Aquí, la fenomenal historia del polémico y reconocido Zack Snyder y de Antonio Monroi, jóvenes que colisionaron talentos y admiraciones durante la filmación de un comercial de frituras, ambientado en una pirámide maya

Aquí, la fenomenal historia del polémico y reconocido Zack Snyder y de Antonio Monori, jóvenes que colisionaron talentos y admiraciones durante la filmación de un comercial de frituras, ambientado en una pirámide maya

Antonio Monroi, el actor mexicano que en su juventud quedó atónito con el talento del ahora hiper famoso Zack Snyder, durante la filmación de un comercial millonario de botanas en una zona arqueológica maya.

En este reportaje también se cuenta la historia del mexicano Guillermo Navarro, quien después ganaría un Oscar por la fotografía de El Laberitno del Fauno.

El famoso y reconocido realizador de Hollywood, Zack Snyder, se salió con la suya y dobló al poderoso estudio de cine Warner Brothers, logrando refilmar y estrenar, el 18 de marzo pasado, a través de la Plataforma de Streaming HBO Max y con un éxito descomunal y planetario, su visión de cuatro horas de La Liga de la Justicia, después de la brutal presión ejercida por sus fanáticos seguidores en las redes sociales, a través del Hashtag: #ReleaseTheSnyderCut. El triunfo llega después de la fallida versión de La Liga de la Justicia del 2017, inicialmente dirigida por él y abandonada a medio rodaje, debido al lamentable suicidio de su hija Autumn, y mal supervisada, y peor guionizada por el ahora real villano del cine Joss Whedon. La evidencia del triunfo de la versión de Snyder, mejor conocida como SnyderCut, o el corte del director, además de la rotunda aceptación de sus incondicionales, radica en que la percepción del gran público dictamina, que la nueva versión de Snyder, rebasa con mucho a Marvel, hasta ahora, su imbatible enemigo, en el campo de las enajenantes y multimillonarias películas de superhéroes. Así las cosas, la “SnyderCut” es la mejor película del DC Universe, rebasando, de momento, a Los Avengers.

 En ese tumultuario contexto contemporáneo, es menester recordar un episodio del pasado en la vida creativa de Snyder que aquí se narra. El virtuoso encuentro de dos jóvenes talentosos; el realizador Zack Snyder y el actor Antonio Monroi, en una pirámide maya, durante la filmación de un multimillonario comercial de botanas en Copán, Honduras. El momento crucial del inicio de dos carreras en el mundo del cine, y del arte en general, que detonarán de maneras muy distintas, pero, tremendamente fructíferas ambas.

Descansando, aún con el vestuario puesto, después de un intenso día de rodaje. A la izquierda de Antonio Monroi, la asistente de dirección de Zack Snyder

“La soberbia es la humildad suprema” Antonio Monroi

La historia de este reportaje se remonta a los años 1993 y 1994, cuando sorprendentemente, confluyeron las incipientes carreras profesionales y los talentos del ahora consumado realizador de Hollywood, Zack Snyder, envuelto en una feroz polémica, que tanto para tirios y troyanos, lo hace gozar de un reconocimiento descomunal por los impecables y alucinantes universos fílmicos que ha creado para once largometrajes, y la de un actor mexicano que desde sus inicios y hasta hoy, ha derrochado profesionalismo y entrega en cada una de las, aproximadamente 42 películas, en las que ha participado alrededor del mundo, dando vida a personajes autóctonos y duros, y prestado su poderosa y grave voz para repuntar y acentuar la historia y los mensajes de al menos 10 cintas.

Zack Snyder y Antonio Monroi impactaron sus carreras, su profesionalismo, afecto y admiración, cuando ambos eran jóvenes. Se conocieron en la zona arqueológica maya de Copán en Honduras, cuando Zack Snyder tenía 27 años, se dedicaba con mucha fortuna y reconocimiento a la filmación de videos musicales y comerciales para televisión, y ya era considerado uno de los mejores directores de anuncios para poderosas marcas en los Estados Unidos. Antonio Monroi recién había debutado en teatro y debutaría entonces, también, y de la mano de Snyder, en el fastuoso mundo de la publicidad.

Para la época a la que nos referimos, Snyder ya contaba con un premio Clío, algo así como el Oscar a la publicidad, y años después ganaría otro, además de un León de Oro de Cannes, también por sus merecimientos en el mundo de los comerciales. Entonces ya no había duda de que el trabajo publicitario de Zack era tan evocador y eficiente, como lo serían sus películas, ya fuera filmando un anuncio de un automóvil épico para Land Rover en Túnez, capturando la esencia emocional de un personaje con Robert De Niro o dirigiendo un spot humorístico de la cerveza Budweiser en el corazón de Estados Unidos. El trabajo de Snyder era, y sigue siendo, la definición exacta de una poderosa narración visual, en ese tiempo, al servicio de las grandes corporaciones. Por eso no fue extraño para nadie, que se lanzara a la aventura creativa de filmar en Centroamérica, un comercial para el multimillonario conglomerado productor de botanas Frito Lay, ambientado en la cultura maya.

Desde muchos años antes, en Estados Unidos, ya era una tradición mercadológica, invertir millones de dólares en un comercial televisivo para incentivar la venta de un producto tan emblemático, y tan prescindible, de la sociedad de consumo, como unas papitas. Hoy, como en décadas anteriores, la creación de conceptos publicitarios, devenidos en avasalladores comerciales de televisión, y su transmisión durante masivos eventos deportivos, se ha incrementado exponencialmente. La costumbre de que los «spots publicitarios», patrocinadores reales de la supuesta televisión gratuita, son tan importantes como los eventos mismos, es hoy mas fuerte que nunca.      

La variedad de productos de la compañia Frito Lay que lidera el mercado de las botanas en Estados Unidos y en el mundo

Faltaban entonces, al menos 10 años para que Snyder filmara su opera prima El Amanecer de los Muertos (Dawn of the Dead / EUA 2004), una de las películas de zombies que aun hoy sobresalen en ese género tan explotado, logrando un excelente remake del clásico dirigido por George A. Romero en 1978. Aceptada por la crítica, y por el gran público, El Amanecer de los Muertos versión Snyder, fue nominada en 2004, al prestigioso premio Cámara de Oro, (Camera d’Or) que se otorga a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Cannes. La atención al detalle y su dedicación a aportar una estética de las bellas artes a la realización cinematográfica habían ya convertido a Zack Snyder en un maestro de su oficio.

Antonio Monroi tenía cuarenta años, unos deseos fervientes de triunfar en el mundo del cine, su voz grave y una apariencia que, entonces le otorgó un papel en el proyecto en el que confluyó con Snyder. Para el actor mexicano era su primera participación en el rodaje de un comercial internacional.  Venía de vivir su también primera experiencia histriónica en la puesta en escena, basada en Tirano Banderas. Novela de tierra caliente de Ramón María del Valle-Inclán, editada en 1926, obra en la que es patente la huella del todavía reciente viaje al México revolucionario del escritor español. La medianamente exitosa temporada de la obra teatral Tirano Banderas en México había terminado, siendo dirigida por el actor Ignacio López Tarso, quien insistía en que el solo era el coordinador de la puesta en escena. Nunca quiso asumir el rango de Director de Teatro.

Memorioso, Antonio Monroi, relata que fue la reconocida directora de casting Claudia Becker, quien le informó de la posibilidad de participar un “comercial de alto presupuesto para Estados Unidos”. También rememora que grabó un video que enviaron a Los Ángeles, California, y que fue el mismísimo Zack Snyder el que lo seleccionó para interpretar el papel de un sumo sacerdote maya. Presuroso tramitó su pasaporte y viajó por avión a Tegucigalpa, la capital de Honduras y después, vía terrestre, recorrió los 392 kilómetros que lo separaban de las ruinas mayas de Copán.

Una mañana, expectante y emocionado, Antonio Monroi llegó a la carpa de vestuario y de maquillaje de la impresionante y costosa producción. Todo era nuevo para él. Sabía además, que en cualquier momento conocería el director del comercial. El joven actor veía su reflejo en el espejo mientras lo maquillaban. Lucía sereno, pero estaba tenso. Zack Snyder apareció justo en el momento en el que maquillaban al actor mexicano. Monroi tragó saliva. Esperaba reunirse con un ogro de la dirección de comerciales, con un carácter explosivo y equidistante al genio y el talento que le precedían. En vez de eso, descubrió a un joven de 27 de años, poseedor de un trato amable, hasta terso, que lo saludó y le sonrió afectuosamente. Ahí mismo le hizo comentarios muy generales sobre su personaje como un jerarca maya y los detalles del rodaje que duro, cuatro extasiantes días. En ese momento, Antonio Monroi, no podía adivinar el fascinante y controvertido futuro del realizador con el que estaba trabajando, tampoco podía adivinar el suyo propio.

La trama del comercial, gira en torno al aburrimiento de una reina maya, cuyo trono de oro, cuajado de joyas preciosas, está situado en la cima de una pirámide. Pese a su fáustica condición y a las comodidades y privilegios de su corte, la soberana está agobiada por el tedio. El sacerdote mayor, interpretado por Antonio Monroi, y los demás súbditos, se desviven por acabar con el enfado de la noble indígena, subiendo y bajando los cientos de pequeños escalones de la pirámide con diversas viandas y golosinas. Ella los desprecia con graciosos mohínes. Nada abate el hastío de la reina, hasta que su agotado séquito, aparece con una bolsa de botanas del conglomerado Frito Lay. Entonces, la soberana sonríe de satisfacción y toda la corte maya, descubre, consume, disfruta, y festeja enloquecida, la existencia de las frituras Frito Lay. Fin de la gracejada.

¿De dónde surgió la idea? Antonio Monroi recuerda que una poderosa agencia de publicidad, la responsable de las campañas de las frituras Frito Lay, le encargó la manufactura del comercial a Snyder. El, admirador de la cultura maya, decidió que ese fuera el tema sobre el que girara el anuncio debido a que había hecho un reciente viaje familiar a Cancún y a la Riviera Maya, donde también visito la impesionante zona arquelógica de Chichén Itzá. Además de que la impactante civilización maya, declaraba a voz abierta Zack, estaba siempre en el inconsciente cultural de los estadounidenses. ¿Por qué fue filmado el comercial en Copán? Los trámites para los permisos eran más sencillos, las autoridades más laxas y el costo de los permisos, mucho más bajo. Pragmatismo puro.

Las ruinas mayas de Copán, Honduras

Al actor mexicano Antonio Monroi le sorprendió la acuciosidad y la escrupulosa atención en los detalles de la producción del comercial dirigido y vigilado hasta la saciedad por Zack Snyder “a quien se le veía gozoso, se le notaba un placer inmenso, resolvía muy rápido las incidencias del rodaje. Talentoso y muy comprometido con su trabajo” recuerda el actor mexicano.

Guiillermo del Toro, director de cine y su director de fotografía y paisano, Guillermo Navarro

La dirección de fotografía, corrió a cargo del, también mexicano, Guillermo Navarro. Los resultados de su concepto estético, fueron excelentes.  Para el año de la filmación del comercial, el fotógrafo ya había liderado seis películas mexicanas, y algo todavía mas importante, había iniciado su relación profesional y artística con Guillermo del Toro, fotografiando La Invención de Cronos (México 1992). Doce años después y 15 importantes películas más, incluidas dos dirigidas por Quentin Tarantino, entre ellas Del Crepúsuculo al Amanecer (From Dusk Till Dawn / EUA 1996), Guillermo Navarro, ganaría el Oscar a Mejor Fotografía por El Laberinto del Fauno (Dir. Guillermo del Toro, México/España 2006). Guillermo Navarro, nacido en la Ciudad de México en 1955, junto con el el realizador Luis Mandoki, representan, a mediados de los ochentas, la primera oleada de mexicanos, deseosos de conquistar Hollywood, y asi alejarse de la depauperada y carente de oportunidades reales, industria del cine en México. La diáspora de directores de cine mexicanos rumbo a Hollywood tiene sus origenes en la amarga consicencia de un grupo de talentosos y avispados realizadores en ciernes, que descubren que en México nunca lograran vencer la despesperante y corrupta burocracia en torno al cine y las estúpidas grillas, politiquerías baratas y eternas descalificaciones que imperan en el medio cinematográfico. Descubren también que en la producción privada de películas, tampoco tienen alguna oportunidad. Las compañías de cine que filman con recursos propios, están en una crisis brutal, debido a su reiterada y contumaz convicción de seguir matando al cine, filmando películas que insisten en ofender la inteligencia del público de la clase media urbana en México.  Desde la década de los setentas, el espectador mexicano resiente que el cine no refleja su sociedad, ni su realidad. Los productores de cine de la iniciativa privada, filman patéticas películas pseudo sexosas, en realidad onanistas, con tramas oligofrénicas y una pésima factura cinematográfica. El Horror Verdadero.

En el comercial también participaron la actriz estadounidense María Cina, como la soberana maya, y los actores mexicanos Rafael Cortés, Damián Delgado y Fernando Navarro. También fueron contratados 300 extras hondureños, con rasgos indígenas.

A partir de este complejo rodaje, Antonio Monroi supo distinguir de un anuncio publicitario de mucho presupuesto y gran aliento, realizado por alguien con talento de sobra, de producciones menos afortunadas. El rodaje de este comercial de televisión, por insulso que fuera el mensaje, se convirtió en el canon a lograra siempre, del resto de sus participaciones en la publicidad

Paradójicamente, Antonio Monroi nunca vio el comercial, que tuvo un éxito descomunal en Estados Unidos. Amigos y colegas del actor, vieron el comercial en aviones y en la televisión de Estados Unidos. Entonces lo felicitaron calurosamente. Hoy no queda ningún vestigio audiovisual del mensaje publicitario, no siquiera en YouTube, esa perturbadora, y a la vez virtuosa, Arca de Noé de imágenes de la Humanidad. Aún así Youtube, está plagado de comerciales de la época que evidencian, el estilo de la publicidad auspiciado por Frito Lay, que se hacía en la época y la percepción de “la casa que se echaba por la ventana” en materia de publicidad que invertía el conglomerado productor de frituras.        

El concepto de la publicidad que monopólicamente utiliza el recurso de lo exótico, de la otredad. Filmar comerciales parodiando el “american way of life” y contrastándolo / incrustándolo en una sociedad milenaria, sabia, compleja y con una profunda concepción artística, entonces estaba bien y dependía de la forma en que se abordaba la cultura maya. Otra consideración: ¿meterse con la cultura maya así nada más, con una civilización que descubrió el concepto del cero absoluto y de la astronomía? Pese al infaltable e inevitable choque cultural, que da como resultado la bastardización y tergiversación de la civilización maya, vista y utilizada por un realizador estadounidense para un subproducto cultural y de consumo, como es un comercial de frituras, el actor Antonio Monroi asegura que nada de lo anterior sucedió. Recuerda la preocupación de Snyder de no ofender o distorsionar, como si eso fuera posible desde el planteamiento de origen. 

Sin duda, al paso de los siglos, cuando se revise escrupulosamente la Historia de la Humanidad, seguro una fuente de información cultural, será a través de los spots publicitarios, mensajes concisos breves, cargados de símbolos y significados de la actividad del ser humano de la época y compendios de la preeminencia del voraz consumismo, pero también un rico muestrario de los sentimientos y aspiraciones del conglomerado humano. Fragmentos de las costumbres de su época, en los que se invirtieron millones de dólares y trillones de neuronas, luchando por logara la creatividad y persiguiendo la captura de la esencia de la humanidad. También se evidenciará, seguro, la preeminencia cultural e ideológica del que domina y el sojuzgado.

La relación profesional ente Snyder y Monroi fue de admiración mutua, pese a los casi 13 años de diferencia de edad, que existían entre ellos. Del nerviosismo y el descubrimiento iniciales, pasaron a la franca colaboración y muy poco después a la camaradería. Zack Snyder quedó muy satisfecho con el desempeño histriónico de Antonio Monroi y le prometió que lo convocaría para trabajar de nuevo. Snyder cumplió su palabra. Pocos años después, ya con más experiencia en el cine, el teatro y en publicidad, Antonio Monroi fue llamado para el casting de un comercial de alto presupuesto de Estados Unidos para la cerveza Budweiser, que sería dirigido por Snyder, desgraciadamente Monroi no pudo trabajar con él, por otro compromiso, previamente adquirido, para trabajar en un documental para la televisora inglesa BBC. Snyder, a través de una agencia de casting en México, presionó hasta donde pudo, para que el actor mexicano aceptara romper el compromiso con la cadena británica. Monroi recibió decenas de llamadas. Incluso le informaron que tenía «carta abierta» para cobrar lo que quisiera. Su mística de trabajo, profesionalismo y lealtad, impidieron a Monroi acepatr la ventajosa propuesta. Otro actor mexicano, la segunda opción de Snyder, aceptó. De haber cedido, Antonio Monroi hubiera destruido el estricto plan de rodaje del documental de la BBC.       

