. Curiosamente, McTiernan tuvo que rechazar el dirigir la segunda entrega de Jungla de cristal por estar comprometido con el rodaje de la que iba a ser su nueva película como director, La caza del octubre rojo.
Se trata de la primera adaptación cinematográfica de una novela del popular Tom Clancy, que escribe libros de espionaje en la línea de John Le Carré y similares, pero mucho más aburridos e insoportables.
Sean Connery siempre fue del agrado del público, su imagen en un principio ligada al agente secreto 007, pero hay un hecho incuestionable y es que el año de realización del presente filme, 1990, pertenece a la mejor época del actor, aquella en la que un gran sector del público parecía estar enamorado, no sin razón, de Connery. La caracterización del personaje de Marko Ramius es todo un mimo hacia la imagen del propio actor. Un peluquín, que costó la friolera de 20.000 dólares, la imponente presencia del actor, su poderosa voz, y el continuo cariño que la cámara siente por él, ayudan a vestir el personaje más carismático de la función.
Cuenta el actor Alec Baldwin que, cuando le ofrecieron protagonizar La caza del Octubre Rojo y compartir cartel con Sean Connery, respiró tranquilo. El escocés tenía para entonces sesenta años. “Fue en la primera secuencia que rodamos, cuando apareció con esa peluca plateada y se escuchó su voz, cuando me di cuenta de que yo no tenía nada que hacer, mi papel se había desdibujado ya para toda la película”.
13.- El Curandero … Los últimos días del Edén … Medicine Man … Director: John McTiernan … EUA 1992
Personaje: Dr. Robert Campbell
Durante cuatro meses del año 1992, Sean Connery vivió en Catemaco, Veracruz, considerada tierra de brujos en México. Y llegó con miedo al saber que estaría en la selva, así que mandó traer un tráiler con comida congelada. El actor nacido en Edimburgo, Escocia, había aceptado protagonizar lo que en cartelera se llamaría El curandero (Medicine man), una historia ubicada en las Amazonas en donde los personajes debían elegir entre negocios, ciencia y amor.
Durante la segunda semana de rodaje de El curandero, el actor decidió hacer una fiesta en la residencia que le rentaban, pero nadie se atrevía a ir sin invitación previa. Para el largometraje, detalla, se habían contratado a 160 indígenas originarios de la selva amazónica y, sin la citada invitación, llegaron al festejo.
John McTiernan y Sean Connery quedaron tan contentos con su colaboración en La caza del octubre rojo que decidieron participar en otra producción, esta vez más personal que el filme citado. Estamos probablemente ante el punto de inflexión en la carrera de McTiernan como realizador. Tras encontrar un merecido éxito con sus tres films previos, el director se atreve con una historia de corte clásico, íntima, aunque sin renegar a ciertos toques de espectacularidad, que en contra de lo esperado, visten muy adecuadamente la película. El actor escocés puso de su parte al producir el filme, tomando incluso decisiones creativas, reservándose además el derecho a elegir a su compañera de reparto.
La película narra la historia del doctor Robert Campbell, Sean Connery, un excéntrico científico que está en la selva amazónica realizando una investigación médica. Tras tres años sin dar señales de vida, le envían una ayuda que ha pedido porque ha descubierto algo importante. Pero la ayuda que recibe no es la esperada, hasta allí llega la doctora Rae Crane, Lorraine Bracco, que además es la persona que decidirá si Campbell continúa o no con sus investigaciones. Pero la preocupación más importante del científico es la deforestación del Amazonas se está acercando a la zona en la que trabaja, único lugar en el que crece una planta que curiosamente posee la cura contra el cáncer. Ante tal descubrimiento, Crane pondrá todo de su parte para ayudar a su colega.
14.- Descubriendo a Forrester … Finding Forrester … Director: Gus Van Sant … EUA 2000
Personaje: Forrester
Sean Connery es William Forrester, un hombre solitario y excéntrico en esta producción de Gus Van Sant. Su vida cambiará cuando un estudiante negro se cuele en su apartamento con numerosos trabajos literarios y Forrester se convierta en su mentor.
