Bienvenidos a la cobertura en directo de los Globos de Oro 2024. Todo lo que suceda en 81ª edición de los prestigiosos premios te lo contaremos a través #Homcinefilus minuto a minuto. ¡Comenzamos! #GoldenGlobes
Globos de Oro | ¡Termina la gala!
Termina la 81ª edición de los Globos de Oro tras el premio de Mejor película (drama) otorgado para Oppenheimer, la gran triunfadora de la noche con cinco galardones. Succession termina como la serie con mas premios con un total de cuatro.
Aquí algunos de los ganadores:
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película (drama)’ es Oppenheimer, de Christopher Nolan. Es el quinto premio para el largometraje de Nolan en esta ceremonia, convirtiéndose en el gran triunfador de la noche.
Globos de Oro | Mejor actriz (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (drama)’ es Lily Gladstone por su interpretación en Los asesinos de la luna. Es la primera victoria de la actriz en su primera nominación al premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película (comedia o musical)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película (comedia o musical)’ es Pobres criaturas, de Yorgos Lanthimos. Es el segundo premio para la producción tras el conseguido por Emma Stone como mejor actriz de la categoría.
Globos de Oro | Mejor actor (comedia o musical)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (comedia o musical)’ es Paul Giamatti por su papel en Los que se quedan. Es la tercera victoria del actor tras seis nominaciones.
»Demasiados peldaños que subir. Es la primera vez que se entrega un premio a un actor que interpreta a un hombre que huele a pescado, Gracias Globos de Oro» bromea Paul Giamatti tras recoger el galardón.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor serie (drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor serie (drama)’ es Succession. La producción ha ganado cuatro premios entre los que también se encuentran mejor actor, mejor actriz y mejor actor de reparto en la categoría dramática.
Globos de Oro | Mejor actriz (serie de drama)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (serie de drama)’ es para Sarah Snook por su interpretación en Succession. Es su primera victoria tras dos nominaciones.
»Ojalá no hubiera tenido que subir. Esta serie me ha cambiado la vida. Todos han sido extraordinarios. Es lo que ha hecho una serie extraordinaria. Gracias a mi marido por ayudarme y encumbrarme. Gracias a mi hija» ha señalado tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor serie (Musical o Comedia)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor serie (Musical o Comedia)’ es The Bear. También es el tercer galardón que se lleva la producción tras los conseguidos por sus protagonistas Jeremy Allen White y Ayo Edebiri.
Globos de Oro 2024, en directo | Logro cinematográfico y de taquilla
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Logro cinematográfico y de taquilla‘ esBarbie. La nueva categoría premia a las películas con, al menos, 150 millones de dólares recaudados en taquilla a nivel global.
Margot Robbie, tras recoger el galardón: »Nos gustaría dedicárselo a todas las personas del planeta que se han puesto guapos y han ido al cine. Gracias a los Globos de Oro por crear una categoría que realmente conmemora a los aficionados».
Globos de Oro 2024 | Mejor canción original
Los ganadores del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor canción original’ son Billie Eilish y Finneaspor What Was I Made For? en Barbie. Es la segunda nominación y el segundo premio para el dúo. Barbie contaba con tres nominadas en esta categoría. Además de la canción ganadora las candidatas de la película eran I’m Just Ken (Mark Ronson, Andrew Wyatt) y Dance the Night (Caroline Ailin, Dua Lipa, Mark Ronson y Andrew Wyatt).
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor banda sonora original
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor banda sonora original’ es Ludwig Göranssonpor Oppenheimer. Es la primera victoria del compositor tras cuatro nominaciones.
»Gracias a Cillian Murphy, he estado horas y horas y horas viendo tu cara y me ha inspirado muchísimo» bromea Ludwig Göransson tras recoger el galardón.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (drama)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (drama)’ es Cillian Murphypor su papel en Oppenheimer. Es la segunda victoria del británico tras seis nominaciones.
»Una de las cosas más bonitas y vulnerables como actor es que no puedes hacerlo por tu cuenta, el equipo y compañeros de esta película han sido maravillosos» ha admitido el actor tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (comedia o musical)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (comedia o musical)’ es Emma Stonepor Pobres criaturas. Es su segundo Globo de Oro tras ocho nominaciones.
Globos de Oro 2024 | Mejor dirección
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor dirección’ es Christopher Nolanpor Oppenheimer. Es la primera vez que gana el premio tras seis nominaciones.
»Pensaba que iba a ser más fácil aceptarlo pero como director te das cuenta que solo puedes hacerlo en nombre de la gente» afirma Christopher Nolan tras recoger el Globo de Oro.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor película de animación
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor película de animación’ es El chico y la garza.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (serie de drama)
El ganador del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actor (serie de drama)’ es Kieran Culkin por Succession. Es la primera vez que gana el premio tras sus cinco nominaciones.
»Me nominaron hace 20 años y pensé que nunca más iba a estar en esta sala. Gracias a Succession he estado un par de veces más aunque había aceptado que no subiría nunca al escenario» dice entre risas Kieran Culkin.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (serie musical o comedia)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor actriz (serie musical o comedia)’ es para Ayo Edebiri por su interpretación en The Bear. Primera nominación y primer premio para la actriz.
»Estoy extremadamente agradecida. Yo soy artista. Soy muy afortunada por serlo. Es lo que he querido ser siempre y estoy muy agradecida. Gracias a mi familia. A todo el reparto de The Bear y al resto de nominados. Gracias a mis agentes, secretarios, asistentes personales. Si me he olvidado de alguien, lo siento a menos que seáis horribles» bromea la actriz tras recoger el premio.
Globos de Oro 2024 | Mejor película en lengua no inglesa
La ganadora del Globo de Oro de la categoría ‘Mejor película en lengua no inglesa’ es para Anatomía de una caída, que también ha recibido el premio a mejor guión.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor interpretación de comedia stand-up
El ganador del Globo de Oro en la nueva categoría »Mejor interpretación de comedia stand-up» es Ricky Gervais por su especial de comedia Ricky Gervais: Armageddon. El cómico británico ha sido presentador de los Globos de Oro en cinco ocasiones (2010, 2011, 2012, 2016 y 2020).
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (Serie musical o comedia)
El ganador del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actor (serie musical o comedia)’ es Jeremy Allen White por su papel en The Bear. Es su segundo Globo de Oro en su segunda nominación.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor guión
Los ganadores del Globo de Oro en la categoría de ‘Mejor guión‘ son Justine Triet, Arthur Harari por la película Anatomía de una caída. »Hacemos esta película así radical y luego hacemos una serie para ganar dinero» bromea la guionista Justine Triet al recoger el premio.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor de reparto (TV) El Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actor de reparto (TV)’ es para Matthew Macfadyen por su papel en Succession #GoldenGlobes2024
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz de reparto (TV)
La ganadora del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actriz de reparto (TV)’ es Elizabeth Debicki por su interpretación de Diana de Gales en The Crown. Consigue su primer premio en la segunda nominación.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor (Limitada o para TV)
El ganador en la categoría ‘Mejor actor (Limitada o para TV)’ es Steven Yeun por su interpretación en Bronca. Al igual que Ali Wong, compañera en Bronca, consigue el Globo de Oro en su primera nominación. »Desde aquí hago un llamamiento a mi hija y a las noches de películas en familia. De verdad que estoy muy agradecido» reconoce el actor tras recoger su premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz (Limitada o para TV)
La ganadora en la categoría a ‘Mejor actriz (limitada o para TV)’ es Ali Wong por su papel en Bronca. La actriz consigue el premio en su primera nominación.
Globos de Oro 2024 | Mejor actor de reparto
El ganador del Globo de Oro de la categoría ‘Mejor actor de reparto’ es Robert Downey Jr por su papel enOppenheimer. Es el tercer Globo de Oro que gana el actor en su carrera. »Es la primera vez que he interpretado desde que mi agente me dijo tienes que volver a darle un giro a tu carrera» bromea el actor al recoger el premio.
Globos de Oro 2024, en directo | Mejor actriz de reparto
La ganadora del Globo de Oro en la categoría ‘Mejor actriz de reparto’ es Da’Vine Joy Randolph, por The Holdovers, en su primera nominación en los Globos de Oro.
El inicio de la gala con Jo Koy como presentador comienza con múltiples referencias a las producciones nominadas. El humorista estadounidense ha bromeado sobre la duración de Oppenheimer o el argumento de Barbie. También ha señalado que Meryl Streep »siempre gana» en referencia a que si hoy gana un Globo de Oro se convertiría en la actriz con más Globos de Oro junto con Barbra Streisand, con un total de diez premios.
Este domingo 12 de marzo tuvo lugar la 95 edición de los premios Oscar, que regaló gratas sorpresas a la audiencia y a los nominados.
¡Premiaron a lo mejor de Hollywood! Este 12 de marzo se llevó a cabo la nonagésima quinta edición de los premios Oscar, un galardón dedicado a reconocer a las producciones inolvidables del año pasado.
En esta edición, fue el anodino comediante Jimmy Kimmel el encargado de conducir la ceremonia de premios. Al inicio del evento, el estadounidense apareció en el escenario como si cayera de un paracaídas, en referencia al filme de Top Gun: Maverick.
El filme sobre el multiverso Todo a la vez en todas partes se ha convertido en la gran vencedora de la noche tras conseguir siete estatuillas entre las que destacan mejor dirección para Daniel Kwan y Daniel Scheinert, mejor película, mejor actriz para Michelle Yeoh, que es la segunda actriz no blanca en ganar este premio tras Halle Berry, edición, guion original y los intérpretes de reparto: Ke Huy Quan y Jamie Lee Curtis.
A pesar de que esta comedia de acción y ciencia ficción quizás sea una de las ganadoras de los Oscar más inclasificables de toda la historia de los premios, que escapa fácilmente a la etiqueta de un género, no podemos hablar de sorpresa alguna. Todo lo que pasó en la gala estaba cantando.
La película alemana Sin novedad en el frente, de Edward Berger, se llevó el Oscar a la mejor película internacional, categoría donde competía Argentina 1985, de Santiago Mitre, y en total ganó cuatro estatuillas.
Este año tocó celebrar la vuelta a las salas La vivencia casi física de la gran pantalla. Premiar el imponente sonido de Top Gun: Maverick y los efectos visuales de Avatar: El Camino del Agua.
Conteo final #Oscars2023 :
Everything Everywhere All At Once / Todo en todas partes al mismo tiempo – 7
All Quiet on the Western Front / Sin Novedad en el Frente – 4
The Whale / La Ballena – 2
Black Panther: Wakanda Forever – 1
Navalny / Largometraje Documental – 1
Top Gun: Maverick – 1
Guillermo del Toro’s Pinocchio / Pinocho – 1.
Avatar: The Way of Water / Avatar: El Camino del Agua – 1
Women Talking / Ellas Hablan – 1
RRR – 1
La premiación contó con la participación de mexicanos como Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu en la lista de nominados. Sin embargo, destacó la premiación de Guillermo del Toro en la categoría de Mejor Película Animada por su versión de Pinocho.
Guillermo del Toro recibió el premio de manos de los actores Dwayne Johnson y Emily Blunt y dijo: “Animación es cine, la animación está lista para ser llevada al siguiente nivel, mantengámoslo en la conversación. Quiero agradecerle al amor de mi vida, Kim, a mis hijos, a mi madre, a mi padre que están aquí conmigo (en su corazón). Soy su hijo y los amo”.
Uno de los discursos más aplaudidos fue el de Brendan Fraser al recibir su esperada Estatuilla Dorada por por su compleja actuación en The Wahle: «Solo las ballenas pueden nadar en aguas profundas. Empecé en este negocio hace 30 años y fue fácil al principio, pero no aproveché las oportunidades como debía y después todo se detuvo. Entonces quisiera agradecer por permitirme regresar, por permitirme resurgir y llegar a la superficie para volver a ser visto.»
Aquí está la lista completa de los ganadores de la edición número 95 de los premios Oscar, que se llevaron al cabo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, California:
MEJOR PELÍCULA
Evertything Everywhere all at Once / Todo en todas partes al mismo tiempo (ganadora)
All Quiet on the Western Front / Sin Novedad en el Frente
Avatar: El camino del agua
The Banshees of Inisherin / Los Espíritus de la Isla
Elvis
The Fabelmans
Tár
Top Gun: Maverick
Triangle of Sadness / El Triángulo de la Tristeza
Women Talking / Ellas Hablan
MEJOR DIRECTOR
Daniel Kwan y Daniel Scheinert – Everything Everywhere all at Once (ganadores)
Martin McDonagh – The Banshees of Inisherin
Steven Spielberg – The Fabelmans
Todd Field – Tár
Ruben Östlund – Triangle of Sadness
MEJOR ACTOR
Brendan Fraser – The Whale (ganador)
Austin Butler – Elvis
Colin Farrell – The Banshees of Inisherin
Paul Mescal – Aftersun
Bill Nighy – Living
MEJOR ACTRIZ
Michelle Yeoh – Everything Everywhere all at Once (ganadora)
Cate Blanchett – Tár
Ana de Armas – Blonde
Andrea Riseborough – To Leslie
Michelle Williams – The Fabelmans
MEJOR PELÍCULA ANIMADA
Pinocho, de Guillermo del Toro (ganador)
Marcel the shell with shoes on
Puss in boots: the last wish
The Sea Beast
Turning Red
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Jamie Lee Curtis – Everything Everywhere all at Once (ganadora)
Angela Bassett – Black Panther: Wakanda Forever
Hong Chau – The Whale
Kerry Condon – The Banshees of Inisherin
Stephanie Hsu – Everything Everywhere all at Once
MEJOR ACTOR DE REPARTO
Ke Huy Quan – Everything Everywhere all at Once (ganador)
Brendan Gleeson – The Banshees of Inisherin
Brian Tyrre Henry – Causeway
Judd Hirsch – The Fabelmans
Barry Keoghan – The Banshees of Inisherin
MEJOR VESTUARIO
Black Panther: Wakanda Forever (ganadora)
Babylon
Elvis
Everything Everywhere all at Once
Mrs. Harris goes to Paris
MEJOR SONIDO
Top Gun: Maverick (ganadora)
All Quiet on the Western Front
Avatar: El Camino del Agua
The Batman
Elvis
MEJOR MÚSICA ORIGINAL
All Quiet on the Western Front (ganadora)
Babylon
The Banshees of Inisherin
Everything Everywhere all at Once
The Fabelmans
MEJOR GUION ADAPTADO
Women Talking (ganadora)
All Quiet on the Western Front
Glass Onion: A Knives Out Mistery
Top Gun: Maverick
MEJOR GUION ORIGINAL
Everything Everywhere all at Once (ganadora)
The Fabelmans
Tár
Triangle of Sadness
Living
MEJOR CORTOMETRAJE
An Irish Goodbye (ganador)
Ivalu
Le Pupille (de Alfonso Cuarón)
Night Ride
The Red Suitcase
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
The boy, the mole, the fox and the horse (ganador)
The flying sailor
Ice merchants
My year of dicks
An ostrich told me the world is fake and I think I believe it
MEJOR FOTOGRAFÍA
All Quiet on the Western Front (ganadora)
Bardo
Elvis
Empire of Light
Tár
MEJOR DOCUMENTAL
Navalny (ganador)
All that breathes
All the beauty and the bloodsheed
Fire of blood
A house made of splinters
MEJOR CORTO DOCUMENTAL
The elephant whisperers (ganador)
How do you measure a year?
The Martha Mitchell Effect
Stranger at the gate
Haulout
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
‘Applause’ de Tell it like a woman
‘Hold my hand’ de Top Gun: Maverick
‘Lift me up’ de Black Panther: Wakanda Forever
‘Naatu Naatu’ de RRR (ganadora)
‘This is a life’ de Everything Everywhere all at Once
MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
All Quiet on the Western Front / Im Westen nichts Neues de Alemania (ganadora)
Argentina, 1985 de Argentina
Close de Bélgica
Eo de Polonia
The Quiet Girl de Irlanda
MEJOR EDICIÓN
Paul Rogers – Everything Everywhere all at Once (ganador)
Buen show, totalmente dentro de estas agendas (inclusivas) pero solo eso entretenimiento dejaron al cine fuera de la categoría de arte. #Oscar2022#ComunidadHomocineflus
Golpes, homenaje a Carmelita Salinas y a Felipe Cazals y hasta aparición de Eugenio Derbez…, no sé si este año vimos los Oscar o los premios TVyNovelas.
La ceremonia de los premios Oscar 2022 se realizó este domingo 27 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, Estados Unidos, donde distintas celebridades de la industria del entretenimiento se dieron cita para galardonar a las mejores películas estrenadas entre enero y diciembre del 2021.
La 94 ceremonia de entrega de los Óscar, la más larga de la historia, llegó a su fin, poniendo punto final a una temporada de premios 2021-2022 con un reparto de galardones en los que no ha habido prácticamente espacio para la sorpresa y en el que ‘CODA’ se ha alzado como gran triunfadora, haciéndose con las tres estatuillas a las que optaba.
El largometraje de Sian Heder conquistó las categorías de mejor guión adaptado, mejor actor de reparto y mejor película; imponiéndose en el último momento a una ‘El poder del perro’ que partía como gran favorita, y que ha terminado llevándose únicamente uno, el de mejor dirección para Jane Campion, de los doce Óscar a los que optaba.
En lo que respecta a la cantidad de estatuillas cosechadas, la ‘Dune’ de Denis Villeneuve fue la estrella de la noche, levantando seis galardones más que justificados, principalmente en las categorías técnicas, sonido, edición, dirección de fotografía y efectos visuales. Además, la space-opera obtuvo los Óscar al mejor diseño de producción y a la mejor banda sonora.
Aunque, por desgracia, probablemente los Óscar 2022 se recordarán como los de la bofetada de Will Smith, ganador en la categoría de mejor actor, a Chris Rock.
Antes Smith maldijo a Rock tras regresar a su asiento. Rock estaba presentando el premio al mejor documental cuando ocurrió el tenso intercambio.¿Qué provocó la ira de Will Smith contra Chris Rock durante los Premios Oscar? Los asistentes al Oscar quedaron en conmocionado silencio después de que Will Smith golpeara a Chris Rock en el escenario luego que el comediante hiciera un chiste sobre la esposa de Smith, Jada Pinkett Smith.
Pero, ¿qué fue lo que originó la pelea?
Momentos antes de recibir la agresión, el comediante Chris Rock bromeó diciéndole a Smith que esperaba con ansias una secuela de “G.I. Jane”, haciendo evidente referencia a la cabeza calva de su esposa, por lo que Smith se levantó de su asiento cerca del escenario, caminó hasta Rock y lo abofeteó.
Después de volver a sentarse, Smith le gritó a Rock: “Saca el nombre de mi esposa de tu jodida boca”. Pues su esposa desde el 2018 reveló que padece de alopecia.
Eugenio Derbez en CODA.
El actor mexicano triunfó en la entrega de los Oscar 2022. Coda, donde actuó Eugenio Degana como mejor película. «Eugenio, nos hiciste reír mucho y cuidaste muy bien a la familia», dijo el productor Philippe Rousselet al actor mexicano Eugenio Derbez, quien es parte del elenco de la película inspirada en la cinta francesa La familia Bélier.
Dune acaba de llevarse sus cuatro primeros Óscar en la entrega previa. Estos han sido los de las categorías de mejor montaje, mejor diseño de producción, mejor banda sonora y mejor sonido. Insisto; es bochornoso que se hayan excluido estos galardones de la emisión oficial.
Arranca la 94 ceremonia de entrega de los Óscar (no, no son los Grammy) con una actuación de Beyonce bañada en un color verde que hace un poco de daño a las retinas, todo sea dicho.
Después de los monólogos de rigor (con algún que otro chiste reciclado, no lo vamos a negar), se ha entregado el primer Óscar emitido de la noche. Ha sido en la categoría de mejor actriz secundaria y, como era de esperar, ha ido a manos de Ariana DeBose por su papel como Anita en ‘West Side Story’.
Con este Óscar, Ariana DeBose cierra una temporada de premios impecable en la que se ha llevado el BAFTA, el Globo de Oro y el SAG del sindicato de actores (entre muchos otros galardones de diferentes asociaciones). Normal que partiese como gran favorita y haya cumplido su cometido como tal.
Fotograma de la película West Side Story, de Steven Spielberg
Óscar 2022: ‘Ejército de los muertos’ es la mejor película popular del año, un triunfo «histórico» para Zack Snyder y Netflix
¡Y el Óscar a la mejor dirección de fotografía se va a manos de Greig Fraser por su increíble trabajo en ‘Dune’! A la segunda nominación (la primera fue por ‘Lion’ en 2017) ha ido la vencida, y el australiano se ha llevado la estatuilla, entre otras cosas, por su brillante modo de hibridar la tecnología digital y la analógica después de rodar la película con cámaras Arri Alexa LF y transferir el material a película para obtener la textura única del fotoquímico. Grande.
¡Seguimos sin sorpresas! ‘Dune’ se lleva su sexto Óscar de la noche, esta ocasión en la categoría de mejores efectos visuales. Otro galardón merecidísimo, en este caso por la fantástica mezcla de efectos prácticos y efectos digitales en uno de los espectáculos cinematográficos más asombrosos que hemos podido disfrutar en la gran pantalla en mucho, mucho tiempo.
VIA JAPANESE TELEVISION: The uncensored exchange between Will Smith and Chris Rock pic.twitter.com/j0Z184ZyXa
Aquí la escena de la que medio mundo está hablando: Will Smith golpeando a Chris Rock en vivo, en los #Oscars.
Seguimos sin una sola sorpresa en el reparto de las estatuillas: ‘Encanto’ se ha hecho con el Óscar a la mejor película de animación del año. La película dirigida a seis manos por Jared Bush, Byron Howard y Charise Castro Smith se ha llevado el gato al agua después de conquistar la misma categoría en los Globos de Oro, los BAFTA y los premios de la National Board of Review (entre otros).
Y todo sigue según lo previsto, porque Troy Kotsur se ha alzado con el Óscar 2022 al mejor actor secundario por su trabajo en ‘CODA’, cerrando una temporada de premios impecable en la que ya ha amasado el Globo de Oro, el BAFTA y el premio del sindicato de actores.
Troy Kotsur es el segundo intérprete sordo que ha ganado un Óscar en la historia de los premios. Curiosamente, la primera fue Marlee Matlin, su compañera de reparto en ‘CODA’, que se hizo con la estatuilla en 1987.
¡Seguimos clavando nuestras predicciones! ‘Drive My Car’, de Ryûsuke Hamaguchi, se hace con el Óscar a la mejor película internacional. El último largometraje japonés galardonado con la estatuilla fue ‘Despedidas’ de Yōjirō Takita, que se alzó con el premio en el año 2008.
¡Más premios cantados! ‘Cruella’ se lleva el Óscar al mejor diseño de vestuario. Este es el tercer premio para Jenny Beavan, nominada en 11 ocasiones, y que elevó la preciada estatuilla por primera vez en 1987 por su trabajo en ‘Una habitación con vistas’. La segunda fue por su magnífica labor en ‘Mad Max: Furia en la carretera’.
Durante la pausa comercial, Will Smith es apartado y consolado por Denzel Washington y Tyler Perry, quienes le indican que ignore a Chris Rock. Will parece secarse las lágrimas de los ojos cuando vuelve a sentarse con Jada, con Denzel consolando a Jada y el representante de Will a su lado.
En lo que respecta al Óscar al mejor guión adaptado, tampoco hay sorpresas de última hora: Siân Heder, después de amasar el BAFTA, el premio del sindicato de guionistas y el Globo de Oro, se ha llevado el premio de la categoría por su trabajo sobre el libreto de ‘La familia Belier’ en ‘CODA’.
Timothée Chalamet, Zendaya, Jason Momoa, Javier Bardem & Denis Villeneuve at the #Oscars
En la categoría de mejor documental no había nada claro, y finalmente ‘Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised)’ se ha terminado llevando el Óscar, llevándose por delante a una ‘Flee’ que se ha ido de vacío a pesar de su triple nominación en las categorías de mejor película de animación, mejor película documental y mejor película internacional. Sin duda, ambas estaban muy bien posicionadas.