Al paso de casi 30 años, la carrera cinematográfica de Antonio Monroi ha sido fructífera. Ha participado en más de cuarenta películas alrededor del mundo, entre las que destacan Inhala ( Blow, Ted Demme EUA 2001), Blueberry (Jan Kounen, GB/Francia 2004), Apocalypto (Mel Gibson, EUA 2006), Cinco de Mayo: La batalla (Rafael Lara, México 2013), Cuilli & Macuilli, los hijos del Jaguar (Arturo Sánchez Del Villar, México 2019) y en decenas de series de televisión. Nueve largometrajes, donde participa, están por estrenarse.

La carrera de Zack Snyder es impresionante en el marco de las mega producciones de Holywood con una distribución planetaria y miles de millones de dólares en ingresos. Además de su Ópera Prima, consignada antes en este reportaje, el realizador ha dirigido diez películas, dos están por estrenarse. Destacan 300 ( 2006), Watchmen, los vigilantes (2009), El hombre de acero (Man of Steel 2013), y Batman vs. Superman: El origen de la justicia (2016). Pero el realizador Zack Snyder está ahora en el ojo del huracán, situado en medio de una polémica. Su vida profesional oscila entre los millones de seguidores que lo apoyan y otros tantos integrantes del público que rechazan vehementemente la visión que tiene sobre el universo de Batman. Todo este maremágnum tiene que ver con una generación para la que la visión en torno al universo en el que se desenvuelve el Caballero de la Noche es una cuestión de vida o muerte. Aunque Snyder fue reconocido por la Hollywood Critics Association (Asociación de Críticos de Hollywood) con el Premio Valiant, el primero en su tipo, padece de un intenso fuego, avivado por los que rechazan sus concepciones fílmicas.   

Parte de la filmografía de Zack Snyder

Zack snyder dirigiendo su versión de La Liga de la Justicia

El realizador tuvo uno de los momentos más trágicos de su carrera cuando en marzo de 2017 su hija Autumn se quitó la vida. Debido al proceso de duelo el director ya no pudo continuar trabajando en Liga de la Justicia y dejó el proyecto. Warner Brothers puso en su lugar a Joss Whedon, la cinta fue un fracaso en todos los niveles y dio pie a la campaña en redes sociales #ReleaseTheSnyderCut (liberen el corte de Snyder), que dio resultado.

El anuncio de que La Liga de la Justicia de Zack Snyder vería la luz no fue motivo de alegría para todos, en mayo de 2020 cuando se anunció el proyecto, un artículo de Collider dijo que se trataba de un reconocimiento a los fans tóxicos que sólo hacían bullying en redes sociales. En una reciente entrevista con Cinemablend, Snyder defendió a sus seguidores de esas acusaciones: “¿Cómo es eso de un fandom tóxico? Ellos probablemente han logrado más que cualquier otro grupo de fans y han hecho más bien que cualquier otro grupo. Entonces, no lo entiendo”

Lo que resulta innegable es que Zack Snyder, además de estar situado en el centro de la polémica, también se halla en la cima de las noticias que surgen del Hollywood más comercial y rentable.

Aquí les dejamos un Video Documental donde sucintamente se explica el funcionamiento de la Compañía Frito Lay:

El mundo de los comerciales de televisión, la millonaria inversión en producir mensajes audiovisuales que incentiven la compra, también millonaria, de productos de consumo, tóxicos e innecesarios, y ligarlos con los grandes eventos deportivos y musicales, ha evolucionado a tal grado, que ahora los spots televisivos, parecen ser más importantes, que los acontecimientos que supuestamente patrocinan. Aquí les dejamos el más sofisticado, evolucionado, enajenante, subliminal y reciente anuncio de Frito Lay. Lo protagoniza Anna Kendrick, lo que da la idea de frescura y jovialidad y liga el consumo de una gran variedad de tipos de botanas, con la Navidad del pandémico año del 2020. La música, digámoslo con franqueza, liga perfecto con los fines del anuncio. Kendrik, en lo que hace un lúcido y abrumador recorrido por toda la comida chatarra, canta el tema My favorite things, original de la película La Novicia Rebelde ( The Sound of Music / Director Robert Wise / EUA 1965 ), originalmente interpretado por Julie Andrews: 

#RestoreTheSnyderVerse,

Fernando Bañuelos Crítico de Cine,

Crítica de Cine,

Estrenos de Cine,

Director de Cine,

Crítico de Cine Fernando Bañuelos,

En la Historia del Cine, las 15 películas más importantes sobre La Pasión de Cristo. Épicas, perturbadoras, trascendentales. Ningún otro personaje ha inspirado tantas cintas como Jesucristo

En la Historia del Cine, las 15 películas más importantes sobre La Pasión de Cristo. Épicas, perturbadoras, trascendentales. Ningún otro personaje ha inspirado tantas cintas como Jesucristo

La inmensa, icónica, controvertida, inconmensurable, imponente y devaluada figura del Hijo de Dios, tiene cientos de referencias en la Historia del Cine. Decenas de películas detentan como tema central La Vida y Pasión de Jesucristo.

La mayoría de las cintas le rinden culto y otras, las menos, cuestionan su paso por el mundo. Otras lo sitúan como un simple mortal con un profundo carácter persuasivo y transformador. Las más perturbadoras, actualizan su figura, ponen al día su mensaje y lo entronizan como el primer revolucionario y el primer socialista en la Historia de la Humanidad. Las más, pretendidamente irreverentes, ponen en tela de juicio su sexualidad. 

La más recientes versión sobre Jesús, nos acerca a una Pasión de Cristo sangrienta, hasta el grado de la crueldad, bajo la égida propagandística, conservadora y de expiación de culpas, atenida a la más rancia tradición judeocristiana que se remite a una Secta nacida en pleno Obscurantismo de la Edad Media y del Concilio de Trento.

Bajo la premisa de “revisar el pasado para entender el presente” cada época histórica y cada sociedad, han filmado películas que han revisado el legado ideológico de Jesucristo desde sus parábolas y milagros, además de la fundación de una religión que, para bien o para mal ha determinado la vida de miles de millones de seres humanos.

Frases como “Dios es Alá y Mahoma su profeta” o “Dios es Alá y Mahoma su papá”  y “la religión es el opio del pueblo” cobran un sentido trascendental y contrastante cuando revisamos las épicas películas bíblicas que, principalmente el cine de Hollywood, ha filmado teniendo como tema principal al Jesucristo más adocenado y propagandístico, por cierto, muy festejado y auspiciado  por el Vaticano.

Muy pronto, en los inicios del cine, el Séptimo Arte abordó el tema de la vida de Jesucristo. Para cuando nace el cine, hay ya consolidado toda una manera de leer los evangelios en clave de guión dramático, que consiste principalmente en una armonización de los datos discordantes de los cuatro evangelios, y en privilegiar los momentos más plásticos de los acontecimientos en torno a la cruz, flagelación, caídas de Jesús, encuentro con las mujeres de Jerusalén y encuentro con la Madre, por sobre los abundantes aspectos del relato que llevan al lector de la Biblia a establecer una relación entre la figura de Jesús y las “prefiguraciones” del Antiguo Testamento; es decir, un privilegio de lo imaginativo por sobre lo hermenéutico.

El cine se encontró, con un guión ya hecho, e incluso hasta con imágenes que ya estaban en la retina de todos, a través de las múltiples “biblias ilustradas”, así que las primeras pasiones,  cuando abarcaban más, las “vidas de Jesús”, consistían fundamentalmente en recrear con movimiento los grabados de Gustave Doré o las acuarelas bíblicas de James Tissot, organizando las secuencias en conjuntos más o menos estándar y reconocibles por cualquiera que haya hecho un Vía Crucis en cualquier Semana Santa.

El criterio de selección fue considerar sólo las películas más trascendentales, por su vision alternativa, iconoclasta y crítica y con los valores cinematográficos más elevados. 

Amparados en esa idea, aquí les dejamos, no una exhaustiva, sino una muy significativa lista de las que consideramos las quince ( 15 ) más importantes, representativas y perturbadoras películas sobre La Pasión de Cristo. En un riguroso orden cronológico, atendiendo y respondiendo al contexto histórico, social e ideológico en el que fueron filmadas. Tema idóneo para la Semana Santa:

Gólgota

Dir. Julien Duvivier

Francia 1935

La película hace una meticulosa adaptación sobre los últimos días de Jesucristo, siguiendo escrupulosamente el texto del evangelio según San Lucas. Gólgota es la primera Pasión de Cristo realizada en el cine sonoro, no representa una excepción a los trazos gruesos del género: también es una “passion play”, y recoge por tanto esa manera armonizada de leer los evangelios, con sus “estaciones” tradicionales propias del Vía Crucis, así como aprovecha muy bien las posibilidades ya exploradas en el cine de acudir a escenarios naturales. Los exteriores no se filmaron en Tierra Santa, pero sí en Argel, y los grandes movimientos de masas, que esta producción logra acentuar, se  convierten en uno de sus elementos más expresivos y logrados de la cinta. Gólgota no es una obra del montón, ni debe quedar sólo como un objeto del museo fílmico; tiene muchos valores propios, desde estéticos hasta teológicos, pero por sobre todo, logra un conjunto que,  aun pasados más de 90 años, sigue emocionando. Por ejemplo: el guionista de la cinta estuvo al tanto de una muy sólida exégesis del Nuevo Testamento, mucho más que lo que podía ser un conocimiento popular de los evangelios. Toda la obra se inspira fuertemente en el evangelio de San Lucas, lo que se nota en muchos aspectos, pero en dos principalmente: en que la pasión está “llena de gente”, rasgo más que típico de la versión lucana de la Pasión, y en que se exculpa por completo al poder romano. Desde el punto de vista cinematográfico, la película está fuertemente influenciada por el cine nórdico, en especial por el de Carl Theodore Drayer, e incluso es bastante evidente la relectura de Hojas del diario de Satán en el aspecto de la compra de Judas, que sin embargo no es una mera repetición de lo que ya había hecho Dreyer.

Jesús de Nazareth

Dir. José Díaz Morales

México 1942

Jesús de Nazareth es la primera película mexicana que aborda la vida, pasión, y muerte de Jesús de Nazaret. Fue dirigida por José Díaz Morales, protagonizada por el argentino José Cibrián y estrenada el 27 de marzo de 1942. Después de los turbulentos años de la Guerra Cristera y de un profundo malestar religioso en el país, el presidente Manuel Ávila Camacho, ferviente católico y, además pretendido mandatario conciliador, sugirió a los cineastas tratar temas religiosos en su obra. Entonces, el exiliado español José Díaz Morales se dio a la tarea de filmar esta película, con actores españoles en su mayoría. En general, tuvo éxito en taquilla aunque fue considerada por la crítica más apegada al punto de vista del director que a las escrituras bíblicas.  ¿De qué trata? Jesús es bautizado, da el sermón de la montaña, da la vista a un ciego, redime a María Magdalena, reprende al rico, es ungido, resucita a Lázaro y expulsa a los mercaderes del templo. Después celebra la última Cena, ora en el Huerto de Getsemani, es traicionado, llevado ante el Sanendrín, ante Pilatos y ante Herodes. Se le obliga a cargar su cruz, es crucificado en el Calvario y al tercer día resucita. La cinta fue estrenada en los cines Palacio Chino y Rex de la Ciudad de México donde se mantuvo en cartelera por 4 semanas. En el reparto también se encuentran Adriana Lamar como María Magdalena y Aurora Walker como la Virgen María. Jesús de Nazareth dura 100 minutos. Durante la filmación de la cinta acudió a los estudios el entonces Arzobispo Primado de México, Luis María Martínez, que dirigió a los actores un discurso de pronóstico reservado. Aquí sus palabras: “Para realizar una obra artística se necesita una atención y una solicitud exquisitas, solamente así se puede producir la belleza, pero para hacer la obra apostólica, para llevar a la inteligencia de los demás el conocimiento y el amor de Jesucristo Nuestro Señor necesitáis algo más, necesitáis amor, necesitáis devoción. Que Dios os bendiga, que vuestra película sea un éxito, no solo bajo el punto de vista artístico sino bajo el punto de vista cultural y apostólico, para que vosotros contribuyáis con vuestros esfuerzos a que Jesús sea conocido, sea amado y sea venerado”.

El Mártir del Calvario

Dir. Miguel Morayta

México 1952

El mártir del Calvario es una película mexicana dirigida por Miguel Morayta, filmada a partir del 4 de febrero de 1952 en los estudios Tepeyac y estrenada en la Ciudad de México el miércoles de la última semana de cuaresma, es decir el 2 de abril del mismo 1952 en el cine Arcadia, donde permaneció en cartelera por cuatro semanas. Tiene una duración de 113 minutos. Se suele considerar a esta cinta como la más representativa del género bíblico, producida en México. La cinta participó en la selección oficial del Festival de Cine de Cannes de 1954. En los roles protagónicos aparecen Enrique Rambal como Jesucristo, Consuelo Frank como la  Virgen María, Manolo Fábregas como Judas Iscariote y José Baviera,  en la cuarta y última vez que encarnó a Poncio Pilatos, y la actuación especial de Alicia Palacios como María Magdalena. Debido al poco presupuesto de la producción, fue necesario realizar la filmación exclusivamente en los foros de los estudios Tepeyac de la Ciudad de México. Enrique Rambal se sometió a un régimen arduo de ejercicios y alimentación, pues se cuenta que la cruz con la cual realizó las escenas para su llegada al Gólgota, no era de utilería. Para complementar su preparación, a Enrique Rambal, quien en ese entonces tenía 28 años de edad, se acercó al baptisterio católico. Se cuenta que en numerosas ocasiones se le veía constantemente en la iglesia de La Conchita, en Coyoacán. En esta película, como ya se mencionó, José Baviera, interpreta por cuarta y última vez a Poncio Pilatos, después de interpretarlo en las películas Jesús de Nazareth de 1942, María Magdalena, pecadora de Magdala  ( Dir. Miguel Contreras Torres / México 1946 ) y Reina de reinas: La Virgen María ( Dir. Miguel Contreras Torres / México 1948 ).  ¿De qué trata Jesús de Nazareth? Jesús rodeado de sus discípulos hace andar a un paralítico, pronuncia el sermón de la montaña, multiplica los peces, devuelve la vista a un niño, redime a la pecadora Magdalena, resucita a Lázaro y arroja del templo a los mercaderes. Luego Judas lo vende y él celebra con los apóstoles la última cena. Después es apresado y coronado de espinas. Judas arrepentido se ahorca. Jesús es crucificado. Muerto, resucita y sube al cielo al tercer día. Independientemente del aspecto religioso, en el cual se basa esta película de la llamada Época de Oro del cine mexicano, su mayor acierto radica en el arraigo hecho en el contexto católico mexicano, gracias a su constante difusión en cadena nacional, sobre todo en la Semana Mayor. Indudablemente que a temprana edad las laceraciones perpetradas en contra de Enrique Rambal, quien encarna a Jesús, son efectivas entre quienes la ven, pero que con el tiempo y algo de análisis se concluye que nada es objetivo, resultando en una trama y escenografías de un cartón evidente y  risible, en el cual ni escenografías, ni interpretaciones, mucho menos los parlamentos o bien el argumento, avalan la calidad.  El Mártir del Calvario es una de las cintas mexicanas más conocidas sobre la vida de Jesucristo, ya que por mucho tiempo, casi 60 años, la televisión comercial se ha encargado de transmitirla año tras año durante Semana Santa. El Mártir del Calvario no sólo fue una película exitosa en México, sino que se dio a conocer en el mundo después de haber sido nominada al Gran Premio, la Palma de Oro, del Festival de Cine de Cannes en 1954.