Conocido en su barrio por su condición de solitario, Forrester es un hombre cuyo misterio y excentricidad son casi míticos. Cuando Jamal, un destacado estudiante y atleta negro logra colarse en su apartamento con una cartera repleta de trabajos literarios, de manera inesperada e insólita, se establece entre ellos una relación altamente provechosa.
Entre libros y estanterías llenas de polvos, platos soperos y máquinas de escribir, transcurre una preciosa historia de superación y, sobre todo, de amistad. Prefiero las obras más “comerciales”, como ésta de Van Sant que otras suyas más alternativas. Es patente que demuestra conocer el oficio y saber ponerse con esmero y pulcritud narrativa al servicio de sus estrellas, en este caso la enorme y alargada que supone la del actor escocés trasplantado al cine norteamericano desde hace décadas. Tal y como sucediera con Mente Indomable, Good Will Hunting, el joven encargado de dar vida a ese deportista que apunta magníficas maneras literarias, Rob Brown, supondría toda una revelación. El personaje de ese escéptico profesor, alejado, aislado del mundo y los demás, que ha obtenido el Premio Pulitzer y con el único caudal editorial de una sola novela publicada, parece ser que estuvo inspirado en el inmenso J. D. Salinger, el autor de la imprescindible El Guardián entre el Centeno, The Catcher in the Rye.
La película dispara en varias direcciones, con unos temas más desarrollados que otros. Pero lo cierto es que a veces basta la levedad para decir mucho, como en el esbozado conato de romance interracial entre Jamal (espléndido el debutante Rob Brown) y Claire (Anna Paquin, la niña de El piano). La cuestión central del filme es el despliegue de los talentos que uno tiene, frente a la tentación de enterrarlos, a la espera del momento oportuno, que nunca llega. En ese sentido, la relación entre Forrester (pletórico Sean Connery) y Jamal, núcleo de la historia, es magnífica, pues sin empachos aporta ideas muy ricas en torno a la amistad, la lealtad, la ayuda desinteresada y prestada sin que se note, el esfuerzo, el impacto de la clase social a la que uno pertenece.
15- La Liga Extraordinaria … La Liga de los hombres extraordinarios … The League of Extraordinary Gentlemen … Director: Stephen Norrington … EUA / Alemania / República Checa / GB 2003
Personaje: Allan Quatermain
Hace ya más de 15 años que Sean Connery decidió rechazar todos los papeles que le ofrecieran; su última aparición, más allá de poner voces a unos cuantos personajes, fue en 2003 en La liga extraordinaria. Tras triunfar como James Bond en 7 películas en los años sesenta, con escasos éxitos en los setenta, después de ganar un Oscar en los ochenta (por su papel del policía irlandés Jimmy Malone en Los intocables de Eliot Ness) y de volver a tener relevancia en los noventa, decidió poner tierra de por medio.
Connery se retiró de la actuación tras pelearse con el director en su última cinta, la olvidable The League of Extraordinary Gentlemen en 2003. «Me cansé de lidiar con idiotas», dijo.
La liga extraordinaria se basa en un comic, como tantas películas de acción y aventuras que han llegado y seguirán llegando, en el que los efectos especiales son lo primordial y la falta de credibilidad, la moneda corriente. Pero la culpa de que algunos de estos productos sean fatídicos casi nunca la tiene el comic que la origina.
Reunidos por un espía inglés o algo así, obvio, se llama M, para ayudar a Su Majestad en Londres, están el legendario aventurero Allan Quartermain, que aparecía en Las minas del rey Salomón, alguna vez interpretado por Richard Chamberlain y ahora por el septuagenario Sean Connery; el Capitán Nemo, con submarino y todo; Mina Harker, que tantos problemas tuvo con Drácula; el Hombre Invisible, que le convendría ser ídem durante todo el metraje; el Dr. Henry Jekyll, que cuando se transforma en Hyde cambia de tamaño como Bruce Banner y Hulk; y, viniendo de Hollywood, el crédito local, el héroe americano. No es Indiana Jones ni el Pato Donald: es Tom Sawyer. Todos juntos en la mansión de Dorian Gray, a quien le falta un retrato en la pared, como bien apunta Quartermain.