ABC cortó momentáneamente la retransmisión y muteo el sonido después de que Will Smith le gritase a Chris Rock «Keep my wife’s name out of your fucking mouth!» después de que el cómico hiciese un chiste sobre el look de Jada Pinkett.
Lupita Nyong’o observa desconcertada la embestida de Will Smith contra Chris Rock, después de la broma de muy mal gusto contra Jada Pinket Smith, esposa de Smith.
Acostumbrados a que el «in memoriam» suela ser sombrío, fue una grata sorpresa ver la aproximación que ha tenido este año. Tremendo obituario con un fantástico número de gospel y con Jamie Lee Curtis promoviendo la adopción de perros en honor a Betty White
Golpes, homenaje a Carmelita Salinas y hasta aparición de Eugenio Derbez…, no sé si este año vimos los Oscar o los premios TVyNovelas.
¡Sorpresón! Billie Eilish se lleva el Óscar a la mejor canción por su magnífico tema ‘No Time to Die’ para la última entrega de la saga de 007 protagonizada por Daniel Craig. Esta es la tercera vez que una película de la franquicia gana el premio a la mejor canción, siendo las dos anteriores ‘Skyfall’ de Adele y ‘Writing’s on the Wall’ de Sam Smith:
Jane Campion cierra una temporada perfecta levantando el Óscar a la mejor dirección por su soberbia labor en ‘El poder del perro’. La directora, que ya estuvo nominada en 1994 por ‘El piano’ —gracias a la que se hizo con el premio al mejor guión—, ha llegado a esta noche con el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del sindicato de directores, entre muchos otros galardones, bajo el brazo.
A la tercera ha ido a la vencida: Will Smith ha ganado el Óscar al mejor actor por su papel en King Richard tras dos nominaciones fallidas por ‘Ali’ y ‘En busca de la felicidad’. La estatuilla dorada ha llegado después de que su rol como Richard Williams le haya servido para hacerse con el BAFTA, el Globo de Oro y el premio del sindicato de actores. Ojo, que en su discurso de aceptación ha dicho cosas como «el amor nos hace hacer cosas locas» (como partirle la cara a Chris Rock en directo, suponemos).
«Mi vocación es amar a la gente y proteger a la gente. Sé que para hacer lo que hacemos tienes que aguantar abuso y en este negocio tienes que soportar faltas de respeto, tienes que sonreír y fingir que todo está bien».
Will Smith is celebrating and dancing to his own hits at the Vanity Fair #Oscars
Sean Penn prometió derretir sus Óscars si la Academia de Hollywoodno permitía hablar aVolodímir Zelenski. presidente de Ucrania durante la entrega de los premios
Los 50 Años de El Padrino. Homenaje en los Premios Óscar 2022 / 94 Edición. Aunque podían haber dejado la música original de #NinoRota en el montaje inicial, el otro gran momento de la gala #Oscars El homenaje a #ElPadrino#TheGodfather50 con Francis Ford Coppola, Al Pacino y Robert De Niro. Y ese recuerdo a Mario Puzo y Robert Evans
Tras haber fracasado con sus nominaciones en ‘Criadas y señoras’ y en ‘La noche más oscura’, Jessica Chastain se ha llevado el Óscar a la mejor actriz por su papel en ‘Los ojos de Tammy Faye’. La cosa estaba muy reñida y no había predicción fiable, pero sabemos que a la Academia le gustan mucho los papeles que implican transformaciones imposibles y capas de maquillaje.
‘CODA’ ha dado la vuelta a la tortilla de la temporada de premios y se ha terminado haciendo con el Óscar a la mejor película llevándose por delante a ‘El poder del perro’ de Jane Campion, a priori gran favorita de la noche. Con este, la película de Sian Heder cierra una velada perfecta en la que se ha llevado los tres galardones a los que optaba.
La reacción de Nicole Kidman a la bofetada, las protestas de algunos nominados por la entrega de 8 premios fuera de cámara y, claro, la agresión de Will Smith a Chris Rock, que ya es historia: estos han sido los momentos más comentados de los #Oscar
En lo que respecta a la cantidad de estatuillas cosechadas, la ‘Dune’ de Denis Villeneuve ha sido la estrella de la noche, levantando seis galardones más que justificados, principalmente en las categorías técnicas —sonido, montaje, dirección de fotografía y efectos visuales—. Además, la space-opera ha obtenido los Óscar al mejor diseño de producción y a la mejor banda sonora.
Big night for DUNE, winning 6 Oscars! I only wish my father and mother could have been here to be honored on stage at the Academy Awards ceremonies. This is for Frank Herbert and Beverly Herbert, who worked so hard to bring this classic novel to life, and for worldwide Dune fans.
Liza Minnelli, quien actualmente está en silla de ruedas a sus 76 años, fue la responsable de anunciar al ganador en la categoría Mejor película y recibió el apoyo de la cantante Lady Gaga, su más grande fan. Un noble gesto que los cibernautas aplaudieron en redes sociales.
«De la mezquindadad de la Industria del Cine, a la Generosidad Cultural de Internet, a un solo click de distancia»
En Homocinefilus creemos firmemente en la irrestricta difusión de la Cultura Cinematográfica. Creemos también en el discurso efectivo, no en el panfletario, de que las Obras Cinematográficas deben ser conocidas por todo el público, cualesquiera que sea su ideología o condición social.
El mundo de la distribución y la exhibición cinematográficas mundiales, ha cambiado radicalmente. Alguien ha proferido con fortuna la frase: “Internet es el más puro acto de democracia”. Parafraseándola, al ámbito que nos ocupa, el del Séptimo Arte, diremos que “La venturosa aparición de las Plataformas de Streaming, ha brutalmente democratizado la visión de las películas, que antes estaba reservada para la élite, cultural y pudiente”. Por lo tanto, las Plataformas de Streaming, han trastocado la exhibición de cintas, a favor de las clases desposeídas”. Aprovechemos esta metafórica revancha histórica, que nos permite el arrollador avance de Internet, y rompamos las cadenas culturales que aherrojan las conciencias y el avance del conocimiento y el goce productivo del Arte Cinematográfico.
Atendamos, gracias a los recovecos gratuitos de la Red Mundial de Información, a la necesidad de ejecutar otra reivindicación histórica por parte del gran público, marginado de las Obras Cinematográficas de calidad artística, manipulado ideológicamente con películas opuestas y disímbolas a su realidad social y esquilmado con cintas basurosas y ruines, cuyo único objetivo, al ser filmadas, fue, y es, el de enriquecer a los voraces productores, de Hollywood.
Sirva esta justificante teórica, un certero estamento y un honesto manifiesto de principios, para vindicar nuestra propuesta y sincero ofrecimiento de 38 películas, absolutamente todas las Nominadas al Óscar 2022. Por lo tanto, no hicimos esta compilación/recuperación con el afán de cometer un Acto Delincuencial, sino uno Cultural, Reivindicatorio, Democrático y Plural.
El Streaming ha vencido a las injustas, excluyentes, arcaicas y obsoletas formas de distribución. En todo caso, solo compilamos, de los recónditos sitios donde alguien, justiciero o no, legal o ilegalmente, ha encontrado un vacío legal, para ofrecer miles de Obras Cinematográficas.
Todas las películas, si todas, lo cual es un acto insólito del avance incontrovertible y contundente del Streaming por sobre la Salas de Cine, incluidos los Largometrajes Documentales, por primera vez encontrados en Plataformas Gratuitas de Streaming, tienen su correspondiente Ficha Filmográfica, una breve sinopsis, tratando de rescatar la esencia temática e ideológica de los filmes, más que la trama, y el enlace para poder verla de manera gratuita.
La Entrega de la 94 Edición de los Pemios Óscar se llevará al cabo el domingo 27 de Mazo del 2022 el Teatro Dolby de Los Ángeles, California.
Belfast termina como empieza: con planos a color, primero aéreos y luego a ras de suelo, de la urbe epónima en la actualidad. Ahora epicentro revitalizado de Irlanda del Norte y otrora foco de conflictos. Belfast es una ciudad que ha resistido el embate de la historia y la violencia a lo largo del tiempo. Precisamente este año se cumple un centenario del estallido de la guerra civil irlandesa. Nadie podría decirlo, sin embargo, a juzgar por la mirada que arroja Kenneth Branagh en su más reciente esfuerzo como director de cine. Semejante despropósito podría condonarse si detrás de su fachada de inocencia garapiñada no se escondiera un ánimo digno de reprensión que nada tiene con su pretendido mensaje de concordia. Por algún motivo que se nos escapa, el metraje se esmera en extremo en poner al espectador en contexto, un contexto que luego se demuestra totalmente accesorio y circunstancial, así que nosotros no vamos a ser menos: es verano de 1969 en un barrio católico de Belfast, y los prolegómenos del conflicto norirlandés se están fraguando. Los protagonistas son una familia de protestantes que conviven en plácida armonía con sus vecinos, hasta que prenden los disturbios, avivados por los pogromos de la mayoría protestante (generalmente unionista) contra la minoría católica (republicanos irlandeses). La figura central de la película es Buddy (Jude Hill), alter ego del realizador, quien con tan solo nueve años tuvo que abandonar su casa para emigrar a Inglaterra. Branagh se suma así a la manida estela dejada por el Amarcord (1973) de Fellini, consistente en relatos semiautobiográficos que rescatan el punto de inflexión que marcó la infancia de su director. El principal desafío de este ¿género?, recientemente resucitado por Alfonso Cuarón y Paolo Sorrentino, es que el paso de lo particular, fundamentado en un empirismo extraño a todos salvo al que lo ha atravesado en primera persona, a lo universal, cimentado sobre el conjunto de signos y símbolos que conforman el lenguaje cinematográfico, requiere de una gran zancada.
2.- -Nightmare Alley … El Callejón de las Almas Perdidas … Dir. Guillermo Del Toro … Estados Unidos / México / Canadá 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Nightmare Alley es un gusto para aquellos que buscan osadas odiseas en la gran pantalla, para los que reciben con brazos abiertos los excesos, fruto de una obsesión autoral de sus géneros favoritos, sin caer en el mediocre facilismo del homenaje. Con personajes que pagan la entrada por sí mismos y que incluso logra hacer de Bradley Cooper la estrella que su éxito siempre prometió. Es quizá la película dirigida por Guillermo Del Toro que menos pueda alinearse superficialmente con las criaturas con las que tanto se le asocia, pero es también un proyecto que alcanza su mejor versión gracias a la visión única que acompaña cada una de sus producciones. Poniendo el foco no sólo en la estética del circo y el cine muy noir, sino en las temáticas que las hacen un clásico de la ficción norteamericana: las promesas estructurales tan vacías como insaciables que crean monstruos de las pobres almas que se atreven a reclamar lo que creen suyo. Eso, y un Willem Dafoe de bigote delgado y erizado, frente a una carpa intentando convencer a una multitud de que entren a ver como un tipo le arranca la cabeza a una gallina. La cosa es sana y lo que se dice Cine de Calidad.
3.- -The Power of the Dog … El Poder del Perro … Dira. Jane Campion … Reino Unido / Canadá / Australia / Nueva Zelanda 2021 … Doce (12) Nominaciones
El Poder del Perro acaba con una imagen-interrogante: una de aquellas viñetas muy demarcadas en el territorio de lo simbólico, estratégicamente situadas para formular una pregunta que condense bajo un solo signo la marisma de inquietudes que sobre el resto del metraje había ido formándose. En la nueva película de Jane Campion, por lo demás inscrita en los resortes del realismo psicológico, este último plano cae como una losa. Desearíamos que la puesta en escena confiara en la duda que ya crece imparable detrás de cada una de sus viñetas, sin necesidad de dibujar signo de interrogación alguno. Porque en lo último de Campion será tras el lodazal abierto entre lecturas posibles de una misma realidad donde se esconda el músculo verdadero de una película, por lo demás, simplísima. Jane Campion adapta la novela de Thomas Savage, que sigue las andadas de Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un vaquero tan salvaje y despiadado como carismático, un ser radicalmente autónomo a la vez que feroz macho alfa. Pero la puesta en escena, ecuánime y silenciosa como pocas, no ayuda a dilucidar en qué terreno se encuentran las intenciones del vaquero. En la duda, las cabezas bullen, reconfiguran las mil caras de Phil entre su presentación pública y su ser privado: ¿dónde acaba la fachada y empiezan los hogares? ¿Cómo sería la vida de Phil si cambiara muros impenetrables por cristales transparentes, ventanas por donde pudiera entrar aire, luz?.
4.- -Drive My Car …. Doraibu mai kâ … Dir. Ryûsuke Hamaguchi … Japón 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Drive My Car es un modelo para armar. Es tan sólida y tan compleja su estructura narrativa que es muchas películas en una, abordando simultáneamente una gran cantidad de temas, todos de manera fluida. Esta road movie existencial (que también lo es, por supuesto), habla sobre la fascinación por el placer, la capacidad de narrar con o sin palabras, el mantener una fachada, la cronificación del dolor, el pasado que no deja de latir, las respuestas que aparecen sin buscarlas, los secretos largamente guardados, la nostalgia, el remordimiento, la culpa, la expiación, el perdón. Y, sobre todo, esta Obra Maestra deslumbrante se refiere a la incapacidad de ver y comprender realmente a los demás, de la existencia de un punto ciego, pero no tanto en el campo visual, sino en el alma.
5.- -Don’t Look Up …. No miren arriba … Dir. Adam McKay …. EUA 2021 … Cuatro (4) Nominaciones
Hace tiempo que la proximidad entre el mal periodismo y la mala política anuncian un desastroso desenlace. Como el silbido de un tren que está a punto de arrollarnos, esa trivialidad populista que aflora de todas las pantallas, grandes y pequeñas, nos indica que la civilización occidental se ve amenazada por una peligrosa epidemia de mediocridad, acompañada por una permanente distracción colectiva. Adam McKay parece asumir la misma certeza. La evidencia de que ya no es la madurez lo que predomina en la experiencia colectiva, sino una creciente infantilización, cifrada en el estrépito de las redes sociales, el vocerío político, la ignorancia voluntaria, el moralismo excluyente y el retorno a ciertas formas tribales de pensamiento. Aunque McKay desarrolla la historia en términos de comedia disparatada, reconocemos en ella la irreversible decadencia que caracteriza a este siglo XXI. En una década bendecida por los avances tecnológicos y por las mejoras en el bienestar colectivo, despreciamos todo aquello que nos hizo prosperar (la ciencia, la educación exigente, la cooperación…), y en lugar de ver las cosas tal y como son, decidimos idiotizarnos de todas las formas imaginables.
6.- -Licorice Pizza … Parque Mágico … Dir. Paul Thomas Anderson … Canadá / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
Licorice Pizza tiene éxito en reinventar un escenario recurrente en la filmografía de su director, integrando meticulosamente elementos que caracterizaron la época de los setenta. Uno de los grandes logros de la película es justamente dejar que escenas casi completas transcurran bajo la musicalización de clásicos de David Bowie y The Doors, entre otros artistas, sin llegar a ahogarse en un componente nostálgico. Este riesgo se evita al transmitir esta historia como un relato personal, que tiene su centro en una relación casi platónica que, pese a todas las dificultades que enfrenta, podría funcionar en este mundo.
7.- -Dune Part One … Duna … Dir. Denis Villeneuve … EUA / Canadá 2021 … Diez (10) Nominaciones
Pocas obras han generado tantos amores como odios, a partes iguales, como la adaptación que sobre la monumental novela de Frank Herbert se había intentado antes. El cine seguía teniendo una cuenta pendiente con Frank Herbert y el Dune definitivo estaba destinado a ser realizado por Denis Villeneuve, un autor que había demostrado un excepcional dominio de la ciencia ficción en dos propuestas tan interesantes como La llegada (2016), uno de los filmes que mejor han plasmado el posible encuentro entre humanos y una civilización extraterrestre y, sobre todo, la fascinante Blade Runner 2049 (2017), uno de los proyectos más arriesgados de los últimos tiempos, al ser la secuela de uno de los títulos míticos del género, el venerado Blade Runner (1982) de Ridley Scott. Con semejantes antecedentes, pocas dudas cabían sobre si estaríamos ante el tipo adecuado para resucitar la mitología de Arrakis en todo el esplendor que merecía. Blade Runner 2049 no terminó de ser el éxito comercial que sus productores esperaban, pero las críticas fueron tan entusiastas que el prestigio de Villeneuve fue suficiente para que se le confiara un presupuesto de 165 millones de dólares para que tuviese toda la libertad creativa necesaria para acometer un proyecto aún más suicida que el de la secuela sobre los replicantes de Philip K. Dick, el de guardar toda la fidelidad posible a la novela de 1965 y, al mismo tiempo, hacerla accesible a ese público que no conectó demasiado con la excéntrica visión de David Lynch. En realidad, Duna logra abrazar un lirismo y una poesía en numerosos pasajes, solo al alcance de los grandes creadores de imágenes, sin, por ello, dejar de lado la enorme carga épica de una historia que, bajo su abigarrada estructura cercana a la tragedia shakesperiana, no esconde más que la enésima lucha del Bien contra el Mal. Villeneuve aún no ha concluido su misión. Aún le queda la segunda mitad para corroborar que nos encontramos ante una obra maestra indiscutible de la ciencia ficción.
8.- -King Richard … Rey Richard: Una familia ganadora … Dir. Reinaldo Marcus Green … EUA 2021 … Seis (6) Nominaciones
La vida de un deportista de élite es dura. Cabe pensar que la fama y la fortuna compensan con creces el esfuerzo y el sacrificio, pero este muchas veces se extiende a una infancia sin inocencia y a una vejez sin perspectiva. Para alcanzar el nivel exigido en la alta competición, los deportistas empiezan cada vez más pronto su entrenamiento, le dedican cada vez más horas, y los que renuncian a una educación superior no son la excepción, sino la regla. Muchos se quedan por el camino, sin alcanzar el éxito deseado y con una trayectoria truncada, pues reconducir el futuro profesional se antoja entonces muy complicado. E incluso cuando han llegado a la cima, la mayoría veinteañeros, es comprensible que no aguanten la presión, y se derrumben demasiado pronto. Pero centrándonos en los pasos anteriores, que son los que siempre explican el devenir de los acontecimientos, el problema surge cuando ese nivel de exigencia a menudo no va acompañado de una correcta preparación psicológica, o más ampliamente de una manera de ver las cosas que, aun manteniendo el objetivo en lo más alto, le quite hierro, por así decir, sin olvidar que, por mucha gente que se dedique a esto y mucho dinero que mueva, sigue siendo un juego. Así lo planteó el padre y primer entrenador de las hermanas Williams, Richard Williams, o al menos así se nos presenta en este biopic suyo, que lo eleva a la categoría de rey (de ahí el título original). Como toda biografía llevada a la gran pantalla, no pretende ser un retrato fiel de la realidad, sino como mucho un resumen con elementos de ficción. Pero la subjetividad de la narración en este caso predomina especialmente sobre su objetividad, teniendo en cuenta que la película cuenta con el beneplácito del sujeto en cuestión (además de tener como productoras ejecutivas a las dos hermanas), alguien que, en efecto, logró lo que se propuso, pero con muchos más obstáculos y muchas más partes oscuras de lo que aquí se nos cuenta. Una vez conocida la premisa, así como su propia evolución para cualquiera que haya oído hablar de las célebres tenistas, estamos ante una historia previsible aunque, sin duda, entretenida, que se ajusta plenamente al producto de la industria hollywoodense que busca ya no solo el beneplácito de sus propios personajes en la vida real, sino de todo espectador que pague por verla.
9.- -West Side Story … Amor sin Barreras … Dir. Steven Spielberg … EUA 2021 … Siete (7) Nominaciones
Una vez terminada la visión de West Side Story (2021), resulta inevitable retroceder a los orígenes revolucionarios de la obra original estrenada en los escenarios del Winter Garden de Nueva York en 1957. Tanto el musical homónimo de Broadway, como su primera adaptación al cine en 1961, supusieron sendos puntos de inflexión en el histórico de los musicales, en su manera de asumir la tragedia por encima de los grandes espectáculos optimistas y desenfadados del momento. La adaptación original de Arthur Laurents, basada en el legendario Romeo y Julieta de Shakespeare, manejaba con perspicacia temas relativos a los asuntos raciales y la inmigración en Estados Unidos. La versión contemporánea que nos ofrece Spielberg llega en el momento adecuado, no solo de unos tiempos audiovisuales consecuentes, incluso obsesionados, con la melancolía del cine del pasado, sino en el justo lugar de un autor consumido por la tragedia de unas imágenes irremediablemente fugaces, intangibles, sumidas en la desesperanza. Sin duda estamos ante un elaborado ejercicio de memoria e identidad fílmica, algo a lo que el director nos tiene acostumbrados. El hacedor de sueños ha vuelto a conseguirlo, West Side Story es un obsequio que pronto será reliquia del pasado, objeto de estudio, un relato agridulce, fundacional, quintaesencia y ambrosía de un cine elevado a la enésima potencia. De aquí a la eternidad.
10.- -Coda … Coda, Señales del Corazón … Dir. Sian Heder … EUA / Francia / Canadá 2021 … Tres (3) Nominaciones
Coda: Los sonidos del silencio, como también se llama, es un largometraje con un valor realmente extraordinario en cuanto a representación de la comunidad sorda se refiere, pero atrapado en una maraña narrativa y conceptual mucho más preocupada por hacer llorar y emocionar a toda costa que por dar forma a un relato veraz, orgánico y, lo que es más importante, con un cupo mínimo de sorpresas que rompan su decepcionante rutina. Con Coda nos encontramos ante uno de esos casos en los que la nominación al Óscar a la mejor película parece caída del cielo, justificada más por cuestiones de fondo o trascendencia que por motivos estrictamente cinematográficos. Por supuesto, no hay que quitar mérito al hecho de que se haya convertido en la adquisición más cara de la historia del Festival de Sundance siendo un remake de la exitosa La familia Bélier (Éric Lartigau / 2014); pero este hito queda enterrado por la tremenda y apática previsibilidad que encierran sus fugaces 110 minutos de metraje.
CATEGORÍA MEJOR ACTRÍZ:
11.- -Nicole Kidman, Being the Ricardos … Todo sobre los Ricardo … Dir. Aaron Sorkin … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones Link para ver la película: https://cuevana3.io/52652/being-the-ricardos
Hasta hace poco, Aaron Sorkin era una de las últimas superestrellas del guion cinematográfico que había resistido la tentación omnipotente de dirigir sus propios guiones. Tampoco extrañaba demasiado siendo que sus guiones tienen tal potencia verbosa que cualquier intento de dirigirlos (bien o mal) requerían saber entregarle el volante narrativo a sus diálogos, al menos en mayor medida que a un guion más corriente. No es entonces una sorpresa ver que su más reciente obsesión sea la conexión de uno de los momentos más turbulentos de política interna estadounidense, y su huella casi catastrófica en la vida de una de las figuras más emblemáticas de la televisión. A principios de la década de los ’50, I Love Lucy era el programa de TV más exitoso. Un verdadero hito cultural que transformó a su protagonista Lucille Ball en una de las mujeres más queridas de los Estados Unidos. La relativa tranquilidad del éxito iba a ser interrumpida cuando empezara a sonar como noticia una supuesta afiliación de Ball al partido comunista, garantizándole una condena social por el pecado de tal subversión política. Being the Ricardos mezcla el presente con el pasado y un poco más pasado todavía para retratar lo ocurrido durante la producción del programa la semana en que esas noticias salieron a la luz. Being the Ricardos es bastante disfrutable en todo momento. Con buenas actuaciones mejoradas por una gran labor a la hora de armar su elenco, y un guion firmado por una de las voces más personales de la industria. Irónicamente, el empezar a tener más poder creativo desde la dirección pudo haber tenido un impacto positivo en los guiones de Sorkin, que se siente mucho menos como una catarata de diálogo como solían ser los proyectos más clásicos de su estilo tan particular.