El Manto Sagrado

( La Túnica Sagrada )

( The Robe )             

Dir. Henry Koster

EUA 1953

En la Roma de Emperador Tiberio, el joven y noble Marcelo Galio encuentra en una subasta de esclavos a la bella Diana, enamorada de él desde que eran niños, y ahora pupila del Emperador. Marcelo se enfrenta en una violenta puja con Calígula, hijo y sucesor de Tiberio, y consigue quitarle al esclavo griego Demetrio. Enterado el emperador de la disputa, castiga a Marcelo enviándolo a Palestina en calidad de tribuno. Cuando llega, Poncio Pilato acaba de condenar a Cristo a morir en la cruz. El Manto Sagrado es la primera película rodada en Cinemascope, en aquella época, un nuevo formato, de imagen envolvente y sonido estereofónico, con el que el cine quiso aprovechar las posibilidades de la gran pantalla para “reconquistar” al público, ante la gran amenaza que suponía la enorme popularidad que estaba adquiriendo la televisión. El Cinemascope normalmente se usó durante esa época para filmar películas épicas, aventuras históricas o bíblicas. Hollywood se volcó en la producción de este tipo de obras de gran presupuesto durante al menos una década. Basada en la novela The Robe (1942) del escritor estadounidense Lloyd C. Douglas (1877-1951), The Robe fue un bestseller en su tiempo con más de dos millones de copias vendidas, cuando fue llevada al cine. Marcellus Gallio (Richard Burton) es un oficial del ejército romano e hijo de un senador, el cual es enviado a la lejana guarnición de Jerusalén como comandante, lo acompaña su recién comprado esclavo Demetrio (Victor Mature). Estando en Jerusalén bajo las órdenes de Poncio Pilatos recibe la misión de supervisar la ejecución de tres criminales en el madero del tormento, evento que cambiará su vida cuando descubre que uno de los ejecutados es el Mesías y además de eso gana su túnica en un juego de dados. El encuentro con el Mesías cambiará su vida. El filme nos presenta la posibilidad de una relación del ejecutor del Mesías, con la fe de sus seguidores. Por demás está decir que las actuaciones de Richard Burton y Victor Mature fueron sobresalientes en el filme. La película tuvo un presupuesto de $5 millones de dólares y generó por venta de taquillas la cantidad de $36 millones, solamente en Estados Unidos, más $17,5 millones por el alquiler de la cinta en los videoclubes. El éxito del filme propició una secuela; Demetrio y el Gladiador ( Demetrius and the Gladiators / Dir. Delmer Daves / EUA 1954 ), en la que Victor Mature repitió su papel de esclavo griego.

Ben Hur

( Ben-Hur: A Tale of The Christ )

Dir. Fred Niblo

EUA 1925

La acción se sitúa en el año 26 D.C. Roma somete a los hebreos con una violenta represión. Judah Ben-Hur, un joven judío de familia acomodada, conversa con Messala, un antiguo amigo de la infancia que se ha convertido en centurión romano. Ha pasado mucho tiempo desde entonces y Messala ya no es el mismo. Ben Hur es una superproducción dirigida / realizada por Fred Niblo. Es la segunda adaptación al cine de la novela Ben-Hur escrita en 1880 por Lewis Wallace. La primera, de 20 minutos de duración es de 1907 dirigida por Sidney Olcott. La versión de 1925 se rodó en Italia (Anzio, Livorno y Roma), en California (Inverson Ranch y Santa Catalina Island) y en los Culver Studios también de California, con un abultado presupuesto de 3,9 millones de dólares. Se estrenó para el gran público el 8 de octubre de 1927. La acción tiene lugar en Jerusalén, Roma, Antioquía y el Mar Mediterráneo, entre los años 1 y 33. Narra la historia de Judah Ben-Hur, interpretado por el   mexicano Ramón Novarro, noble judío, nacido alrededor del año 1, leal, desinteresado, honesto y bien parecido. Messala (Francis X. Bushman), arrogante, egoísta y ambicioso, amigo de la infancia de Judah y jefe de las tropas romanas en Judea, le acusa injustamente de atentar contra la vida del nuevo cónsul romano. Lo condena a las galeras de por vida y encierra en prisión a su madre y a su  hermana. Pese a las incidencias de la producción, la obra ofrece una notable y grata fluidez narrativas. El relato se ajusta con mayor fidelidad a la novela, que la versión de 1959. Contrapone las ansias de venganza de Ben-Hur con las enseñanzas de Jesús de Nazaret, en esta ocasión conocidas a través de sus propias palabras, que invitan al amor y al perdón. Cumplida su  venganza, Ben Hur  recupera su fortuna y con ella organiza y levanta dos legiones contra los romanos para proclamar rey de Judea a Jesús de Nazaret. Estos propósitos chocan con el llamado  a la paz de Jesucristo, que proclama que su reino no es de este mundo. La película, pese a ser muda, es una obra muy rica en sugerencias, que conmueve y emociona. El personaje de Ben-Hur, a cargo de Ramón Novarro, es mucho más cálido y próximo que el de Charlton Heston, que se percibe como hierático y distante. Nueve escenas fueron rodadas en color (2 colores). Son destacables la escena de la batalla naval,  muy superior a la de 1959, la de los galeotes en la bodega, la de María el 24 de diciembre, el malicioso intento de seducción de Ben-Hur por la pérfida Iras (Carmel Myers), el beso en el suelo de Miriam (destinado al hijo que no quiere contagiar), la mujer adúltera, el camino de la Cruz, la de madre e hija en prisión y el terremoto. La estética del film es ecléctica: se aproxima al barroco (María y María con el niño), al modernismo (Iras en traje de gran gala), al romanticismo (montañas del valle de los leprosos) y al expresionismo (Miriam y Tirzah en prisión). La fotografía de la película ofrece imágenes de gran belleza y escenas de extraordinario dinamismo. El guión, del legendario June Matis, demuestra una sorprendente capacidad de sugestión. Las interpretaciones son admirables. La dirección crea una obra memorable. Ben-Hur está considerada como la más conocida película de la etapa muda de la Metro-Goldwyn-Mayer. Para la imprescindible carrera de cuadrigas se utilizaron 42 cámaras con sus respectivos operadores, 56.000 metros de película, reducidos por el jefe de montaje, Lloyd Nosler, a unos vertiginosos 210 metros de trepidante ritmo cinematográfico y grandes escenografías. En el trabajo técnico destacó el responsable de los efectos especiales, J. Arnold Gillespie, que usó cuatro mil extras y varios miles de muñecos articulados para crear la ilusión del Coliseo de Antioquía, en realidad debería haber sido un circo romano atestado de espectadores. Sobre este metraje se introdujeron posteriormente los primeros planos de Ramón Novarro y Francis X. Bushman. La cinta cuenta con varias secuencias en Technicolor de dos colores, sobre todo las secuencias que implicaban a Jesús. Uno de los ayudantes de dirección de esta secuencia era el joven William Wyler, que dirigiría el remake de 1959. Cedric Gibbons, cuya maestría se mantuvo durante décadas, había debutado en 1915 en los Estudios Edison para proseguir después su carrera en el departamento de decorados de la Metro-Goldwyn-Mayer hasta 1956. Precisamente en los citados estudios comenzó su colaboración con uno de los técnicos de efectos especiales más brillantes de todos los tiempos: Arnold «Buddy» Gillespie. Gillespie y Gibbons trabajaron en esta, una de las producciones más notorias de esta época, o sea la versión de 1925 de Ben-Hur. La historia de los desastres que jalonaron la filmación de esta historia, habla por sí sola de los riesgos que significaban algunos de estos rodajes. Para empezar, las disensiones políticas durante las localizaciones en Italia, en los tiempos de fascismo, provocaron la falta crónica de electricistas competentes. Durante el rodaje de la carrera de cuadrigas, docenas de caballos y por lo menos un especialista resultaron muertos, y aún se siguen haciendo conjeturas sobre cuántos extras se ahogaron durante la batalla naval entre los barcos romanos y los galeones piratas. Fue entonces cuando una denuncia por estafa contra la compañía Goldwyn, obligó a Louis B. Mayer e Irving Thalberg a regresar a California y terminar Ben-Hur con la ayuda del equipo de efectos especiales de la MGM. Pese a todos estos sucesos, no se escatimaron gastos, con la creencia de que en esta película, la recién creada Metro Goldwyn Mayer se jugaba el ser o no ser; y con decisión, la obra fue culminada para su estreno a fines de 1925. Ben Hur fue el proyecto más complejo de la recién creada empresa y con ella, Louis B. Mayer e Irving Thalberg pretendieron demostrar cómo una producción enorme podía transformar a la MGM en la productora más importante de Hollywood. Samuel Goldwyn consiguió hacerse con los derechos de autor hacia 1920 de la novela de Lewis Wallace, por lo que pudo titularse exactamente como la obra de la que procedía, originalmente Ben-Hur: A Tale of the Christ. Lewis Wallace dijo que escribió Ben-Hur como una manera de interpretar sus propias creencias acerca de Dios y de Cristo. También se ha asegurado que él, antes había sido incrédulo y fue precisamente a través de sus estudios en documentos de la época para redactar su novela, que llegó a la conclusión de que realmente existió Jesús de Nazaret. El estilo literario de la novela combina el romanticismo y la espiritualidad, común en las novelas sentimentales del siglo XIX. Muchos miembros del clero que eran opositores de las novelas en general, a partir de Ben-Hur, cambiaron de parecer y, en consecuencia, su aprobación ayudó a que Ben-Hur se convirtiera en una de los novelas bestseller de su tiempo. Este hecho, no sólo ayudó a eliminar cualquier resistencia persistente en Estados Unidos a la novela, sino que contribuyó, entre otros, a la introducción de muchos seguidores del cristianismo al teatro y al cine. Ben-Hur ha sido muy popular; a menudo aparece en las listas principales de la literatura estadounidense. Debido a ello también hay que decir que su fama es controvertida. Hay quien opina que para muchos críticos literarios ha llegado a ser una fuente de frustración debido a la desproporción entre su rotunda popularidad y su baja calidad literaria. Sin embargo, otros críticos dicen que es muy entretenida y fascinante, con una trama bien estructurada y una apasionante historia.

Ben Hur

( Ben Hur ) 

Dir. William Wyler

EUA 1959

Rodada en 1959, Ben-Hur es una película épica, descomunal e inolvidable, en cuya realización participaron algunos de los talentos más destacados del Hollywood clásico. A William Wyler le tocó en suerte rodar la tercera versión de la novela Ben-Hur: Una historia de los tiempos de Cristo, escrita en 1880 por Lewis Wallace. El libro en cuestión, un bestseller que fue llevado al teatro antes de pasar al celuloide, es de una extensión desmedida, y sus ocho partes tienen una calidad muy desigual. ¿Cómo es posible que semejante catafalco literario diese lugar a una película tan dinámica? En realidad, imágenes tan inolvidables como la carrera de cuadrigas o la batalla entre la escuadra de galeras y los piratas del Egeo tienen otra referencia, paralela al texto de Wallace. El gigantismo de la adaptación literaria al cine, una extravagancia similar a las primeras producciones de Cecil B. DeMille, tiene su apoteosis en la mencionada carrera, captada por 42 cámaras y otros tantos asistentes. William Wyler, fue el encargado de comandar el enorme equipo que volvió a la vida cinematográfica el universo de Lewis Wallace en 1959. El guión escrito por Karl Tunberg tuvo que ser recortado, sobre todo porque la novela comienza con el encuentro de los Reyes Magos en el desierto, y ello hubiera implicado un metraje inadmisiblemente largo. Para mejorar el libreto de Tunberg, dos intelectuales se sumaron al equipo de escritores no acreditados: Gore Vidal y Christopher Fry. A Vidal se le adjudica el mérito de introducir, entre líneas, un subtexto homosexual. El propio Vidal ha dado detalles en torno a esa interpretación suya de la relación que une a Judah Ben-Hur y a Messala, y que atañe especialmente a este último. Los rumores han engrandecido esta aportación de Vidal, que quizá sea más un proceso de intenciones que una realidad. Quizá sea más sensato atribuir el tono de la trama y las bondades del libreto a un dramaturgo tan experimentado como Fry. En todo caso, cuando la cinta se estrenó en el Loew’s State Theatre de Nueva York el 18 de noviembre de 1959, nadie reparó en esa orientación de los protagonistas. De hecho, Ben-Hur se consideró entonces un espectáculo familiar, idóneo para toda clase de públicos y muy respetuoso con las creencias de judíos y cristianos. Once premios de la Academia de Hollywood, convirtieron a esta superproducción en un ejemplo de lo que la Meca del Cine era capaz de hacer para que la audiencia, fascinada por la televisión, regresara a las salas de cine. El reparto estelar está encabezado por Charlton Heston, quien da vida a Ben-Hur, el comerciante de Jerusalén que se ve enfrentado al tribuno romano Messala, su amigo de la infancia, encarnado por Stephen Boyd. Aunque ahora es difícil imaginar a otro intérprete en el mismo papel, lo cierto es que antes se lo ofrecieron a Burt Lancaster, a Paul Newman y a Rock Hudson. La trama es bien conocida. La caída accidental de una teja durante la llegada del nuevo gobernador de Judea, convierte a Ben-Hur y a su familia en sospechosos de rebeldía. Ben-Hur es condenado a las galeras, y durante una batalla, salva la vida del cónsul Quinto Arrio (Jack Hawkins), quien lo convierte en su ahijado. Posteriormente, el jeque árabe Ilderim (Hugh Griffith) proporciona a Ben-Hur los corceles que le permitirán participar en esa carrera donde se ha de vengar de Messala. La magistral partitura de Miklós Rózsa, una de las bandas sonoras más escuchadas de todos los tiempos, contribuyó a engrandecer la película con ese poderío épico que la caracteriza. En cualquier caso, más allá de las notas musicales, lo que realmente permitió que Ben-Hur se convirtiera en una producción monumental fue el presupuesto. Metro-Goldwyn-Mayer pasaba por una crisis, pero en lugar de replegarse, decidió poner quince millones de dólares a disposición de Wyler, que rodó la película en un formato de 70 mm., distribuyendo la acción en trescientos decorados distintos. Al final, esa confianza se vio recompensada con una recaudación inicial de noventa millones de dólares. Para filmar la versión de 1959, William Wyler contó con un equipo muy experimentado, que aprovechó el legado técnico de la anterior versión. El encargado de dirigir la segunda unidad en los Estudios Cinecittà, en Roma, donde se filmó la carrera de cuadrigas fue Andrew Marton, que aprovechó un decorado excepcionalmente grande: el Circo Máximo, ocupado por 15.000 extras. Aunque el especialista Nosher Powell extendió el rumor de que un compañero había perecido durante el rodaje de una escena, el jefe de especialistas Yakima Canutt confirmó una y otra vez que nadie había salido gravemente herido en esta legendaria producción. Obviamente se pueden hacer lecturas más profundas de esta película. Hay quien considera que es un alegato racista contra los blancos, sobre todo focalizado en los romanos que representan el mal. Otros prefieren ver un mensaje sionista dirigido a enaltecer las virtudes del pueblo de Israel frente a la opresión del mundo, nada raro teniendo en cuenta el poder del lobby judío en Hollywood. Y en esa línea podemos observar que el personaje de Ben-Hur es virtuoso en extremo, llegando a escenas ilógicas como cuando tras la carrera le dice a Mesala “No veo a ningún enemigo”. Cuanto menos curioso teniendo en cuenta que llevaba toda la película queriéndolo matar. En cualquier caso dejaremos este asunto a consideración del público.  Finalmente, no podemos acabar esta crítica de Ben-Hur, sin hacer una mención especial a dos de los profesionales que contribuyeron a que esta película sea probablemente la más grande de todas las que se han rodado. Robert L. Surtees, un mago de la fotografía que ya había trabajado en Quo Vadis y que realiza una labor impecable y el compositor de origen húngaro Miklós Rózsa, del que podríamos citar tantas y tantas películas donde dejó su sello personal. Es muy posible que la premiada banda sonora compuesta para Ben-Hur sea una de las mejores de su carrera, pero es justo destacar que también en títulos de corte dramático como Cuéntame tu vida ( Spellbound / Dir. Alfred Hitchcock / EUA 1945 ), fue capaz de alcanzar la excelencia. Siempre que se habla de cine y espectáculo se piensa en Ben-Hur, porque es una película que contiene todo aquello que un blockbuster debe poseer. Grandes interpretaciones, personajes bien trabajados, una historia cautivadora, un diseño de producción excelente, secuencias memorables y una mano firme gobernando la nave. La mayor prueba de todo ello es que pasados casi sesenta años, esta obra maestra del cine sigue conservando la frescura y la épica que en su momento la convirtieron en un éxito de taquilla.  