Héctor Suárez y su participación en un Cine Mexicano que en pocas películas dimensionó su impresionante capacidad histriónica
Muere Héctor Suárez, nace su leyenda
AL FINAL DEL REPORTAJE EN VIDEO, EL PROGRAMA Homocinefilus DONDE LES COMENTAMOS LAS PELÍCULAS MAS IMPORTANTES DE HÉCTOR SUÁREZ
Tuvo la muerte de los justos. La noche del lunes primero de junio, después de cenar con su familia en su casa de Cocoyoc, se fue a dormir y ya no despertó. La noticia de su fallecimiento, a los 81 años después de padecer durante cinco años cáncer de próstata, cayó como una balde de agua fría, en medio de las miles de muertes por la pandemia y se sintió como un sino de la trágica fatalidad que está asolando al medio artístico.
Héctor Suárez el aguerrido. inconoclasta y contestatario a actor que se refugiaba en la meditación Hatha Yoga
Héctor Suárez, el inmenso e intenso actor, que derrochaba genialidad, entrega y férreo compromiso en cada uno de sus personajes, apenas en un puñado de películas, ahora cintas icónicas, pudo expresar la inmensa capacidad que tenía como histrión. En la mayoría de ellas, con patéticos guiones, huesos duros de roer, historias sin carne, las califican los actores, tuvo que forjar personajes basados solo en su capacidad creativa, imaginería y ductibilidad, producto de sus orígenes humildes y en el hecho incontrovertible de nunca despegar las pies de la realidad y de ajustarse al reto de reflejar a los más variados, patéticos, desgarrados, coloridos y marginales personajes de la sociedad mexicana. Caracterizaciones que se convirtieron en la mejor muestra de la comedia pura, dolorosa y cargada de crítica social y como respuesta a un fallido sistema social, ideológico y económico.
El Cine Mexicano fue injusto y salvaje con Héctor Suárez, como con muchos otros actores, que la mediocridad, improvisación y el comercialismo devoró. En la mayoría de las aproximadamente 95 películas en las que participó como actor, durante casi seis décadas, rebasó los primitivos esquemas, que directores mucho menos capaces que él, y guionistas parvularios, le planteaban. Su capacidad de actor, dio multidimensionalidad a íngrimos personajes planos y chatos.
Como histrión pasó, desde su debut en el Cine Mexicano en 1965 en El Asesino Invisible, dirigida por René Cardona y hasta su última película en 2019, Mentada de Padre, dirigida por Fernando Rovzar, por todas las críticas y caóticas épocas de una cinematografía convulsionada por la oligofrenia, la falta de recursos y un mercantilismo despiadado.
Inicio su carrera en el Séptimo Arte en las chabacanas comedias románticas de los sesentas como chispeante y cándido patiño de los baladistas del Rock and Roll, después fue consecuente y sobreviviente de la brutal crisis económica y creativa de una cinematografía que se empantanó en el cine de ficheras, soez, sicalíptico y patibulario. Un cúmulo de películas en las que la compleja sociedad mexicana fue reducida a suripantas taradas, padrotes onanistas y sátrapas naifs. En medio de ese caos, Héctor Suárez aportó películas insólitas, excepcionales e inteligentes dando vida a miserables descamisados, personajes pícaros marginales, que evidenciaron el fracaso del sistema político y de una falaz sociedad postrevolucionaria.
Para los ochentas, trabajó poco en cine, pero emergió de sus cenizas y forjó personajes de leyenda. Después brilló haciendo una ácida y feroz comedia y crítica social en la televisión. Caso excepcional de libertad de expresión, gracias a su actitud contestaría, iconoclasta y broncuda.