12.- -Jessica Chastain, The Eyes of Tammy Faye …. Los Ojos de Tammy Faye … Dir. Michael Showalter … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones …
The Eyes of Tammy Faye (2021) es una biopic sobre el ascenso y la caída de la predicadora evangelista del título. Se presenta casi como una víctima a una mujer que vivió dentro del lucrativo y fraudulento mundo del comercio de la fe. La película termina perdiéndose en su propia cosmética del género. Encerrada en su intelectualismo moral, ese que nos dice que la virtud radica en el saber actual y desdeña el conocimiento pasado, redunda en una forma de ver al Otro, una América de espiritualidad añeja y tremendamente compleja, con una superioridad presentista sumamente ingenua. Solo Jessica Chastain es capaz de conferir a la película cierto aura de cine de actor y una determinada ambigüedad que su personaje exigía. Hay puro sofismo de la imagen escondido en todo el cine norteamericano actual, pero no una filosofía audiovisual que mane de una confianza en remirar lo antiguo con el poder de una razón renovada. Es el gran problema de entender el cine como un proceso sincrónico que solo se mueve en presente en lugar de como un proceso diacrónico capaz de mirar la evolución de su propia historia.
13.- -Olivia Colman, The Lost Daughter …. La Hija Obscura … Dira. Maggie Gyllenhaal …
Grecia / GB / Israel / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
“Soy una madre antinatural”: con esta rotunda afirmación, se define a sí misma Leda (Olivia Colman), al confesarle a Nina (Dakota Johnson) la secreta culpa que carga sobre sus espaldas; y, sin duda, parece que el idílico entorno mediterráneo escogido por la primera para veranear y ultimar un ensayo le da la razón, pues continuamente está siento agredida por él: la fruta que se le pudre en la mano, el enorme insecto que le defeca en la almohada, la piña que la hiere en el hombro al caer violentamente del pino… Pero ¿es ello realmente muestra de que el cosmos la rechaza, como ente ajeno a él, o bien se trata de un recordatorio de que la (mal) llamada “madre naturaleza” en verdad tiene pocas de las características que nuestra cultura le ha atribuido tradicionalmente a lo materno? Con La hija oscura (2021), la actriz Maggie Gyllenhaal hace doblete como directora y guionista en su excelente debut tras las cámaras, y nos ofrece una inmejorable adaptación de la novela homónima de Elena Ferrante, al mantener incólume el nada complaciente mensaje de fondo del texto original, pero haciendo hincapié en su envoltorio de thriller psicológico, lo que simultáneamente dota al relato de desasosiego y de dinamismo. Este rebozado genérico le permite, además, exponer ante una audiencia amplia, sin medidas paliativas, un auténtico tratado sobre los claroscuros de la maternidad.
14.- -Kristen Stewart, Spencer … Dir. Pablo Larraín … GB / Alemania / EUA / Chile 2021 … Una (1) Nominación
Pablo Larraín demuestra su músculo como sólido narrador audiovisual, aunque al final de la cinta se pierda un poco en el automatismo. Quizás entonces el mayor logro de su puesta en escena se encuentre en Kristen Stewart, la aliada perfecta. De buenas a primeras, el acento británico forzado, un peinado rubio despampanante y un armario acorde a la época trasladan su registro actoral a aquella presencia amanerada propia de la llamada escuela de la imitación, tan de moda en biopics colectagalardones. En efecto, Stewart imita, en su interpretación lleva al extremo la gestualidad del personaje, que resulta incluso exagerada, manierista. Para empezar, Larraín procura bañar siempre a su personaje de una luz potente y directa, desgajándola del mundo que habita y poniéndola debajo del foco público de forma bastante literal (quien haya subido alguna vez a un escenario sabrá cómo se siente estar bañado por focos de luz ante la oscuridad absoluta). Miedo escénico vuelto al revés, giro foucaultiano al canto, parecería que el público a oscuras siempre está ahí, observándola. Luego está, claro, la rigidez en el acting de todo el resto del elenco, de una lentitud casi marciana… ¿Cómo no va a parecer histriónica la forma de moverse de una persona normal en un mundo regido por la extremísima pulcritud y decoro?
15.- -Penélope Cruz, Madres Paralelas … Dir. Pedro Almodóvar … España 2021 … Dos (2) Nominaciones
Madres Paralelas: el sainete psico-dramático de Almodóvar llegó a Netflix tras irse con las manos vacías en los Goya 2022. La que llegaba como una de las grandes favoritas de la noche del cine español se fue de vacío, pero eso no impidió que la llegada a Netflix de la más reciente película de Pedro Almodóvar, Madres paralelas sea poco menos que un acontecimiento. Forzada en sus reivindicaciones, autoparódica de manera no demasiado voluntaria, sexualmente robotizada y teledirigida y con una extraña intensidad para la historia que está contando, Madres Paralelas se sitúa entre las obras menos afortunadas del laureado e histórico cineasta manchego. Al menos el director sabe dónde deben terminar todos los personajes de este sainete psicodramático cuando, en su tramo final, decide colocar a los participantes (no a todos, aunque eso habría sido mágico) en el lugar que merecen.
CATEGORÍA MEJOR ACTOR:
16.- -Andrew Garfield, tick, tick… BOOM! … Dir. Lin-Manuel Miranda … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones
Lin-Manuel Miranda logra una puesta en escena genuinamente cinematográfica del musical de cámara de Jonathan Larson, un retrato conmovedor de un joven artista en crisis porque siente que se le termina el tiempo para convertirse en un autor profesional, con una interpretación actoral y musical descollante de Andrew Garfield y algunas escenas musicales ciertamente notables. La historia se enfoca básicamente en los preparativos para un taller en el que Jon, un autor de comedias musicales, quiere presentar su musical retrofuturista llamado Superbia, mientras transita una crisis personal y creativa. La ópera prima de Lin-Manuel Miranda está basada en el musical semiautobiográfico homónimo de Jonathan Larson, quien alcanzaría su consagración póstuma con su musical Rent. Con la estructura del musical original como armazón, una suerte de stand up musical, la película expande a partir de ella sus flashbacks al lenguaje cinematográfico, con locaciones interiores y exteriores y una puesta en escena que abandonan la impronta teatral. Concedámosle reconocimiento y admiración por el tour de force que lleva adelante Andrew Garfield en el papel de Jon, quien construye un personaje entrañable, carismático, perseverante y pletórico de energía, pero también de dudas y frustraciones, por momentos desesperado, desplegando múltiples recursos para lucir al mismo tiempo coherente y diverso durante toda la película. A todo esto, se suman sus sorprendentes y deslumbrantes aptitudes vocales.
17.- -Denzel Washington, The Tragedy of Macbeth … La tragedia de Macbeth … Dir. Joel Coen … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
La influencia de William Shakespeare, y en particular de Macbeth, siempre ha estado presente en la filmografía de los Hermanos Coen. En películas como Fargo y No Country for Old Men, tenemos a personajes con una vida funcional, tomando ciertas oportunidades del destino para intentar mejorar su predicamento, eventualmente metiéndose a un lodazal del cual es complicado salir. Son personajes que actúan por avaricia o venganza que terminan encarando las consecuencias de sus acciones. Los planes nunca salen bien y la tragedia termina apoderándose de la narrativa. Al dirigir La tragedia de Macbeth, pareciera que Joel Coen (en su primera dirección separado de su hermano Ethan) nos invita a ponderar sobre su trabajo previo. No está reinventando Macbeth o dando giros a su historia; presenta la obra clásica a través de un enfoque minimalista con ayuda de magníficas actuaciones y geniales florituras. A pesar de todas sus virtudes, Joel Coen tiene problemas justificando la existencia de La tragedia de Macbeth, en particular después de la brillante Macbeth de Justin Kurzel en 2015. La que nos ocupa, es un producto entretenido que goza de excelentes actuaciones y secuencias memorables, pero también es emocionalmente distante, la relación entre Denzel Washington y Frances McDormand no se siente auténtica y no hay gran innovación con respecto a la prosa de Shakespeare. Es cuando Coen nos regala creativas representaciones que esta adaptación cobra vida: los tres cuervos adquiriendo una forma humana, el caldero burbujeante, la intimidad en la escena del asesinato del rey y las coreografías vistas en el tercer acto. Estos elementos, con énfasis en la actuación de Kathryn Hunter, diferencian a La tragedia de Macbeth y la alejan de ser tan solo un capricho innecesario.
CATEGORÍA MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO:
18.- -Cruella … Dir. Craig Gillespie … EUA 2021 … Dos (2) Nominaciones
Una precuela sobre la vida de la joven Cruella de Vil. El revisionismo de Disney contra Disney es una de las ideas más insólitas de la historia del cine. Sumergidos en la corrección política, la generación woke, ese grupo muy consciente de los problemas del mundo y que vive pendiente de lo que otros hacen mal para poder aleccionarlos, y la venganza contra su propio patrimonio, Disney realiza en Cruella la más absurda y cruel destrucción de su propio patrimonio. 101 dálmatas, uno de los clásicos más queridos del estudio ya había sufrido desviaciones en su versión con actores, pero acá el disparate alcanza límites inimaginables. Pero en todo caso ese es solo el comienzo de las calamidades. La película se olvida del público infantil y hace una larga y tediosa narración sobre moda para un público adulto pero aniñado, dejando a la historia en un híbrido que no sirve a ningún público. Da vergüenza ajena que un filme tan fallido, se dé el lujo de creerse brillante al jugar el juego de la competencia entre diseñadoras. Un reality de televisión con una banda de sonido cara pero forzada. Nos intentan convencer qué una de las más memorables villanas de Disney era en realidad una pobre chica sufrida y menospreciada por la clase alta, traumada por la muerte de su madre a manos de tres dálmatas. ¡Dálmatas! Y ahora ella vuelve en formato punk, burlándose de la vieja escuela al mismo tiempo que busca venganza contra la culpable de la muerte de su madre. Una ecuación al estilo Guasón (2019) pero sin absolutamente nada de coherencia. Por supuesto que hay vueltas de tuerca, al menos dos. Era obvio que el guion no iba a avanzar en su estigmatización de los dálmatas, porque a Cruella no le queda finalmente ni el odio por los perros. La película se inclina hacia explicaciones psicoanalíticas, burdas, subrayadas a niveles que, si las contáramos aquí, el lector no podría creerlo. Más de dos horas de un espectáculo de moda y no una película. Y un remate que busca aclarar de un plumazo la diferencia entre esta historia y lo que luego se convertirá en el clásico de Disney. Que alguien le impida a Disney, de manera urgente, refritearse su propio catálogo, porque lo está destruyendo.
19.- -Cyrano … Dir. Joe Wright … GB / EUA / Canadá 2021 … Una (1) Nominación
Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) fue un poeta, libertino, dramaturgo, duelista fanático, novelista, filósofo, gran precursor de la ciencia ficción, satirista, militar, epistológrafo y veterano de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648) que inspiró una famosísima obra de teatro, escrita en versos a lo melodrama lírico muy ficcionalizado, de Edmond Eugène Alexis Rostand, Cyrano de Bergerac (1897), la cual con el tiempo fue adaptada en numerosas oportunidades a la gran pantalla. Cyrano de Bergerac (1990), el prodigioso filme de Jean-Paul Rappeneau, con Gérard Depardieu como el protagonista, sin lugar a dudas, la mejor de todas las adaptaciones. El opus de Joe Wright se basa en Cyrano (2018), musical teatral de Erica Schmidt, en esta ocasión también firmando el guión, que retomó aquel trabajo de Rostand respetando a rajatabla la historia y sustituyendo la archiconocida nariz puntiaguda del poeta por un simple caso de enanismo. Aquel sustrato político anarquista y antimonárquico aquí prácticamente desapareció, como corresponde a toda versión destinada al pueril mercado anglosajón. En general la dupla protagónica mantiene a flote a una película que sin ser un bodrio tampoco es atractiva o puede justificar su existencia por fuera de la serie de obras superiores que la precedieron.
CATEGORÍA MEJOR EDICIÓN DE SONIDO:
20.- -No Time To Die … Sin Tiempo para Morir … Dir. Cary Joji Fukunaga … GB / EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
No sabemos qué fue del James Bond de Sean Connery, ni del de George Lazenby, ni del de Roger Moore, ni del de Timothy Dalton, ni del de Pierce Brosnan. Con ellos, la saga del agente 007 se mantuvo fiel a una idea presente ya en las novelitas seminales de Ian Fleming, la de rodear al personaje de un halo misterioso en lo concerniente a sus orígenes y su final. Buena parte del encanto de Bond durante décadas fue precisamente ese, la nubosidad de una figura que con el tiempo se reencarnaba de un modo natural en distintos cuerpos. Si 007 es solo un número, como repiten de manera insistente en Sin tiempo para morir (No Time to Die, Cary Joji Fukunaga, 2021), era lógico y razonable que cada generación de espectadores tuviera su propio Bond. El ciclo protagonizado por Daniel Craig, que tantas y tan buenas cosas ha aportado a la franquicia, tiene sin embargo, el dudoso mérito de haber traicionado ese concepto. Desde la potente Casino Royale (Martin Campbell, 2006) hasta esta floja última entrega, las mentes creativas de la saga se han dedicado a desmontar el mito de la peor forma posible, arrojando luz sobre las sombras. Sin tiempo para morir afirma con ahínco que el objetivo de vivir es dejar un legado (léase familia y amigos). Esta tesis convierte la película en un producto que encaja mal unos cambios en los que no cree, y, lo peor de todo, en la película que habría hecho Disney si fuera la titular de los derechos
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA ANIMADA:
21.- -Encanto … Dires. Jared Bush, Byron Howard, Charise Castro Smith … EUA 2021 … Tres (3) Nominaciones
La nueva película de Disney funciona precisamente como una revisión antológica de todo lo que Disney ha presentado hasta la fecha en cuestión de princesas, desde la mujer sometida al mandato del matrimonio en nombre del amor verdadero, hasta la fortachona insensible. Al mismo tiempo, es una anticipación y una advertencia: allí están todos los modelos femeninos y no hay, ni habrá, más para ofrecer. Los personajes masculinos de Disney no han hecho sino servir para el ridículo. No hay casi nada interesante en ellos. Tampoco en los integrantes de la familia Madrigal, quienes están allí nada más para que nos burlemos de ellos, de su locura, de su inmadurez y de su debilidad. En Encanto el princesismo no está revestido de castillos neomedievales, sino que aparece disfrazado de folclor latino, específicamente colombiano, en consonancia con el ánimo multicultural que ha caracterizado a la dupla Disney-Pixar durante la última década. Pero el “síndrome del turista” que ha sido capaz de convertir el inframundo en un vistoso paseo familiar, aquí se radicaliza al punto de que la casa misma de las Madrigal es representada como un parque de diversiones al que el resto del pueblo acude continuamente para entretenerse. El triunfo de la cotidianidad como espectáculo. La magia en el realismo mágico anida en el centro de la cotidianidad, no la desestabiliza, no la quebranta, sino que echa en la realidad misma sus raíces, crece con ella. Mucho menos, en el realismo mágico, la magia es un espectáculo para el resto de la gente. En Encanto, sin embargo, más allá de algunos referentes obvios a Cien años de soledad (las mariposas, la destrucción de la casa, el protagonismo de un linaje familiar) la magia es posible gracias a la presencia de un objeto, tal y como ocurre en La bella y la bestia (en ese caso, una rosa cuyos pétalos expresan el poder y la vigencia del hechizo) y su colombianización se limita a anclarla a un contexto de personajes con morrales en poblados rurales y bailes de vallenato. La inmediata alusión al realismo mágico para describir Encanto es una consecuencia más del astigmatismo cultural de la mirada extrajera que aplana las diferencias culturales en fórmulas unívocas, simplonas, pero fácilmente capitalizables. México = día de muertos. Colombia = realismo mágico.
22.- -Luca … Dir. Enrico Casarosa … EUA 2021 … Una (1) Nominación
El técnico italiano Enrico Casarosa, creativo de la compañía Disney conocido por haber dirigido el cortometraje nominado al Óscar La luna (2011), debuta en la dirección de largometrajes con esta película de animación, de Pixar-Disney. Inspirada en los veranos de infancia de su director, y siguiendo con el interés por espacios marítimos que ya podíamos intuir en su cortometraje debut, la película se ambienta en el pueblo costero ficticio de Portorosso y nos relata el viaje de Luca, una temerosa criatura marina que descubre, gracias a su temerario amigo Alberto, la posibilidad de transformarse en humano al salir a la superficie. En Luca se logra construir un reconfortante y dulce relato con la amplitud necesaria para dar rienda suelta a la imaginación y la fantasía de sus protagonistas, quienes crean un verdadero reino en las cálidas costas de la Riviera Italiana, donde se rigen según sus propias reglas y deseos. Y ahí radica el punto de belleza en esta obra, en que no menosprecia la visión infantil del mundo, sino que le otorga la profundidad e importancia que merece. Puede que Luca no presente en su esencia una trama inédita e innovadora, pero sí alcanza el éxito con tintes revolucionarios, sobre todo pensando en sus orígenes desde Pixar, al regalarnos esta delicada y sensible amistad. A mitad del relato ya hemos superado nuestras dudas iniciales y hemos sido presos de sus encantos, pudiendo reconocer que los enfoques que nos entrega son pertinentes a nuestro contexto actual, donde por fin estamos siendo conscientes de nuestras diferencias y abriendo paso a la inclusión.
23.- -Flee … Flugt … Dir. Jonas Poher Rasmussen … Dinamarca / Suecia / Noruega / Francia / EUA / España / Italia / GB 2021 … Tres (3) Nominaciones
Flee, que significa en español huir o escapar, es una historia humanista, pero también arquetípica, donde hay que rellenar el contenido ausente o elíptico mediante datos derivados de la visión que en general se tiene de la crisis de Afganistán, relleno al que por lo demás contribuyen las imágenes de archivo, que casan con sorprendente fluidez con la animación. Flee funciona efectivamente a modo de confesión, o de recuerdo, gracias a la entrevista del joven afgano por su amigo director. La narración se estructura entonces mediante flashbacks, que se remontan a su infancia en Afganistán, pasando luego por su larga y penosa estancia en Rusia, antes de recalar en Dinamarca. No hay un claro orden cronológico, sino que las imágenes se van sucediendo siguiendo la memoria del protagonista, al que lógicamente le cuesta abrirse, aun en confianza con su amigo. Y aquí cobra todo su significado la principal y novedosa apuesta de esta película, que es presentarlo todo en animación, a veces dibujada y otras veces mediante rotoscopia. De hecho, los trazos en ocasiones alcanzan un mayor nivel de abstracción, son dibujos apenas delineados, con formas que se confunden y colores que desaparecen, y estos son los momentos en que la historia se detiene en los episodios más traumáticos. La entrevista presente y los flashbacks más extendidos siguen en cambio una animación más nítida, tranquila, de formas simples y estilo pausado, que cumple entonces dos propósitos. Por un lado, facilita el acceso del espectador a una narración, como se ha dicho, a priori de difícil asimilación por la dureza de la historia, por lo que contarla mediante la animación en lugar de la imagen real permite reducir parte de su crudeza y darle un tono más suave. Por otro lado, es una estrategia que favorece el anonimato del protagonista, al que nunca se identifica realmente, sino que aparece con otro nombre, y así, ante la dificultad de lo que nos narra, le otorga un marco idóneo para viajar en su memoria sin revelarse del todo ni padecer expresamente el peso de la realidad. En este sentido, la calificación de Flee como película tanto de animación como documental es peculiar. Aunque la animación cede ocasionalmente ante imágenes de archivo de la época, que ayudan a situar una narración donde como decíamos las coordenadas espaciotemporales se tienden a difuminar, los elementos que tendemos a asociar a un documental en general están ausentes.
24.- -The Mitchells vs. the Machines … La familia Mitchell vs. las máquinas … Dires. Michael Riandav y Jeff Rowe … EUA / Hong Kong 2021 … Una (1) Nominación
Los Mitchell contra las máquinas es una excelente y muy divertida película de animación con personalidad propia y un brillante desarrollo. Tanto los Mitchell como el resto de personajes tienen su papel bien definido y es imposible no tomarles cariño. Su animación es espectacular, muy expresiva e intensa, lo que resulta realmente atractivo y muy agradable de ver. Mantiene ese ambiente de locura y diversión en todo momento, combinando la sátira y la parodia con una abierta crítica sobre la sociedad actual. No pretenden promover un típico discurso pesado y obvio, sino introducir las nuevas tecnologías como algo de lo que poder aprovechar su potencial, pero sin dejar que su uso obsesivo nos perjudique. Es emotiva, es fresca, es original. Es un filme que de seguro disfrutarán tanto niños como adultos. Una de esas historias con la que lo estás pasando tan bien, que no quieres que termine.
25.- -Raya and the Last Dragon …. Raya y el último dragón … Dires. Don Hall, Carlos López Estrada y John Ripa … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Raya y el último dragón es una historia de aprendizaje, donde se ha apostado por el camino vital y la reflexión de sus protagonistas. De esta manera, se aleja del maniqueísmo, para mostrar una madurez en sus personajes y ofrecer una historia con un mensaje tan potente como la propia humanización de la sociedad. Asimismo, no ha descuidado los detalles más familiares y ligeros, para obtener un relato equilibrado. También hay que destacar la gran elección de traer una cinta feminista, pero desde un prisma natural y nada forzado. La elección de los diseños, ambientados en la cultura oriental, y el cuidado de los elementos estéticos, hacen que el espectador se sumerja sin problemas en el filme. Además, han conseguido diferenciarla de otras producciones de la misma índole. La confianza perdida se restaura en una aventura llena de carácter, fuerza y humanidad colorida. Raya y el último dragón ofrece tres versiones distintas de la feminidad, en vez de entregar las simplificaciones de siempre de Disney en lo que atañe a varones tarados, aunque con vocación de héroes y hembras que van de princesas edulcoradas e histéricas, panorama que deriva en una Raya pragmática, una Namaari ultra arpía traicionera y una Sisudatu idealista y bienintencionada volcada a los roles de comic relief y sabia que señala el camino de reconciliación entre todos los idiotas de las tribus. La animación y las secuencias de acción son espectaculares e hiper realistas.
CATEGORÍA MEJOR CANCIÓN ORIGINAL:
26.- -Somehow You Do, de Four Good Days …4 Días … Dir. Rodrigo García … EUA / Canadá 2020 … Una (1Nominación
Diez años de consumo de heroína han dejado en ruinas la vida de Molly (Mila Kunis). Una nueva medicina podría ayudarla a comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb (Glenn Close), una mujer de ideas férreas. Rodrigo García, hijo del Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, debuta en la dirección con Four Good Days, cuyo guion se basa en el artículo de Eli Saslow «How’s Amanda? A Story Of Truth, Lies And An American Addiction», publicado en 2016 por el Washington Post. 4 días (Four Good Days) es un drama sensible, físico y, sobre todo, contemporáneo. La crisis de opioides recorre Estados Unidos, afectando en especial a los jóvenes. La película quizás no destaque por su guion o resolución, pero sí por la interpretación de Glenn Close y Mila Kunis, que interpretan a madre e hija de manera emotiva y generosa. Los pocos aciertos que hay en Four good days son prontamente dilapidados por una película que no muestra mayor ingenio para presentar un drama humano duro que, a pesar de la gravedad de las situaciones que narra, no consigue ni un mínimo poder emotivo. El contexto de la epidemia de consumo de heroína y opiáceos en Estados Unidos está decentemente construido, así como la primera secuencia, en la que una hija ruega para que su madre la ayude.
CATEGORÍA MEJOR LARGOMETRAJE DOCUMENTAL:
27.- –Ascension … Ascensión … Dira. Jessica Kingdon … EUA 2021 … Una (1) Nominación …
No hay cabezas parlantes, ni reflexiones para guiar al público por su narrativa, haciendo que no sea tanto cinema vérité como un estilo de cine directo. Es un enfoque efectivo. Con confianza, Jessica Kingdon permite que las imágenes cuenten una historia fascinante y universal de desigualdad y división de clases. Ascensión es una colección de imágenes impresionantes y viñetas reveladoras que sitúan a China como algo alienado, pero a la vez como un territorio cultural e industrial completamente universal. Un documental poco convincente pero hipnótico. Tan interesante como alarmante, el documental se desarrolla con un flujo de conciencia sobre la ilusión del ‘sueño chino’. Se trata de una película fascinante sobre China que tiene cosas universales que decir sobre la desigualdad y las aspiraciones en cualquier lugar: como venden un sueño que está fuera del alcance de la mayoría. Muchas escenas tienen una calidad hechizante, ayudadas por la banda sonora discretamente vibrante de Dan Deacon. Todo lo que usamos cada día es el producto del trabajo de alguien. Ascensión explora esto con curiosidad, franqueza y ojo crítico. Ascensión se adentra a menudo en lo surrealista, lo que aumenta el suspense gracias a la cámara estática y las largas tomas de Kingdon. Lo que también fascina en Ascensión es la ejecución del previsible discurso: estamos ante un impasible documental sin voz en off, sin carteles explicativos, sin cabezas parlantes que contextualicen lo que vemos.