Rey De Reyes

( King of Kings )             

Dir. Nicholas Ray

EUA 1961

¿De qué trata? Cuando las legiones de Roma conquistan Palestina, en un establo de un pueblo llamado Belén nace un niño que es adorado por pastores y por los tres Reyes Magos de Oriente, que han acudido a él guiados por una estrella. Ante el rumor de que ha nacido el Mesías, el rey Herodes ordena asesinar a todos los recién nacidos. Pero María y José, padres del recién nacido, consiguen huir y salvar la vida de su hijo. Rey de Reyes es una película solemne, técnicamente asombrosa, emocionalmente apasionada y estéticamente creativa. Nicholas Ray dirige con una sabiduría inclasificable una obra que es un lienzo de pinturas frías y rojos brillantes, figuras tenebrosas, sedas rasgadas, romanos imponentes y monarcas en lujosa decadencia. Historia y Religión unidos en una trama que no sigue el patrón que se presupone para contar la vida de Jesús, sino que aporta una visión personal y mucho más amplia de los acontecimientos, desarrollando las luchas políticas, el nacionalismo judío y el punto de vista de la Roma imperial. En los primeros minutos de metraje, que sirven como presentación del contexto histórico de la película, es donde Nicholas Ray demuestra que la muerte puede rodarse desde muy distintas perspectivas. Lo principal, sin embargo, sigue siendo Jesús. Este Cristo es sagrado de los pies a la cabeza, grandioso y divino hasta en las sombras que proyecta. El actor Jeffrey Hunter hace un trabajo sensacional y sus escenas son todas de una potencia visual y un tratamiento espiritual únicos. Trasciende la pantalla, y las lágrimas brotan porque uno no puede, ni debe, quedarse impasible ante el amor puro, el perdón más absoluto y la bondad más sincera. “No lloren por mí”, dice Jesús camino del Calvario. Se trata de una obra que ha marcado e influido de una manera total a las películas posteriores sobre Jesús, con lo cual aumenta su mérito. Rey de Reyes es también un lujoso remake en color y en Macropantalla, del filme homónimo de finales del período mudo dirigido por Cecil B. DeMille en 1927, y que narra la historia de Jesús desde su nacimiento en Belén, con Judea bajo la dominación romana, hasta el momento de su resurrección, pasando por los días de su vida y milagros, su pasión, y su muerte en la cruz. Samuel Bronston fue un productor independiente norteamericano de origen ruso que edificó un pequeño imperio cinematográfico en la España de los primeros años 60. Un imperio efímero y con los pies de barro, por supuesto, pero que no obstante puso a Madrid en el mapa de las grandes capitales del cine mundial, como un segundo Cinecittá o un Hollywood en miniatura.  A mediados de los años 50 decide entrar de lleno en el negocio de hacer películas, para lo que el sur de Europa, y concretamente Italia y España, ofrecía entonces grandes oportunidades y facilidades. Rey de Reyes va a ser su primer gran proyecto verdaderamente personal, el punto de partida del efímero “Imperio Bronston”, que revolucionará el panorama cinematográfico español durante la primera mitad de los años 60. En aquellos momentos Bronston había formado una sociedad, una compañía llamada Brofar, con el realizador de El Capitán Jones, (1959), John Farrow (Sidney, Australia, 1904-Beverly Hills, California, 1963), casado con la actriz Maureen O´Sullivan y padre de Mia Farrow. John Farrow había escrito en 1953 un guión sobre la vida de Cristo titulado Son of Man, que esperaba convertir en una película que se filmase en la propia Tierra Santa. Pero Bronston , si bien estaba ilusionado por la perspectiva de llevar nuevamente a la pantalla la historia de Jesús, no apreciaba en absoluto lo que Farrow había pergeñado, comenzando por el propio título, que después sustituiría provisionalmente por The Sword and the Cross ( La Espada y la Cruz). Entonces, mientras conseguía la bendición del Vaticano para el proyecto, así como el apoyo de las autoridades españolas, Bronston comenzó a buscar un nuevo guionista y también un nuevo director, y se deshizo de Farrow, un católico militante. El guionista elegido fue el norteamericano Philip Yordan (Chicago, Illinois, 1914-La Jolla, California, 2003), que gozaba de un gran prestigio profesional ya que había ganado el Oscar al Mejor Argumento por Lanza Rota (Broken Lance, Edward Dmytryk, 1954), y de una buena reputación como elemento progresista y que era en sí mismo una especie de empresa que daba trabajo a escritores marginados por la Cacería de Brujas Macarthysta, utilizándoles como “Negros” (Ghost writers / escritores fantasma) y remunerándoles bastante mal. Yordan firmará el guión definitivo, en el cual colaboraron el escritor español Enrique Llovet (Málaga, 1917-Madrid, 2010), el dramaturgo italiano Diego Fabbri (Forli, 1911-Riccione, 1980) y el norteamericano Ray Bradbury, que escribirá el texto que leerá el narrador Orson Welles y el clérigo y teólogo anglicano George Dunbar Kilpatrick (Coal Creek, Columbia Británica, Canadá, 1910-1989), coordinando todo el material y adaptándolo a la ortodoxia, tratando de no disgustar a católicos, protestantes o judíos. Y en cuanto al título Rey de Reyes, parece ser que fue el propio Philip Yordan quien lo sugirió. Y a pesar de que ya lo había usado Cecil B. De Mille en el filme de 1927, sorprendentemente no estaba registrado, pues era una expresión de dominio público entre los cristianos para referirse a la figura de Dios. Antes de que existiese un guión propiamente dicho, ya había locaciones y Bronston ordenó que se diseñara y construyese a tamaño real el Templo de Salomón, ya que no le gustaba utilizar en sus películas maquetas o Juguetes, tal como él las llamaba. El director artístico fue el prestigioso Georges Wakhevitch (Odessa, Ucrania, entonces Rusia, 1907-París, 1984). Había también, lógicamente, que buscar al protagonista y escoger un reparto. Para incorporar el papel de Jesús se barajaron varios nombres; Keith Michell, Tom Fleming, Peter Cushing, Christopher Plummer e incluso el sueco Max Von Sydow, que lo interpretaría algunos años más tarde en La Historia más Grande Jamás Contada ( The Greatest Story Ever Told, George Stevens, 1965), pero el elegido fue finalmente Jeffrey Hunter, un actor que el mismísimo John Ford había recomendado, tras trabajar con él en Más corazón que odio o Centauros del Desierto ( The Searchers, 1956 ), y al que también avalaba el excelente director que Bronston había contratado en Italia, Nicholas Ray, quien lo había tenido a sus órdenes en La Verdadera Historia de Jesse James (The True Story of Jesse James, 1957), y que entonces tenía justamente la misma edad que Cristo en el momento de su pasión y muerte, 33 años. La banda sonora, por su parte, va a ser compuesta por el gran Miklós Rózsa (Budapest, Hungría, 1907-Los Ángeles, California, 1995). El rodaje se inició el 24 de abril de 1960, y se llevó a cabo en los estudios Chamartín y Sevilla Films de Madrid, en lo referente a los interiores, y en locaciones situadas en las provincias de Madrid, Ávila y Toledo para los exteriores. Y debido a graves problemas de financiación, puesto que los costes de producción se habían disparado enormemente, la todopoderosa Metro-Goldwyn Mayer acabará por entrar en el proyecto, aportando el dinero necesario para terminarlo, pero imponiendo sus condiciones, que se materializaron en varios cambios en el guión, la aparición de nuevos personajes, volver a rodar algunas escenas y filmar otras adicionales, lo que corrió a cargo del director Charles Walters (Pasadena, California, 1911-Malibú, California, 1982), y en el absoluto control de la edición definitiva. Así a Nicholas Ray le fue despojada la posibilidad de la edición final, aunque contractualmente el realizador de Rebelde sin Causa tenía derecho a ello. Rey de Reyes se estrenó el 30 de octubre de 1961 en los Estados Unidos, obtuvo un éxito relativo, aunque seguiría dando beneficios. En España, concretamente, recaudó alrededor de 9 millones y medio de pesetas de la época. Rey de Reyes es, a pesar de todo, probablemente la mejor película producida por Bronston en España. Y en ello tiene bastante que ver el buen pulso narrativo de su realizador, Nicholas Ray, pero también un guión inteligente, en el que colaboraron las brillantes personalidades. A despecho de su aparente ortodoxia, con un tema como este no podían tomarse demasiadas libertades a principios de los años 60. , Respecto a la visión que se nos ofrece de la figura de Jesús no es nada hierática ni distante, sino todo lo contrario. Un actor como Jeffrey Hunter, hasta aquel momento especializado en westerns y películas de acción, le confiere al personaje una innegable humanidad y una proximidad muy creíbles. Nicholas Ray pone en imágenes la historia de Rey de Reyes mediante una realización poco convencional para la época y el género, estilizada y pródiga en encuadres atípicos e intimistas y con un hábil empleo de la profundidad de campo, tratando de huir tanto de lo superficialmente épico, ejemplificado por los “Colossal Hollywoodenses” que a todos se nos vienen a la cabeza y que hicieron fortuna en los años 50 y los 60, como del fácil recurso a un melodramatismo más o menos macabro, y a este respecto son ejemplares las secuencias de la pasión y muerte de Cristo, el Via Crucis y la crucifixión, contadas siempre de una forma muy elíptica, con un gran respeto y elegancia visual, casi más sugeridas que mostradas. Ello da lugar a un filme muy agradable de ver a pesar de lo dilatado de su metraje y lo conocido de su argumento, y que cuenta también con espectaculares escenas de masas muy bien resueltas, como la del Sermón de la Montaña.

El Evangelio Según San Mateo

( Il Vangelo Secondo Matteo )

Dir. Pier Paolo Pasolini

Italia-Francia 1964

Tercer largometraje  realizado por Pier Paolo Pasolini, basado en el evangelio de San Mateo. Se rodó en exteriores de la región de Basilicata, en Potenza y Matera, el volcán Etna, en Sicilia y en Viterbo, provincia de Lacio y en los estudios Incir de Paolis en Roma, entre abril y julio de 1964. Nominado a 3 Premios Oscar, obtuvo el Premio Especial de Jurado de Venecia. Producido por Alfredo Bini, se estrenó el 4 de septiembre de 1964 en Italia. La acción tiene lugar en los años 0 a 2 y 30 a 33 DC, aproximadamente, en Belén, Egipto, Nazaret, el lago Tiberíades, Jerusalén y alrededores. Se transcriben hechos y palabras de Jesús de Nazaret, según la versión de San Mateo, comprimida y ajustada a un metraje de unas 2 horas. La película explica una historia dramática, adaptada al cine en numerosas ocasiones. La narración es artesanal, imperfecta, sencilla y no artificiosa. Se dan cambios de ritmo, luz y sonido, encuadres mejorables, algunas brusquedades y precipitaciones que confieren al filme un grato sabor de autenticidad y espontaneidad. De inspiración estética neorrealista, filmada cámara en mano, los actores no son profesionales y el guión se extrae del texto de San Mateo, o sea Mateo de Cafarnaúm para sus coetáneos. Se obtiene un relato de apariencia documental, como si hubiera sido rodado durante la acción. No se glorifican los hechos y no se cae en divinizar al protagonista. Éste usa cabellos cortos, sin las melenas tradicionales, y es de complexión asténica en contradicción con las formas atléticas tradicionales. No habla con el tono melifluo de un predicador religioso, sino con la fuerza y el vigor propios de un líder obrerista, además se explica con firmeza, no exenta de cierta altanería. Contesta las preguntas con otras preguntas, parábolas o alegorías, que desconciertan a sus oponentes. Rechaza los valores asociados al poder y la riqueza. Exalta la justicia, la solidaridad, la misericordia, el perdón y la paz como en el Sermón de la Montaña. Los milagros se exponen sin exageraciones, sin melodías triunfales y sin tomas espectaculares. La crueldad de la crucifixión se muestra con tomas generales y puntos de vista distantes. Para Pasolini lo importante no es el dolor del sacrificio, sino el valor de las enseñanzas. La música, coordinada por C. Rusticelli y L.E. Bacalov, incluye fragmentos de Bach, la Pasión según San Mateo, Agnus Dei, 2 conciertos, Serguéi Prokófiev, Cantata de Alexander Nevski, el Gloria de la Misa Luba y el espiritual negro Sometimes I Feel Like Motherless Child. La fotografía, de Tonino Delli Caolli, ofrece primeros planos iconográficos, planos generales de lejanía, encuadres sencillos y barridos descriptivos. Subraya la aridez del paisaje y la soledad del personaje. Es excelente la escena inicial, sin palabras y sin música, de María y José. El vestuario está inspirado en la pintura del siglo  XV de Piero della Francesca. La interpretación del protagonista corre a cargo de Enrique Irazoqui, un estudiante del primer curso de Ciencias Económicas de la Universidad de Barcelona, hijo de madre israelí. En el año 2014, El Evangelio según Mateo, fue designada por el Vaticano como «la mejor obra cinematográfica sobre Jesús», en ocasión del cincuenta aniversario de su creación. La película de Pier Paolo Pasolini sobre Jesús recibió los elogios del Vaticano que destacó que «la humanidad febril y primitiva que el cineasta lleva a la pantalla confiere un nuevo vigor al verbo cristiano que aparece en este contexto aún más actual, concreto y revolucionario». L’Osservatore Romano subrayó que El Evangelio según Mateo de Pier Paolo Pasolini es «una representación que toca las cuerdas sagradas y comienza con un realismo sincero». La película de Passolini se encontraba en el archivo de la Filmoteca Vaticana desde 2005. En una revisión del material, el filme mostró signos de pérdida de luminosidad e intensidad de las imágenes, por lo que se tomó la decisión de digitalizarlo. El periódico del Vaticano detalló que «aquello que en la premisa debía ser una película sobre una crisis personal se convierte en una obra que individualiza las enseñanzas cristianas, restituidas en su esencia desnuda y son la herramienta para salir de esa crisis en sí». De hecho, L’Osservatore Romano explicó que el evangelio «en este contexto es aún más actual, práctico, revolucionario», al tiempo que destacó que «es una película sobre una crisis, una obra maestra y, probablemente, la mejor película jamás hecha acerca de Jesús». Por otro lado se pone de manifiesto que la película es un poderoso símbolo de la «Iglesia pobre para los pobres» de Francisco. El Evangelio según Mateo, que Pasolini dedicó al Papa Juan XXIII, se estrenó en el Festival de Venecia en 1964 y ganó el premio del jurado, aunque no tuvo buena acogida entre los sectores católicos.

La Historia más grande jamás contada

(The Greatest Story Ever Told )

Dir. George Stevenes, David Lean y Jean Negulesco

EUA 1965

El paso de Jesús por la Tierra, narrado con exquisita sensibilidad. Espectacular acercamiento al relato evangélico, la película cuenta la vida de Jesús de Nazaret, desde su nacimiento en Belén, pasando por su predicación y milagros, hasta su muerte en la cruz, resurrección y subida al cielo. El filme abarca un gran arco de tiempo y narra los hechos a menudo minuciosamente. Quizá debido a su excesivo metraje, “La historia más larga jamás contada», le han llamado algunos sarcásticamente, pueda resultar en ciertos momentos algo pesada, pero a la vez se trata de una obra magna e inolvidable. Fue dirigida por George Stevens, y en algunas escenas David Lean y Jean Negulesco. La Historia más grande jamás contada abarca detalladamente toda la vida de Jesucristo. Cuenta con un esmerado trabajo de producción y con un amplio reparto en el que figuran, aunque sea en breves apariciones, actores de la talla de Charlton Heston (Juan el Bautista), José Ferrer (Herodes), Martin Landau (Caifás), John Wayne (Longinos) o Sidney Poitier (Simón de Cirene). El actor sueco Max von Sydow, un habitual en las películas de Bergman, que no había participado en ninguna producción en habla inglesa, fue el encargado de interpretar a Cristo. El director George Stevens, que en principio pensó en Richard Burton para este papel, optó por un intérprete cuyo rostro no asociase el público norteamericano a otros filmes. Esta superproducción, que obtuvo 5 nominaciones a los Oscar, fue concebida para ser la película definitiva sobre Jesucristo. Sin embargo, pese a un gran despliegue de medios, sus creadores no consiguieron su objetivo. Los 260 minutos iniciales fueron progresivamente reducidos para su estreno y en ediciones posteriores. Fracasó en la taquilla poniendo fin a las grandes producciones bíblicas que habían proliferado en Hollywood en las décadas de los 50 y 60, en una época en la que el cine comenzaba a experimentar profundos cambios. El prestigioso realizador británico David Lean dirigió, sin acreditar, algunas escenas entre sus famosas películas Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago. El rodaje, como el de cualquier producción de esta envergadura, estuvo plagado de contratiempos. El director de fotografía, William C. Mellor, sufrió un ataque al corazón y murió en el set. Por otra parte, durante la filmación cayeron dos nevadas en la cálida Arizona, que obligaron al equipo a trasladarse a un estudio. Además, el embarazo de Joanna Dunham, a quien correspondía el papel de María Magdalena, obligó a Stevens y al director de fotografía a utilizar planos que ocultasen su estado. La filmación comenzó en 1962 y terminó en 1963, pero no se estrenó hasta dos años después. Jesús se presenta de una manera excesivamente distante, lejos de un adecuado equilibrio entre su carácter divino, muy acentuado, y su humanidad. Además, el relato de su predicación es frío, no recoge la alegría que impulsó a tantos hombres y mujeres a seguir al Maestro, y abrazar una nueva forma de entender la vida. La fotografía y las locaciones en los desiertos de Arizona y Utah, aumentaban la sensación de frialdad. La pretensión de incluir el mayor número de pasajes evangélicos en un tiempo razonable para una película, dio como consecuencia que se mezclasen libremente diversos textos y personajes de las Escrituras, lo que le acarreó críticas, especialmente por algunas escenas en las que estas licencias narrativas son excesivas. La Pasión se representa casi sin mostrar la tortura física que sufrió Jesús. Destaca la notable secuencia de las tentaciones en el desierto, llena de simbolismo y sutileza. Una película colosal como La historia más grande jamás contada es por fuerza un río de anécdotas. La popular cabeza rapada de Telly Savalas fue un corolario de su personaje de Pilatos y se dice que ante la petición de Stevens de que mostrara más asombro en su papel de centurión junto a la cruz, John Wayne cambió su frase en una toma por un “¡Guau, en verdad este hombre era hijo de Dios!”.