Consignamos aquí solo las películas más importantes, que resisten un mínimo análisis, donde Héctor Suárez tiene una participación destacada, es visible su talento, genialidad e imperturbable capacidad histriónica:
–La Marcha de Zacatecas … Dir. Raúl de Anda … México 1969 … Héctor Suárez es el Sargento Margarito
Pancho Villa está feliz porque un ranchero al morir le deja un avión y bombas para la revolución en Zacatecas. La Marcha a Zacatecas es una película cómica, producida en 1968, en la que aparece un joven Héctor Suárez. Por el título se pudiera pensar en una película histórica o revolucionaria, nada más alejado de la realidad, se trata de un filme dirigido por Raúl de Anda en un ambiente revolucionario, sí, pero en el que la belleza de las actrices del momento es resaltada y en el que Héctor Suárez, se percibe ya como un actor que domina la comedia fílmica y logra una excelente parodia del revolucionario sombrerudo. La cinta, filmada en Cuautla, Morelos, le demandaba hacer el papel de patiño complaciente, pero Héctor Suárez crea una personaje que veladamente se burla de la versión oficial de la Revolución Mexicana ya muy desgastada después de 50 años de discursos vacíos y grandiclocuentes.
–Para servir a usted …. Dir. José Estrada … México 1971 … Héctor Suárez es el Mesero Armodio Horcasitas
Dirigida por el excelente realizador José «El Perro» Estrada, especialista en lograr solventes críticas sociales de la clase media, garbanzos de a libra, en una época en la que el cine mexicano solo producía películas blandengues y patéticas. El mesero Armodio atiende la recepción que un accionista da a un socio extranjero. Asisten prostitutas pero el invitado quiere un hombre. El accionista convence a Armiño de hacer el amor con el agasajado, pero el extranjero se queda dormido. En recompensa Armodio puede acostarse con una prostituta, la rubia Claudia Islas, y se enamora de ella. Luego, con unas fotos de la reunión, chantajea al accionista y con el dinero que obtiene compra el amor de la prostituta por quince días. Uno de los primeros papeles protagónicos de Héctor Suárez.
Película clásica del Cine Mexicano. Comedia de terror cargada de humor macabro y sarcasmo. Hugo Argüelles, escritor y dramaturgo, concibió la idea de Doña Macabra para una telenovela producida por Ernesto Alonso y que sería protagonizada por Ofelia Guilmáin y Amparo Rivelles, esta última como el personaje titular. Por fortuna el proyecto se convirtió en una divertida película protagonizada por Carmen Montejo y Marga López. La damas en cuestión viven en una vetusta mansión profiriana de la colonia Juárez junto a su sirvienta Demetria. Dos parientes ambiciosos e inocentes, Héctor Suárez y Carmen Salinas, se las ingeniarán para mudarse al lugar y es que corre el rumor que Doña Macabra esconde una fortuna en alguna parte de la casa. Sin embargo, la llegada de estos buitres pondrá en alerta a las dos señoras, quienes tendrán que idear un plan para lidiar con éstos familiares sanguijuelas.
–Mecánica Nacional … Dir. Luis Alcoriza …. México 1972 … Gregorio … Goyo
Considerada una de las mejores de la historia del cine mexicano, esta película presenta un extenso catálogo de personajes urbanos que con sus carencias y virtudes reflejan las ríspidas formas de ser, pensar y relacionarse del mexicano de los años setenta. Héctor Suárez hace el desbordado papel de Goyo, un desquiciado macho tránsfuga de una sociedad hipócrita que termina en el más oprobioso de los ridículos, después de que su amante Laila, la buenérrima Fabiola Falcón lo deja abandonado. En medio del caos urbano de una Ciudad de México que ya padecía los estragos de la explosión demográfica, además de que se encontraba a las puertas de una profunda crisis económica y política cuando recién comenzaba el sexenio echeverrista (1970-1976), don Eufemio se encuentra haciendo las diligencias previas para atestiguar, junto con su familia y amigos, la Carrera Panamericana. En esa edición, el espectacular evento deportivo cruzará de costa a costa el país, específicamente sobre la ruta Acapulco-México-Veracruz. El prolífico cineasta de origen español Luis Alcoriza, conocido por sus múltiples colaboraciones con Buñuel como guionista de El ángel exterminador y La ilusión viaja en tranvía, escribe y dirige esta comedia sobre la teratología de una sociedad en crisis social y psicológica. Pese a que la primera impresión pueda dar a entender que se trata de una cinta sin mayor pretensión que la de poner en la pantalla acción desenfrenada y sexo gratuito, lo cierto es que la crítica de cine de la época, hizo una valoración positiva de la película ante el soberbio y demoledor planteamiento de Alcoriza de criticar cada uno de los aspectos de la sociedad mexicana disfuncional y tercermundista y barruntar la nefasta intromisión e influencia de la naciente televisión mexicana. El elenco de la cinta es impresionante.