28.- -Attica … Dires. Traci Curry y Stanley Nelson … EUA 2021 … Una (1) Nominación
El documental plantea una inmersión desconcertantemente, en el levantamiento de 1971 y arroja nueva luz sobre la violencia y el racismo perdurables del sistema penitenciario de Estados Unidos, y destaca la necesidad urgente y continua de una reforma penitenciaria, 50 años después de los trágicos hechos. Por lo tanto, este es un documental crudo y visceral que relaciona nuestro presente con la terrible masacre de 43 personas en el motín de la cárcel de Attica, Nueva York, entre el 9 y 13 de septiembre de 1971. Ahora nadie recuerda cómo la policía irrumpió en la cárcel cuando se rompieron las negociaciones. Nadie recuerda que, ese día, masacraron a balazos a más de 40 personas, incluyendo a 10 guardias de prisión. Nadie recuerda que todo esto ocurrió por profundos problemas de racismo en una sociedad altamente punitivista. Pero, sobre todo, nadie recuerda qué era lo que reclamaban los presos, cuáles eran sus nombres, y cuál fue su historia. Ese es el meollo del nuevo documental de Stanley Nelson. Como una continuación de su inagotable representación de la cultura afroamericana y la opresión racial en Estados Unidos, el tres veces ganador del Emmy logra una obra de singular fuerza. De nuevo, Nelson no experimenta con la forma y no trata de innovar las posibilidades de un documental televisivo. En vez de eso, enfoca su energía en tomar una postura política conducente y mostrar, a través de un trabajo fenomenal de entrevistas y montaje de archivo, las razones humanas detrás de la más grande tragedia carcelaria en la historia de Estados Unidos.
29.- -Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised) … Dir. Questlove … EUA 2021 … Una (1) Nominación …
Este documental increíble, remite a Woodstock de forma muy directa, porque precisamente ocurrió en la misma época, fecha y estado en que el famoso festival se llevó a cabo, pero éste otro festival sucedió en el barrio de Harlem, en donde en el año de 1969 (un año antes había sido asesinado Martin Luther King) se realizó el legendario Harlem Cultural Festival, que reunió a varios de los más grandes artistas afroamericanos de la época. Desde el Soul, el Funk, el Góspel, el Blues, el Rhythm and Blues, hasta la música tribal afroamericana y también la representación de la música latina, que evidenció los lazos de los afroamericanos con los latinos en esa época. Y la nómina de los artistas no tuvo nada que envidiar a Woodstock: Mahalia Jackson, David Ruffin, The 5th Dimension, Mavis Staples, Jesse Jackson, The Chambers, Gladys Knight, el joven Stevie Wonder y la imponente presencia y actuación de Nina Simone, entre otros, mientras también hubo presencia para el humor, con Moms Mabley, y la presencia latina con Ray Barretto y Mongo Santamaría. En el documental hay apartes donde Lin-Manuel Miranda explica la presencia de los latinos en el festival y algunos de los mismos artistas también brindan su testimonio. Resulta increíble que con la época y el calibre de los artistas este material haya pasado tan desapercibido, o simplemente oculto en la historia de la cultura popular, que siempre resalta el papel de Woodstock en la revolución cultural y la unidad. El productor, músico y cineasta (también el baterista del programa de Jimmy Fallon), Questlove, edita las 50 horas de grabación de este increíble evento y lo presenta por primera vez al público. El concierto es vibrante, y además de la música, vemos al público lleno de una marea de afros, rostros sonrientes y bella gente negra maravillados de ver a sus grandes artistas en su barrio. Y algunos de los artistas ya reconocidos, nerviosos de presentarse frente a su gente. El material es una joya y también cuenta como la policía no fue a vigilar el evento. Los encargados del orden y la seguridad fueron los mismísimos Panteras Negras. Imperdible documental.
30.- -Writing with Fire … Escribiendo con fuego … Dires. Sushmit Ghosh y Rintu Thomas … India 2021 … Una ( 1 ) Nominación
En un campo como el de la información, totalmente dominado por el hombre, emerge en la India el único periódico dirigido por mujeres dalit, pertenecientes la casta más baja del país. Armadas con smartphones, la jefa de redacción Meere y sus reporteras, rompen las tradiciones y redefinen lo que realmente significa ser poderoso. India es la democracia más populosa de la Tierra. A pesar de ello, arrastra bastantes problemas provenientes de su sistema de castas y las repercusiones que ello tiene actualmente en la sociedad. Esto se traduce en la obvia desigualdad entre hombres y mujeres de las castas más bajas del país. En este contexto, Meera recluta a un puñado de mujeres de la casta Dalit para ejercer el conocido cuarto poder. Su herramienta principal son los teléfonos móviles con los que grabarán los diferentes sucesos y abordarán la labor periodística con la que el medio comenzará a funcionar y a tomar relevancia. En el documental se observa como, en la India, se mezcla lo religioso y lo político. Y como la defensa de las vacas sagradas se antepone a cuestiones como el empleo joven, la seguridad ciudadana o la sanidad pública. Con gran acierto el documental atiende sobre el discurso post verdadero atacando y apelando al sentimentalismo. Escribiendo con fuego es un documental valiente y necesario sobre la defensa de la igualdad de género y, por tanto, sobre la defensa de los valores democráticos. Además de una reflexión interna del periodismo como herramienta para servir al pueblo y no como arma para la desinformación e intereses de los poderosos.
CATEGORÍA MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL:
31.- -The Hand of God … È stata la mano di Dio … Fue la Mano de Dios … Dir. Paolo Sorrentino … Italia / EUA 2021 … Una (1) Nominación
Fue la mano de Dios nos lleva al Nápoles de los años ochenta, con Maradona llegando al equipo de la ciudad, donde se sucederán una serie de eventos que lo cambiarán todo en la vida del joven protagonista, Fabietto Schisa, interpretado por un magnífico Filippo Scotti. El destino, la realidad que queda después del trauma, la familia, el sexo, la religión, la interrelación del sentimiento de pertenencia con el miedo a abandonar la propia identidad, la que está ligada a un momento y un lugar, las expone Paolo Sorrentino aquí, como si por primera vez se liberara de la losa de la pretensión, como si esta fuera su primera película, realmente, en la que ha hablado con su voz más depurada y menos afectada por elementos colaterales. Probablemente, por ello, haya un elemento dramático más acusado que en obras anteriores suyas, donde lo tragicómico, o directamente el enunciado de lo inútil, de un nihilismo reverberante, impregnaba cada plano y cada línea de diálogo. Aquí, en Fue la mano de Dios, ese componente de cinismo, el sarcasmo con el que el cineasta napolitano enfrenta su cine y las relaciones de sus personajes, tanto entre ellos como con el diálogo que establecen con el espectador, está tan diluido que incluso pareciera que estamos ante un subtexto completamente distinto a pesar de contar con los tropos habituales de su cine y su mirada: hay casi dulzura, amor por la realidad en lugar de agrio desencanto; hay indulgencia y tranquilidad donde había fuego y artificio, un vestido de esperanza que envuelve sus pasiones más íntimas y cerradas —fútbol, cine, familia, comida— y las lanza al mundo en una película que es imposible no sentir como algo personal y conmovedor. Fue la mano de Dios toca el corazón, y lo hace como solo Sorrentino podría hacerlo: con amor por el cine y algo de mala leche.
32.- -Lunana: A Yak in the Classroom … Luana: Un Yak en el Salón de Clases … Dir. Pawo Choyning Dorji … Bután / China 2019 … Una (1) Nominación…
El joven Ugyen es profesor en una ciudad de Bután, pero sueña con ser cantante en Australia. A causa de su actitud, será destinado en su último año como docente a Lunana, un remoto pueblo en el Himalaya. Tras un agotador viaje, Ugyen llega a Lunana, donde se encuentra prácticamente sin electricidad ni calefacción, en una escuela sin ventanas ni pizarrón. Desesperado, decide marcharse cuanto antes pero, poco a poco, se ve conquistado por la sencillez, bondad y ganas de aprender de los pequeños y sus familias. Pese a vivir en la pobreza, a merced del clima, los hombres y mujeres de Lunana lo comparten todo y tienen una canción para cada momento. Filmada in-situ en uno de los colegios más remotos del mundo, localizado en los glaciales del Himalaya con una altura media de 5.000 metros. Debido a la ausencia de cualquier tipo de facilidades, la película se filmó empleando baterías solares recargables. El director butanés Pawo Choyning Dorji debuta en la dirección con la modesta y sorprendente ‘Lunana: A Yak in the Classroom’ y lo hace a lo grande, logrando la primera nominación a un Oscar (Mejor Película Extranjera) en toda la historia de su país. Lo cierto es que la historia en sí es extremadamente sencilla y no deja ningún lugar para la sorpresa, pero al mismo tiempo es una de esas películas que logran transmitir bastante con muy poco, algo en lo que influye mucho la gran espectacularidad visual de sus paisajes (está rodada en la auténtica aldea de Lunana) y la naturalidad de un reparto formado por algunos actores semiprofesionales y otros que, al parecer, ni siquiera habían visto una cámara en sus vidas (como los niños). Dorji se vale de este escenario para ir más allá y no utilizar el cine solo como mero entretenimiento, sino también como una ventana a otras culturas, como una herramienta para reivindicar la figura del maestro, tan infravalorada en ocasiones, y como un medio para dar visibilidad a la realidad de un país olvidado en el que la globalización no ha hecho más que agravar la brecha social. En definitiva, una película llena de encanto y buenas intenciones, de esas que purifican el alma y calientan el corazón.
33.- -La Peor Persona del Mundo … The Worst Person in the World … Verdens verste menneske … Dir. Joachim Trier … Noruega / Francia / Suecia / Dinamarca 2021
La Peor Persona del Mundo narra cuatro años en la vida de Julie, una joven que navega por las turbulentas aguas de su vida amorosa y lucha por encontrar su camino profesional, lo que la lleva a tener una visión realista de quién es realmente. Un título que es altamente irónico; Julie (Renate Reinsve) se considera sí misma, por momentos, como la peor persona del mundo, porque nunca llega a conformarse con lo que la sociedad espera de una mujer joven como ella. Cambia de color de cabello, de aspecto. Cambia de carrera y trabajo. Cambia de pareja. Inestable, insegura, voluble, indecisa, caprichosa, irreflexiva, pretenciosa e incapaz de establecer compromisos a largo plazo; pero también apasionada, sensual, graciosa, sensible y llena de energía. Lo que desea Julie es la libertad de poder hacer lo que quiera y cuando quiera, y el tiempo para que nadie la esté presionando. Su búsqueda, mediante ensayo y error, es darle un sentido, un significado a su vida, aunque simplemente es que no sabe cómo. Teme asumir responsabilidades, aplaza enfrentarse a decisiones vitales, no quiere asumirse como adulta. Contada a través de doce capítulos, más un prólogo y un devastador epílogo, así está construida la película, como viñetas aisladas de la vida de Julie. Con una voz en off en tercera persona, que le da un tono de cuento a este relato, que no es exactamente de iniciación, sino de reencuentro con ella misma, de asumir el autoconocimiento de su psique, lo cual es algo esquivo. Se trata de una agridulce comedia romántica que captura a la perfección esa etapa de indecisión y de vulnerabilidad característica de todo treintañero. Un periodo de crecimiento, pero también de desilusión, en el que los sueños de juventud se van desvaneciendo ante las duras responsabilidades del mundo real. Una fase en la que todos esperan que los jóvenes actúen con la madurez de un adulto, aunque en el fondo aún sean unos adolescentes en busca de respuestas. Brutal honestidad, humor sofisticado, que emerge de lo cotidiano, diálogos que destilan naturalidad y frescura, y un nivel soberbio de actuaciones, junto a una mágica fotografía y una cautivadora banda sonora. The Worst Person in the World es el sexto largometraje del realizador danés Joachim Trier, y el tercero dentro de su llamada Trilogía Oslo, compuesta por los filmes Reprise y Oslo, August 31st.
CATEGORÍA MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA:
34.- -House of Gucci … La Casa Gucci … Dir. Ridley Scott … EUA / Cnadá 2021 … Una (1) Nominación
Ridley Scott llevaba prácticamente dos décadas queriendo rodar este accidentado derrotero desde que se topó con La Casa Gucci: Una Historia Real de Asesinato, Locura, Glamour y Codicia (The House of Gucci: A True Story of Murder, Madness, Glamour, and Greed, 2000), crónica de la periodista especializada en moda Sara Gay Forden, por ello decidió enfocarse en las fraudes y delitos financieros de las elites, en la dialéctica de las apariencias y el estatus social y concretamente en esa frontera difusa en la que lo privado se convierte en lo público porque ambas dimensiones están unidas desde el vamos. Pensemos en este sentido que El Último Duelo puede transcurrir en la Francia del Siglo XIV y La Casa Gucci en la Europa y los Estados Unidos de las décadas del 70, 80 y 90 pero las dos son melodramas fastuosos del poder en el que se subraya no sólo el puterío y las miserias mundanas de la oligarquía sino asimismo la dinámica estándar de la hegemonía en términos de disputas o ataques institucionales y personales que implican un proceso de fagocitación del pez más pequeño, o peor “situado” en un instante específico, por parte del depredador más grande. A decir verdad, resulta maravilloso y hasta hilarante que en tiempos de corrección política demacrada y un cine mainstream cada día más aniñado y hueco, el inmenso Ridley Scott opte por narrarnos la historia de una trepadora maloliente desde un entramado retórico prototípico para adultos lejos de idealizaciones, lo que desencadena una película exquisita que combina esa faceta de melodrama prostibulario del jet set capitalista, suerte de burbuja de lujos herméticos y paranoicos, con primero, el thriller de usurpación empresaria, lógica psicopática de nunca acabar amparada por Estados ausentes, y segundo la faena de parentela en crisis o en franco proceso de descomposición, riña fraternal que es asimismo intergeneracional e incluso una especie de autoperfidia identitaria.
35.- -Coming 2 America … Un Príncipe en Nueva York 2 … Dir. Craig Brewer …EUA 2021 … Una (1) _Nominación
Mediante un flashback que utiliza un horroroso CGI para rejuvenecer a los protagonistas, el libreto de Un Príncipe en Nueva York 2, se saca de la manga el origen de un nuevo heredero al trono. Un varón destinado a salvar al país, de una guerra inevitable con la nación vecina, para así poder perpetuar las tradiciones machistas y anticuadas de Zamunda. Interpretado por Jermaine Fowler, LaVelle es un joven sin objetivos claros en la vida y que se gana el pan día a día. Junto a su madre y su tío, revolucionan palacio con su estilo muy ‘de Queens’. También tenemos a Wesley Snipes haciendo un poco el ridículo y a las tres hijas de Akeem, con la mayor de ellas dándose de bruces contra las leyes patriarcales que su padre no ha cambiado. Sin embargo, este nuevo plantel de personajes carece del suficiente carisma y llega a causar indiferencia. Además, a excepción del de Eddie Murphy, los originales cuentan con mucha menos participación de la que podría esperarse, a pesar de que casi todos regresan para tener sus pocos segunditos de gloria. La película, también conocida como El rey de Zamunda, se confirma como una secuela innecesaria, poco inspirada y mucho menos divertida. Como era de esperar, el guion apela demasiado a la nostalgia de aquellas personas marcadas por la primera entrega, incluso es posible que para estas la película funcione mejor. No obstante, el realizador Brewer, Murphy y compañía, se dedican a repetir un sinfín de elementos y situaciones de la original, solo que esta vez lo hacen con menos gracia y encanto. Ni siquiera los nuevos añadidos aportan algo mínimamente sustancial al entretenimiento, aunque tampoco resultan del todo terribles. Esto, unido a la losa que supone su reducción de la calificación por edades, las críticas políticas de turno y una ingente cantidad de publicidad subliminal, convierten a la cinta en otro intento fallido por revivir glorias pasadas. En definitiva, después de más de 30 años, ni los chistes son tan graciosos, ni los Chocolate son tan sexis, ni las hamburguesas del McDowell’s saben igual.
CATEGORÍA MEJORES EFECTOS VISUALES:
36.- -Free Guy … Free Guy: Tomando El Control … Dir. Shawn Levy … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Free Guy es una película dirigida por Shawn Levy, director de Noche en el Museo, La Pantera Rosa y de algunos episodios de Stranger Things. Está protagonizada por Ryan Reynolds que ya nos vende directamente la marca de comedia de acción con un protagonista carismático, algo que parece que es en lo que se ha especializado el actor canadiense. Free Guy es una de las últimas películas de 20th Century Fox que se quedaron colgadas en el limbo de la distribución con la compra de Disney y posteriormente por la pandemia. Ryan Reynolds interpreta a un NPC (Non-Playable-Character), un personaje no manejable, en el violento videojuego llamado Free City, al que resulta prácticamente imposible no compararlo con el excelente Grand Theft Auto. Un personaje que posee una monótona vida que consiste en trabajar en un banco, al que los jugadores van diariamente para robar dinero y, por ende, suele ser golpeado o maltratado, pero él sigue despertando todas las mañanas saludando a su pececito y eligiendo su uniforme de trabajo. Lo que diferencia a los NPC de los avatares de los jugadores son los anteojos de sol, así que cuando Guy (Reynolds) decide ponerse unos, animado por una sensación rara de enamoramiento hacia un personaje que se cruza por la calle, su vida cambia por completo ya que empieza a comportarse como un jugador, lo que desequilibra a otros jugadores y sus creadores. En la práctica, Free Guy es básicamente el vehículo para que Ryan Reynolds, a quien no se veía tan involucrado en un personaje desde el fantástico Deadpool, se luzca. Si eres fanático del intérprete, este largometraje es de lo más disfrutable porque es él en toda su esencia y sentido del humor. Referencias a Mariah Carey y el pop de los 90s, el humor ácido, sus referencias a Marvel y demás chistes políticos. Hilarante: esa es la palabra para el personaje del canadiense, y lo hace de maravilla. Al igual que otras muchas películas, Free Guy también tiene su moraleja: en un videojuego en el que todo el mundo hace uso de la violencia, su mensaje es que se puede ganar de forma pacífica y siendo buena persona. Un mensaje que es utilizado por Reynolds para que su personaje consiga subir de niveles necesarios para poder obtener mejores cosas y sobrevivir en el videojuego.
37.- -Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings … Shang-Chi y la Leyenda de los Diez Anillos … Dir. Destin Daniel Cretton … EUA 2021 … Una (1) Nominación
Marvel no defrauda, y sin figurar esta película, está entre las más esperadas por los fanáticos de las cintas de Artes Marciales y Efectos Especiales, sorprende con una producción que cuida todos sus aspectos, comenzando por el guion. Conjuga, sin embrollarse, antiguas leyendas, artes marciales y mundos de fantasía que convergen en un relato de tintes shakespearianos; todo ello adecuadamente armonizado. Y aunque las secuencias de acción no alcanzan el nivel deslumbrante de otros filmes orientales que han destacado en esa faceta, la dirección artística y los efectos digitales deparan unas imágenes espléndidas. Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos, la película número 25 en el Universo Cinematográfico de Marvel, es el intento más reciente de Hollywood de apoyarse en esta única variedad de cine de acción, así como de la cultura china en general. Shang-Chi, está siendo celebrada como un hito de la inclusión: es la historia de un héroe chino, en un mundo con raíces en la cultura china, que está pronosticada a dominar la taquilla mundial. Pero hay algo vacío en este aparente logro. La película se siente como uno de los más descarados intentos de Hollywood por conquistar la mina de oro que es la taquilla china No se puede saber con total certeza cómo responderá el mercado chino a Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos. Al MCU siempre le ha ido bien en este territorio, pero el fracaso taquillero de la reciente Mulán también sugiere que China ve con escepticismo los intentos de Hollywood de vestir a sus blockbusters con los elementos superficiales de su cultura e historia.
38.- -Spider-Man: No Way Home … Spider-Man: Sin Camino A Casa … Dir. Jon Watts … EUA 2021 … Una (1) Nominación
¿Ustedes son de los que dicen Spiderman o Espíderman?! Una película en la que todo está mal, empezando por el título. No debería ser SpiderMAN, sino SPIDERMEN! Total, ya estuvieron haciendo spoilers desde el trailer… Encaremos la pregunta fundamental ¿Por qué Spiderman No Way Home puede ganar el Óscar a mejor película?, ¿sin siquiera estar nominada y para colmo, no ser una cinta? Porque no es una película, es la operación de marketing más inteligente y descarada del año. En cada película, desaforadamente, nos intenten vender Legos y demás productos onerosos de la bestial Sociedad de Consumo. ¡Es cómo intentan vender esos legos y demás mercaderías! No les basta con el plano detalle de referencia o la alusión con diálogo. No, llegan al punto de meter en la película a ¡5 villanos! ¿Por qué? Porque hay que vender Legos. No aprendieron del error de Spiderman 3 de Sam Raimi, donde había tres villanos y cada uno en vez de rivalizar contra Spiderman rivalizaba con el otro villano por tiempo de pantalla. ¡Por eso al final perdían! Aquí la productora les dice a los guionistas: ¡Metan al Hombre de Arena! Y los guionistas tienen que meterlo. Así acaban pasando cosas como ésta: Tienes a todos esos villanos al principio de película, y el Hombre de Arena está de parte de Spiderman y lo que quiere es curarse y colaborar, y luego al final cuando todos atacan a los 3 Spidermans, perdón, Spidermen, que es en la siguiente escena que ese personaje sale, un Spiderman dice “Quiero ayudarte” y el Hombre de arena dice “¿Y a mí qué!”. ¿Y a mi qué? ¿Cómo que a mi qué? ¡Dios mío! ¡Debe ser la línea más dolorosa escrita jamás escrita por un guionista! ¡Porque ellos lo saben! ¡Un guionista a ese nivel lo escribe, pero sabe la porquería que ha escrito! No hay arco dramático lógico en el personaje, de hecho no hay arco, no hay motivación psicológica alguna más que la de la aleatoria voluntad de tenerlo atacando! ¡Y todo por vender legos! Y a todo esto, ¿dónde queda el jodido y baboseante, apantalla nerds, Multiverso?
Un brutal y degradante escándalo de corrupción, aniquila la 79 Premiación de los Globos de Oro. A puerta cerrada y en el total descrédito anuncian a sus “ganadores”
Al final de este reportaje de denuncia, la Lista Completa de los «ganadores» de la cuestionada 79 Entrega de los Globos de Oro
En medio de la controversia y sin una transmisión en vivo, se anunciaron a los ganadores de 2022, Succession y El poder del perro, los “afortunados ganadores”
Los Globos de Oro se celebraron sin glamour y con la desaprobación total de Hollywood
Los premios, considerados la antesala de los Oscar, se entregaron este domingo sin público, sin estrellas, ni emisión televisiva, se celebraron en una ceremonia privada cuyos anónimos invitados eran miembros de la supuesta Prensa Extranjera de Hollywood y supuestos beneficiarios.
Los ganadores fueron leídos en una en una austera ceremonia a puertas cerradas en el legendario Hotel Beverly Hilton de Los Ángeles.
La ceremonia dio inicio con las palabras de Helen Hoehne, presidenta de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood. «Los Globos de Oro son un puente hacia una audiencia mundial de muchos colores, muchas religiones y muchas culturas, todos unidos con la misma pasión: el amor por las películas», dijo.
Helen Hoehne, presidenta de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood.