Jesucristo Superestrella

( Jesus Christ Superstar )

Dir. Norman Jewison

EUA 1973

Con una propuesta que hoy, con más de cuarenta años encima, sigue siendo tan vanguardista y respetuosa del personaje histórico como al momento de su estreno, Jesucristo Superestrella cuenta lo que le sucedió a Jesús en los días que precedieron su crucifixión. Rodada en unos parcos, polvorientos pero a la vez sobrecogedores paisajes de Jerusalén, la película muestra desde distintos ángulos la desazón, el cansancio y la angustia que rodearon la muerte del que algunos proclamaban como el Hijo de Dios. A través de unas voces cuyos acentos y tonos se amoldan perfectamente a los personajes, son Judas (Carl Anderson) , María Magdalena (Yvonne Elliman), Ted Neely (como Jesucristo) y Poncio Pilatos (Barry Dennen) quienes nos ofrecen su sentida perspectiva de la agonía de este hombre al que, cada uno a su manera, admiraban, amaban, respetaban y, quizás por su condición divina, no entendían. Es increíble cómo, vista más de cuarenta años después, Jesucristo Superestrella conserva intactos el atractivo y la credibilidad de su propuesta: una visión hippie y psicodélica de este personaje traído, por el magnetismo de la música y por sus fascinantes compañeros de escenario, a una modernidad que haciéndolo más humano replantea su propia divinidad. Fue precisamente esta manera de desacartonar y desmitificar al personaje, en tono de rock, lo que hace de Jesucristo Superestrella una película memorable, un verdadero clásico en su género. Para todos aquellos que habíamos crecido con un Jesús dogmático y distante, verlo de pronto en medio de unas puestas en escena modernas, sugestivas y provocadoras fue, y sigue siendo, una experiencia inolvidable. Puestas en escena que lejos de desdibujarla reforzaban aún más su enigmática y sugestiva personalidad. Musicalmente, Jesucristo Superestrella es avasallante. No me refiero a la calidad misma de todas y cada una de sus canciones. Me refiero al estremecimiento que provocan sus letras y a las versiones magistrales de sus intérpretes. Cuántas veces se habrá cantado y cuántas voces habrán cantado el I don´t know how to love him o No sé cómo amarlo de María Magdelena o el angustioso y desesperado Gethsemane (I Only want to say) de un Jesús que no entiende los designios de su creador. La película empieza y termina con la imagen de un autobús desvencijado. En él llegan a un paraje desértico de Jerusalén todos los actores del rodaje. Según la tradición judeocristiana por su ubicación geográfica y específicamente por su altura, Jerusalén era el lugar que habría de permitir una mayor proximidad con el Creador. Al comienzo todos bajan del autobús, descargan la utilería y contemplan, como presagiando algo grandioso y a la vez nefasto, el árido paisaje. En un instante todos se convierten en los personajes que deben interpretar y se sumergen en la representación del final de una historia, la vida de Jesucristo, que habría de marcar para muchos el comienzo de la historia. Al final el autobús parte de Jerusalén. Las caras traslucen cansancio y pesadumbre. La obra ha terminado. Vuelta a la realidad. Todo igual que al principio solo que uno de ellos, el actor o a quien este encarnó, no sube al camión de regreso. Jesucristo Superestrella destaca por la música y la gran actuación y voz de Carl Anderson (en el papel de Judas), Yvonne Elliman (como Maria Magdalena) y Ted Neely (como Jesucristo). Estamos ante una de las mejores óperas-rock que se han creado, un musical de Broadway llevado a la gran pantalla que destaca más por la calidad de las voces que como película. Es una visión hippie y algo psicodélica de una de las historias más grandes jamás contadas que, verdadera o falsa, no tenemos más que ver a lo que ha dado lugar. Destaco, sobretodos, a Carl Anderson que interpreta magistralmente el papel más sufrido de la película con una gran pasión, además de poseer una voz increíble

La Vida de Brian

( Monty Python’s, Life Of Brian )

Dir. Terry Jones

GB 1979

La vida de Brian, es la tercera y quizá la más famosa película del inimitable grupo Monty Python. Como se indica en el título, la película gira en torno a Brian Cohen, nacido el mismo día y prácticamente en el mismo sitio, el pesebre de al lado, que Jesús de Nazaret. Treinta y tres años después, Brian se une a una organización contraria a la ocupación romana de Judea y tras una serie de acontecimientos llega a ser tomado por equivocación como el salvador del pueblo judío, lo que le ocasiona, un pequeño problema con las autoridades. Según cuentan, la primera idea de los Python era narrar a su manera la historia del propio Jesús, presentándolo como un magnífico carpintero cuya mayor desgracia es ser castigado en una cruz mal construida. En su lugar optaron por desviar el foco de atención a un tipo cualquiera, totalmente mediocre e irrelevante, algo que no impidió las típicas polémicas provocadas por el fanatismo, pero que sin duda fue todo un acierto. La Vida de Brian es una sátira de las fervientes creencias religiosas, los movimientos políticos revolucionarios y las grandes películas bíblicas. Escrita por Terry Jones, Terry Gilliam, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman, esto es, los Monty Python, la película fue dirigida por Jones, si bien Gilliam tomó la batuta en varias escenas, además de diseñar los escenarios. Su mano se nota en la escena con la que arranca La vida de Brian, porque no encaja con el resto de la película, parece sacada de una de las populares superproducciones de Hollywood, con la silueta de los tres Reyes Magos recortando el horizonte y un solemne acompañamiento musical. Con la visita de los reyes de Oriente comienza a gestarse el paródico relato de Brian, a quien da vida Chapman. El prólogo es muy divertido, enfrentando la visión realista con la narración clásica de la historia, y presenta la primera confusión en la que se ve implicado el protagonista, a cuya madre, encarnada por Jones, le entregan en un principio las bolsas de oro, incienso y mirra destinadas al hijo de Dios. Tras los créditos se aclara que estamos en el año 33 después de Cristo. Una multitud se reúne en la montaña  monte para oír el sermón del mesías, y como sucedería en la vida real, a diferencia del cine, como en las escenas previas a las batallas, donde el orador parece disponer de altavoces que extienden el mensaje a todos los soldados, los que han llegado tarde y están más lejos no se enteran de casi nada, lo que se agrava cuando alguien hace algún comentario, perdiéndose totalmente el hilo del discurso. Después de un par de escenas ingeniosas relacionadas con el poder curativo de Jesús y el supuesto origen romano de Brian, su padre fue un tal Traviesus Maximus, según su madre, asistimos al primer encuentro del protagonista, en un coliseo donde tiene lugar la lucha de gladiadores más patética, y posiblemente también una de las más realistas, de la historia del cine, con los miembros del Frente Popular de Judea, un grupo radical que conspira contra los romanos. Gracias al apoyo financiero del ex-beatle George Harrison,  quien hace un cameo como el Señor Papadopoulos, que salvó el proyecto cuando los productores iniciales se echaron atrás debido a las posibles controversias que podría causar el guión, los Monty Python pudieron llevar a cabo su tercer largometraje filmando en las locaciones y con los extras de la serie de televisión de dos episodios Jesús de Nazaret ( Italia / GB 1977) de Franco Zeffirelli. La vida de Brian se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y tuvo el honor de ser la producción británica más taquillera de aquel año, 1979, en Estados Unidos. Su estructura de sketches, más propia de la televisión que del cine, hace que se note mucho el paso de los minutos, no hay preocupación por el ritmo ni una verdadera trama, es un encadenado de situaciones humorísticas, absurdas, unas más inspiradas que otras. En conjunto, La vida de Brian no puede considerarse como una de las mejores comedias de la historia del cine. Tildado de blasfemo, el proyecto rodado en 1979 y obra cumbre de los Monty Phyton, salió adelante gracias, como ya se dijo,  a la financiación de George Harrison, que aportó el capital necesario cuando los estudios lo retiraron al temer que la película fuera excesivamente polémica. Y lo fue, tanto que su estreno fue prohibido en países como Irlanda o incluso Noruega, lo que fue aprovechado en Suecia para rescatar viejas rivalidades con carteles que decían: “Esta película es tan divertida que la han prohibido en Noruega”.

La Última Tentacion De Cristo

( The Last Temptation Of Christ )

Dir. Martin Scorsese

EUA – Canadá 1988

A un joven carpintero que fabrica cruces, donde sus clientes romanos ejecutan a sus víctimas, le ha sido manifestado, desde su niñez, que tiene una gran misión por cumplir. Tras ir a un prostíbulo para despedirse de su frustrada «novia» de la adolescencia, nuestro protagonista va a un retiro en el desierto y luego deambula por el mundo reuniendo seguidores y esparciendo una doctrina de amor y redención. Pero las dudas le asaltan: ¿no serán las visiones y anuncios que recibió solo productos de su imaginación? ¿No será demasiado alto el precio que él pagará para cumplir su «misión»? ¿Es justo o no que él no pueda ser un hombre corriente? ¿No es más práctico imponer la justicia y la verdad que solo exponerla? Estas terribles reflexiones le acompañan en todo momento, llegando a hacerle optar, momentáneamente, por el camino más fácil. Al llegar el instante del sacrificio supremo, una manifestación sobrenatural le muestra una alternativa a tanto sufrimiento y dolor. El nombre del carpintero: Jesús de Nazaret. En 1988, Martin Scorsese llevaría a la gran pantalla, con la colaboración de su guionista habitual Paul Schrader, la OBRA MAESTRA ABSOLUTA de la literatura universal que el novelista, filósofo y poeta griego Nikos Kazantzakis publicó en el año 1955: La Última Tentación de Cristo. Aquí Cristo es, nada más y nada menos, que todo un hombre, es decir, que Cristo era humano en todos los sentidos. Resultó ser muy polémica la parte en que se encuentra y es incitado por una desnuda María Magdalena, una bella Barbara Hershey, capaz de sentirse atraído por una mujer, capaz de enamorarse, de la propia María Magdalena, capaz de equivocarse, un hombre asediado y desbordado por la ingente misión que lo ha encomendado Dios, y que se debate en un mar bravo de conflictos entre la carne y el espíritu, entre el cuerpo y el alma, que forcejea en un oleaje de preguntas y dudas. Este Cristo cumple su misión y resulta ser un hombre admirable, pero es todavía más admirable por haber logrado superar tal cúmulo de dificultades. Por eso, La última tentación de Cristo ofrece, por una parte, la «versión oficial» de la vida de Cristo, extraída y deducida directamente de lo que sobre él se pueda leer, y por otra, una versión libre y figurada, solo planteada como posibilidad y como elemento enriquecedor para el enfoque argumental según la cual Cristo, como mero hombre, resultó engañado por un falso ángel de la guarda (Satanás), que libera su alma y satisface su cuerpo, pecando como un hombre, viviendo y muriendo como tal. Lo que hay que sacar como conclusiones de esta comprensiblemente polémica película es que Scorsese no hace sino aplicar el texto bíblico: «Y el verbo se hizo hombre y habitó entre nosotros», que resulta idónea para un debate; loable y magnífico, sería la postura que el católico Scorsese plantea, no solo ya de la religión católica sino de toda religión existente. No hay más verdades absolutas o verdades a secas, solo dudas e incertidumbres. Y esto da como resultado la figura de ese Cristo humano, temeroso de la inmensidad de su misión divina en la Tierra, abrumado por una lucha interior terrible. Si Jesús de Nazaret amó a María Magdalena más allá de lo meramente humano, es decir hasta lo biológicamente femenino cautivador, siempre quedará sin revelar; pero lo que esta película presenta como novedoso y que ha causado en determinados sectores de pensamiento religioso-dogmático-inflexible, gran irritación y «autorasgamiento de vestiduras» es que en un momento dado de la misma se muestra una supuesta fantasía o pensamientos del Jesús moribundo, cuando éste se halla clavado en el madero, torturado, desangrándose en medio del martirio de la cruz, acerca de lo que pudo haber sido su vida si en lugar de haber provocado a las autoridades religiosas con su actividad crítica de profeta, y por la cual se halla crucificado como se halla en ese instante, se hubiera decantado por emparejarse con María Magdalena, casarse y haber engendrado hijos con ella, siendo un hombre normal que trabaja y forma una familia para aportar continuación e hijos al mundo.  En su estreno mundial levantó ámpulas irreparables para la frágil sensibilidad de los extremistas cristianos, quienes en un acto de intolerancia, atacaron y boicotearon la cinta. Los besos en la boca entre Juan Bautista y Jesús, o entre Judas y Jesús, la última tentación soñada de Cristo, deconstruyendo partes de la filosofía de Nietzche y Zaratustra y observando al mesías de los cristianos como un hombre común, pecando con una prostituta (Magdalena) y procreando, y la alteración de los evangelios cristianos y la ley judía fueron el detonante de esta épica polémica. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Martin Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película, le otorgó credibilidad y prestigio al filme.