–México, México Ra Ra Ra … Dir. Gustavo Alatriste … México 1976 … Héctor Suárez hace varios papeles
Paseo documental por la vida en los suburbios de la capital de México, sus ceremonias y los hechos criminales que van quedando ignorados entre la pobreza. Un crudo retrato de la corrupción, pobreza extrema, injusticia e ignorancia, que identifican a un México en decadencia. México, México, ra, ra, ra es una película con mensaje y de denuncia. Se podría afirmar que es una película corrupta. Testigo fiel respecto de lo que es el subdesarrollo en muchas repúblicas latinoamericanas. No pocos espectadores llegaron a decir que no es posible que sea cierto lo que México, México, ra, ra, ra muestra. Pero lamentablemente es la verdad. No se piense que la película es un drama insoportable, nada de eso. México, México, ra, ra, ra está llena de humor y muestra lo que era imposible conocer a través de los medios usuales de información. Esta película nos muestra historias entrelazadas de familias o personas de distintas clases sociales, que en cierto modo son víctimas de la corrupción política, social y hasta policíaca. En resumidas cuentas es un filme como de protesta hacia los mandos ya mencionados de un sistema en decadencia y los cuales se comportan cada vez menos sensibles respecto a los problemas de las demás personas, en especial de los de clase media, los de clase baja y los más marginados. Comienza con el actor Héctor Suárez, en donde se la pasa haciendo fechorías en la calle y a plena luz del día. Un vago total. Podemos ver que él y su familia se encuentran en la pobreza extrema al momento de llegar a su casa y ver el estado de la vivienda, la cantidad de personas habitándola, y el contexto.
–Lagunilla Mi Barrio … Dir. Raúl Araiza … México 1981 … El Tirantes
Un anticuario entrado en años, Manolo Fábregas, es lanzado de su local por los hijos del hombre que le rentaba una casa para su negocio y va a vivir al barrio de La Lagunilla, vecino de la barriada que representa la quintaesencia de la mexicanidad; Tepito. Ahí en la Lagunilla se enamora de Doña Lancha, la dueña de una lonchería llamada La Torta de Oro. Doña Lancha, Lucha Villa, también está entrada en años, su esposo la ha abandonado. Ella es madre de la joven Rita, Leticia Perdigón, a quien el vendedor de ropa El Tirantes, genial Héctor Suárez, intenta poseer sexualmente. El sedicioso personaje que crea Héctor Suárez se mueve entre el rídiculo y lo patético. El anticuario ayuda a Doña Lancha a casar a su hija con verboso El Tirantes y luego piensan en casarse ellos mismos a pesar de su muy distinta formación cultural y condición social. Precisemos, Lagunilla, Mi Barrio no es una Obra Maestra, tampoco es un tratado sobre la vida mexicana en una barriada, ni la feroz critica de los demoledores efectos del fracaso del sistema económico de los gobiernos del PRI, tampoco es la cruda denuncia de la marginalidad y la delincuencia o del desgarramiento del tejido social, la cinta es apenas un melodrama urbano que, como muchas otras películas mexicanas, escamotea al espectador la lucha de clases y se decanta por el amor y el folclorismo mas aberrantes. pese a esto, la película triunfó en las taquillas y se quedó en el recuerdo.