El poder del perro y la más reciente versión de West Side Story son dos de las vencedoras de la edición 79 de los Globos de Oro. Este año fueron totalmente boicoteados tanto por las grandes estrellas como por las cadenas de televisión (NBC se negó a transmitir la premiación). Esto por acusaciones y escándalos relacionados con favoritismos, parcialidades y hasta falta de diversidad.
“Seguimos creyendo que la HFPA está comprometida con una reforma significativa. Sin embargo, un cambio de esta magnitud requiere tiempo y trabajo, y creemos firmemente que la HFPA necesita tiempo para hacerlo bien. Como tal, NBC no transmitirá los Globos de Oro 2022”, explicó en un comunicado el canal NBC, que producía y emitía la premiación desde 1996.
La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood ( Holywood Foreign Press Asociation en inglés), intentó reparar los errores pero era ya demasiado tarde: este año los Golden Globes se celebraron en un evento privado al que NADIE acudió en persona. Han sido los Globos de Oro más fallidos y desprestigiados de su historia, después de los señalamientos por falta de diversidad, corrupción y tráfico de influencias en los que se desenvolvieron por años.
Ahora, según información de Variety, conocido como la Biblia del espectáculo en Hollywood, para esta entrega de premios se buscó entre las agencias de los actores, quién asistiera al programa, pero ninguna celebridad mostró interés.
Hace un año, Los Ángeles Times publicó una investigación en donde reveló supuestas prácticas de corrupción y tráfico de influencias por parte de los miembros del HFPA en las que se hablaba que lo que en un inicio se había formado como un grupo de periodistas cinematográficos que cubrían para publicaciones fuera de Estados Unidos y que reconocían los mejores trabajos en Hollywood ahora contaba con personas que ni siquiera trabajaban en medios de comunicación, y que se aprovechaban de los beneficios de la Asociación como los viajes y estrategias promocionales ofrecidas por los estudios.
Un ejemplo ocurrió en 2019, cuando un grupo de 30 integrantes de la HFPA se hospedó en un lujoso hotel de París dos noches mientras visitaba los escenarios de Emily en Paris con todos los gastos pagados, serie que después terminó nominada a mejor comedia, cuando los críticos especializados fuera de este grupo, no la agregó ni en sus quinielas.
La bomba explotó y tuvo más visibilidad cuando se viralizó el hashtag #TimesUpGlobes, con el que celebridades como Sterling K. Brown, Jennifer Aniston, Shonda Rhimes y Chris Hemsworth, entre otras, señalaron la falta de diversidad entre los 87 periodistas que componen el comité de selección de la entrega ya que ninguno es afroamericano.
Otros actores como Scarlett Johansson y Mark Ruffalo, además de grandes estudios como Amazon, Netflix, Warner Media y más de 100 compañías se unieron a la protesta que motivó hasta a Tom Cruise a devolver sus tres Globos de Oro para mostrar su inconformidad.
“Como actriz que promueve una película, se espera que uno participe en la temporada de premios asistiendo a conferencias de prensa y entregas de premios. En el pasado, esto a menudo significaba enfrentar preguntas y comentarios sexistas de ciertos miembros de la HFPA que lindaban con el acoso sexual. Es la razón exacta por la que yo, durante muchos años, me negué a participar en sus conferencias”, señaló Scarlett Johansson en un comunicado en aquel entonces.
La agrupación Time’s Up, que ha denunciado discriminación y abusos en el mundo del cine, también se pronunció al respecto, en un carta firmada por nombres como el de J.J. Abrams, Amy Schumer y Kerry Washington lamentando lo sucedido dentro de la organización.
Tras el escándalo, la HFPA trató de enmendarse comprometiéndose a aumentar la diversidad con la llegada de 21 nuevos miembros, de los cuales seis son afroamericanos.
En medio de este escandalo de descrédito y corrupción, los integrantes de los poco influyentes Globos de Oro, tuvieron el nervio, el cinismo y el talante de anunciar a los siguientes ganadores, que nadie sabe si recogieron su premio ya que los triunfadores solo fueron anunciados a través de las Redes Sociales de la vapuleada y defenestrada Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood:
Mejor actor en película Musical o Comedia Andrew Garfield – Tick, Tick … Boom! – GANADOR
Mejor actriz de reparto en una película Ariana DeBose – West Side Story – GANADORA
Mejor película Musical o Comedia: West Side Story – GANADORA
Mejor canción Original: “No Time to Die” de ‘No Time to Die’ – Billie Eilish, Finneas O’Connell – GANADORA
Mejor película en lengua extranjera: Drive my car / Japón
Mejor película Animada Encanto / GANADORA
Mejor Serie de TV: Musical o Comedia: Hacks – GANADORA
Mejor actriz en una serie de TV: Musical o Comedia: Jean Smart – Hacks -GANADORA
Mejor actor de una serie de TV: Drama Jeremy Strong – Succession – GANADOR
Mejor Director: Jane Campion – The Power of the Dog – GANADORA . EL Poder del Perro
Mejor actriz en miniserie, serie de antología o película para televisión Kate Winslet – Mare of Easttown – GANADORA
Mejor Guion: Kenneth Branagh – Belfast – GANADOR
Mejor actor de reparto en una película Kodi Smith McPhee – The Power of the Dog – GANADOR
Mejor actriz de una serie de TV: Drama MJ Rodriguez – Pose – GANADORA
Mejor actor en miniserie, antología o película para la televisión: Michale Keaton – Dopesick Historia de una adicción – GANADOR
Mejor actriz en película de Drama: Nicole Kidman – Being the Ricardos – GANADORA
Mejor Película de Drama: Power of the Dog – GANADORA … El Poder del Perro
Mejor actriz en película Musical o Comedia Rachel Zegler – West Side Story – GANADORA
Mejor actriz de reparto, TV Sarah Snook – Succession – GANADORA
Mejor Serie de TV: Drama Succession – GANADOR
Mejor actor en una serie de TV: Musical o Comedia:: Jason Sudeikis – Ted Lasso – GANADOR
Mejor miniserie, antología o película para la televisión: The Underground Railroad – GANADORA . El Tren Subterráneo
Mejor Score Original / Duna / Hans Zimmer
Mejor actor de drama: Will Smith – King Richard – GANADOR
Mejor actor de reparto, TV Oh Yeong-su – Squid Game – GANADOR .. El Juego del Calamar
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Todos los Lunes, Miércoles y Viernes de las 20 a 21 horas, Tiempo de México, el Crítico de Cine Fernando Bañuelos y la Crítica de Cine Adriana Chávez Castro, conducen el Programa Homocinefilus TV a través de cinco (5) poderosas Plataformas de Streaming, dedicado a dar a conocer, con oportunidad y la objetividad a ultranza, a la que los tenemos acostumbrados, las mejores Noticias sobre el 7mo. Arte y las mas exactas Críticas de Cine de las Obras Cinematográficas más importantes.
Una hora completa dedicada a la #ComunidadHomocinefilus donde se conjuntan el mejor contenido y la mejor, innovadora y sofisticada Producción de Televisión a cargo del experimentado Realizador de Televisión Abraham Guerrero, vigilando profesionalmente todos los aspectos de cada una de las emisiones en el Estudio Virtual de Homocinefilus TV.
Está por demás señalar que en Homocinefilus TV sostenemos la misma ética profesional que nos caracteriza y que se compone de elementos indispensables en nuestra labor profesional; un compromiso irrestricto de decir la verdad y una franca y rayana objetividad en torno a todas las películas, otorgar lo mejor de nuestra capacidad de análisis en cada comentario, un inmenso respeto por la inteligencia del público y estar siempre del lado de los intereses del espectador de cine, colocándonos en contra de las grandes y monopólicas compañías productoras y distribuidoras de cine y sus engañosas, enajenantes campañas de publicidad.
La Coconductora de Homocinefilus TV, la Crítica de Cine Adriana Chávez Castro
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Emisión con Noticias de Cine y las Recomendaciones de Homocinefilus TV para ver en las Pantallas de Cine:
En esta emisión les comentamos las dieciséis (16) películas más esperadas a finales del 2021, el año que vio renacer al COVID-19 y su letal cepa Ómicrom:
En este programa, el Fernando Bañuelos Crítico de Cine, da a conocer y le comenta a la #ComomunidadHomocinefilus las Noticias más Importantes del día y las 10 películas más importantes del año 2021, de acuerdo con la influyente revista francesa Cahiers du Cinema:
En la siguiente emisión de Homocinefilus, le comentamos las películas mas importantes en las Plataformas de Streaming y en la Pantallas de Cine. Sólo le comentamos las cintas más importantes y trascendentales:
Al lado de la solvente y capaz Critica de Cine Adriana Chávez Castro, la Coconductora de Homocinefilus TV, en este Programa de TV comentamos las mejores películas, opciones interesantes y perturbadores para el público:
Todo lo que debes saber sobre la 93 Entrega del Oscar. Entre salvar el glamour y evitar el contagio
Hoy domingo se celebra la ceremonia número 93 de los Premios Oscar y todos los amantes del cine están convocados a presenciar una ceremonia que pretende premiar lo mejor del año. Durante la noche de este domingo 25 de se hará entrega de los galardones más importantes de Hollywood y aquí en Homocinefilus estaremos un año más siguiéndolo en vivo y en directo.
La 93ª Edición de los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood se celebra en el Dolby Theatre de Los Ángeles a partir de las 17 horas, Hora de México, y se espera que tenga una duración de tres horas aproximadamente, aunque todavía no está muy claro qué nos tienen preparado los organizadores para mantener al público entretenido durante tanto tiempo. Se sabe que no habrá un maestro de ceremonias ni videollamadas, como pasó en los Globos de Oro. Los enlaces vía Zoom están terminantemente prohibidos. La Academia de Hollywood y los productores de la ceremonia, tratan de evitar que el glamour y la emotividad se aborten, a causa del streaming, como en otras entregas de premios de cine. La premiación será un evento presencial con el que se quiere celebrar la magia del Séptimo Arte en estos tiempos complicados, pero sin que ello signifique bajar la guardia en lo referente a medidas de protección frente a la Covid-19, el gran villano de la temporada. Por supuesto, antes de la premiación, tendremos la habitual cobertura de la Alfombra Roja y comentarios de los looks de los invitados a la ceremonia.
Los Oscar se retrasaron dos meses por la pandemia, de manera que la temporada de premios de Hollywood ha sido mucho más larga de lo normal. Además, los Oscar han cambiado su sede habitual del Dolby Theatre por una ceremonia con múltiples emplazamientos: la estación ferroviaria Union Station en Los Ángeles (EEUU) será el punto central, pero también habrá conexiones con Londres, París o el todavía no inaugurado Museo de la Academia.
Muchos aspectos de la ceremonia no se han desvelado y se mantendrán en secreto hasta último momento. Lo que sí se sabe es que no habrá un maestro de ceremonias principal, sino cuatro, que son Brad Pitt, Boon Joon Ho, Zendaya y Laura Dern. También anunciarán a los ganadores Angela Bassett, Halle Berry, Harrison Ford, Rita Moreno, Joaquín Phoenix, Reese Witherspoon, Renée Zellweger y Bryan Cranston.
Como el salón donde tendrá lugar el evento no tiene butacas fijas, se ha dispuesto que las sillas para los invitados tengan un metro y medio de distancia. Todo el tiempo de la ceremonia deberán llevar el cubrebocas puesto.
La entrega de este 25 de abril será, adelantan sus organizadores, una ceremonia concebida como si fuera una película y totalmente segura contra el coronavirus. Los directivos de la Academia anticiparon que «Este año, los que asistan a los premios en persona serán los nominados, sus acompañantes y los presentadores», nadie más, así como se prescindirá de todos los eventos posteriores que tenían que ver con esa misma entrega y ocupaban toda la noche hasta la madrugada, con miles de participantes, mucha comida y bebida, y más bloopers.
Cada nominado en las diferentes categorías ya recibió una bolsa de regalos de parte de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood, valorada en 300 mil dólares. Contiene váuchers de viajes, estadías en hoteles, restaurantes, spas, joyas, perfumes, cosméticos, zapatos, ropa, accesorios y otros productos.
Los tráilers de la nueva versión de West Side Story, dirigida por Steven Spielberg; el musical In the Heights, de Lin-Manuel Miranda, y Summer of Soul, de Questlove, se estrenarán en directo durante la gala de la edición 93 de los Premios Oscar, lo cual es poco habitual que pase, pues la Academia de Hollywood es reacia en promocionar estrenos, pero por pandemia lo hace para animar a los espectadores a que vuelvan a los cines después de más de un año de cierre por el Coronavirus.
Las películas más nominadas, las favoritas y las imprescindibles
Mank, lo más reciente de David Fincher, es la película que acumula más nominaciones a los Óscar: hasta diez estatuillas podría lograr este drama ambientado en el Hollywood de los años 30. Sin embargo, es muy posible que Mank se convierta en la gran perdedora de la noche ya que no parte como favorita en ninguna de las categorías principales.
Pese a ello, es un placer ver un filme narrado con la habilidad de Fincher, Gary Oldman está sensacional y se ofrece un vistazo de lo más disfrutable a la polémica creación de un clásico como Ciudadano Kane, considerada durante mucho tiempo como la mejor película jamás realizada en Hollywood.
Tras Mank hay seis películas con seis nominaciones: Nomadland, El juicio de los 7 de Chicago, Judas y el mesías negro, Minari, Sound of Metal y El Padre. Estos siete títulos aspiran a ser coronados como el mejor filme del año junto a otra producción, Una joven prometedora, candidata a cinco estatuillas.
Todo apunta que Nomadland será la ganadora del Óscar a la mejor película y Chloé Zhao, su directora, guionista y editora, la gran triunfadora de la noche. Nomadland ha arrasado galardones en la temporada de premios y la Academia podrá colgarse la medalla de reconocer el talento de una cineasta, algo que, aunque suene increíble, solo ha hecho una vez en toda su historia: cuando Kathryn Bigelow ganó con Zona de Miedo, en 2009, a la mastodóntica Avatar, realizada por su ex James Cameron.
Óscar 2021: la edición de la pandemia será la más diversa de la historia de los premios
Nomadland debe verse porque muestra una forma diferente de recorrer este camino extraño lleno de sorpresas, amargura y alegría que es la vida. Frances McDormand, su protagonista, ofrece otro recital interpretativo liderando un elenco de personajes muy singulares que dejan huella.
El juicio de los 7 de Chicago y Hermosa Venganza o Una joven prometedora, como se llama en España, están generando grandes expectativas. La primera por su espectacular reparto, de pronto sale Michael Keaton un par de minutos y se roba la pantalla, los brillantes diálogos de Aaron Sorkin y la emoción de sus momentos clave; la segunda es la más divertida de las nominadas, una salvaje comedia negra con mucho estilo y una Carey Mulligan memorable. Mulligan debería alzarse con el Óscar tras su segunda nominación, previamente fue finalista por An Education, en una de las categorías con más suspenso de la noche. Su principal rival es McDormand pero ya tiene dos estatuillas, por Fargo y Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), y sorprendería que gracias a este filme llegase a los tres Oscares, una cifra que solo han alcanzado Ingrid Bergman, Meryl Streep y Katharine Hepburn, la intérprete más premiada de la historia, con cuatro estatuillas en su haber.
En cuanto a protagonistas masculinos, parece claro que la Academia de Hollywood aprovechará para rendir un homenaje póstumo a Chadwick Boseman, fallecido demasiado pronto a los 43 años. Su primera nominación al Oscar la obtiene por La madre del blues (Ma Rainey’s Black Bottom), un correcto drama que sostienen él y Viola Davis, candidata también a la estatuilla.
Entre los actores protagónicos, destaca Anthony Hopkins, que ha obtenido su sexta nominación con El padre, Hopkins ganó el Óscar por El silencio de los inocentes. Quizá por quién es, por todo lo que transmite con su mirada, pero la naturalidad con la que se mueve en la piel de un personaje tan complicado parece increíble. Con 83 años, es el intérprete de mayor edad en optar al Oscar de mejor actor protagonista. Y El padre es mucho más de lo que parece a simple vista, tiene más de intriga y horror que de drama.
En las categorías de actores de reparto, aunque también hay gran nivel, los favoritos son Youn Yuh-jung por Minari. Historia de mi familia y Daniel Kaluuya por Judas y el mesías negro.
Destacan dos cintas nominadas en el apartado película internacional que deberían optar al Oscar de mejor película del año: Otra ronda de Thomas Vinterberg y Collective de Alexander Nanau, también finalista en la categoría de mejor documental. La danesa tiene un punto de partida muy peculiar y deja una de las escenas más icónicas de los últimos años; la rumana es absorbente y devastadora, un relato sobre corrupción que deja a todo mundo con la mandíbula desencajada. Quizá no son las propuestas más adecuadas para evadirse un rato tras una jornada agotadora pero son dos trabajos imprescindibles para degustar el mejor cine producido en 2020.
La entrañable y emotiva historia de El agente topo tratará de darle a Chile el Oscar al mejor documental, un premio que culminaría el impresionante recorrido por todo el mundo de la cinta dirigida por Maite Alberdi.
Además, los mexicanos Jaime Baksht, Michelle Couttolenc y Carlos Cortés están nominados al mejor sonido por Sound of Metal mientras que el cineasta estadounidense de ascendencia panameña Shaka King será candidato a mejor película y mejor guion original por Judas y el mesías negro.
La fiesta del Oscar 2021, la 93ª Edición de los Premios Oscar, parecía que nunca llegaría. Queda lejísimos la anterior ceremonia, la prepandémica en la que ganó Parásitos, de Bong Joon-ho. Esta vez, no habrá una sede de la fiesta, sino cuatro: en Los Ángeles en el teatro Dolby y en Union Station, en Londres en el British Film Institute, y en París en un estudio de Canal +. Esto con eñl fin de que los nominados europeos no tenga que desplazarse a Estados Unidos.
El coproductor y corresponsable de la ceremonia, es el reputado realizador Steven Soderbergh, el hombre que nos auguró la Covid-19 en su película Contagio. La ceremonia empezará con el espectáculo musical, que se realizará al aire libre en Union Station, al estilo de lo que se hizo en la toma de posesión de Joe Biden como presidente de los Estados Unidos. Después, los premios, en una noche que parece llamada para la gloria de Nomadland, y de Chloé Zhao. No está claro que gane el premio a mejor actriz principal Frances McDormand, pero si ganan mejor película, ella recogería la estatuilla y sería la primera actriz en lograr ese galardón. Del resto, veremos cómo resuelve la Academia de Hollywood todos los imponderables.
Union Station acaba de terminar un proyecto de restauración de 8 años y $4.1 millones de dólares, por lo que lucirá de lo mejor para las estrellas y espectadores de todo el mundo en los Oscar.
Los Premios de la Academia se han mudado varias veces en sus 93 años de historia. La primera ceremonia, en 1929, se llevó a cabo en el hotel The Hollywood Roosevelt. Fue un banquete y asistieron 270 personas, aunque todos conocían a los ganadores desde hacía tres meses.
Este año el espectáculo tendrá algunos elementos desde el Dolby, pero la mayor parte de la acción, desde la Alfombra Roja hasta la ceremonia, será en Union Station. Y será una ceremonia mucho menos concurrida: los 3,400 asientos disponibles en el Dolby se redujeron a un máximo de 170 en la sala principal en un momento dado debido a los protocolos relacionados con Covid-19.
La elección del lugar no estuvo exenta de polémica y preocupación sobre cómo impactará a los servicios de autobuses y trenes, y Metro ha dicho que no se verán afectados.
El espectáculo será el más diferente que se haya hecho en décadas. Los productores del show, liderados por el director Steven Soderbergh, prometen un cambio radical de imagen quizás muy necesario para una institución renuente a innovarse.
Planean tratar los premios más como una película, incluso filmando en 24 fotogramas por segundo en lugar de los típicos 30. Los Zoom están estrictamente prohibidos. En vez, los nominados sin mascarilla, sometidos a pruebas de Covid y puestos en cuarentena se reunirán en la estación de trenes del centro de la ciudad, mientras la gala llega por satélite a todo el mundo.
En un año marcado por la crisis sanitaria por la Covid-19, la Academia de Hollywood modificó su reglamento para admitir el ingreso de cintas que se estrenaron directamente en las Plataformas de Streaming, pero con un estreno planeado en las Salas de Cine.
En la edición 2021 de los premios Oscar, las Plataformas de Streaming, Netflix y Amazon Prime Video lideran las nominaciones con 16 y 12 menciones, respectivamente, en un año marcado por la pandemia de la Covid-19 y en el que la Academia de Hollywood permitió la admisión de películas que no pasaron por las salas de cine y se estrenaron directamente en el streaming, pero que debían tener planeado un estreno tradicional.
Después de un año que borró los títulos de las películas de las marquesinas y conmocionó a todo Hollywood, el show debe continuar, dos meses más tarde de lo habitual, con una ceremonia sin público en el Union Station de Los Ángeles y un grupo de películas nominadas que apenas se han exhibido en las salas de cine. El mayor éxito de taquilla entre ellas es Promising Young Woman (Hermosa venganza), que recaudó 6,3 millones de dólares en Estados Unidos en medio de la pandemia. Sobra decir que esto es muy extraño. Dado un año tan inusual, muchos han denominado esta edición de premios como “Oscar con asterisco”. Pero hay motivos para creer, e incluso esperar, que algunos de los cambios de este año hayan llegado para quedarse.
Entre las ocho películas nominadas a mejor cinta han sumado en total solo 17,6 millones de dólares de recaudación en el mercado doméstico (cines de Estados Unidos y Canadá), según los datos del portal Box Office Mojo.
Las excepcionales y descarnadas cifras del Oscar 2021, el Año de la Pandemia
“Incluso cuando la pandemia se está calmando, no sé si volvamos a la normalidad”, dijo Darnell Hunt, decano de la Facultad de Ciencias Sociales de UCLA, (Universidad de California en Los Ángeles) que estudia a Hollywood.
El 2020, dice Hunt, vimos una “diversidad profunda” sin precedentes. En un estudio publicado el jueves y escrito por Hunt y Ana-Christina Ramón, los investigadores encontraron que el 42% de los papeles en general y el 39,7% de los papeles principales en las películas de 2020 fueron interpretados por actores de color, más o menos en línea con la demografía de la población estadounidense.
Hay muchas salvedades. Aún falta representación detrás de la cámara y entre los ejecutivos. Con muchas de las películas de los estudios más importantes en pausa, las cintas más pequeñas y de bajo presupuesto, muchas de ellas transmitidas por streaming, integraron en gran medida la producción atípica de 2020. Pero la diversidad de esas películas también se ha trasladado a los Oscar. En los últimos años, la Academia de Cine, que este año extendió el periodo de elegibilidad en dos meses e incluyó películas que no se proyectaron en cines, ha hecho avances con la expansión de su membresía. En los próximos años, la Academia establecerá estándares de inclusión en la categoría de mejor película.
Un récord: Nueve de los 20 actores nominados son de minorías raciales. Si Viola Davis (Ma Rainey’s Black Bottom / La madre del blues), Chadwick Boseman (Ma Rainey’s Black Bottom), Yuh-Jung Youn (Minari) y Daniel Kaluuya (Judas y el Mesías Negro) ganan, como lo hicieron en los Premios SAG del Sindicato de Actores de la Pantalla, sería la primera vez que personas de color arrasen con los premios de actuación y un cambio dramático respecto a los últimos años en los que incluso llegó a criticarse severamente a la entrega de la estatuilla de ser un “OscarsSoWhite” (OscarTanBlanco).
Más mujeres que nunca están nominadas. Dos de ellas, Emerald Fennell (Promising Young Woman) y Chloé Zhao, (Nomadland), compiten por el premio a la mejor dirección por primera vez. Sólo cinco mujeres han competido por ese galardón hasta ahora. Zhao, la clara favorita, se prepara para ser apenas la segunda mujer en recibir el premio, y la primera mujer de color.