Jesús de Montréal

( Jesus of Montreal )

Dir. Denys Arcand

Canadá-Francia 1989

En Montreal, un joven artista acepta la propuesta de un sacerdote para representar la Pasión de Cristo en los jardines de la parroquia, interpretando él mismo el papel de Jesús. No tardan en darse lugar las desavenencias entre el equipo artístico y la comunidad parroquial. Esta coproducción entre Francia y Canadá fue dirigida y escrita por Denys Arcand. La película versa sobre Daniel, un joven actor que es contratado por la Basílica de Montreal, para actualizar el guión de La pasión de Cristo, obra que se efectuará en los jardines de la parroquia y así mismo es elegido para representar a Jesús. Mientras se empieza a montar la nueva obra se genera un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, y desde donde se hace una crítica a la sociedad urbana y a los valores vacíos de la misma, los falsos ídolos y la mezquindad, la hipocresía de la Iglesia entre otros tópicos muy humanos. La cinta tiene varias lecturas, la de facto, es decir lo que le sucede al personaje de Daniel, y la otra lectura es más sugerente, llena de metáforas sobre la vida de Jesús, lo que dice la Biblia y lo que interpreta la Iglesia. Daniel reaparece en la actuación y empieza a llamar a sus amigos, poco a poco va creando una pequeña comunidad que sigue a una figura central, al principio unos aceptan sin pensarlo, otros se niegan, pero pronto lo seguirán, como Jesús empezó a llamar a sus discípulos. Poco a poco empiezan a adaptar el guión, Daniel hace una investigación histórica de Jesús y de la época, en donde incluye nuevos y controversiales aspectos, creando así una gran obra de teatro, a la cual el público responde con satisfacción, al igual que las críticas, pero la obra no le agrada a las autoridades eclesiásticas de la Basílica, ya que «es un insulto contra el orden establecido y a las sagradas escrituras, porque usan las memorias de Jesús como salvajes especulaciones y crean una radical imagen de Jesús”, entonces las autoridades eclesiásticas les piden que regresen al antiguo guión, pero los actores se han tomado sus papeles muy en serio, e insisten que el acto debe continuar. En esta película, el director no cuestiona la doctrina tradicional cristiana, por el contrario, es el dogma fundamental de la fe, la resurrección, para hacer una crítica a la falta de valores simbolizados por el declive de la religión en Occidente. El filme muestra que el mensaje que Jesús expresó con su vida, su práctica y su predicación aún tiene gran relevancia para la cultura actual, sobre todo en el contexto de la crisis de valores. Al mismo tiempo que pone de relieve la crisis de valores y la fragmentación de la cultura. Se trata entonces de una metáfora de la salvación, un santo sepulcro del engaño: la misión de esta pequeña Compañía teatral que recorre a través de varios escenarios el relato que se describe en la Biblia,  en una lectura opuesta a la eclesiástica y tradicional, acerca de la llegada de Jesucristo a la Tierra para salvar a la humanidad. No aquí a la humanidad de antaño sino a la sociedad actual, cansada ya de la presión y la represión física y espiritual heredada a través de los siglos, y dispuesta a una apertura de conciencia que un Jesús de carne y hueso, casi como un incensurable vecino de Montreal, podrá promover transmitiendo sus enseñanzas terrenales y comunitarias. Se trata también de un filme con momentos brillantes que es en suma es un enfoque original sobre una historia mil veces contada. Una cinta elaborada con mucho ingenio, para retomar pasajes y personajes bíblicos y adaptarlos a la actualidad.  La película, logra tocar la fibra pensante del espectador así como su mundo emocional, con base a una historia que nos desafía a repensar los valores contemporáneos, la decadencia del pensamiento occidental y la falta general de justicia y espiritualidad en la sociedad moderna.

El Hombre Que Hacía Milagros

( The Miracle Maker )

Dires. Derek W. Hayes y Stanislav Sokolov

Rusia- GB 2000

Película de animación, El hombre que hacía milagros narra por medio de la técnica de “stop motion”, que transmite la sensación de movimiento en figuras estáticas, los años de juventud de Jesús de Nazaret, visto a través de los ojos de una niña, la pequeña Tamar. Recién llegada junto a su padre, Jairo, a la ciudad galilea de Séforis durante la dominación romana, Tamar, que padece una enfermedad incurable, observa con fascinación a Jesús, que trabaja como carpintero en la construcción de una nueva sinagoga y defiende a María Magdalena del odio de sus conciudadanos, a los que el joven carpintero consigue apaciguar. El hombre que hacía milagros es una producción ruso-británica, dirigida por Derek Hayes y Stanislav Sokolov. En su versión original destacan las voces de un reparto de conocidos actores, entre los que destacan Ralph Fiennes como Jesús, Julie Christie y William Hurt. El hombre que hacía milagros, dedicada a la vida de Jesús, una de las más recientes biografías cinematográficas, llevada adelante con muñecos de látex animados por el sistema Stop Motion. Esta técnica se combina con la de unos magníficos dibujos animados, que recogen parábolas y otros episodios evangélicos, proporcionando una gran agilidad y un buen ritmo. Su resultado es magnífico y sus contenidos dignos de elogio. Producida por Icon Productions, del actor y realizador Mel Gibson, se trata de una película que sobresale, por múltiples factores, en el panorama cinematográfico. Se trata de una película que podemos calificar sin miedo, como cristiana. Y eso ya es una novedad por sí misma. El argumento parte de la enfermedad, muerte y el milagro de la resurrección de la hija de Jairo; siendo los personajes que participan en este episodio testigos de buena parte de los sucesos acaecidos en el resto de la película. Fiel a los relatos evangélicos, constituye una magnífica exposición de los aspectos fundamentales de la vida pública de Jesús. Es una maravilla técnica, precisa y magníficamente elaborada en torno a un guión estudiado y que constituye una magnífica catequesis católica. Se trata de una película realista, pese a la técnica empleada. Los personajes centrales (Jesús, Jairo y su hija, Pedro, Judas, Tomás, Pilatos, etc.) son tremendamente naturales, estando muy bien perfilados sus caracteres. Personalmente, nos ha gustado la parte de la película en que, de una forma muy natural y realista, Jesús se aparece a sus amigos una vez ha resucitado. En la actualidad, la industria del cine vive, en general, de espaldas al cristianismo. Por ello, esta película es una excepción que debe tomarse en cuenta.

La Pasión De Cristo

( The Passion of The Christ )

Dir. Mel Gibson

 EUA 2004

En El Evangelio según Jesucristo, José Saramago dedica quinientas páginas a narrar la forma en la que Cristo nació, su infancia, su estancia con el diablo en el desierto, su predicación con los apóstoles; sin embargo, cuando llega el momento de la crucifixión lo resuelve en apenas cinco páginas. Por el contrario, en La pasión de Cristo, Mel Gibson toma el camino opuesto y se centra en las doce últimas horas de la vida de Jesús, en su juicio, su flagelación y crucifixión. Saramago pretende profundizar en el personaje, explorar los sentimientos de un hombre cargado con la responsabilidad de ser Dios; en cambio, Mel Gibson sólo pretende recrear el hecho mítico y construye un Jesucristo más divino que humano, un personaje con cuyo sufrimiento se puede empatizar pero cuyas razones no se puede comprender. Afirma Mel Gibson que su intención fue narrar los hechos tal y como sucedieron. Más allá del hecho anecdótico de estar rodada en latín y en arameo, el relato de La pasión de Cristo carece del más mínimo rigor histórico. Poco parece importarle al director que Poncio Pilatos fuera uno de los gobernadores romanos más crueles que tuvo Israel, una crueldad que incluso mereció la censura del emperador Tiberio, cuando le retrata como a un gobernante justo y atormentado por la decisión que le obligan a tomar. O que los evangelios fueran escritos entre los años 40 y 70 D.C., una época en la que Israel seguía bajo el control romano y cualquier crítica al Imperio podía pagarse con la vida. Gibson ofrece una visión de las últimas horas de Cristo simplista y maniquea, a medio camino entre los episodios más populares de los evangelios y la tradición iconográfica cristiana, y presenta al pueblo judío como el único culpable de su muerte. En una de las escenas más deplorables de la película, el diablo se pasea entre los judíos mientras contempla cómo Jesús arrastra penosamente su cruz hasta el monte Calvario, una imagen en sí suficiente para justificar todas las acusaciones de antisemitismo que se han vertido contra el filme. Mel Gibson deja pronto claro que lo único que le interesa en esta película es recrear en todo detalle el sufrimiento y el dolor de Cristo, empleando para ello técnicas cinematográficas que la acercan al cine de terror o directamente al género gore. Durante el noventa por ciento de la película asistimos horrorizados al espectáculo de cómo torturan a un hombre joven hasta convertirlo en una masa sanguinolenta, vemos con todo lujo de detalles cómo le llevan encadenado y le golpean con sus propias cadenas, cómo le atan a una columna y le dan cien latigazos,  cantidad, por lo demás, suficiente para matar a un hombre varias veces, cómo le apalean, le clavan una corona de espinas, le hacen arrastrar su cruz hasta que se colapsa varias veces bajo su peso, y finalmente le crucifican, le descoyuntan y le clavan una lanza en el vientre. Un nivel de violencia tan atroz que ha provocado, según los últimos datos, varios infartos y la muerte de cuatro personas en las salas de cine. Mel Gibson se defiende diciendo que su película es buena para el alma, y eso basta. Es muy difícil juzgar con criterios cinematográficos un filme rodado con vistas a ganarse el cielo; en todo caso, las virtudes morales de La pasión de Cristo son francamente discutibles. “La violencia, que abruma al espectador, acaba borrando el significado de la Pasión y la esencia de la persona y el mensaje de Cristo”. La frase no es mía, es de la conferencia episcopal francesa, que en un gesto sin precedentes ha emitido un comunicado para censurar esta snuff movie ficticia que llega a nuestras pantallas bajo la piel de cine religioso. En La Pasión de Cristo, Mel Gibson expresa con rigor, crueldad y saña, su postura católica y conservadora, sacada de las entrañas de una Secta, a la que orgullosamente pertenece, y que se rige por los designios de la Iglesia de la Edad Media. La propuesta ideológica arrebata la coherencia de la trama de la película al sentenciar, con índice flamígero, que el sacrificio de Dios y de su único hijo, ha sido en vano ante los pecados tumultuosos y satánicos de la humanidad contemporánea. La masa sanguinolenta en que se convierte el cuerpo de Cristo, no debe ser pasada por alto, y debe ser recordada para redimir los pecados de los hombres.

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El Oscar a la mejor película tiene una clara favorita. Todo indica que la impecable La La Land se llevará el premio, arrasará y acabará con las teorías de la conspiración en su contra y desmentirá las conjuras de los haters

El Oscar a la mejor película tiene una clara favorita. Todo indica que la impecable La La Land se llevará el premio mayor, arrasará y acabará con las teorías de la conspiración en su contra y desmentirá las conjuras de los haters

Unas horas antes de que se dé a conocer en nombre de la cinta ganadora al Oscar en la Categoría de Mejor Película,  los rumorólogos más avezados y los amantes de encontrar conjuras en todos los ámbitos del cine, apuestan que los desquiciados haters de las mercuriales y radicales  Redes Sociales, ya hicieron cambiar de opinión a los seis mil miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, que según ellos, se han decantado ya por premiar a Luz de Luna ( Moonlight / Dir.  Barry Jenkins / EUA 2016 ) por encima de la favorita La La Land y de las otras siete importantes y solventes cintas que componen la categoría.

Aunque la moneda está en el aire, nadie sabe a ciencia cierta qué pasará durante la celebración de la 89 entrega del Óscar, nadie puede soslayar, y menos un desquiciante rumor, que una cinta  aplanadora, que ha venido ganado premio tras premio, se quede sin los galardones más importantes que otorga la Academia de Holywood.

Estamos, en el caso de La La Land, ante una cinta que por su complejidad, propuesta temática y musical, y por las decenas de referencias cinematográficas y culturales que involucra en su historia, alcanza el grado de una cuasi Obra Maestra, aparentemente fácil de apreciar, pero endiabladamente difícil de entender. Por si fuera poco, La La Land es la favorita con 14 nominaciones y cuenta con la aprobación unánime de la crítica.

Está todo dispuesto para que en una horas La La Land se lleve el Oscar a Mejor Película. Tiene un récord,  compartido con Titanic ( James Cameron / EUA 1997 ) y Eva al desnudo ( All about Eve / Joseph L. Mankiewicz / EUA 1950 ), de 14 nominaciones. Además La La Land llega a la fiesta del Oscar luego de conseguir otra marca histórica para una Comedia Musical: siete Globos de Oro, también ha encabezado la lista de las mejores películas del 2016 de cuantas se hayan publicado en los balances del año.

Es, además, una gran película, un revisita original a un género casi exclusivamente estadounidense,  aunque el director Damien Chazelle también le integra detalles que la emparentan con quince películas musicales, entre ellas, los musicales de Jacques Demy, Las señoritas de Rochefort ( Les demoiselles de Rochefort / Francia 1967 ) y Los paraguas de Cherburgo ( Les parapluies de Cherbourg / Francia – RDA 1964 ), por ejemplo.  A la industria del cine le entusiasma la autorreferencia y La La Land es un homenaje a Los Ángeles, a la profesión de artista y al cine: algunas escenas transcurren en los legendarios estudios de Warner Brothers en Burbank , California, cuna de los mejores musicales de la historia del cine y hay referencias directas a Casablanca ( Michael Curtiz / EUA 1942 ) y Rebelde sin causa ( Rebeld without a cause / Dir Nicholas Ray / EUA 1955 ), entre otras.

Si deseas conocer todas las referencias cinematográficas en La La Land, te invitamos a que consultes el siguiente reportaje: https://homocinefilusblog.wordpress.com/2017/01/27/la-la-land-una-cinta-compleja-cargada-de-referencias-cinematograficas-un-video-con-las-15-peliculas-clasicos-musicales-aqui-indentificadas/

Es además una película imaginativa, llena de buenas canciones y contagiosos números de baile. La pareja protagonista, integrada por Emma Stone y Ryan Gosling,  son un encanto y su lánguida química aporta mucho a la película. Hay un notorio uso del color y Chazelle filma las escenas de baile desde una distancia apropiada a diferencia de las coreografías de montaje de musicales más o menos recientes como Chicago ( Dir. Rob Marshall / EUA – Alemania Canadá 2002 ).

 Su acopio de premios en la noche de mañana no debería extrañar a nadie.

Una favorita personal, sin embargo, podría ser Manchester junto al mar ( Manchester by the sea / EUA 2016 ), el agobiante drama dirigido por Kenneth Lonergan. Es la historia de una depresión encarnada en un hombre atormentado, Casey Affleck, nominado a Mejor Actor, que, como si le faltaran problemas, debe hacerse cargo de su sobrino adolescente y huérfano. Lonergan, otro de los grandes directores en actividad, construye un drama crudo y tan frío como el paisaje donde transcurre la acción, una costera ciudad de Massachussets. Está bien contada aunque el peso de su historia puede espantarle espectadores y enfriar el entusiasmo de la Academia. Sería un injusticia, sobrellevable, pero injusticia al fin.

El año pasado el Oscar a Mejor Director, Alejandro González Iñárritu por El renacido ( The Revenant / EUA – Hong Kong – Taiwán 2015 ), no fue para el responsable de la mejor película, En primera plana ( Spotlight / Dir. Tom McCarthy / EUA – Canadá 2015 ). La misma situación podría darse este año.

Les va a ser difícil a las otras siete contendientes al premio mayor de la noche sacarle el Oscar a dos películas tan fuertes y tan elogiadas.

El grupo de películas es bastante variado, e incluye una de ciencia ficción humanista,  La Llegada (Arrival / Dir. Denis Villeneuve / EUA 2016 ); tres dramas con historias de afroamericanas: Luz de luna ( Moonlight / Dir.  Barry Jenkins / EUA 2016 ), Talentos ocultos ( Hidden Figures / Dir.  Theodore Melfi / EUA 2016 ) y Barreras ( Fences / Dir. Denzel Washington / EUA 2016 ); una de guerra con un profundo sentido religioso, dirigida por Mel Gibson, Hasta el último hombre ( Hacksaw Ridge /  Australia /  EUA 2016 ); un policial tirando a western Enemigo de todos ( Hell or High Water / Dir. David Mackenzie / EUA 2016 ), y un drama de la vida real sobre niño hindú, después australiano, que gracias a Google Earth, y después de 20 años, busca desesperadamente, y encuentra a su familia biológica;  Un camino a casa ( Lion / Dir. Garth Davis / Australia – EUA – GB 2016 ). Sus méritos son variados, y en algún caso exagerados, pero ninguna parecería estar a la altura de ser la mejor película de un año.

La ceremonia es hoy y se verá a través del Canal TNT en el sistema básico de las televisiones de paga. La alfombra roja, una parte tan importante como los premios, la transmites TNT y E! Entertainment Television. Se calcula que la ceremonia durará unas tres horas. El premio a la mejor película es, obviamente, el último en entregarse.

La hora del premio Oscar es también el momento de los escándalos, sexuales y judiciales, para Nate Parker y Casey Affleck

Al llegar los últimos votos para los Premios Oscar, el plazo vence el martes, Hollywood pone fin a una temporada de premios que, de Nate Parker a Mel Gibson,  pasando por Casey Affleck, ha resultado una desconcertante alegoría moral.

La industria hollywoodiense se divide ahora en un debate ético, ¿se debe premiar a hombres con tales antecedentes?

Conforme se acerca la entrega del premio Óscar, el próximo domingo 26 de febrero, las campañas de difamación salen hasta de debajo de la alfombra.

La hora del premio Oscar es también el momento de los escándalos, sexuales y judiciales, para Nate Pakrer y Casey Affleck

Nate Parker, festejado como un seguro receptor del Oscar en Festival de Cine de Sundance del año pasado, asistió al torpedeo de su película El Nacimiento de una Nación ( The Birth of a Nation / EUA 2016 ) como consecuencia de una denuncia por violación en su contra de 18 años atrás. Al tiempo que desaparecía Parker, se produjo el inesperado retorno de Mel Gibson, un paria durante la última década, con su cinta Hasta el Último Hombre ( Hacksaw Ridge / Australia  – EUA 2016 ), nominada a seis Óscares, incluidos los de mejor película y director.