–El Mil Usos … Dir. Roberto G. Rivera … México 1983 … Tránsito Pérez “El Milusos”
Es la trágica historia de un hombre, Héctor Suárez, que va a la ciudad huyendo de la miseria en su pueblo, dejando atrás a su familia. Fue en 1983 cuando Héctor Suárez realizó su papel en ya mítico en el Mil usos, cinta dirigida por el ex actor Roberto G. Rivera y en la que Suárez interpreta a Tránsito Pérez, un hombre que viaja a la gran Ciudad de México escapando de la pobreza extrema para buscar suerte, pero termina enfrentando decenas de dificultades y marginación en la sobrepoblada y caótica metrópoli. Se trata de una superficial y escandalosa crítica social que retrata la vida de muchos campesinos que se ven en la necesidad de salir de sus tierras para ir a la gran urbe sobrepoblada y caótica. “Héctor Suárez se caracterizó por realizar una crítica social, una crítica a las autoridades que no siempre nos tratan como debe de ser”, afirmó José Carlos Ruiz, quien compartió créditos con él El mil usos, en México, México ra ra ra y Suave Patria. El Mil usos ganó el Globo de Cristal a Mejor Película en el Festival de Cine de Karlovy Vary. Héctor Suárez ganó también el Premio ACE como mejor actor, que otorga la Asociación de Cronistas de Espectáculos de Nueva York. 10 milllones de espectadores vieron la película, llevándose el récord de de ese año, por encima de El Chanfle, la desinflada cinta drigida por Enrique Segoviano en 1979 y actuada por Roberto Gómez Bolaños, Chespirito, como un retardado y fallido futbolista llanero, que ostentaba el titulo de la cinta más vista del cine mexicano con 7 millones de espectadores.
–Atlético San Pancho … Dir. Gustavo Loza … México 2001 … Don Pepe
San Francisco del Monte, pueblo cien por ciento minero y cuna del fútbol mexicano, se distinguió durante décadas por ser semillero de estrellas del balompié nacional, sin embargo hace años que la pasión por el futbol ha desaparecido y con ella se fueron los campeonatos y la alegría de este deporte. Don Pepe, Héctor Suárez, de 60 años, amante del fútbol y conserje de una escuela primaria, y Toño, niño de 9 años e hijo de un ex-futbolista, al que le ha caído un balón «del cielo», han decidido junto con sus amigos, La Torta y el Hormiga, hacer un equipo de fútbol y volverle a dar a San Pancho, la alegría de conquistar un campeonato de fútbol. Con el realizador Gustavo Loza, Héctor Suárez tambén trabajo en Al otro lado en 2004 dando vida la personaje del Tío Guadalupe
–Contracorriente … Mujer Alabastrina … Dires. Rafael Gutiérrez y Elisa Salinas … México 2006 … Héctor Suárez hace el papel de Natalio
Tres muchachas jóvenes viven, sufren y se divierten en Ciudad Juárez. Semejantes entre sí por su origen, todas pertenecen a la clase popular. Chuya, Cata y la Güera tienen sin embargo su entorno propio, su familia y su personalidad. Esta historia triangular relata algunos momentos cruciales de sus existencias, el primer amor, la primera relación sexual, el primer embarazo, la primera decepción, que tienen lugar en una realidad sórdida, pero siempre vital. La película fue duramente golpeada por la crítica de cine. Es increíble que la cinta, que naufraga miserablemente, se desarrolla en Ciudad Juárez, y no aborda la brutal problemática de las cientos de muertas ene sa ciudad fronteriza . Una sola escena en la que aparece Héctor Suárez, quien interpreta a Natalio, deja claro que la película fracasa pero Héctor Suárez salva a su personaje.
Mentada de Padre … Dir. Fernando Rovzar … México 2019 … Don Lauro
Al set de filmación, Héctor Suárez llegaba alegre, respetuoso, sonriendo y saludando y agradeciendo a todos los miembros de la producción que estaban presentes. Así lo recuerda Fernando Rovzar, director de Mentada de padre, última película que el comediante filmó antes de su fallecimiento. Su presencia bien podía convertirse en una clase magistral. “Muchas de las reflexiones sobre el factor de influencia que tiene la radio en la sociedad terminaron en la película. Lo sacamos en gran medida por conversaciones con él. Héctor Suárez era una persona que nunca se guardaba un consejo, ni comentario. Si uno quería escuchar, podría tener una cátedra, te daba una maestría de vida”.
HOMOCINEFILUS by Fernando Bañuelos, Crítico de Cine 