El Streaming es un “un animal diferente”, agrega Darnell Hunt y afirma que las Plataformas de Streaming “están jugado un papel importante por una industria del cine más inclusiva. Pero también han alterado y transformado la cultura cinematográfica. Los nominados al Oscar, como la mayoría de las películas del año pasado, fueron vistos en casa en ambientes más solitarios que los cines abarrotados que suelen alimentar el bullicio de la temporada de premios. Tras pasar un periodo en cines, Nomadland encontró su mayor audiencia en Hulu. Netflix encabeza la lista de candidatos con 36 nominaciones. Las películas son más accesibles en los servicios de streaming, pero su control sobre la cultura popular es potencialmente menor en medio de un océano de contenido digital”.
Según una encuesta realizada el mes pasado, a 1.500 consumidores activos de entretenimiento por la firma de investigación Guts + Data, no mucha gente está familiarizada con los nominados al Oscar de este año. Alrededor del 35% no había oído hablar de ninguna de las ocho candidatas a mejor película. Judas and the Black Messiah (Judas y el mesías negro) de Warner Bros. ocupó el primer lugar con 42% de conocimiento, pero solo un 12% la había visto. La cinta con más nominaciones, Mank de Netflix, era desconocida para el 82% de los encuestados.
Los ratings de las ceremonias de premios, junto con todo lo demás en la televisión lineal, ya estaban en declive antes de la pandemia. La transmisión del Oscar del año pasado, en la que triunfó Parasite (Parásitos) del coreano Bong Joon Ho, tuvo su menor audiencia de la historia en Estados Unidos: solo 23,6 millones de espectadores, según la influyente empresa de medición Nielsen. Pero los ratings han caído en picada este año. Los Globos de Oro bajaron 63% a 6,9 millones de espectadores. Los Grammy cayeron 51% a 9,2 millones. Los Oscar seguro verán su menor audiencia hasta la fecha. Aún no está claro si esto es parte de una tendencia a la baja o una excepción. “Yo no me preocupo por eso”, expresa enfático Steven Soderbergh, quien dice que está concentrado en ofrecer el mejor espectáculo posible. “La cuestión más importante de si se trata de un cambio secular o cíclico, no lo sabemos. Es demasiado pronto para decirlo. Pero realmente no cumple con mi métrica de tragedia o indignación”.
Aquí, la fenomenal historia del polémico y reconocido Zack Snyder y de Antonio Monori, jóvenes que colisionaron talentos y admiraciones durante la filmación de un comercial de frituras, ambientado en una pirámide maya
Antonio Monroi, el actor mexicano que en su juventud quedó atónito con el talento del ahora hiper famoso Zack Snyder, durante la filmación de un comercial millonario de botanas en una zona arqueológica maya.
En este reportaje también se cuenta la historia del mexicano Guillermo Navarro, quien después ganaría un Oscar por la fotografía de El Laberitno del Fauno.
El famoso y reconocido realizador de Hollywood, Zack Snyder, se salió con la suya y dobló al poderoso estudio de cine Warner Brothers, logrando refilmar y estrenar, el 18 de marzo pasado, a través de la Plataforma de Streaming HBO Max y con un éxito descomunal y planetario, su visión de cuatro horas de La Liga de la Justicia, después de la brutal presión ejercida por sus fanáticos seguidores en las redes sociales, a través del Hashtag: #ReleaseTheSnyderCut. El triunfo llega después de la fallida versión de La Liga de la Justicia del 2017, inicialmente dirigida por él y abandonada a medio rodaje, debido al lamentable suicidio de su hija Autumn, y mal supervisada, y peor guionizada por el ahora real villano del cine Joss Whedon. La evidencia del triunfo de la versión de Snyder, mejor conocida como SnyderCut, o el corte del director, además de la rotunda aceptación de sus incondicionales, radica en que la percepción del gran público dictamina, que la nueva versión de Snyder, rebasa con mucho a Marvel, hasta ahora, su imbatible enemigo, en el campo de las enajenantes y multimillonarias películas de superhéroes. Así las cosas, la “SnyderCut” es la mejor película del DC Universe, rebasando, de momento, a Los Avengers.
En ese tumultuario contexto contemporáneo, es menester recordar un episodio del pasado en la vida creativa de Snyder que aquí se narra. El virtuoso encuentro de dos jóvenes talentosos; el realizador Zack Snyder y el actor Antonio Monroi, en una pirámide maya, durante la filmación de un multimillonario comercial de botanas en Copán, Honduras. El momento crucial del inicio de dos carreras en el mundo del cine, y del arte en general, que detonarán de maneras muy distintas, pero, tremendamente fructíferas ambas.
Descansando, aún con el vestuario puesto, después de un intenso día de rodaje. A la izquierda de Antonio Monroi, la asistente de dirección de Zack Snyder
“La soberbia es la humildad suprema” Antonio Monroi
La historia de este reportaje se remonta a los años 1993 y 1994, cuando sorprendentemente, confluyeron las incipientes carreras profesionales y los talentos del ahora consumado realizador de Hollywood, Zack Snyder, envuelto en una feroz polémica, que tanto para tirios y troyanos, lo hace gozar de un reconocimiento descomunal por los impecables y alucinantes universos fílmicos que ha creado para once largometrajes, y la de un actor mexicano que desde sus inicios y hasta hoy, ha derrochado profesionalismo y entrega en cada una de las, aproximadamente 42 películas, en las que ha participado alrededor del mundo, dando vida a personajes autóctonos y duros, y prestado su poderosa y grave voz para repuntar y acentuar la historia y los mensajes de al menos 10 cintas.
Zack Snyder y Antonio Monroi impactaron sus carreras, su profesionalismo, afecto y admiración, cuando ambos eran jóvenes. Se conocieron en la zona arqueológica maya de Copán en Honduras, cuando Zack Snyder tenía 27 años, se dedicaba con mucha fortuna y reconocimiento a la filmación de videos musicales y comerciales para televisión, y ya era considerado uno de los mejores directores de anuncios para poderosas marcas en los Estados Unidos. Antonio Monroi recién había debutado en teatro y debutaría entonces, también, y de la mano de Snyder, en el fastuoso mundo de la publicidad.
Para la época a la que nos referimos, Snyder ya contaba con un premio Clío, algo así como el Oscar a la publicidad, y años después ganaría otro, además de un León de Oro de Cannes, también por sus merecimientos en el mundo de los comerciales. Entonces ya no había duda de que el trabajo publicitario de Zack era tan evocador y eficiente, como lo serían sus películas, ya fuera filmando un anuncio de un automóvil épico para Land Rover en Túnez, capturando la esencia emocional de un personaje con Robert De Niro o dirigiendo un spot humorístico de la cerveza Budweiser en el corazón de Estados Unidos. El trabajo de Snyder era, y sigue siendo, la definición exacta de una poderosa narración visual, en ese tiempo, al servicio de las grandes corporaciones. Por eso no fue extraño para nadie, que se lanzara a la aventura creativa de filmar en Centroamérica, un comercial para el multimillonario conglomerado productor de botanas Frito Lay, ambientado en la cultura maya.
Desde muchos años antes, en Estados Unidos, ya era una tradición mercadológica, invertir millones de dólares en un comercial televisivo para incentivar la venta de un producto tan emblemático, y tan prescindible, de la sociedad de consumo, como unas papitas. Hoy, como en décadas anteriores, la creación de conceptos publicitarios, devenidos en avasalladores comerciales de televisión, y su transmisión durante masivos eventos deportivos, se ha incrementado exponencialmente. La costumbre de que los «spots publicitarios», patrocinadores reales de la supuesta televisión gratuita, son tan importantes como los eventos mismos, es hoy mas fuerte que nunca.
La variedad de productos de la compañia Frito Lay que lidera el mercado de las botanas en Estados Unidos y en el mundo
Faltaban entonces, al menos 10 años para que Snyder filmara su opera prima El Amanecer de los Muertos (Dawn of the Dead / EUA 2004), una de las películas de zombies que aun hoy sobresalen en ese género tan explotado, logrando un excelente remake del clásico dirigido por George A. Romero en 1978. Aceptada por la crítica, y por el gran público, El Amanecer de los Muertos versión Snyder, fue nominada en 2004, al prestigioso premio Cámara de Oro, (Camera d’Or) que se otorga a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Cannes. La atención al detalle y su dedicación a aportar una estética de las bellas artes a la realización cinematográfica habían ya convertido a Zack Snyder en un maestro de su oficio.
Antonio Monroi tenía cuarenta años, unos deseos fervientes de triunfar en el mundo del cine, su voz grave y una apariencia que, entonces le otorgó un papel en el proyecto en el que confluyó con Snyder. Para el actor mexicano era su primera participación en el rodaje de un comercial internacional. Venía de vivir su también primera experiencia histriónica en la puesta en escena, basada en Tirano Banderas. Novela de tierra caliente de Ramón María del Valle-Inclán, editada en 1926, obra en la que es patente la huella del todavía reciente viaje al México revolucionario del escritor español. La medianamente exitosa temporada de la obra teatral Tirano Banderas en México había terminado, siendo dirigida por el actor Ignacio López Tarso, quien insistía en que el solo era el coordinador de la puesta en escena. Nunca quiso asumir el rango de Director de Teatro.
Memorioso, Antonio Monroi, relata que fue la reconocida directora de casting Claudia Becker, quien le informó de la posibilidad de participar un “comercial de alto presupuesto para Estados Unidos”. También rememora que grabó un video que enviaron a Los Ángeles, California, y que fue el mismísimo Zack Snyder el que lo seleccionó para interpretar el papel de un sumo sacerdote maya. Presuroso tramitó su pasaporte y viajó por avión a Tegucigalpa, la capital de Honduras y después, vía terrestre, recorrió los 392 kilómetros que lo separaban de las ruinas mayas de Copán.
Una mañana, expectante y emocionado, Antonio Monroi llegó a la carpa de vestuario y de maquillaje de la impresionante y costosa producción. Todo era nuevo para él. Sabía además, que en cualquier momento conocería el director del comercial. El joven actor veía su reflejo en el espejo mientras lo maquillaban. Lucía sereno, pero estaba tenso. Zack Snyder apareció justo en el momento en el que maquillaban al actor mexicano. Monroi tragó saliva. Esperaba reunirse con un ogro de la dirección de comerciales, con un carácter explosivo y equidistante al genio y el talento que le precedían. En vez de eso, descubrió a un joven de 27 de años, poseedor de un trato amable, hasta terso, que lo saludó y le sonrió afectuosamente. Ahí mismo le hizo comentarios muy generales sobre su personaje como un jerarca maya y los detalles del rodaje que duro, cuatro extasiantes días. En ese momento, Antonio Monroi, no podía adivinar el fascinante y controvertido futuro del realizador con el que estaba trabajando, tampoco podía adivinar el suyo propio.
La trama del comercial, gira en torno al aburrimiento de una reina maya, cuyo trono de oro, cuajado de joyas preciosas, está situado en la cima de una pirámide. Pese a su fáustica condición y a las comodidades y privilegios de su corte, la soberana está agobiada por el tedio. El sacerdote mayor, interpretado por Antonio Monroi, y los demás súbditos, se desviven por acabar con el enfado de la noble indígena, subiendo y bajando los cientos de pequeños escalones de la pirámide con diversas viandas y golosinas. Ella los desprecia con graciosos mohínes. Nada abate el hastío de la reina, hasta que su agotado séquito, aparece con una bolsa de botanas del conglomerado Frito Lay. Entonces, la soberana sonríe de satisfacción y toda la corte maya, descubre, consume, disfruta, y festeja enloquecida, la existencia de las frituras Frito Lay. Fin de la gracejada.
¿De dónde surgió la idea? Antonio Monroi recuerda que una poderosa agencia de publicidad, la responsable de las campañas de las frituras Frito Lay, le encargó la manufactura del comercial a Snyder. El, admirador de la cultura maya, decidió que ese fuera el tema sobre el que girara el anuncio debido a que había hecho un reciente viaje familiar a Cancún y a la Riviera Maya, donde también visito la impesionante zona arquelógica de Chichén Itzá. Además de que la impactante civilización maya, declaraba a voz abierta Zack, estaba siempre en el inconsciente cultural de los estadounidenses. ¿Por qué fue filmado el comercial en Copán? Los trámites para los permisos eran más sencillos, las autoridades más laxas y el costo de los permisos, mucho más bajo. Pragmatismo puro.
Las ruinas mayas de Copán, Honduras
Al actor mexicano Antonio Monroi le sorprendió la acuciosidad y la escrupulosa atención en los detalles de la producción del comercial dirigido y vigilado hasta la saciedad por Zack Snyder “a quien se le veía gozoso, se le notaba un placer inmenso, resolvía muy rápido las incidencias del rodaje. Talentoso y muy comprometido con su trabajo” recuerda el actor mexicano.
Guiillermo del Toro, director de cine y su director de fotografía y paisano, Guillermo Navarro
La dirección de fotografía, corrió a cargo del, también mexicano, Guillermo Navarro. Los resultados de su concepto estético, fueron excelentes. Para el año de la filmación del comercial, el fotógrafo ya había liderado seis películas mexicanas, y algo todavía mas importante, había iniciado su relación profesional y artística con Guillermo del Toro, fotografiando La Invención de Cronos (México 1992). Doce años después y 15 importantes películas más, incluidas dos dirigidas por Quentin Tarantino, entre ellas Del Crepúsuculo al Amanecer (From Dusk Till Dawn / EUA 1996), Guillermo Navarro, ganaría el Oscar a Mejor Fotografía por El Laberinto del Fauno (Dir. Guillermo del Toro, México/España 2006). Guillermo Navarro, nacido en la Ciudad de México en 1955, junto con el el realizador Luis Mandoki, representan, a mediados de los ochentas, la primera oleada de mexicanos, deseosos de conquistar Hollywood, y asi alejarse de la depauperada y carente de oportunidades reales, industria del cine en México. La diáspora de directores de cine mexicanos rumbo a Hollywood tiene sus origenes en la amarga consicencia de un grupo de talentosos y avispados realizadores en ciernes, que descubren que en México nunca lograran vencer la despesperante y corrupta burocracia en torno al cine y las estúpidas grillas, politiquerías baratas y eternas descalificaciones que imperan en el medio cinematográfico. Descubren también que en la producción privada de películas, tampoco tienen alguna oportunidad. Las compañías de cine que filman con recursos propios, están en una crisis brutal, debido a su reiterada y contumaz convicción de seguir matando al cine, filmando películas que insisten en ofender la inteligencia del público de la clase media urbana en México. Desde la década de los setentas, el espectador mexicano resiente que el cine no refleja su sociedad, ni su realidad. Los productores de cine de la iniciativa privada, filman patéticas películas pseudo sexosas, en realidad onanistas, con tramas oligofrénicas y una pésima factura cinematográfica. El Horror Verdadero.
En el comercial también participaron la actriz estadounidense María Cina, como la soberana maya, y los actores mexicanos Rafael Cortés, Damián Delgado y Fernando Navarro. También fueron contratados 300 extras hondureños, con rasgos indígenas.
A partir de este complejo rodaje, Antonio Monroi supo distinguir de un anuncio publicitario de mucho presupuesto y gran aliento, realizado por alguien con talento de sobra, de producciones menos afortunadas. El rodaje de este comercial de televisión, por insulso que fuera el mensaje, se convirtió en el canon a lograra siempre, del resto de sus participaciones en la publicidad
Paradójicamente, Antonio Monroi nunca vio el comercial, que tuvo un éxito descomunal en Estados Unidos. Amigos y colegas del actor, vieron el comercial en aviones y en la televisión de Estados Unidos. Entonces lo felicitaron calurosamente. Hoy no queda ningún vestigio audiovisual del mensaje publicitario, no siquiera en YouTube, esa perturbadora, y a la vez virtuosa, Arca de Noé de imágenes de la Humanidad. Aún así Youtube, está plagado de comerciales de la época que evidencian, el estilo de la publicidad auspiciado por Frito Lay, que se hacía en la época y la percepción de “la casa que se echaba por la ventana” en materia de publicidad que invertía el conglomerado productor de frituras.
El concepto de la publicidad que monopólicamente utiliza el recurso de lo exótico, de la otredad. Filmar comerciales parodiando el “american way of life” y contrastándolo / incrustándolo en una sociedad milenaria, sabia, compleja y con una profunda concepción artística, entonces estaba bien y dependía de la forma en que se abordaba la cultura maya. Otra consideración: ¿meterse con la cultura maya así nada más, con una civilización que descubrió el concepto del cero absoluto y de la astronomía? Pese al infaltable e inevitable choque cultural, que da como resultado la bastardización y tergiversación de la civilización maya, vista y utilizada por un realizador estadounidense para un subproducto cultural y de consumo, como es un comercial de frituras, el actor Antonio Monroi asegura que nada de lo anterior sucedió. Recuerda la preocupación de Snyder de no ofender o distorsionar, como si eso fuera posible desde el planteamiento de origen.
Sin duda, al paso de los siglos, cuando se revise escrupulosamente la Historia de la Humanidad, seguro una fuente de información cultural, será a través de los spots publicitarios, mensajes concisos breves, cargados de símbolos y significados de la actividad del ser humano de la época y compendios de la preeminencia del voraz consumismo, pero también un rico muestrario de los sentimientos y aspiraciones del conglomerado humano. Fragmentos de las costumbres de su época, en los que se invirtieron millones de dólares y trillones de neuronas, luchando por logara la creatividad y persiguiendo la captura de la esencia de la humanidad. También se evidenciará, seguro, la preeminencia cultural e ideológica del que domina y el sojuzgado.
La relación profesional ente Snyder y Monroi fue de admiración mutua, pese a los casi 13 años de diferencia de edad, que existían entre ellos. Del nerviosismo y el descubrimiento iniciales, pasaron a la franca colaboración y muy poco después a la camaradería. Zack Snyder quedó muy satisfecho con el desempeño histriónico de Antonio Monroi y le prometió que lo convocaría para trabajar de nuevo. Snyder cumplió su palabra. Pocos años después, ya con más experiencia en el cine, el teatro y en publicidad, Antonio Monroi fue llamado para el casting de un comercial de alto presupuesto de Estados Unidos para la cerveza Budweiser, que sería dirigido por Snyder, desgraciadamente Monroi no pudo trabajar con él, por otro compromiso, previamente adquirido, para trabajar en un documental para la televisora inglesa BBC. Snyder, a través de una agencia de casting en México, presionó hasta donde pudo, para que el actor mexicano aceptara romper el compromiso con la cadena británica. Monroi recibió decenas de llamadas. Incluso le informaron que tenía «carta abierta» para cobrar lo que quisiera. Su mística de trabajo, profesionalismo y lealtad, impidieron a Monroi acepatr la ventajosa propuesta. Otro actor mexicano, la segunda opción de Snyder, aceptó. De haber cedido, Antonio Monroi hubiera destruido el estricto plan de rodaje del documental de la BBC.
Al paso de casi 30 años, la carrera cinematográfica de Antonio Monroi ha sido fructífera. Ha participado en más de cuarenta películas alrededor del mundo, entre las que destacan Inhala ( Blow, Ted Demme EUA 2001), Blueberry (Jan Kounen, GB/Francia 2004), Apocalypto (Mel Gibson, EUA 2006), Cinco de Mayo: La batalla (Rafael Lara, México 2013), Cuilli & Macuilli, los hijos del Jaguar (Arturo Sánchez Del Villar, México 2019) y en decenas de series de televisión. Nueve largometrajes, donde participa, están por estrenarse.
La carrera de Zack Snyder es impresionante en el marco de las mega producciones de Holywood con una distribución planetaria y miles de millones de dólares en ingresos. Además de su Ópera Prima, consignada antes en este reportaje, el realizador ha dirigido diez películas, dos están por estrenarse. Destacan 300 ( 2006), Watchmen, los vigilantes (2009), El hombre de acero (Man of Steel 2013), y Batman vs. Superman: El origen de la justicia (2016). Pero el realizador Zack Snyder está ahora en el ojo del huracán, situado en medio de una polémica. Su vida profesional oscila entre los millones de seguidores que lo apoyan y otros tantos integrantes del público que rechazan vehementemente la visión que tiene sobre el universo de Batman. Todo este maremágnum tiene que ver con una generación para la que la visión en torno al universo en el que se desenvuelve el Caballero de la Noche es una cuestión de vida o muerte. Aunque Snyder fue reconocido por la Hollywood Critics Association (Asociación de Críticos de Hollywood) con el Premio Valiant, el primero en su tipo, padece de un intenso fuego, avivado por los que rechazan sus concepciones fílmicas.
Parte de la filmografía de Zack Snyder
Zack snyder dirigiendo su versión de La Liga de la Justicia
El realizador tuvo uno de los momentos más trágicos de su carrera cuando en marzo de 2017 su hija Autumn se quitó la vida. Debido al proceso de duelo el director ya no pudo continuar trabajando en Liga de la Justicia y dejó el proyecto. Warner Brothers puso en su lugar a Joss Whedon, la cinta fue un fracaso en todos los niveles y dio pie a la campaña en redes sociales #ReleaseTheSnyderCut (liberen el corte de Snyder), que dio resultado.
El anuncio de que La Liga de la Justicia de Zack Snyder vería la luz no fue motivo de alegría para todos, en mayo de 2020 cuando se anunció el proyecto, un artículo de Collider dijo que se trataba de un reconocimiento a los fans tóxicos que sólo hacían bullying en redes sociales. En una reciente entrevista con Cinemablend, Snyder defendió a sus seguidores de esas acusaciones: “¿Cómo es eso de un fandom tóxico? Ellos probablemente han logrado más que cualquier otro grupo de fans y han hecho más bien que cualquier otro grupo. Entonces, no lo entiendo”
Lo que resulta innegable es que Zack Snyder, además de estar situado en el centro de la polémica, también se halla en la cima de las noticias que surgen del Hollywood más comercial y rentable.
Aquí les dejamos un Video Documental donde sucintamente se explica el funcionamiento de la Compañía Frito Lay:
El mundo de los comerciales de televisión, la millonaria inversión en producir mensajes audiovisuales que incentiven la compra, también millonaria, de productos de consumo, tóxicos e innecesarios, y ligarlos con los grandes eventos deportivos y musicales, ha evolucionado a tal grado, que ahora los spots televisivos, parecen ser más importantes, que los acontecimientos que supuestamente patrocinan. Aquí les dejamos el más sofisticado, evolucionado, enajenante, subliminal y reciente anuncio de Frito Lay. Lo protagoniza Anna Kendrick, lo que da la idea de frescura y jovialidad y liga el consumo de una gran variedad de tipos de botanas, con la Navidad del pandémico año del 2020. La música, digámoslo con franqueza, liga perfecto con los fines del anuncio. Kendrik, en lo que hace un lúcido y abrumador recorrido por toda la comida chatarra, canta el tema My favorite things, original de la película La Novicia Rebelde ( The Sound of Music / Director Robert Wise / EUA 1965 ), originalmente interpretado por Julie Andrews:
En Homocinefilus todas las películas y series nominadas a los Globos de Oro 2021. Sorpresas y Rellenos en el Año de la Pandemia
Lista de Películas, Actores y Actrices Nominadas a los Globos de Oro 2021
Se trata de una temporada de premiaciones de cine y televisión atípica, con las salas de cines cerradas por meses y la consolidación de las plataformas de streaming en internet.
En ese contexto, las actrices Sarah Jessica Parker y Taraji P. Henson fueron las encargadas de dar a conocer las candidaturas a la 78 Edición los Premios Globos de Oro que otorga la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA por sus siglas en inglés).
El largometraje en blanco y negro de Netflix Mank lidera la competencia con seis candidaturas, incluida mejor película.
Entre los nominados hay nombres de veteranos de la industria como Al Pacino, Cate Blanchett y Nicole Kidman, pero también destacan las nominaciones de jóvenes como Anya Taylor-Joy protagonista de Gambito de Dama (The Queen’s Gambit), quien fue incluida en sendas categorías de cine y televisión.
Destacaron también las nominaciones dobles para Sacha Baron Cohen, por interpretaciones de drama y comedia, y la inclusión del popular actor Chadwick Boseman, quien murió el pasado agosto, por su papel en Ma Rainey’s Black Bottom.
Además de las categorías anunciadas, los Globos de Oro 2021 honrarán a Jane Fonda con el premio Cecil B. DeMille y a Norman Lear con el premio Carol Burnett. Lear será el tercer destinatario del recientemente creado Premio Carol Burnett, que reconoce las contribuciones a la televisión.