La balanza de la justicia hollywoodense nunca ha sido muy científica, ni tan exacta, pero pocas veces ha sido tan difícil de interpretar. El desconcertante cálculo ético actual ha provocado muchos cuestionamientos a los estándares,  mezcla de arte, fama, raza, hechos y rumores,  con que se juzga la mala conducta de las estrellas y a los aspirantes a las estatuillas.

Algunas de las contiendas más reñidas de la temporada,  como el caso de Casey Affleck, uno de los favoritos al mejor actor, se dirimen en torno a si un contendiente tuvo la suficiente agilidad para dejar atrás su pasado. Todos coinciden: esos criterios cumplen un papel cada vez más importante en la temporada de premios y en el espectáculo en general.

Un infierno tanto para White como para Gorka. Ambas fueron supuestas víctimas de acoso sexual por parte de Casey Affleck

El caso Affleck

Amanda White es productora. En 2008 fue contratada por el actor y director Casey Affleck, hermano pequeño de Ben y con quien había trabajado antes, para embarcarse en su próxima y muy experimental película documental.  Aún sigo aquí ( I´m still here / Dir. Casey Affleck / EUA 2010 ) era ese curioso engendro que intentaba mostrar la decadencia pública del actor ganador de un Oscar, Joaquin Phoenix. El rodaje supuso un infierno tanto para White como para Magdalena Gorka, la directora de fotografía. Ambas fueron supuestas víctimas de acoso sexual por parte de Casey Affleck y de otros miembros del equipo. En 2016, Affleck es el brillante protagonista de Manchester frente al mar ( Manchester by the sea / Dir. Kenneth Lonergan / EUA 2016 ), un drama independiente que se ha ganado el elogio unánime de la crítica y que parte como gran contendiente para los Oscar.

Bajarse los pantalones y enseñarle el pene, referirse a las mujeres como “vacas” y cuestionar la estabilidad de su vida personal al enterarse de su edad “porque ya es hora de que te quedes embarazada”. Éstas son solo algunas agresiones verbales que Casey Affleck infringió a su productora Amanda White, según lo declarado por ella. El actor también intentó tener relaciones sexuales, zarandeándola agresivamente cuando esta se negó. Supuestamente, le escribió mensajes insultándola y en una ocasión no pudo regresar a su habitación del hotel a descansar, ya que Casey Affleck y Joaquin Phoenix estaban teniendo sexo allí con dos mujeres al mismo tiempo. Por si fuera poco, Casey Affleck estaba casado por aquel entonces con la hermana de Phoenix, Summer, y tenían dos hijos.

Nate Parker es el gran repudiado de la meca del cine.

El asunto Parker

Mel Gibson fue uno de los pocos que defendió públicamente a Nate Parker, quien en 1999 fue acusado de violación junto con su compañero de cuarto en Penn State y colaborador en The Birth of a Nation, Jean Celestin. Parker fue absuelto, Celestin condenado, pero el veredicto fue anulado luego, y la presunta víctima, una compañera de la universidad, cuya familia dice que jamás se recuperó del incidente, se suicidó años después.

Hace solo unos meses, Nate Parker era la gran esperanza del cine afroamericano con una historia sobre el levantamiento de varios esclavos en el Estados Unidos sureño. Su película El nacimiento de una nación se había vendido por una cantidad récord en Sundance, la crítica se deshacía en elogios y era candidata a acabar con el predominio blanco que tanta polémica levantó en la pasada edición de los Oscar. Al día de hoy, es el gran repudiado de la meca del cine.

Parker siempre se ha declarado inocente, pero sus respuestas en Facebook y sus evasivas en una conferencia de prensa durante el Festival de Cine de Toronto no lo ayudaron ante la reacción en su contra. 

«No me parece justo», dijo Mel Gibson en una mesa redonda organizada por el Hollywood Reporter. «Lo absolvieron de todo eso y fue hace años».

Mel Gibson ha debido superar sus propios escándalos. Su diatriba antisemita en 2006, grabada durante su arresto bajo sospecha de conducir borracho, parecía el fin de su estrellato. En 2011 declaró que no respondía a los cargos de violencia doméstica presentados por su ex novia Oksana Grigorieva.

Sin embargo, su regreso parece oficial gracias al Oscar. Ha trascendido que Gibson está negociando para dirigir una secuela de Escuadrón Suicida ( Suicide Squad ).

El elemento estético parece ser en estos casos más importante que el ético. Como la mujer del César, las estrellas en Hollywood no solo deben ser honradas, sino también parecerlo. Veremos si los dos actores y el director, terminan por pisar la alfombra roja del Dolby Theatre.

Se produjo el inesperado retorno de Mel Gibson, un paria durante la última década

VIDEO: El Crítico de Cine Fernando Bañuelos comenta las 9 cintas nominadas al Oscar 2017 en la Categoría a Mejor Película. Programa de TV ConSentido

En su participación del viernes 27 de Enero del 2017, en el programa de televisión ConSentido, el Crítico de Cine Fernando Bañuelos comentó las Nominaciones a los Premios Oscar 2017.

Esta participación incluye los Tráilers de las 9 cintas nominadas en la Categoría de Mejor Película.

Aquí les dejamos un VIDEO de aproximadamente casi 9 minutos en los que el Homocinefilus reseña y hace juicios de valor en torno a las 9 cintas que integran la Categoría a Mejor Película.

Estas son las Obras Cinematográficas comentadas por Fernando Bañuelos:

LA LLEGADA

( ARRIVAL )

DIR. DENIS VILLENEUVE

EUA 2016

HASTA EL ULTIMO HOMBRE

 ( HACKSAW RIDGE )

 DIR. MEL GIBSON

AUSTRALIA / EUA 2016

TALENTOS OCULTOS

 ( HIDDEN FIGURES )

DIR. THEODORE MELFI

EUA 2016

LUZ DE LUNA

( MOONLIGHT )

DIR. BARRY JENKINS 

EUA 2016

LION

DIR. GARTH DAVIS

AUSTRALIA / EUA /  GB 2016

FENCES

DIR. DENZEL WASHINGTON

EUA 2016

LA LA LAND: UNA HISTORIA DE AMOR

 ( LA LA LAND )

DIR.  DAMIEN CHAZELLE

EUA 2017

MANCHESTER FRENTE AL MAR

 ( MANCHESTER BY THE SEA )

DIR.  KENNETH LONERGAN

EUA 2016

 ENEMIGO DE TODOS

 ( HELL OR HIGH WATER )

DIR.  DAVID MACKENZIE  

EUA 2016

El Crítico de Cine, Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa todos los VIERNES a las 12:30 p.m. en el programa de Televisión Nuestro Espacio ConSentido.

La verdad es relativa, la neta es absoluta y Fernando Bañuelos les dice la neta en torno al Fenómeno Cinematográfico

9 cintas que integran la Categoría a Mejor Película

El programa ConSentido se transmite de lunes a viernes de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el Canal 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.

La emisión se transmite EN VIVO a través de Streaming en los siguientes enlaces:

http://livestream.com/accounts/21495989/events/6343363 y

http://www.canaltv-aldf.gob.mx/

 

VIDEO: El Crítico de Cine Fernando Bañuelos comenta en el programa ConSentido las nominaciones al Óscar 2017 . La caballada está flaca

En su participación en el programa de televisión ConSentido, el Crítico de Cine Fernando Bañuelos comentó las Nominaciones a los Premios Oscar 2017.

Aquí les dejamos un VIDEO de aproximadamente 7 minutos en los que el Homocinefilus reseña y hace juicios de valor en torno a las 9 cintas que integran la Categoría Mejor Película.

Estas son las Obras Cinematográficas comentadas por Fernando Bañuelos:

Arrival ( La Llegada ) Dennis Villeneuve

Fences … Denzel Washington

Hacksaw Ridge ( Hasta el último hombre ) Mel Gibson

Hell or High Water ( Pase lo que pase ) David Mackenzie

Hidden Figures ( Talentos Ocultos ) Theodore Melfi

La La Land … Damien Chazelle

Lion …  Garth Davis

Manchester by the Sea ( Manchester frente al mar ) Kenneth Lonerhgan

Moonlight  ( Luz de luna ) Barry Jenkins

El Crítico de Cine, Fernando Bañuelos, el Homocinefilus, participa todos los VIERNES a las 12:30 p.m. en el programa de Televisión Nuestro Espacio ConSentido.

La verdad es relativa, la neta es absoluta y Fernando Bañuelos les dice la neta en torno al Fenómeno Cinematográfico

El programa ConSentido se transmite de lunes a viernes de las 10 a las 13 horas a través del Canal Ciudad Tv que se puede ver por el Canal 21.2 de la Televisión Digital Terrestre, por el Canal 24 de Axtel TV y por el Canal 637 de Totalplay.

La emisión se transmite EN VIVO a través de Streaming en los siguientes enlaces:

http://livestream.com/accounts/21495989/events/6343363   y

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Nominaciones al Oscar 2017: Homocinefilus en la cobertura de la 89 Edición del Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. La La Land es la favorita con 14 posibles estatuillas

 

Sorpresas, decepciones y récords igualados se vivieron durante el anuncio de las películas nominadas al Oscar 2017

Sorpresas, decepciones y récords igualados se vivieron durante el anuncio de las películas nominadas al Oscar 2017, donde historias como La La Land de Damien Chazelle acapara 14 nominaciones,  La Llegada de Denis Villeneuve y Moonlight de Barry Jenkins, acumulan 8 nominaciones. Manchester frente al mar de Kenneth Lonergan, Lion de Garth Davis y Hasta el último hombre dirigida por Mel Gibson obtienen seis.

Nominaciones al Oscar 2017: Homocinefilus en la cobertura de la 89 Edición del Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. La La Land es la favorita con 14 posibles estatuillas

 Los nominados para la edición 89 de los Oscar se conocieron la mañana de este martes 24 de Enero y por primera vez el anuncio se transmitió por internet. En esta nota, podrás conocer a los elegidos para la ceremonia que se emite el 26 de febrero desde Los Ángeles.

Por primera vez, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas no develó sus nominaciones en una conferencia de prensa. En vez de eso, evitaron a los reporteros, así no tuvieron  la oportunidad de atacar a los representantes de la Academia con preguntas incómodas, y las nominaciones fueron leídas sin audiencia en una presentación transmitida a través de Oscars.com y en las redes sociales de la academia.

–Seis actores afroamericanos fueron nominados

–El mexicano Rodrigo Prieto obtuvo una nominación por su trabajo como fotógrafo en la película Silencio dirigida por Martin Scorsese

La La Land tiene dos nominaciones en una misma categoría, la de Canción Original  

LA LA LAND ARRASÓ CON LAS NOMINACIONES

LA LA LAND ARRASÓ CON LAS NOMINACIONES

Ocurre cada cierto tiempo: Hollywood se obsesiona con una película que tiene guiños al cine mismo, como si al hacerlo se mirara al espejo para recordar su valía. Esta vez la elegida es La La Land, una actualización del musical más clásico y un homenaje al corazón industrial de Hollywood. La La Land fue reconocida con 14 nominaciones de los premios Oscar, cuya entrega será el 26 de febrero en el Teatro Dolby de Los Ángeles, California. Con esas nominaciones, la cinta iguala el récord de Eva al desnudo ( All About Eve / Dir. Joseph L. Mankiewicz / EUA 1950 ) y Titanic ( Dir. James Cameron / EUA 1997 ) Esto no sorprende a nadie.

Previsiblemente, La La Land tentará las estatuillas doradas en los principales rubros: Mejor Película, Mejor Director ( Damien Chazelle ), Mejor Actor ( Ryan Gosling ), Mejor Actriz ( Emma Stone ), entre otros.

Abundan los homenajes a Hollywood en La La Land. Su protagonista es una aspirante a actriz que trabaja como barista y mesera en una cafetería ubicada dentro de un gran estudio de cine, hay guiños al amor imposible de Casablanca (1942) y al escapismo de unos seres que buscan su lugar en el mundo en Rebelde Sin Causa (1955), o se invoca con respeto la magia para la danza de Gene Kelly en Cantando bajo la lluvia (1952). Aunque una influencia mayor del director Damien Chazelle no provenga de Estados Unidos, sino de Francia y de los musicales irrepetibles de Jacques Demy, el realizador de clásicos como Los paraguas de Cherburgo (1964) y Las señoritas de Rochefort (1967).

Pero hay personalidad propia en este encuentro entre esa soñadora y un pianista que anhela abrir un club dedicado al jazz y a evitar que se extinga un legado musical. Emma Stone está exultante y Ryan Gosling luce más que creíble con su bien entrenada pericia en el piano.

Damien Chazelle asimila las influencias con naturalidad y talento cinematográfico, aunque la fórmula se hace muy evidente cuando inserta unos conflictos domésticos que han sido vistos miles de veces. Pero estas posibles trabas se esfuman hacia el final de La La Land, gracias a un desenlace memorable.

Será casi imposible que otra cinta contendiente ora destrone a La La Land como Mejor Película el próximo 26 de febrero.

OTRAS FAVORITAS

OTRAS FAVORITAS

Y este año la academia por fin superó la controversia desatada hace dos años,  y que se hizo popular con la etiqueta de Twitter #OscarsSoWhite, al reconocer a un amplio y diverso conjunto de películas y artistas. Incluyó a Luz de luna (Moonlight), que trata sobre un joven negro y homosexual en Miami; a Talentos ocultos, sobre las mujeres negras que ayudaron a que despegara el programa espacial de la NASA, y al drama familiar Fences, sobre un hombre que soñaba con jugar béisbol cuando todavía no se aceptaba a jugadores negros.

Además de La La Land y Luz de luna (con ocho nominaciones), Fences (con cuatro) y Talentos ocultos (con tres), también compiten por la estatuilla a la mejor película La llegada, un thriller de ciencia ficción; el drama de ladrones y cobranzas Sin nada que perder; la tragedia Lion: un camino a casa; Manchester junto al mar, sobre un hombre que debe asumir la tutela de su sobrino, y Hasta el último hombre, una historia real de un objetor de conciencia durante la Segunda Guerra Mundial.

Esta última película también recibió una nominación para su director, Mel Gibson, quien así termina con su estatus de paria de Hollywood. Los otros nominados a la categoría de mejor dirección son Damien Chazelle (La La Land), Denis Villeneuve (La llegada), Barry Jenkins (Luz de luna) y Kenneth Lonergan (Manchester junto al mar).

Manchester by the Sea o Manchester frente al mar , el drama sobre un hombre solitario que debe cuidar a su sobrino huérfano,  también es una fuerte candidata a ganar varias Oscares, incluido el de Mejor actor para el extraordinario papel de Casey Affleck.

Hubo otras sorpresas. La llegada, protagonizada por Amy Adams como una lingüista que tiene la tarea de comunicarse con alienígenas, resultó ser una de las películas con más nominaciones, pero Adams no fue considerada para la categoría de mejor actriz. Es probable que su lugar haya sido tomado por la actriz revelación Ruth Negga, nacida en Etiopía y nominada por su sobria actuación en Loving. En la misma categoría se encuentran la francesa Isabelle Huppert por el filme Elle, Emma Stone por La La Land, Natalie Portman por Jackie y Meryl Streep por Florence Foster Jenkins.

En contraste con los últimos dos años, cuando la academia nominó solamente a actores blancos, los votantes respaldaron a la mayor cantidad de artistas negros en la historia. Mahershala Ali y Naomie Harris obtuvieron un reconocimiento por su labor en el reparto de Luz de luna. Viola Davis (Fences) y Octavia Spencer (Talentos ocultos) también fueron nominadas como actrices de reparto. Y junto a Negga, en la categoría de actores principales, está Denzel Washington por Fences.

El actor indobritánico Dev Patel fue reconocido por Lion como actor de reparto. Se suma a Jeff Bridges por Sin nada que perder, el joven Lucas Hedges por Manchester junto al mar y Michael Shannon por Animales nocturnos.

SOBRE LA CEREMONIA

El humorista estadounidense Jimmy Kimmel será el presentador de la 89 edición de los Oscar. El presentador del programa televisivo Late Night With Jimmy Kimmel ha conducido otras ceremonias de premios en el pasado, como las ediciones de los Emmy en 2012 y la de este año, pero será la primera vez que se haga cargo de la gran fiesta del cine.