No tendremos que esperar mucho para conocer a las ganadoras, ya que la ceremonia de entrega tendrá lugar el próximo domingo 28 de febrero. Las comediantes Tina Fey y Amy Poehler estarán a cargo de amenizar la ceremonia, con la particularidad de que no estarán en el mismo sitio. Fey lo hará desde Nueva York y Poehler desde Los Ángeles. Los detalles de la ceremonia y su adaptación en tiempos de pandemia todavía están por conocerse.
Los Globos de Oro marcan el inicio de la temporada de premios en Hollywood y se los considera un termómetro de cara a la carrera hacia los Oscar.
Estos son los nominados en las categorías principales:
CINE
MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA:
Another Round / Druk / Otra Ronda / Dinamarca
La Llorona / Guatemala
The Life Ahead / La vida ante sí / La vita davanti a sé / Italia
Minari / EUA
Two of Us / Deux / Francia
MEJOR PELÍCULA – DRAMA:
El Padre / The Father
Mank
Nomandland
Promising Young Woman
El juicio de los 7 de Chicago / Trial of the Chicago 7
MEJOR PELÍCULA – COMEDIA O MUSICAL:
Borat Subsequent Moviefilm
Hamilton
Palm Springs
Music
The Prom
MEJOR DIRECCIÓN:
Emerald Fennell por Promising Young Woman
David FIncher por Mank
Regina King por Una noche en Miami / One Night in Miami
Aaron Sorkin por The Trial of the Chicago 7
Chloe Zhao por Nomadland
MEJOR PELÍCULA ANIMADA:
Los Croods: Una nueva era
Onward
Más allá de la luna / Over the Moon
Soul
Wolfwalkers / Wolfwalkers. Espíritu de lobo
MEJOR MÚSICA ORIGINAL:
Cielo de medianoche / The Midnight Sky
Tenet
News of the World
Mank
Soul
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL:
Fight for You de Judas and the Black Messiah
Hear my Voice de El juicio de los 7 de Chicago
Io Si (Seen) de The Life Ahead
Speak Now de Una noche en Miami
Tigress & Tweed de The United States vs. Billie Holiday
MEJOR GUION:
Emerald Fennell por Promising Young Woman
Jack Fincher por Mank
Aaron Sorkin por El juicio de los 7 de Chicago
Florian Zeller y Christopher Hampton por El padre
Chloé Zhao por Nomadland
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN PELÍCULA DRAMÁTICA:
Riz Ahmed por Sound of Metal
Chadwick Boseman por La madre del blues / Ma Rainey’s Black Bottom
Anthony Hopkins por El Padre / The Father
Gary Oldman por Mank
Tahar Rahim por The Mauritarian
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN PELÍCULA DRAMÁTICA:
Viola Davis por La madre del blues / Ma Rainey’s Black Bottom
Andra Day por The United States vs. Billie Holiday
Vanessa Kirby por Fragmentos de una mujer / Pieces of a woman
Frances McDormand por Nomadland
Carey Mulligan por Promising Young Woman
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN PELÍCULA CÓMICA O MUSICAL:
Sacha Baron Cohen por Borat Subsequent Moviefilm / Borat 2
James Corden por The Prom
Lin-Manuel Miranda por Hamilton
Dev Patel por La increíble historia de David Copperfield / The Personal History of David Copperfield
Andy Samberg por Palm Springs
MEJOR ACTOR DE REPARTO:
Sacha Baron Cohen por El juicio de los 7 de Chicago
Daniel Kaluuya por Judas and the Black Messiah
Jared Leto por Pequeños detalles
Bill Murray por On the Rocks
Leslie Odom Jr. por Una noche en Miami…
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:
Glenn Close por Hillbilly Elegy
Olivia Colman por El padre / The Father
Jodie Foster por The Mauritanian
Amanda Seyfried por Mank
Helena Zengel por News of the World
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN PELÍCULA CÓMICA O MUSICAL:
Maria Bakalova por Borat Subsequent Moviefilm
Michelle Pfeiffer por French Exit
Anya Taylor-Joy por Emma
Kate Hudson por Music
Rosamund Pike por I Care a Lot
TELEVISIÓN
MEJOR MINISERIE O TV MOVIE:
Normal People
Gambito de dama / The Queen’s Gambit
Small Axe
The Undoing
Unorthodox / Poco Ortodoxa
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN MINISERIE O TV MOVIE:
Bryan Cranston por Your Honor
Jeff Daniels por The Comedy Rule
Hugh Grant por The Undoing
Ethan Hawke por The Good Lord Bird
Mark Ruffalo por I Know This Much is True
MEJOR ACTRIZ EN MINISERIE O PELÍCULA PARA TELEVISIÓN
Cate Blanchett, Mrs. America
Shira Haas, Unorthodox
Daisy Edgar-Jones, Normal People
Nicole Kidman, The Undoing
Anya Taylor-Joy, The Queen’s Gambit
MEJOR SERIE DE DRAMA:
The Crown
Lovecraft Country
The Mandalorian
Ozark
Ratched
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN SERIE DRAMÁTICA:
Jason Bateman por Ozark
Josh O’Connor por The Crown
Bob Odenkirk por Better Call Saul
Matthew Rhys por Perry Mason
Al Pacino por Hunters
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN SERIE DRAMÁTICA:
Emma Corrin por The Crown
Olivia Colman por The Crown
Jodie Comer por Killing Eve
Laura Linney por Ozark
Sarah Paulson por Ratched
MEJOR SERIE DE COMEDIA O MUSICAL:
Emily in Paris
The Flight Attendant
The Great
Schitt’s Creek
Ted Lasso
MEJOR ACTOR PROTAGONISTA EN SERIE CÓMICA O MUSICAL:
Don Cheadle por Black Monday
Nicholas Hoult por The Great
Eugene Levy por Schitt’s Creek
Jason Sudeikis por Ted Lasso
Ramy Youssef por Ramy
MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA EN SERIE CÓMICA O MUSICAL:
Lily Collins por Emily in Paris
Kaley Cuoco por The Flight Attendant
Elle Fanning por The Great
Jane Levy por La extraordinaria playlist de Zoey /Zoey’s Extraordinary Playlist
Catherine O’Hara por Schitt’s Creek
MEJOR ACTOR DE REPARTO EN SERIE DE TV:
John Boyega por Small Axe
Brendan Gleeson por The Comedy Rule
Daniel Levy por Schitt’s Creek
Jim Parsons por Hollywood
Donald Sutherland por The Undoing
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO EN SERIE DE TV:
Gillian Anderson por The Crown
Helena Bonham Carter por The Crown
Julia Garner por Ozark
Annie Murphy por Schitt’s Creek
Cynthia Nixon por Ratched
Aqui les dejamos el Video Completo con el anuncio de las Nominaciones a los Globos de Oro:
Las 25 Mejores Películas del 2020, el Año que se llevó la Pandemia. La lista del Crítico de Cine Fernando Bañuelos Homocinefilus
“Dale un afilado estilete a un mono y pueden suceder dos situaciones; se degüella o impulsivamente te corta la cabeza” Proverbio popular
La apuesta de esta recopilación es recuperar las mejores cintas del año que, a nivel mundial, hicieron renacer la esperanza en la humanidad. Excelentes películas que pese a la Pandemia, encontraron la forma de llegar al gran público.
De nada hubiera servido, para una sociedad fílmica subdesarrollada, deprimida y agobiada por el azote calustrofóbico de la Pandemia, mirarse el “ombligo cultural cinematográfico”, denotar la miseria intelectual y sólo integrar una lista mezquina de películas mediocres, locales y enajenantes, que apenas pudieron resaltar en la desesperada búsqueda de opciones fílmicas del streaming, del espectador asfixiado por la #Cuarentena que pretendía, en el mejor de los casos, ser #Inteligente, #Provechosa y #Productiva.
2020 no sólo es el Año que se llevó la Pandemia, también es el ciclo de 365 días en el que descubrimos, a causa del precautorio y alarmante cierre de las Salas de Cine en el mundo, que la mayor parte de la Memoria Cinematográfica de la Humanidad, está ya contenida, en las cientos de Plataformas de Streaming que alberga Internet. El significado de este revelador y estremecedor hallazgo trastoca drásticamente la forma tradicional, y bastante viciada, en la que veíamos cine antes del Covid-19, a causa de la “mezquina magnanimidad” de una industria cultural dominante, léase Hollywood, ejerciendo un ominoso control monopólico cultural e interesada solamente en los voraces beneficios económicos a nivel planetario. Ahora, gracias a que la Tecnología Cibernética nos alcanzó, el único criterio al que debemos obedecer, es el que nos mande o sugiera nuestra cinefilia ilustrada o chafada, perspectiva cultural, alcance de miras, nivel de entendimiento, percepción del mundo y a la imperiosa necesidad de evadirnos de la realidad, argumentando, autoengañándonos, que vemos cine sólo para entretenernos. El nombre del juego es el de tener el bagaje cultural necesario y los fundamentos de conocimiento cinéfilo para elegir las mejores opciones cinematográficas entre un océano de posibilidades. En este escenario es donde cobra sentido la imperiosa función social que cumple el Crítico de Cine, comprometido éticamente con orientar el interés del público hacia elevadas, formas cinematográficasm contundentes, denunciativas, dilectas y estéticas, alejando a los espectadores de cintas que apuntalan la sociedad de consumo.
Pese al impacto trágico de la Pandemia, y al terrible desafío que representa producir y exhibir películas, y a la incertidumbre del futuro, el cine se mantuvo muy vivo, y como no, durante todo el año, a través de Festivales de Cine Virtuales e Híbridos o en el restringido VOD (Video on Demand) y al vigor y poder que tienen, y no lo sabiamos a cablidad, las éticas, culturales, virtuosas, pero también ominosas y poderosas Plataformas de Streaming de todos tipos e ideologías. Por ello el criterio para seleccionar estas 25 películas fue el de sugerirles rescatar, por cualquier medio, estas indispensables y geniales Obras Cinematográficas que exponen lúcidamente el Drama Humano en cientos de excelsas y perturbadoras maneras, mostrando alucinantes universos fílmicos.
La mayoría de las mejores películas de 2020 no se filmaron este año, pero seguro que hablan de la tregedia humana en todas sus tonalidades y en todas latitudes. Desde los efectos psicológicos del distanciamiento social, 2020 fue un estado de ánimo como ningún otro, y muchas de estas películas se han convertido en encarnaciones retroactivas de esos sentimientos inusuales. Eso no es exactamente un feliz accidente: el mundo ya era un lugar inquietante y misterioso que los narradores modernos intentaban analizar, por lo que cuando el estado de ánimo se intensificó, sus películas llegaron justo a tiempo. Muchos de los aspectos más destacados cinematográficos del año ofrecen algo de esperanza para el futuro.
Les pedimos abran la Red del Entendimiento y capturen, rescaten y recuperen, donde el sorprendente Streaming se los permita, las 25 sugerencias que a continuación les reseñamos:
1.- The Painter and the Thief … Director: Benjamin Ree … Noruega 2020 …
Este extraño y convincente documental comienza cuando Barbora Kysilkova, una artista checa en Oslo, Noruega, tiene dos pinturas en una galería, que son robadas. Después de que arrestan al ladrón, Karl Bertil-Nordland, Barbora lo busca y le pide pintar su retrato.
Se está apropiando de su imagen luego de que él le robó su arte, pero eso es solo el comienzo de una amistad real, a veces exasperante, a medida que la historia crece para incluir la relación de Barbora con su novio y la adicción a las drogas de Karl. El director Benjamin Ree siguió a los personajes durante años para crear esta conmovedora crónica de inspiración, culpa y reinvención.
Kelly Reichardt es una de las grandes cineastas del cine americano de las últimas décadas, del cine independiente, de un cine rural, neo western y naturalista, que siempre han ocupado los contextos de sus películas. En First Cow nos traslada al Oregón de los años de 1820, en donde un cocinero es contratado por un grupo de cazadores de pieles, precisamente para que les cocine. La personalidad sensible del cocinero contrasta con la de los rudos cazadores, hasta que un día se encuentra con un inmigrante chino que se encuentra huyendo de unos rusos. En esos momentos muchos inmigrantes llegaron de muchos países tras el oro blando como le decían a las pieles. El cocinero ayuda al chino y el destino los junta nuevamente, permitiendo que trabajen juntos en una comunidad donde llega la primera vaca, propiedad del Jefe de Factores, un hombre con eterna nostalgia y anhelo de la vida en Europa. La historia es mínima. Kelly Reichardt cuenta poco más que la cercanía entre sus dos protagonistas, y sus tribulaciones para conseguir dinero y una vida mejor en un entorno hostil. Al igual que hace la cineasta con tal entorno, Cookie y King-lu terminan por aportarle dulzura. En términos de puesta en escena, sin embargo, First Cow está llena de vida. La película es estupenda. Es basada en la novela de Jonathan Raymond, quien escribe el guión junto a Reichardt.
3.- –La vasta noche … The Vast of Night … Director: Andrew Patterson … EUA 2019
El mundo moderno es hijo de la sospecha. Marx, Freud y Nietzsche demostraron que tras la evidencia respira el monstruo. y Andrew Patterson se empeña en The Vast of Night en dejar claro que, ahora más que nunca, la paranoia nos define. Su película es un raro artefacto nocturno que homenajea a la intrigante televisión de interferencias y programas como La Dimensión Desconocida (The Twilight Zone), a la vez que nos devuelve a la ingenuidad de la radio antigua y de aquellos extraterrestres de platillos voladores con foquitos y la nave nodriza. Sin duda, una de las más gloriosas y magnéticas sorpresas de los estrenos en las plataformas. Apabulla la habilidad para recomponer la fiebre de la sospecha. Ahora, que somos tan vulnerables. ¿Nos están mirando los extraterrestres? ¿Estaban en los cielos de la década de 1950 en Nuevo México? Este misterio de ciencia ficción hace esas preguntas de La Dimensión Desconocida, pero las responde con tanto entusiasmo y originalidad que parecen nuevas. En el transcurso de una noche, The Vast of Night sigue a un DJ de radio local (Jake Horowitz) y un operadora telefónica (Sierra McCormick) mientras investigan los misteriosos ruidos que se transmiten desde algún lugar cercano. La película incluye algunos comentarios agudos sobre la marginación de ciertos grupos sociales, pero es la solvencia técnica pura la que hace que el debut de Andrew Patterson sea un placer. Sabes que estás viendo la aparición de un nuevo talento enormemente emocionante.
4.- Bacurau: Tierra de Nadie … Bacurau … Directores: Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles … Brasil / Francia 2019
Una de las películas más extrañas y creativas del año es esta joya brasileña, ambientada en un pueblo pobre y aislado llamado Bacurau. La comunidad es oprimida por un político corrupto y hay desconcierto sobre por qué Bacurau ha desaparecido repentinamente de cualquier mapa, los de papel y los de internet. Cuando el pueblo es invadido por mercenarios, la película se transforma en un homenaje ensangrentado a los westerns. Los directores Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles han creado una deslumbrante película, que compartió el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes del año pasado.
5.- Una gran mujer … Beanpole … Dylda … Director: Kantemir Balagov … Rusia 2019 … Candidata de Rusia a Mejor Película Extranjera al Óscar
Una gran mujer es un drama visualmente impresionante, por su atmósfera, sus colores, la temperatura y la iluminación tan cuidados, que dibujan constantemente escenarios preciosos, fríos y cálidos, que se mueven a la par del desarrollo de los personajes. Además de eso y su estupenda fotografía, la película se ambienta en Leningrado en el otoño de 1945. Tras la Segunda Guerra Mundial la ciudad está en ruinas junto con el espíritu de sus ciudadanos. Entre ellos dos mujeres, Iya y Masha, que deberán tener la fuerza para salir adelante con los hijos y reconstruir la ciudad. Beanpole también es una película que habla sobre el amor no correspondido, la miseria y la desesperación cuando todo se ha perdido. Es demoledora y todos los elementos trasmiten muy bien el sentimiento de nostalgia y tristeza. Este filme toca aspectos importantes de la respuesta humana ante la tragedia, de las relaciones prohibidas, los prejuicios y las diferencias de clase en una sociedad totalitaria, pero destruida materialmente tras una hecatombe bélica. Una sociedad que, en ese momento, no puede disfrutar de su victoria.
6.- The Assistant … Directora: Kitty Green … EUA 2019 …
Kitty Green, realizadora proveniente del campo documental y posicionada en la causa feminista con trabajos como Ucrania no es un burdel (2013), ha elegido para su primera película, fuera de ese formato, una historia que denuncia el abuso de los depredadores sexuales contra las mujeres en la industria del cine, utilizando un estilo seco y minimalista, fiel a esa búsqueda de la realidad propia del género en el que se ha cultivado. The Assistant es una película silenciosa, tanto como su protagonista femenina, que desde la aparente calma de sus imágenes, lanza un grito atronador contra esa impunidad que rodea a los delincuentes sexuales de alto rango. No hay en ella ninguna referencia hacia la figura de Harvey Weinstein, el controvertido productor de cine que ha sido llevado ante la justicia por las denuncias de decenas de mujeres, entre ellas muchas actrices famosas, y, sin embargo, su sombra sobrevuela en un relato que, casualmente (o no) acontece en el interior de las oficinas de una productora cinematográfica. La narrativa escogida por Green es bien sencilla. La crónica directa y concisa de 24 horas en la vida de Jane, una joven con sueños de convertirse en el futuro en productora de cine que, mientras tanto, desempeña las labores de asistente (más bien, chica para todo) de un magnate de la industria.
7.- Nunca Casi nunca, A Veces Siempre … Raramente Nunca A veces Siempre … Never Rarely Sometimes Always … Directora: Eliza Hittman … GB / EUA 2020 …
Este drama silencioso y profundo sigue a Autumn (Sidney Flanigan), de 17 años, en su embarazo en una pequeña ciudad de Pensilvania, donde el aborto está restringido, mientras ella y su prima toman en secreto un autobús rumbo a la cercana ciudad de Nueva York para interrumpirlo. Lejos de ser una historia de moralejas, la película de la escritora y directora Eliza Hittman es un relato elocuente e íntimo sobre elecciones, secretos y las decisiones tristes y desesperadas que las mujeres jóvenes, a veces toman para salvar su propio futuro. La película es desgarradora en su honestidad pero emocionante en su empatía. La directora convierte este argumento mínimo en un auténtico y soberbio viaje al fondo de la noche, en un drama naturalista, melancólico y descarnado sobre la adolescencia acosada. Con una precisión desusada, Hittman se las arregla para componer una rara, ausente y muy profunda sinfonía del dolor. La fotografía entre saturada y sólo rota, la banda sonora necesariamente fracturada y la mirada partida en pedazos componen un universo de escombros, extraño y muy cercano a la vez. Sidney Flanigan debe enfrentarse a una serie de dificultades, tales como la escasa rigurosidad médica, los altos costos económicos, el consumo de medicamentos y los juicios de la sociedad.
8.- El Jóven Ahmed … Le jeune Ahmed … Young Ahmed … Directores: Jean-Pierre and Luc Dardenne … Bélgica / Francia 2019 …
El punto de vista de los hermanos Dardenne se centra en la religión. Aunque en la cinta la religión que escoge es la musulmana, sería corto de miras no pensar en el resto de creencias. Aunque bien es cierto que los musulmanes son los que al día de hoy, más titulares ocupan, debido probablemente a la gran diferencia cultural existente. Ahmed es un adolescente cuyo alineamiento le está privando de disfrutar de los placeres de su vida propios de su edad. Movido constantemente por sus creencias, actúa en consecuencia, llegando a los tan temidos extremismos. Y es que aunque los directores nos dejan entrever posibles cambios en el signo del personaje, dicho cambio nunca acaba de llegar. Aunque parezca redundante, en El joven Ahmed la juventud juega un rol principal. Dicho estado vital ejerce de motor durante todo el largometraje, pudiendo llegarnos a preguntar que sin dicha precocidad en el protagonista, nada hubiera ocurrido. Todos hemos tenido ídolos en nuestra adolescencia. Los más cinéfilos de Billy Wilder a Quentin Tarantino, los más futboleros a Pelé o Messi y los más melómanos desde David Bowie al actual Justin Bieber. Les admiramos y soñamos con poder seguir algún día sus pasos. Pero, ¿qué pasaría si nuestro modelo a seguir fuese nuestro primo? Y más aún, ¿si nuestro primo fuera un fanático religioso? Con estos y más elementos juega el filme. Con la relación entre una madre y un hijo, con la inocencia y atrevimiento propios de la juventud y, por último, con la necesidad de la cultura como contrapunto de los radicalismos. En el Festival de Cine de Cannes la cinta ganó la Palma de Oro a Mejor Director.
En un estudiado blanco y negro cerca de la ensoñación o la pesadilla, Fincher reformula Ciudadano Kane desde el lado opuesto del espejo, desde la vida rota del dipsómano guionista Herman J. Mankiewicz (1897–1953). En un bucle prodigioso, el espectador es invitado no tanto a introducirse en el «making of» de la película que hizo saltar por los aires los códigos narrativos del cine clásico, como a destejer y volver a tejer la misma historia desde el punto de vista opuesto. Si la de Kane era la historia del más poderoso y arrogante de los hombres, enfrentado a la maquinaria de poder creada por él mismo, el de Mank es el relato del más ínfimo de los seres que contempla desde su insignificancia los estragos de un tiempo esencialmente injusto y condenado a desaparecer. El director David Fincher recoge un guión escrito por su padre, Jack Fincher, antes de su muerte en 2003. La trama de la película se centra en la historia del guionista Herman J. Mankiewicz y los problemas que enfrentó durante el desarrollo de Citizen Kane (1941), filme de Orson Welles que aborda los conflictos relacionados al poder político y la prensa sensacionalista.
10.- The Mole Agent … El agente topo … Directora: Maite Alberdi … Chile / EUA / Alemania / Países Bajos / España 2020
El agente topo nos presenta a Rómulo, un investigador privado, que recibe de parte de una clienta el encargo de investigar sobre el estado de salud de su madre, quien vive en un asilo. Para llevar a cabo la misión contrata a Sergio, un hombre viudo de 83 años quien debe internarse en el asilo como un agente encubierto. Allí, Sergio lucha por cumplir su misión mientras inevitablemente, empieza a involucrarse en la vida de las residentes de ese hogar. La mejor manera de adentrarse en El agente Topo es ir sin ningún tipo de conocimiento sobre el largometraje. De esta forma, el espectador va descubriendo poco a poco la magnitud de la historia, la cual comienza como una comedia de espías muy agradable, que pronto revela su verdadero ser. Por lo cual, no es un documental común y corriente, sino que busca, a través de una aparente ficción, dar rienda suelta a la verdadera historia que se desea contar. Por un lado, ese aspecto de “agente secreto”, permite que sea el nexo de unión entre los distintos relatos que se plantean en el filme. Una forma interesante de unificar las distintas partes. Incluso llega a contar la suya propia y siendo parte de lo que se está narrando y la necesidad emocional de hacerlo. Hablar de la tercera edad es una misión muy importante en sociedad, dado que se pueden ver perfectamente algunas de las problemáticas que envuelve la situación de estas personas durante la vejez. Sin embargo, lejos de mostrarse desde una vertiente más oscura, o triste, se consigue dar luminosidad con la alegría de las distintas personas que la forman. Gracias a desengranar las vidas que hay detrás, se conecta perfectamente con las distintas líneas que se conforman. Igualmente, hay un punto desgarrador en toda esa inocencia, donde las vidas en paralelo confluyen y es el sentimiento de la soledad. Por este motivo, las sensaciones invaden la película según va avanzando, dejando un final reflexivo sobre cómo son tratadas las personas de mayor edad por la sociedad. Aún así, no busca la lágrima fácil, sino que siempre alude a una solución, que cada uno debe mirar en sí mismo.
“Nosotros ya no somos humanos. Sólo les importa el dinero”. Esta afirmación hiriente está muy lejos de ser una simple frase sin fundamento; es la expresión de una fe idealista en el documental Collective de Alexander Nanau. La investigación llevada a cabo en la película revela que el sistema sanitario rumano está gangrenado hasta la médula. La corrupción en todos los niveles hace que mueran de forma absurda ciudadanos que pensaban que sus hospitales podrían curarlos; y todo con la complicidad de los poderes públicos. Una explicación terriblemente edificante que el director alemán (nacido en Rumanía y conocido por su trabajo anterior, Toto et ses sœurs (Toto y sus hermanas) exhibe con una maestría cinematográfica excepcional, en las antípodas de una investigación televisiva estándar. La película combina el suspense digno de un thriller con los sucesivos descubrimientos de los periodistas y los intentos de un nuevo ministro por mejorar el sistema. También tiene secuencias con poco énfasis pero muy respetuosas, dedicadas a las víctimas y a los supervivientes. Todo empieza con un suceso muy mediático. El 30 de octubre de 2015 se declara un incendio en el Colectiv Club, una discoteca de Bucarest, que carecía de salidas de emergencia: 27 jóvenes mueren y 180 resultan heridos (90 en estado grave). El gobierno rumano afirma que serán cuidados “tan bien como en Alemania”. Pero 37 de los quemados mueren en las semanas posteriores pues, como reveló una fuente a los periodistas Catalin Tolontan, Mirela Neag y Răzvan Lutac que deciden iniciar una investigación, “fueron ingresados en un ambiente no esterilizado y expuestos a una de las bacterias hospitalarias (el bacilo Pseudomonas aeruginosa) más resistentes de Europa”. El trío de La Gazette des Sports descubre que los productos desinfectantes que proporciona Hexi Pharma a 350 hospitales (2000 quirófanos) son diluidos hasta diez veces la dosis normal. Una práctica que esconde una corrupción a varios niveles, circuitos de evasión fiscal y la protección del Estado, que estaba al corriente de la situación, desde hacía bastante tiempo.
12.- Nomadland … Directora: Chloe Zhao … EUA 2020 … Basada en la novela de Jessica Bruder
Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que, tras perder todos sus bienes durante la Gran Recesión, se embarca en un viaje nómada por la zona oeste de Estados Unidos. Empire es, o era, una ciudad de Nevada. Forzada por la crisis de 2008 vio como en 2011 cerraba la fábrica de tablaroca, pilar de la economía local. El efecto fue devastador, convirtiendo a Empire en una ciudad fantasma hasta el punto de que Estados Unidos eliminó su código postal. Tomando como base este hecho, Chloé Zhao crea el personaje de Fern, una viuda de Empire a la que la situación le ha dejado sin trabajo, sin familia, sin casa, sin amigos e, incluso, sin ciudad, y la sumerge en el universo que exploraba la novela periodística Nomadland de Jessica Bruder: el del fenómeno de los nómadas americanos actuales. Americanos, la mayoría por encima de los 50 años, que viven en sus autocaravanas, alejados todo lo que pueden de un sistema que creen que ya no funciona (muchos de ellos han sido directamente expulsados de él), colaborando entre ellos, intercambiando bienes y conocimientos y viajando por Estados Unidos en función del clima y la disponibilidad de trabajos. Fern empieza a trabajar para Amazon y vive en su camioneta en una zona de acampada que paga la multinacional. Cuando se le acaba el contrato y no tiene donde ir, conoce en YouTube a Bob Wells, un guía y un líder para los nómadas. Interesada y sin muchas más opciones, decide llevar ese tipo de vida. Bob no es un personaje de ficción y, efectivamente, es un guía para todos aquellos que deciden llevar este tipo de vida. Como Bob, en Nomadland aparecen muchos personajes reales y vemos a Fern interactuando con ellos para que conozcamos sus historias, sus planes de futuro y por qué o cómo decidieron llevar esa vida. Como ya hiciera en The Rider, Chloé Zhao camina por la delgada línea de la ficción y la no ficción solo que aquí, la arrolladora presencia de McDormand desequilibra el balance en algunos momentos en los que la actriz eclipsa al personaje convirtiendo la película en uno de esos documentales conducidos por una estrella visitando una zona. En cualquier caso Tanto Fern como McDormand son las nuevas en ese universo, así que sentirlas como invitadas no resulta demasiado grave.
13.- El Diablo a Todas Horas … The Devil All the Time … Director: Antonio Campos … EUA 2020
La primera novela de Donald Roy Pollock, El diablo a todas horas (The Devil All the Time), se publicó en 2011 y mezcla el gótico sureño con la novela negra criminal. Su estilo rezuma bocanadas de la prosa de William Faulkner o Cormac McCarthy, asumiendo también la perspectiva católica de Flannery O’Connor, en la descripción del trasfondo social de una América profunda desoladora y miserable. El alma podrida de la América profunda. Adaptar una novela de este tipo al cine nunca es fácil. Más allá de la historia, es necesario captar toda una serie de ambientes y sensaciones que distinguen una época y unos lugares. La película de Antonio Campos logra de forma acertada captar toda la sordidez inherente al relato original, aunque se pierde un poco en la exposición desordenada de los hechos. Sus 138 minutos se quedan cortos. Aparecen muchos personajes cuyas vidas quedan relacionadas mediante subtramas que suceden en diferentes momentos temporales. Eso hace que, sin llegar a ser un rompecabezas que resulte incomprensible, sí se tiene la sensación de una narrativa precipitada. Son demasiados hechos cocinados a fuego rápido que hubieran necesitado de una mayor exploración psicológica. El diablo a todas horas tiene un reparto que quita el aliento. Es alucinante la concentración de rostros conocidos, con mayor o menor caché, que van desfilando por la pantalla. Todos brillan en sus pequeños fragmentos de esta historia sórdida y negrísima, no apta para espectadores que busquen algo ligero que llevarse a la boca. Otro aspecto destacable es la puesta en escena. Campos elabora con minuciosidad, una ambientación rural tan truculenta que se huele y se sufre, igual que hacen los personajes. La violencia de la naturaleza humana se confronta con una fe ciega católica exacerbada. El lado oscuro y el luminoso se confunden muchas veces en este relato tan escabroso como fascinante. Quedan pocas ganas de visitar Knockemstiff, el lugar de Ohio donde se concentra la mayor parte de la acción y del que es originario el autor de la novela.
Christopher Nolan redescubre para el cine la virtud del asombro. Toda la película se sostiene sobre el más elemental de los trucos que descubrió para sí el cinematógrafo: la posibilidad de hacer correr el tiempo hacia atrás. De la misma manera que el tren de los Hermanos Lumiére entra en la estación de La Ciotat, basta girar la manivela en sentido inverso para verle regresar a su lugar de origen que, de repente, es el de destino. Y sobre ese casi sagrado precepto, el director insiste en sus obsesiones temporales para componer un rompecabezas prodigioso donde todo, por increíble que parezca, encaja hasta el último y más explosivo de los detalles. Es cine que hace ¡boom! y sin dejar ni prisioneros ni heridos.
15.- Las Tres Muertes de Marisela Escobedo … Director: Carlos Pérez Osorio … México 2020
El destino es, a veces, un cruce de caminos. Un instante efímero en el que sucede algo que cambia nuestras vidas para siempre, sin que podamos echar marcha atrás. No se decide, pero tampoco se puede hacer nada por evitarlo. El destino es lo que hizo que la familia Fraile Escobar se topara con Sergio Rafael Barraza un día en Ciudad Juárez, municipio fronterizo en el norte de México, donde la impunidad campea a sus anchas. El hermoso título que el mexicano Carlos Pérez Osorio da a su película, Las tres muertes de Marisela Escobedo, parece remitirnos a una historia emparentada con el realismo mágico en la que la ficción nos trasportará a un mundo irreal donde abandonarnos mientras dure el filme. Pero esto es sólo una falsa percepción. Pérez Osorio no nos lleva a ningún paraíso imaginado, sino que a través de un documental nos confronta con la dura realidad de un país, México, donde mueren 10 mujeres al día y el 97% de los feminicidios quedan impunes. Así, Las tres muertes de Marisela Escobedo narra la vida de una mujer de gran fortaleza, madre y trabajadora, que perdió a su hija, asesinada, y que luchó mientras pudo para que esa muerte no pasara a ser una estadística más de las que engrosan las cifras que tristemente nos deja la violencia. Carlos Pérez Osorio aborda todo lo sucedido con una narrativa lineal, directa, sin subterfugios ni retóricas que la alejen de lo que es: el relato de la muerte injusta de dos mujeres en una misma familia. Somos, como espectadores, los testigos de una tragedia que será contada paso a paso, con hechos y con testimonios, sin la necesidad de ninguna imagen de violencia gratuita que convierta en nota roja lo acontecido, y en donde se pondrá de manifiesto la ineficacia de un sistema judicial entorpecido por su propia burocracia y por la corrupción que ha contaminado hasta sus raíces más profundas.
16.- Estoy pensando en dejarlo … Pienso en el final … I’m Thinking of Ending Things … Director: Charlie Kaufman … EUA 2020
El más arriesgado, ‘borgiano’, y metaguionista de los escritores de cine compone una de las más abrasivas maravillas que ha dejado la Pandemia. El director de Cómo ser John Malkovich, Anomalisa y Synecdoche, New York enseña ahora su perfil más amargo, triste, taciturno y, admitámoslo, soberbio. No sólo es una película sobre asuntos tales como las heridas del amor, también lo es sobre la memoria, la identidad y el sueño. Desde La edad de oro de Luis Buñuel el cine surrealista no se había atrevido a tanto. Netflix deja completa libertad a los creadores y pasa esto; un milagro. Muy doloroso, pero milagro al fin y al cabo.
17.- Dasatskisi … Beginning … Directora: Dea Kulumbegashvili … Georgia / Francia 2020
Tras arrasar en el Festival de Cine de San Sebastián, donde se llevó cuatro de los premios mayores (Concha de Oro, dirección, guión y actriz para Ia actríz Ia Sukhitashvili), la película de la debutante Dea Kulumbegashvili se ha convertido en la mejor excusa para salvar un año entero; una temporada aciaga sin Cannes y con la nómina de estrenos reducida hasta la extenuación. Perturbadora, elegante, brutal e hipnótica, la película navega con convicción por la realidad convertida de repente en sueño. Quizá sólo pesadilla. Es cine que subyuga con la misma fuerza que pone en alerta. Es cine para desatar las interrogantes, la investigación y hasta la duda. Es cine, que en su apariencia sonámbula y magnética, aspira a revolucionarlo todo. Es de lo mejor del año. En un tranquilo pueblo, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos. Beginning es una ópera prima, que retrata a una mujer perteneciente a los Testigos de Jehová que vive oprimida por su marido y por una sociedad que no acepta su religión y que, azotada por las dudas acerca de su identidad y su fe, llega a convencerse de que la única forma de vencer sus demonios o, tal vez, de vencer al mismísimo Demonio, es probar su lealtad a Dios con una rotunda voluntad bíblica. Y, mientras contempla a su protagonista, la película traspasa con firmeza apabullante la fina línea que separa el retrato realista de la parábola religiosa, y en todo momento logra dotar hasta las escenas más aparentemente impávidas, de un clima asfixiante de tensión y amenaza.
18.- –Otra Ronda … Druk … Another Round … Director: Thomas Vinterberg … Dinamarca / Suecia / Países Bajos 2020
Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre. El nuevo trabajo del cineasta danés Thomas Vinterberg, uno de los fundadores del movimiento Dogma 95, y que en sus inicios nos regaló películas tan interesantes como La Celebración (Festen 1998), y más recientemente Submarino ( 2010) y La caza (2012), pero que sus últimos proyectos, en algunos casos de mayor presupuesto, es una película que se mueve entre dos géneros, la comedia y el drama y tiene cuatro actores protagonistas: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe. Otra Ronda (Drunk, 2020), se ubica fácilmente entre lo mejor de la producción artística de Vinterberg, aquí nuevamente retomando en parte el Dogma 95 de la mano de un desarrollo dramático sin artificios banales de raigambre hollywoodense y apegado a la realidad y sus paradojas, enfoque que en esta oportunidad abarca a la influencia del alcohol en la vida de los seres humanos tanto en lo positivo como en lo negativo/dañino sin que importen los discursos castradores y muy reduccionistas de fetichización de la asepsia, la pureza y la salud de los sectores burgueses profesionales del espectro social, mediático y cultural de nuestros días. El proyecto empezó como una adaptación de una obra de teatro que el realizador había escrito muchos años atrás y que estaba más centrada en los rasgos benéficos del consumo de alcohol vinculados a la sagacidad en público y la pérdida de inhibiciones en el trato con el prójimo. Multipremiada
Fox Rich es una luchadora, emprendedora y madre de seis niños, que ha pasado las últimas dos décadas haciendo una campaña para la liberación de su marido, Rob G. Rich. Una violación: 13 años de cárcel (promedio). Asesinato en primer grado: 25 años (en algunos estados). Una pareja de jóvenes afroamericanos intenta atracar un banco a mano armada: 60 años de prisión para Robert Rich sin opción a reducción de la pena. ¿Qué es lo que falla en Estados Unidos? El documental Time denuncia la discrecionalidad judicial y el racismo, pero pone en el foco de atención en la vida de una familia que ha de vivir con el padre en prisión. Desde que ella y su marido cometieron la peor decisión de sus vidas, Fox Rich lleva 20 luchando por la proporcionalidad de la pena de Rob y registrando los momentos familiares a los que él no puede acompañarlos. Time combina ambas facetas, presente y archivo, para tratar de que nos hagamos una idea de qué son 60 años en prisión para una familia. La directora Garrett Bradley, que con Time ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Sundance, debería poder compartirlo con Sibil Fox Richardson: a quien todos llaman Fox Rich. Sus vídeos domésticos son el alma de Time. Entre ese archivo y las imágenes del presente veremos cómo crecen los hijos de Fox y Rob sin su padre y cómo ella se convierte, de una joven madre enamorada de veinte años y sonrisa esperanzada, a una carismática vendedora y oradora profesional. El análisis de la criminalización de los afroamericanos, entre la discrecionalidad y el racismo, que realizó el documental Enmienda XIII, los hermosos videos domésticos que una joven madre enamorada pueda dirigir a su marido en prisión, son algunos de los puntos fuertes de este documental .
20.- Retrato de una mujer en llamas … Portrait de la jeune fille en feu … Portrait of a Lady on Fire … Directora: Céline Sciamma … Francia 2019
Algún lugar de la costa bretona, 1770. La joven Marianne recibe un extraño encargo. Debe viajar a una remota y aislada mansión para pintar el retrato de una joven que ha sido obligada a abandonar el convento para contraer matrimonio, después del suicidio de su hermana mayor. La madre, una aristócrata viuda con necesidades económicas, le dice a Marianne que su hija se niega a posar, lo que provocó que su predecesor abandonara la tarea sin éxito. Así pues, Marianne deberá hacerse pasar por dama de compañía y acompañar a su modelo en sus paseos, para después pintarla de memoria y en secreto. Los primeros minutos de Retrato de una mujer en llamas sirven para que la directora presente en unos pocos trazos el esqueleto argumental de la película. Para ello se sirve de la presencia de Marianne (Noémie Merlant) como vector, ya que es a través de su mirada como el espectador descubre y se familiariza con el espacio. Lo primero que hace Marianne, una vez instalada en mitad de la noche, es explorar la casa. Recorrer los pasillos, hurgar en las alacenas en busca de comida o explorar habitaciones cerradas, son acciones que simultáneamente ubican a personaje y espectador, y que al mismo tiempo sientan las bases de uno de los aspectos clave de la película: la importancia de la mirada y las implicaciones, éticas y estéticas, de nuestra posición como observadores. No se trata de conquistar lo divino, sino de dominar la naturaleza a través de lo real y lo representado. De forma inteligente, Sciamma nos recuerda en Retrato de una mujer en llamas que el cine es el arte de lo visual, que ofrece una potencialidad única derivada de la multiplicidad de puntos de vista que permite. En el sistema que propone la película, la mirada es doble, es la mirada de Marianne cuando pinta a Héloïse (Adèle Haenel), pero también es la de Héloïse cuando por fin posa ante Marianne y se coloca a la misma altura que ella, demostrándole que quien mira es también quien es mirado, y que a través de ese juego de miradas se puede construir una dialéctica que va más allá de lo que las palabras pueden verbalizar. Y, para añadir otra capa de sentido, a las miradas de los personajes se suma la mirada del espectador, colocado en una posición privilegiada que le sitúa simultáneamente a ambos lados del campo de juego donde se están gestando los sentimientos, pero también los equilibrios de poder, entre ambas protagonistas.
21.- Diamantes en bruto … Uncut Gems … Directores: Ben Safdie y Joshua Safdie … EUA 2019
Cabe aclarar que, en Diamantes en bruto, la cuestión no va de diamantes, pero es lo que pasa cuando no se traducen bien los títulos (Uncut Gems). Gemas aparte, de lo que trata esta producción, estrenada en Netflix, es de la vida de un perdedor de manual o»by the book», siguiendo todas las reglas. Un hombre, Howard Ratner, judío, que se dedica a la joyería, que, debido a sus constantes malas decisiones, a su adicción a las apuestas y a un poco de mala suerte, se encuentra en graves problemas que no dejan de crecer como si de una bola de nieve se tratase. Un hombre encarnado por un sorprendente Adam Sandler, en su mejor actuación sin duda, como el mismo, que no solo se aleja de las comedias simplonas a las que nos tiene acostumbrados, si no que realiza un espléndido trabajo en la piel de este jugador desesperado y autodestructivo. Y esa desesperación nos la transmiten los hermanos Benny y John Safdie, responsables de la dirección del filme. Con una ágil puesta en escena, que no deja respiro al espectador, escenas con un ritmo narrativo endiablado y un guion lleno de diálogos a velocidad de vértigo, que transmiten auténtica angustia. Sí, porque avisado quedas que este filme resulta estresante de ver, pero eso no es óbice para que Diamantes en bruto sea uno de los mejores ejemplos de buen cine. Cine de mafiosos, sí, aunque estos sean judíos en vez de italianos.
22.- La Estafa … Bad Education … Director: Cory Finley … EUA 2019 …
Basada en hechos reales y en el artículo The Bad Superintenent escrito por Robert Kolker en The New York Magazine y publicado en 2014, La Estafa aborda el que se conoce como el mayor robo a escuelas de Estados Unidos. El contexto en el que se produce ese robo es el mundo de la educación, pero lo que propone vale para la política, pero también es válido para cualquier otro contexto, para cualquier posición o cargo de responsabilidad. Frank Tassone (Hugh Jackman), uno de los superintendentes más destacados del distrito escolar de Roslyn vive para asegurarse que la educación de los alumnos sea la mejor que estos puedan recibir. De forma paralela, este lucra personalmente con los fondos públicos para vivir una vida llena de lujos. El director de La estafa es Cory Finley, que en su segundo largometraje, nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la venganza de uno de los estafados. Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de una de las escuelas. Frank Tassone es un personaje real y carismático vapuleado por su entorno. Un superintendente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas las llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa muere hacía treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa.
23.- The Personal History of David Copperfield … Director: Armando Iannucci … GB / EUA 2019
Una adaptación y actualización arriesgadas. Armando Ianucci, que cuenta en su haber con dos películas como director, In the Loop y La muerte de Stalin, y numerosos trabajos claves que han definido en muchos aspectos la televisión británica en los últimos años, pone a prueba sus recursos y probado talento como narrador televisivo enfrentándose sin miedo y con total descaro a la novela e icónicos personajes de Charles Dickens en la que quizá para algunos sea una excesivamente trepidante adaptación. Para ello adopta herramientas esenciales, dos de las cuales resultan en un desafío a la manera más tradicional en la que se plantean las adaptaciones de este relato al cine hasta el momento. El lenguaje visual pone la cámara en primer término de protagonismo en el abanico de recursos empleado para el asunto. Cámara al hombro en muchos planos en el marco de un ballet frenético y trepidante donde el diálogo a gran velocidad, característico de las películas y guiones de Ianucci, salta de un personaje a otro como una papa caliente o una pelota de ping pong, enloquecida y cargada de anfetaminas. El trabajo con la cámara acompaña ese planteamiento. La segunda herramienta es más convencional: un desfile de actores populares para hacer más disparatados a los ya de por sí disparatados personajes de Dickens, cuyo nivel de caricaturización se incrementa notablemente en esta versión. Muchos de ellos han trabajado con Ianucci, pero sea así o no, le saca el máximo partido a Dev Patel y a Tilda Swinton, los mejores de la película, seguida por Hugh Laurie, si el Doctor House, y Peter Capaldi, aunque en general todo el reparto y su trabajo en ese cierto punto de satirización de personajes icónicos pero no por ello intocables, está también entre lo mejor de la película.
24.- El discípulo … The Disciple … Director: Chaitanya Tamhane … India 2020
The Disciple es el recorrido de un joven aspirante a músico a lo largo de treinta años para conseguir ganarse la vida en el negocio de la música tradicional hindustaní. Producida entre otros por Alfonso Cuarón, la película se salta tanto en forma, como en fondo, los tópicos de las películas sobre las vidas de los músicos. The Disciple tiene poco que ver con una biopic tradicional. Para empezar, no hablamos de un músico de éxito. Lo que Tamhane ofrece es un estudio de personaje. El del joven que sustituye el talento para triunfar en el oficio al que se quiere dedicar por perseverancia, estudio, esfuerzo, dedicación y renuncia. Cueste lo que cueste y le diga lo que le diga su entorno. Si la tradición del esquema melódico conocido como raga establece que no es el momento de despistarse con romances, matrimonios y familia, tocará esperar y buscar consuelo en internet. Sin caer en la tentación de caminos más fáciles. En lo personal y en lo profesional. Todo al son del instrumento conocido como sitar y de las plácidas y serenas improvisaciones vocales que pueden llegar a poner a prueba a los espectadores no familiarizados con este estilo musical. Porque The Disciple no es puramente un musical, pero gran parte de su metraje está dedicado a actuaciones o grabaciones en las que lo único que se escucha es música tradicional, lo que provoca el estiramiento innecesario de la duración de la película. The Disciple plantea el enfrentamiento entre el duro camino hacia el éxito que supone el respeto a la tradición del arte y dejarse llevar por las leyes del mercado y las modas representadas por cualquier talent show televisivo, pero está claro por cuál de las dos opciones toma partido Tamhane.
25.- Relic … Directora: Natalie Erika James … Australia / EUA 2020
Relic ha sido catalogada como un clásico contemporáneo, una obra maestra del cine de horror. Al no tener noticias de su madre, Kay va a su casa junto a su hija Sam, para intentar dar con su paradero, donde encuentran varias señales de que la demencia de la anciana ha continuado en aumento. Luego de unos días de búsqueda sin éxito, la anciana aparece en la casa como si nada hubiese ocurrido y sin poder recordar dónde estaba. El comportamiento de la anciana se vuelve cada vez más errático y Kay y Sam sospechan que es producto de una entidad que afecta la casa. Una película australiana de la compañía IFC Midnight que representa un problema psicológico en la forma de una entidad maligna. Lo peor que se puede hacer a la hora de ver Relic es tener expectativas de que estamos ante la película de terror del año, un título que no suele sentarle bien a la cinta a la que se le endosa. Relic no da miedo, ni siquiera tiene sustos ni lo pretende, pero sí que crea un desasosiego que va in crescendo conforme la atmósfera se va tornando más asfixiante e insostenible para las tres protagonistas, encarnadas de forma impecable por Emily Mortimer, Bella Heathcote y Robyn Nevin. La película es similar en forma, fondo e intenciones a la también australiana y muy femenina The Babadook (2014), que también tuvo que lidiar con la etiqueta de “fenómeno del terror” de su año. En definitiva, Relic es un relato profundamente empático que aborda la maternidad, el envejecimiento, las enfermedades mentales, la soledad y el deber familiar desde una perspectiva tan sombría como genuina. Es posible que aquellos que esperen emociones fuertes se sientan decepcionados al encontrarse con un filme pausado que se revela en última instancia como una conmovedora metáfora sobre el inexorable paso del tiempo y sobre cómo este afecta en el deterioro de nuestros cuerpos y mentes. Estupendo debut de la cineasta Natalie Erika James, a la que habrá que seguirle la pista de cerca.
HOMOCINEFILUS by Fernando Bañuelos, Crítico de Cine 