MÉXICO SE HACE PRESENTE EN LOS PREMIOS

México no ha dicho la última palabra en los Oscar. La nominación a Rodrigo Prieto por la fotografía  de Silence ( Silencio ) llega tras tres años consecutivos de victorias para artistas mexicanos en esa categoría y la de mejor dirección.

Es, además, la segunda candidatura de Prieto tras Brokeback Mountain ( Secreto en la montaña ), de 2005.

La racha comenzó en 2014 con Gravity ( Gravedad ) de Alfonso Carón, que les mereció Premios de la Academia al realizador y a su director de cámara, Emmanuel «El Chivo» Lubezki. Prosiguió en 2015 con Birdman de Alejandro González Iñárritu, que terminó por llevarse las estatuillas al mejor director, guion y película y le dio a Lubezki su segundo Premio de la Academia. Y culminó históricamente en 2016, cuando González Iñárritu repitió el Oscar a la mejor dirección con The Revenant ( El renacido ) y Lubezki cosechó su tercer galardón con este filme.

Silence, dirigida por Martin Scorsese, solo está presente en el Oscar 2017 por el trabajo de Prieto.

La gala se llevará a cabo el 26 de febrero en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

El humorista estadounidense Jimmy Kimmel será el presentador de la 89 edición de los Oscar

AQUÍ LA LISTA COMPLETA DE NOMINADOS AL OSCAR 2017: 

MEJOR DIRECTOR

Dennis Villeneuve (Arrival)

Mel Gibson (Hacksaw Ridge)

Damien Chazelle (La La Land)

Kenneth Lonerhgan (Manchester by the Sea)

Barry Jenkins (Moonlight)

MEJOR PELÍCULA

Arrival ( La Llegada )

Fences

Hacksaw Ridge ( Hasta el último hombre )

Hell or High Water ( Pase lo que pase ) 

Hidden Figures ( Talentos Ocultos ) 

La La Land 

Lion

Manchester by the Sea ( Manchester frente al mar )

Moonlight  ( Luz de luna )

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Mahershala Ali (Moonlight / Luz de luna)

Jeff Bridges (Hell of High Water / Pase lo que pase )

Lucas Hedges (Manchester by the Sea / Manchester frente al mar )

Dev Patel ( Lion )

Michael Shannon ( Nocturnal animals / Animales Nocturnos )

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Land of Mine  –  Under sandet – Dinamarca / Alemania

A Man Called Ove – En man som heter Ove – Suecia

The Salesman –  Forushande – Irán / Francia

Tanna – Australia | Vanuatu

Toni Erdman – Alemania – Austria – Rumania

MEJOR FOTOGRAFÍA

Arrival ( La Llegada )

La La Land

Lion

Moonlight

Silence ( Silencio ) 

MEJOR MEZCLA DE SONIDO

Arrival

Hacksaw Ridge ( Hasta el último hombre )

La La Land

Rogue One: A Star Wars Story ( Rogue One: Una historia de Star Wars )

13  Hours

MEJORES EFECTOS VISUALES

Rogue One: A Star Wars Story

The Jungle Book ( El Libro de la Selva )

Doctor Strange ( Doctor Strange: Hechicero Supremo )

Fantastic Beats and Where to Find Them ( Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos )

Arrival

The BFG  ( El buen amigo gigante )

Kubo and the Two Strings (  Kubo y la Búsqueda Samurái )

A Monster Calls ( Un Monstruo viene a verme )

MEJOR DOCUMENTAL

Fire At Sea

I am Not Your Negro

Life Animated

OJ: Made in America

13th

MEJOR MAQUILLAJE Y PEINADO

A Man Called Ove

Star Trek Beyond  ( Star Trek – Sin Límites )

Suicide Squad ( Escuadrón Suicida )

MEJOR ACTOR

Cassey Affleck (Manchester by the Sea)

Andrew Garfield (Hacksaw Ridge)

Ryan Gosling (La La Land)

Viggo Mortensen ( Captain Fantastic / Capitán Fantástico )

Denzel Washington ( Fences )

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Deepwater Horizon ( Horizonte Profundo )

Doctor Strange

The Jungle Book

Kubo and the Two Strings

Rogue One: A Star Wars Story

MEJOR MÚSICA

Jackie

La La Land

Lion

Moonlight

Passengers ( Pasajeros )

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Audition (The Fools Who Dream) – La La Land

Can’t Stop the Feeling – Trolls

City of Stars – La La Land

The Empty Chair – Jim: The James Foley Story

How Far I’ll Go – Moana

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Arrival

Fantastic Beasts and Where to Find Them

Hail, Caesar!  (  Salve César )

La La Land

Passengers

MEJOR VESTUARIO

Allied ( Aliados )

Fantastic Beasts and Where to Find Them

Florence Foster Jenkins

Jackie

La La Land

MEJOR GUIÓN

Hell or High Water

La La land

The Lobster

Manchester by the Sea

20th Century Women

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Moonlight

Lion

Hacksaw Ridge

Arrival

Fences

Hidden Figures ( Talentos ocultos ) 

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Moana

My Life as Zucchini

Zootopia

Kubo and the Two Strings

The Red Turtle

MEJOR CORTO ANIMADO

Blind Vaysha

Borrowed Time

Pear Cider

Pearl

Piper

MEJOR CORTOMETRAJE

Ennemis Intérieurs

La Femme et le TGV

Silent Nights

Sing

Timecode

MEJOR DOCUMENTAL CORTO

Extremis

4.1 Miles

Joe’s Violin

Watani: My Homeland

The White Helmets

MEJOR EDICIÓN

Arrival

Hacksaw Ridge

Hell or High Water

La La Land

Moonlight

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO

Arrival

Deepwater Horizon

Hacksaw Ridge

La La Land

Sully

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Viola Davis

Naomi Harris

Nicole Kidman

Octavia Spencer

Michelle Williams

MEJOR ACTRIZ

Ruth Negga (Loving)

Natalie Portman (Jackie)

Isabelle Hupper (Elle)

Emma Stone (La La Land)

Meryl Streep (Florence Fioster Jenkins)

VIDEO: REVIVE EL ANUNCIO DE LAS NOMINACIONES AL OSCAR

 

Nominaciones al Oscar 2017. Homocinefilus en la cobertura de la 89 Edición del Premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood

Master Class: La Iluminación a través del Gaffer: Las buenas películas no son producto de la improvisación

Master Class: La Iluminación a través del Gaffer: Las buenas películas no son producto de la improvisación

Las sociedades contemporáneas tienen una característica en común, todas están interesadas en desentrañar los masivos mensajes audiovisuales, poseerlos y actuar en consecuencia. Pero hay un segmento ultra culturizado de la sociedad que no solo desea enriquecer su registro visual y su bagaje cultural, también desea formar parte de ese selecto grupo que tiene la aspiración, y la capacidad de emitir logrados mensajes audiovisuales y realizar consistentes obras cinematográficas.

Para dominar el complejo proceso que representa jugar con el “tren eléctrico más fabuloso con el que me han dejado jugar en toda mi vida” como describía Orson Welles al proceso creativo de la realización de cine, la respuesta está en la capacitación.

Sirva esta introducción para destacar la importancia de la Clase Magistral, definida como Master Class “La Iluminación a través del Gaffer”, que impartirá el maestro Carlos Sánchez, quien tiene una experiencia de 28 años en el medio cinematográfico y ha participado en más de 130 películas nacionales e Internacionales, entre ellas dos cintas ganadoras, entre otros, del premio Oscar a la Mejor Fotografía: Titanic ( James Cameron / 1997 ) y Capitán de Mar y Tierra ( Master and Commander: The Far Side of the World / Peter Weir / 2003 ). Con lo que se confirma que los Gaffers mexicanos son de los mejores del mundo.

Gaffer es el término que define al experto en iluminación en el cine. El Gaffer apoya decididamente, con su creatividad y soporte técnico, al director de fotografía de una película, quien previamente con el realizador, han decido el concepto estético de una obra cinematográfica. El Gaffer selecciona también los equipos convenientes para llevar a cabo la iluminación, pre-ilumina escenas, realiza las visitas a locaciones y lleva a cabo la búsqueda de los mejores espacios arquitectónicos y los ambientes naturales donde se filmaran las escenas de una cinta. Lo que en la jerga cinematográfica se conoce como “scouting”.

El maestro Carlos Sánchez afirma “Ven y aprende a contar historias a través de la luz” además de que “la luz cuenta una película”. Con base en su experiencia y su trato profesional con cientos de directores de cine y directores de fotografía, sentencia también que lo que los estudiantes de cine “aprenderán a través de los Gaffers, no lo aprenderán en ninguna escuela.” Agrega que “cuando leo un guión de cine ya estoy viendo la luz”.

Es muy enfático al asegurar que para su Master Class cuenta con los equipos de iluminación más modernos.

El más reciente desafío creativo y técnico del maestro Carlos Sánchez, fue satisfacer las estrictas  necesidades de Hoyte Van Hoytema, Director de Fotografía de la película Spectre (  Sam Mendes / 2015 ), la más actual de las aventuras del agente 007, James Bond,  filmada en parte en la Ciudad de México con un costo de 245 millones de dólares. Para ello tuvo que iluminar el Gran Hotel de la Ciudad de México con una grúa de 300 toneladas. Para el Gaffer Carlos Sánchez fue un nostálgico placer colaborar en Spectre ya que se filmó simultáneamente con cuatro cámaras y en 35 milímetros.

Cuenta que en el año 2006, en el rodaje de la película Apocalypto, dirigida por Mel Gibson participó como Gaffer un integrante de su equipo. El joven regresó asustado del estado de  Veracruz ya que había escuchado que los Gaffers iban a desparecer a causa de la sofisiticación electrónica de la nuevas cámaras. El maestro Carlos Sánchez lo tranquilizó diciéndole que “pese a los adelantos  tecnológicos siempre sería indispensable la participación de la creatividad humana”, lo que  confirma la necesidad de acercarse con los que dominan la técnica.

La Clase Magistral impartida por el maestro Carlos Sánchez, integrada con aspectos teóricos y prácticos, se llevará a cabo el 16 de Octubre en los Quarry Studios de la Ciudad de México y tendrá un costo de $2990.00 pesos para el público en general y de $1990.00 para los estudiantes de cine.

Si usted desea más información lo invitamos a marcar los teléfonos:

+52 (55) 70304838 y

044 55 6251 2268

o visitar el sitio de la Asociación de Realizadores Cinematográficos, que auspicia la Master Class: “La iluminación a través del Gaffer”: http://realizadorescinematograficos.com/#portfolio

 

12 actores que se convirtieron en estrellas de cine por pura casualidad

12 actores que se convirtieron en estrellas de cine por pura casualidad

¿Qué se necesita para triunfar en el cine? La mayoría de las estrellas responderán que mucho esfuerzo y talento, pero no hay duda de que también la suerte juega un papel importante. Los actores de este reportaje lo saben muy bien. Y es que su carrera se inició por estar en el lugar preciso, justo en el momento adecuado. Obviamente, después tuvieron que poner de su parte para llegar a los sitios más altos del estrellato, aunque nadie sabe lo que hubiera sido de ellos sin esa casualidad que apareció en sus vidas.

Marilyn Monroe terminó siendo un mito del cine y de la belleza por pura casualidad. Tras una infancia complicada, Norma Jeane Mortenson (su nombre real) trabajaba en una fábrica de armas cuando la revista Yank la fotografió para su portada. El reportaje la muestra como Marilyn la remachadora. Las fotos muestran a Norma Jean armando piezas de un avión no tripulado en una fábrica militar durante el apogeo de la Segunda Guerra Mundial. El hombre que tomó la imagen David Conover en 1944, quien se acreditó como el descubridor de la Monroe  le sugirió que podría trabajar como actriz. Aquella joven, que tenía solo 18 años, se cambió el nombre, se pintó el pelo de rubia y comenzó a estudiar actuación. Lo que pasó después es de sobra conocido.

Marilyn Monroe terminó siendo un mito del cine y de la belleza por pura casualidad

Después de fracasar varias veces en su intento de ser actor, Harrison Ford decidió dedicarse a la carpintería. Gracias a este oficio, conoció a George Lucas y se hicieron buenos amigos. Primero le dio un papel en Locura de Verano ( American Graffiti 1973 ) y más tarde lo seleccionó para La guerra de las galaxias ( Star Wars  1977 ) El resto es historia.

Primero le dio un papel en Locura de Verano ( American Graffiti 1973 )

No fue su talento sino su carácter lo que llevó a la fama a Charlize Theron. La sudafricana mantenía una discusión con un cajero de un banco que se negaba a hacerle efectivo un cheque cuando llamó la atención de un agente de Hollywood que esperaba en la cola. Con esa personalidad y su belleza, estaba destinada a ser una estrella.

Charlize Theron eb su primera película Los chicos del maíz 3: la cosecha urbana (Children of the Corn III: Urban Harvest / James D. R. Hickox 1995) 

Johnny Depp le debe mucho a Nicolas Cage. Lo conoció gracias a su primera esposa, Lori Anne Allison, y fue el protagonista de Adios a Las Vegas ( Leaving Las Vegas / Mike Figgis / 1995 ) quien le animó a dedicarse a la actuación. Pocos meses después, consiguió su papel en  Pesadilla en la calle del infierno ( A Nightmare on Elm Street / Wes Craven / 1984 ).

Pocos meses después, consiguió su papel en Pesadilla en la calle del infierno

Con solo 25 años, Jennifer Lawrence acumula un Oscar y otras tres nominaciones, pero nada de esto hubiera sucedido si un representante de artistas no la hubiera fotografiado mientras paseaba por Nueva York cuando era una adolescente. Apenas unas semanas después, varias agencias la  contactaron.

Jennifer Lawrence en su primera película Garden Party ( Jason Freeland 2008 )

Mel Gibson empezó en la interpretación con la típica historia de acompañar a un amigo a un casting. Lo curioso es que el protagonista de Corazón Valiente ( Braveheart / Mel Gibson / 1995 ) tenía la cara demacrada por una pelea de bar el día anterior. Sin embargo, gustó al director de la audición, quien le invitó a probar suerte otro día. Finalmente, fue seleccionado para la película Mad Max  ( Geoge Miller / 1979 ).

Finalmente, fue seleccionado para la película Mad Max

Cuando salía de clases de danza, Natalie Portman fue abordada por un representante de la firma Revlon, que le preguntó si quería ser modelo. “No”, le respondió ella. “Yo quiero bailar y ser actriz”. Lo tenía bastante claro y lo terminó lográndolo.

Natalie Portman en su primer papel protagónico en El perfecto asesino ( León / Luc Besson 1994 ) al lado de Jean Reno

Rosario Dawson fue descubierta mientras estaba sentada en el porche de su casa cuando el director Larry Clark buscaba localizaciones para su película Kids, Golpe a Golpe  ( Kids / 1995). La vio y le ofreció un papel en la cinta. De ahí, el estrellato.

Rosario Dawson al lado de Chloe Sevigny en Kids

Antes de empezar como modelo y actor, Jason Statham tuvo todo tipo de trabajos: desde vendedor a buzo. El destino quiso que conociese en un gimnasio a un agente de modelos que le presentó a Guy Ritchie. El director británico le terminó ofreciendo un papel en la película Juegos, trampas y dos armas humeantes ( Lock, Stock and Two Smoking Barrels 1998 ).

Jason Statham en Juegos, trampas y dos armas humeantes

¿Sabes por qué Channing Tatum estuvo perfecto en la película Magic Mike ( Steven Soderbergh /  2012 )? Pues porque el intérprete ya había trabajado como striper. Un cazatalentos lo descubrió actuando en Miami y le ofreció probar suerte en el cine.

Channing Tatum como un striper en Magic Mike

Un tipo duro como Steven Seagal también comenzó en el cine por accidente. Trabajaba como profesor de aikido, un tipo de combate de origen japonés, y uno de sus alumnos era agente de Warner Brothers. Este le ofreció hacer una demostración en los famosos estudios y, viendo su talento, le invitaron a participar en varias películas.

Steven Seagal en su primera película Por encima de la ley ( Above the law / Andrew Davis 1988 )

Ashton Kutcher estudiaba ingeniera en la Universidad de Iowa. Una noche en un bar, un cazatalentos lo vio y lo animó a que se presentara a un concurso de modelos. La ahora estrella lo ganó y comenzó a trabajar para grandes firmas. Aquello le dio confianza para apuntarse a su primer casting como actor, donde logró su papel en la serie Los años maravillosos ( That ’70s Show 1998-2006).

Ashton Kutcher en su primera película Coming Soon ( Colette Burson 1999 )

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